CITRUS, YO NARCISO, EL FINAL DE LA CALLE OAK, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 13 DE AGOSTO DEL 2026

 

JUEVES 13 DE AAGOSTO DEL 2026

ALGUNOS ESTRENOS NACIONALES

El film de la semana es YO, NARCISO, dirigida por Adrián Suar, quien tambièn la protagoniza junto a Natalia Oreiro. La historia se basa en una joven profesora universitaria de sociología que escribe un libro sobre el narcisismo, y elige a un personaje muy especial al que considera narciso, a Marcelo Rey (Adrián Suar), hasta el apellido le va bien con sus ínfulas de ser el centro del mundo. Claro que la joven Rocío Flores (Natalia Oreiro) esconde su verdadera identidad para poder acceder a la intimidad de Narciso hasta que pasen situaciones que, narciso o no, trastocarán sus planes iniciales muy asépticos. A su vez hay lugar para figuras icónicas como Moria Casán quien hace las veces de madre de Rey, siempre especial, única y creíble. Rey tiene una ex con  a que no se lleva bien (Eleonora Wexler) y una  hija. Pero de pronto aparece Rocío, esta especialista en narcisos que es lesbiana y le hace creer que se está enamorando de èl.

La línea humorística y de sarcasmo se mantiene a lo  largo del film aunque siempre hay un final redentor donde los personajes parecen ser “perdonados” por el guionista y el director, en este caso también protagonista. No hay duda alguna sobre el histrionismo de Adrián Suar como comediante aunque en los últimos años ha perdido un poco la espontaneidad de otrora, tal vez por el peso de sus años como gerente de Canal 13. Pero la comicidad le es innata. No así el drama. Es decir, no se pierde el momento agradable que tanto él como la muy rápida y convincente Oreiro saben generar. Sin lugar a dudas el gran problema es cómo se filma hoy en día en nuestro país. Por empezar, siempre son los mismos elencos, con excepción de los protagonistas que deben ser el “imán” para el público, y luego el estilo narrativo, que dista mucho de la complejidad de los films exteriores. Todo es muy casero, muy doméstico, muy de entrecasa, simplote, es un regreso a los 70 pero adecuado a las normas urbanas actuales donde los chistes gruesos sobre terceros están prohibidos. Es decir, podríamos generar comedias un poco menos pochocleras y, si así fuesen, con mayor complejidad visual, mayor riqueza en todo sentido. Es todo simpático pero muy pueril, para nuestro gusto.

Elsa Bragato

CITRUS

Dirección y guion de Ayelén Agûero. Fotografía de Nadia Neder, Mùsica de Tomás Di Tella, Sonido de Sidka Saavedra Vera, Edición de Julia Straface y Verónica de Cata. Con Lucía Rodrìguez, Kika Rodrìguez y Julio Lucena. entre otros. Duración: 65 minutos.

XXXX -PROFUNDA MIRADA SOCIAL SOBRE LOS TRABAJADORES RURALES

Ayelèn Agûero es egresada de la Enerc, con estudios avanzados, y està radicada en New York. Sin embargo, no olvida su niñez en Tucumán y el esfuerzo cotidiano de su familia como peones rurales. Por eso surge “Citrus” con una carga emotiva muy especial, la suya, la que vivió con su familia como trabajadores rurales, bajo la mirada despiadada por momentos de los “capangas”, o señores de la tierra. Enfoca la emoción en una niña que se preocupa por la salud del abuelo, quien se esfuerza en la recolección de los limones de los campos de Alpachiri, Tucumán. Surge las leyendas, la piedra grande a la que se le ruega por el bienestar, por la producción, por la salud… Tierra de los calchaquíes.

Es un film que va de lo general, con muy buena fotografía matizada por planos medios y largos, a lo particular, a esa adolescente que cumple con la escuela, siendo muy compañera de su abuelo. Y un amuleto que se encuentra de casualidad, casi un protagonista más, con el que intentará ayudar. Nadie es tan mayor como para no tolerar el trabajo, pero los peones hablan a la cámara y lo dicen: frío, calor, mal comidos, es un trabajo penoso y duro el del campo.

La cámara va mostrando desde los campos plagados de limoneros así como personajes claves como el capataz, el ayudante, la presión sobre los obreros para que llenen más cajones con la preciada fruta, hasta la soledad y la depresión porque no hay un peso más, los tiempos “son siempre malos” para los trabajadores..

En lo conceptual, este docuficción funciona como una expiación del dolor y la frustración de Agûero en la niñez, el sufrimiento por los suyos, cuerpos golpeados por el trabajo de sol a sol. Y aunque esté entre rascacielos de New York, la niñez marcada por el sacrificio de sus mayores quedó grabada en el alma para siempre. Esa sensibilidad de la directora se transmite a sus personajes, todos integrantes de una familia. “Citrus” no hace más que revelar el sacrificio de los que trabajan la tierra, la falta de compasión de los patrones, y las consecuencias espirituales como ocurre con el abuelo,  así como la herida en el alma de los más jóvenes, como Ayelén Agüero, por  impotencia, por no poder ayudar.. La narración es muy ágil, con una cámara inquieta que toma desde los campos de cultivo hasta la intimidad de la familia de los peones. Ríos que bañan piedras como limpiando el dolor de décadas, una fotografía que va desde la mirada amplia hasta el detalle de una piedra. Es un gran comienzo de Agûero en el documental porque lo dotó de una sensibilidad exquisita, de su propia vivencia; su mirada sobre la explotación a los trabajadores conmueve.

Elsa Bragato

Se agrega el documental “El punto” sobre el padre Ismale Quiles, que se ofrecerá en el cine Gaumont. Consultar los horarios.

 

ALGUNOS ESTRENOS INTERNACIONALES PREVISTOS

1)  EL FINAL DE LA CALLE OAK, de David Robert Mitchell, con Anne Hathaway. Es ciencia ficción: toda una calle con sus moradores es transportada a otro lugar que desconocen. Entre ellos está la familