LLENO DE RUIDO Y DOLOR, EL AMOR ES MÁS FÁCIL, VENDRÁ LA MUERTE Y TENDRÁ TUS OJOS, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 10 DE DICIEMBRE DEL 2020

JUEVES 10 DE DICIEMBRE DEL 2020.-

LLENO DE RUIDO Y DOLOR

Dirección: Nacho Aguirre. Guion: Octavio Montiglio y Nacho Aguirre. Director de Fotografía y Cámara: Hans Bonato. Directora de Arte: Mariela Jucht. Vestuario: Ramiro Álvarez. Montaje: Nacho Aguirre y Romina Coronel. Música Original: Sebastián Lema y Germán Lema. Elenco: Emanuel Gallardo, Facundo Sáenz Sañudo, Juan Manuel Alari, Emilio Bardi, entre otros. Duración: 101 minutos. Cine.ar Play desde el viernes 11. Jueves y Sábado en Cine.ar TV a las 22 hs-

XXXXX-WESTERN PATAGÓNICO SOBRE TRES BANDOLEROS

Afianzando el clásico western en la cinematografía de nuestro país, el realizador Nacho Aguirre llega al largometraje “Lleno de ruido y dolor” con una ficción narrada en la Patagonia en el año 1928: tomó hechos delictivos reales ocurridos en la localidad de Bariloche. En esa ciudad,donde tres bandoleros -Soria (Emanuel Gallardo), Román (Facundo Sáenz Sañudo)y Foster (Juan Manuel Alari)- prepararon un plan para asaltar el banco zonal sin advertir que el comisario Baigorria (Emilio Bardi) les seguía los pasos del raid delicuencial.

Nacho Aguirre se adecua a los elementos propios del western plagando la historia de tiros, crueldades y sangre fría. Sustenta el guion en una esmerada producción con un diseño de arte atinado, desde la ambientación, pasando por el vestuario hasta los detalles que configuraron esa década del siglo XX. Y cuenta además con un sólido elenco, en su mayoría local.

De esta manera, logra un retrato de la violencia en el sur de nuestro país muy acabado, de acuerdo a las crónicas, donde la lejanía de los escasos centros urbanos propició el robo de ganado, el asalto a los almacenes de ramos generales y una manifiesta agresividad de los bandoleros, ladrones impiadosos a sangre y fuego (recordar la vida del bandolero Butch Cassidy en Chubut durante varios años, muriendo en 1908 en tierras de Bolivia).

Esta producción nacional fue vista en Marché du Film de Cannes, en Almería Western Film Festivales y en festivales de Chile y Argentina con buena aceptación. Es una propuesta interesante.

Carlos Pierre

EL AMOR ES MÁS FÁCIL

De Daniel Pensa. Guion original de Backsstory Contenidos. Elenco: Ailin Zaninovich, Andrés Gil, Santiago Jorovsky, Brian Buley, Ana Celentano, Rafael Spregelburd, entre otros. Fotografía de Sebastián Gallo. Arte de Jimena Soldo. Vestuario de Betiana Temking. Maquillaje de Mariela Aracena. Montaje de Alejandro Alem. Edición online de Mauricio Halek. Música de Mariano Barrella. Efectos de Ivo Dukcevic. Duración: 76 minutos. Cine.ar Play desde el viernes 11. Jueves y sábado a las 20 hs en Cine.ar TV.

XXXXX- EN BUSCA DE LA FELICIDAD

Daniel Pensa nos pinta una relación juvenil de manera lineal, honesta, en “El amor es más fácil”, su segundo largometraje, un retrato de jóvenes treinteañeros que vienen de fracasos sentimentales e intentan rehacer la vida, además de cumplir con sus propios sueños de realización personal. Gala, de 29 años, camarera de un bar, conoce a Diego, quien lidera con éxito una sección de una firma comercial. Mientras la primera quiere grabar un video para una audición que podría lanzarla a Broadway, Diego intenta seducirla de manera cándida.

El subtema se plantea: si la fidelidad es factible, si las faltas se perdonan, si es posible volver a querer, ¿qué es más fácil? ¿El desamor o el amor?

La propuesta es sincera, sin rebuscamientos argumentales: es lo que se ve. Equivocarse sin segundas intenciones complica el camino de la felicidad, aunque ésta siempre está a la espera de quien quiera verla y tomarla. La buena actuación de los protagonistas colabora en esta comedia romántica que no intenta salir de ese tono: Ailín Zaninovich es “Gala”, un rostro atractivo que atrapa la cámara, que transmite lo que siente, mientras Andrés Gil es “Daniel”, joven actor de trayectoria muy interesante. La participación de Ana Celentano como la mamá de “Gala” es un excelente aporte tanto como el de Rafael Spregelburd, breve incursión pero determinante. Disfrutable encuentro con el romanticismo en el cine.

Elsa Bragato 

VENDRÁ LA MUERTE Y TENDRA TUS OJOS

Guion y dirección de José Luis Torres Leiva. Con Amparo Noguera y Julieta Figueroa, entre otros. Fotografía de Cristian Soto. Arte de Catalina Devia. Sonido de Claudio Vargas. Duración: 90 minu8tos. Chile. En www.puentesdecine.com

XXXXX- LA VIDA QUE RUEDA

Complejo relato sobre el amor y la muerte. José Luis Torres Leiva encara en “Vendrá la muerte y tendrá tus ojos” el caso de una pareja de mujeres de las cuales una de ellas tiene una enfermedad terminal, por lo que ambas deciden vivir el tiempo que les quede juntas en un lugar tranquilo. A partir de esta premisa construye una historia con algunos altibajos aunque resulta efectiva en su fotografía: el trabajo en primerísimos primeros planos de los rostros de ambas mujeres dialogando o mirándose tienen una sublime belleza. Esta forma narrativa es utilizada en varias oportunidades confiriendo un clima poético y melancólico a la vez.

Como decíamos al comienzo, la historia es compleja. Lejos de dejarse llevar por la relación de la pareja protagónica, el realizador chileno encuentra el subterfugio de dos cuentos de la selva donde el amor muestra otras caras, desde el nacimiento hasta una relación homosexual. Lamentablemente, no se funden con la historia principal quedando como paréntesis que, siendo tales, se pudieron suprimir. La amargura ante la muerte inminente, la resignación que no llega, y el renovado brío de la vida, no obstante los vaivenes narrativos, conforman la rueda vital propuesta. Sutilmente el guion trabaja el darse al otro en clara oposición al acto sexual en el bosque donde solo hubo deseo. Poesía real con dejo de amargura más cercana al cine arte que al comercial.

Elsa Bragato

 

 

             

EL CADÁVER INSEPULTO, LAS MIL Y UNA, EDICIÓN ILIMITADA, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 3 DE DICIEMBRE DEL 2020

 

JUEVES 3 DE DICIEMBRE DEL 2020.

RECOMENDACIÓN: EL FILM “CENIZA NEGRA” ESTRENADO EL JUEVES PASADO SE PUEDE VER EN EL SIGUIENTE LINK:

https://www.cenizanegra.com

EL CADÁVER INSEPULTO

(Cine.ar TV y Cine.ar Play desde el viernes)

Dirigida y escrita por Alejandro Cohen Arazi. Con Demián Salomón, Héctor Alba, Fernando Miasnik, Mirta Busnelli, Pablo Palacio, Carolina Marcovsky, Juan Pablo Cestaro, Marcelo Xicarts, Angie Gambetta, Federico Velasco, entre otros. Director de Fotografía: Leonel Pazos Scioli. Montaje: Gabriela Jaime. Música: Gustavo Ariel Pomeranec. Duración: 84 minutos.

XXXXX- CLAROSCUROS ATÁVICOS Y SANGRIENTOS

La perversión de una familia desencadena una orgía de horror, que se desata al morir el dueño de un matadero, quien supo adoptar a un grupo de huérfanos. Regresa uno de ellos al pueblo, Maximiliano (Demián Salomón), exitoso psiquiatra, quien será presa de visiones hirientes de su niñez, mientras reinicia su relación con Anita (Carolina Marcovsky), docente del pueblo. Poco a poco, él y los demás herederos dan rienda suelta a una educación tribal, satánica, enquistada en sus espíritus. Los hijos del patriarca se debaten en un claroscuro muy logrado tanto formal como conceptualmente a través de la fotografía que trabaja con las piezas del ajedrez y el negro de los Aberdeen Angus y el blanco uniforme de sus verdugos. La narración hilvana tensión y terror crecientes en medio de una herencia que se transforma en bienestar y en condena a la vez sujetos como están a un atavismo sangriento del que participa una extraña sacerdotisa (a cargo de Mirta Busnelli).

Los contrastes, los opuestos, resultan fundamentales en la concepción de un film gore que tiene todos los clishés propios del género. Aunque sobrevuela la metáfora del poder en sí mismo sobre los otros, dándole una subjetividad potente por sobre lo meramente gore.

Carlos Pierre

LAS MIL Y UNA

Guion y dirección de Clarisa Navas. Con Sofía Cabrera, Ana Carolina García, Mauricio Vila, Luis Molinena Casanova, entre otros. Fotografía de Armin Marchesini. Duración: 120 minutos. Coproducción de Argentina y Alemania.

XXXXX- REALISMO POPULAR EN UN AMOR ADOLESCENTE

(Cine.ar TV y desde el viernes, Cine.ar Play)

Clarisa Navas asombra con su segundo largometraje, Las mil y una (barrio de calles laberínticas), a partir de una narración virtuosa con planos secuencias enriquecedores al punto que la historia en sí de dos adolescentes, Iris (Sofía Cabrera) y Renata (Ana Carolina García) es superada. La forma por sobre el fondo, si bien no opaca el concepto que Navas maneja con sutileza: el lesbianismo, la homosexualidad, como referentes de la incertidumbre adolescente ante el despertar de la vida adulta. Lejos están los mayores, a los que se ve en reuniones barriales dejando a su arbitrio a los hijos. Iris es tímida, sus únicos amigos son sus dos primos, mientras que la aparición de Renata es su opuesto, es la jovencita que toma decisiones, resultando poderosamente atractiva.

La realizadora Navas parte de un personaje, Iris, para ir sumando otros a fin de conformar una historia coral en la que todos tienen que ver con todo lo que sucede. La narración se tensa poco a poco hasta alcanzar un impacto emocional dentro de un mundo adolescente “queer”, diferente, que resulta perturbador, inquietante. Es que Navas plantea la relación de dos chicas desde la ternura tan solo como “pivot” donde articula un fuerte realismo popular.

Elsa Bragato

EL PAÍS DE LAS ÚLTIMAS COSAS

(Cine.ar Play)

Dirección de Alejandro Chomski. Guion de Chomski y Paul Auster, autor de la novela del mismo nombre de 1987. Con Jazmín Diz, Christopher Von Uckermann, María de Medeiros, Juan Fernández, Ettore D’Alessandro. Fotografía de Diego Poleri. Edición de Andrés Tambornino. Arte de Wilhem Pérez, Música de Christian Basso. Duración: 89 minutos.

XXXXX- LA REALIADAD SUBYACENTE

Con la producción y la colaboración en el guion de Paul Auster, el reconocido escritor norteamericano, Alejandro Chomski llega a su tercer largometraje, una distopía ficcional que nos enfrenta a la realidad, en especial, la latinoamericana. “Anna Blume” (Jazmín Diz) recorre las calles de una ciudad destruida de este tiempo con su carrito, tratando de salvarse de los francotiradores: las usinas se alimentan con cadáveres. La voz en off de “Anna” inquieta: vive en un pequeño cuarto compartido por una pareja de indigentes, hasta que encuentra una vieja biblioteca donde se esconde un reportero extranjero (Christopher Von Uckermann) del que se enamora. Fuera, la destrucción social subsiste. Hay corrupción, persecución, todos buscan un lugar para dormir y un pedazo de pan.

El espectador se encuentra con una historia tratada con esmero técnico en blanco y negro, con flashes de color en alguna secuencia muy breve y puntual, tomando al amor como concepto de esperanza, único acto humano superador. Es lo que queda, lo que permanece intacto, lo que genera vida.

Alejandro Chomski logra una historia que se acomoda a la Argentina que se vivió en el 2001 y 2002, aunque no se indique en el film. Para nosotros, es la alegoría de lo que vivimos. La de los cartoneros, la indigencia, las familias viviendo en las veredas, la destrucción institucional. Chomski metaforiza la vida a través de Auster. Y logra una película inquietante, la realidad que está y que solo una pátina de cemento intenta ocultar. Gran trabajo.

Elsa Bragato 

SANGRE

(Cine.ar Play Estrenos)

De Juan Schnitman. Guion de Schnitman y Agustina Liendo. Con Juan Barberini, Natalia Tena, Bella Camero, Dirk Martens. Fotografía de Soledad Rodríguez. Arte de Marina Raggio. Montaje de Andrés Estrada. Música original de Paloma Peñarrubia. Duración: 90 minutos.

XXXXX- AMORES VIOLENTOS

Dos amantes, un embarazo, crisis de violencia, son los aspectos que Juan Schnitman, en su segundo largometraje (el primero fue Incendio), trabaja en “Francisco”, protagonista a cargo de Juan Barberini de “Sangre”. La historia de los romances simultáneos matizan esta fábula que se resuelve linealmente si bien el brusco cambio de personalidad de “Fernando” desdobla en dos partes la historia, siendo la segunda atrapante.

Y es donde Schnitman maneja con acierto la cámara, a través de una fotografía fuerte, haciendo surgir el rojo sobre los ríos del Delta del Paraná. Violencia, celos, matizan un guion que va directamente a cumplir con lo señalado en su título. Se verá “sangre”, sí o sí, con la inclusión de secuencias violentas de sexo. Explicitar lo que va de suyo es innecesario. Recordemos que menos es más en todo tipo de narración audiovisual. Hay tensión, hay suspenso, hay susto, hay sangre. La propuesta se cumple a pesar de cierto tiempo muerto y de de linealidad argumental porque es evidente que “Francisco” no tiene mucho para decir.

Elsa Bragato

EDICIÓN ILIMITADA

(Cine.ar Play)

Cuatro directores, cuatro capítulos, cuatro equipos técnicos, cuatro elencos.

XXXXX- ANTOLOGÍA AUDIOVISUAL DE CUATRO MAESTROS

La palabra como generadora de vínculos es el tema de cuatro capítulos a cargo de Eduardo Cozarinsky, Santiago Loza, Virginia Cosin y Romina Paula, respectivamente. Y, a través de ella, la concepción de la literatura y de la palabra en el diálogo entre generaciones. Cozarinsky es el protagonista del Capítulo 1, un hombre mayor que se vincula con jóvenes mujeres aduciendo que no puede leer bien. La palabra leída es el factor de un encuentro con un café de por medio. En el caso de Santiago Loza, es un joven escritor que visita a un encumbrado hombre de letras, la visión de uno y otro sobre lo que se lee y cómo se piensa respecto de diferentes aspectos de la vida los relacionan, la vida misma fusiona uno y otro parecer.

Virginia Cosín encara un momento en la vida de una joven y atractiva mujer que acaba de editar su primera novela. Y está en un cumpleaños junto a críticos, pintores, amigos. Sin embargo, la voz en off, su conciencia ficcional, indica que nada de lo que ve la conmueve. Está sola por dentro, sin una actitud positiva hacia lo exterior; los gritos, la torta, la velita, la bebida, algún baile, tiene una sensación de vacío enorme ante la vida de la que no puede participar. Finalmente, Romina Paula se centra en un taller literario. Los alumnos y la palabra, la distribución de personajes del escrito de uno de ellos, las distintas voces, las correcciones. Es decir, el discurso que se construye a partir de la enseñanza.

Cada capítulo es revelador de un aspecto de la palabra y, en cada uno, se plantea su evolución: el primero, la comunicación con el otro. En el segundo capítulo, la palabra elaborada y la iniciática. En el tercero, la palabra impresa, y en el cuarto, la palabra del autor de textos. Es una película diferente, un reflejo de la intelectualidad cotidiana, el trabajo de cada uno de nosotros para comunicar vivencias. Excelente.

Elsa Bragato

VICENTA

(Cine.ar Play desde el viernes 4)

De Dario Doria. Guión de Luis Camardella, Florencia Gattari y Darío Doria. Voz en off the Liliana Herrera. Fotografía de Darío Doria. Música de Ezequiel Menalled. Arte de Mariana Ardanaz. Casa Productora: Cepa Cine. Duración: 70 minutos.

XXXXX- TESTIMONIO REVELADOR SOBRE LOS DERECHOS DE LA MUJER

“Vicenta” es uno de los largometrajes testimoniales más conmovedores de los últimos tiempos en el cine. Con muñecos de plastilina, la diseñadora de arte Mariana Ardanaz, también ilustradora de cuentos infantiles, trabajó artesanalmente a tan diferentes protagonistas que dan vida a una historia profunda, visceral, que aún hoy nos conmueve por la carencia de una ley nacional sobre el aborto legal. Es el caso de Vicenta Avendaño, quien aparece en el final. Su hija menor, Laura, que padece cierto retraso madurativo, sufrió a sus 19 años (2006, Guernica) una violación que la dejó embarazada. Vicenta y su hija recorrieron hospitales y juzgados para obtener el aborto legal, pero fue imposible. Este caso de Derechos Humanos de los que carecemos lo tomó Darío Doria, avezado realizador de publicidad y largometrajes como Grissinopoli y Salud rural, trabajando con real virtuosismo determinados recursos técnicos hasta lograr que estos silentes personajes, carentes de gestualidad, toquen el corazón. Si hay algo que faltaba para derrocar el machismo vigente sobre este tema es esta película animada donde una madre y una de sus hijas, que representan a miles de madres e hijas, alzan su voz defendiendo el derecho de manejar sus propios cuerpos. O sea, el derecho de todas las mujeres del mundo.

Elsa Bragato

 

 

 

 

 

BUSCANDO A TABERNERO, RETIROS (IN)VOLUNTARIOS, CENIZA NEGRA, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 26 DE NOVIEMBRE DEL 2020

JUEVES 26 DE NOVIEMBRE DEL 2020.-

CENIZA NEGRA

Estreno simultáneo en www.cinevirtual.com.ar (Sala 1) en Argentina, Costa Rica y Chile.

Plataforma MUBI a partir del 29 de diciembre, Plataforma Eyelet a partir del 20 de diciembre. Ver el film desde la plataforma https://www.cenizanegra.com

Guion y Dirección de Sofía Quirós Ubeda. Con Keha Brown, Smashleen Gutiérrez, Humberto Samuels, Hortensia Smith, entre otros. Fotografía de Francisca Sáez Agurto. Música de Wissam Hojeij. Duración: 82 minutos.

XXXXX- FASCINANTE FÁBULA CARIBEÑA

Ritos, luto, adolescencia, conforman la base del relato de Sofía Quirós Ubeda, argentina-costarricense, que narra la vida de Selva (revelación de Smashleen Gutiérrez) niña huérfana cuidada por sus abuelos en las riberas caribeñas de Costa Rica. La abuela desaparece, quedando el abuelo que ya no quiere vivir. A partir de estos hechos, plasmados con una fotografía evanescente y fantasmagórica, la jovencita enfrentará, antes que la felicidad, las tristezas de la vida envuelta en un halo existencialista sobre la vida y la muerte, el estar y el desaparecer. Es muy lograda la ambientación de Quirós Ubeda, así como su dirección actoral, contando con un elenco pequeño de actores no profesionales. Logra entonces un sutil balance entre lo trágico y lo onírico, con actuaciones acordes que dotan de profunda sensibilidad las secuencias. Destacamos, además de la protagonista, a Humberto Samuels, el “Tata” o abuelo, cuyo carisma resulta conmovedor.

Cine independiente del bueno que muestra otra sociedad, otros lenguajes cotidianos, cautivantes, a través de una historia diferente donde la adolescencia es vista no solo como un despertar sexual sino como un despertar a los misterios de la vida.

Elsa Bragato

AL MORIR LA MATINÉE

En Cine.ar TV este jueves a las 22 hs. Desde mañana viernes una semana gratis en Cine.Ar Play. Sábado 28 a las 22 hs en Cine.Ar TV.

De Maximiliano Contenti. Guión de Manuel Facal. Con Luciana Grasso, Ricardo Islas, Julieta Somelli, Franco Duran, entre otros. Fotografía de Benjamín Silva. Música de Hernán González. Arte de Cristina Nigro. Sonido directo de Santiago Carambula. Vestuario de Dominique Souberbielle. Maquillaje de Daniela Bayares. FX de Daniela Bayares. Montaje de Santiago Bednarik. Duración: 88 minutos. Uruguay.

XXXXX- SANGRE A TROCHE Y MOCHE

Bien gore, “Al morir la matinée” retrata una tarde lluviosa de 1993 en Montevideo, dentro de un cine barrial que proyecta un film italiano de terror. Muy pocos espectadores y una nueva proyectorista: la hija del titular. Cumpliendo con el target de este género cinematográfico, asisten a la función de la matinée varios adolescentes.

El realizador Contenti se toma su tiempo para plantear las bases de la historia y los personajes, los  siete jóvenes y un niño que se esconde entre las butacas. El asesino serial tiene una aparición como tal (y en esto reside el secreto del guion), semioculto en la platea. A partir de la media hora se ingresa a otra película: el gore en su máxima expresión, sangre por doquier, degüellos, cuchilladas, horror en la pantalla y en la sala. ¿ “Cine dentro del cine”?, lo que se ve en pantalla será un símil de lo que se viva entre los espectadores. El género está logrado, aún con sus convenciones, así como la fotografía - virando al rojo intenso- aporta su buena cuota sangrienta. En el caso del grupo actoral, por momentos hay cierta declamación de los parlamentos mientras que la música incidental resulta funcional aunque elemental. La película cumple con el horror, el terror, y el suspenso, por lo que tiene público asegurado.

Elsa Bragato

BUSCANDO A TABERNERO

Documental de Eduardo Montes-Bradley. Duración: 72 minutos.

XXXXX- TRIBUTO AL MEJOR FOTÓGRAFO DEL CINE

Eduardo Montes-Bradley es un reconocido documentalista argentino en nuestro país y en el exterior. De vastísima trayectoria, realiza “Buscando a Tabernero”, documental con riquísima información transformándolo en un tributo a uno de los “padres” de la fotografía del cine nacional clásico. Nos cuenta la historia de Peter Weinschenk, nacido en Alemania en 1910 por lo que vivió la Primera Guerra Mundial, la terrible Gripe Española que asoló Europa desde 1915 a 1917, y conoció la persecución nazi por ser judío ni bien la República de Waimer se disolvió hacia 1930. Fue un buscavidas pleno, de grandes conocimientos adquiridos en la escuela de fotografía de la Asociación Lette en Berlín, donde se inició como asistente de dirección.

Para salvar su vida ante la llegada del nacismo que obligó al despido de los empleados de origen judío, decidió usar la traducción literal de su apellido, Tabernero, desplazarse a Barcelona, donde fue reclutado para la Guerra Civil, hasta que en 1937 pudo emigrar a nuestro país convirtiéndose en el director de fotografía de más de 40 películas de la época de oro de nuestro cine al integrar el staff de los famosos Laboratorios Alex.

A través de varias entrevistas, podemos conocer a discípulos suyos como Ricardo Aronovich, su participación en “La Quintrala”, film de la década del 50 de Hugo del Carril, sus primeros trabajos de “selfies”, y su labor como docente. Se lo reconoció siempre por el dominio que logró en la iluminación cinematográfica, capaz de generar con efectos muy propios estados oníricos y fantasmales. En la década del 60 partió con su esposa e hijos a Nueva York, donde vivió hasta su fallecimiento. Filmada en Berlín, Barcelona y Buenos Aires, este documental aporta luz sobre la figura de uno de los grandes hombres de nuestra cinematografía, generador de una escuela en el arte de manejar las luces y sombras a través de una cámara. Excelente.

Elsa Bragato

RETIROS {IN}VOLUNTARIOS

Dirección: Sandra Gugliotta. Guion: Sandra Gugliotta y Miguel Zeballos. Edición: Juan Loustaunau. Fotografía: Carole Sainsard, Armin Marchesini Wihmüller y Juan Aguirre. Sonido: Joel Nacud. Música: Pono Graziola. Duración: 85 minutos. Idioma: Francés y Español. Documental 2020.

XXXXX- LA CODICIA DE LA MINORÍA

En Francia, en Argentina (o en cualquier país del mundo), la pérdida de trabajo significa en sí misma una humillación que deja efectos devastadores en quienes la sufren. La directora Sandra Gugliotta (Un día de suerte, Las vidas posibles, La toma, Arrebato), después de un paréntesis de 6 años, analiza una ola de suicidios ocurrida en Francia a fines de la década pasada, parangonando esa tragedia social con la situación que se vivió en nuestro país en la primera mitad de los ’90. El desencadenante de este documental socioeconómico y político es el suicidio de un hombre de 53 años, en Francia, que se arrojó a las vías del tren de su pueblo. Había sido empleado de France Telecom, empresa que implementó la reducción laboral a través de la humillación y el menozcabo de los empleados hasta quebrarlos psicológicamente por lo que solo les quedaba renunciar.

La llegada de Entel de España y de Francia a nuestro país durante el gobierno de Carlos Menem, década del 90 del siglo XX, provocó similares situaciones: aquí esas empresas despidieron a 28.000 empleados (recordemos al ex ministro de economía Cavallo que alegremente informó por televisión que quedaban 35 mil empleados ferroviarios en la calle por el cierre de ramales).

Gugliotta realizó numerosas entrevistas y testimonios en ambos países, confirmando las humillaciones a los empleados muchos de los cuales se suicidaron. Es tocante el planteo de la realizadora porque este documental parte de un caso personal que pudo revertirse: su papá padeció todo tipo de humillaciones en la vieja Entel, y pudo superar la tremenda depresión sufrida. Dos hechos, dos países, empresas telefónicas en ambos casos, demuestran la codicia de unos pocos sobre la mayoría. Tenerlo presente.

Carlos Pierre

RECOMENDACIONES DEL STREAMING

NETFLIX

Hay dos films tontones pero agradables para estos tiempos tan difíciles:

1)  Amor de Calendario, de John Whitesell. Emma Roberts y Luke Bracey. Fiestas complicadas y simpáticas, historia de un noviazgo previsible pero eficaz. No dejes de verla.

2)  Rebeca, de Ben Wheathley, con Lily James y Armie Hammer. Basada en la novela de Daphne de Maurier. Se cumplen 80 años de la primera versión de Rebeca, que realizó magistralmente Alfred Hitchkock en 1940. Si bein estamos ante una versión edulcorada, tiene a su favor el respetar la novela original, algo que no ocurrió hace 80 años por imposiciones de Hollywo0od.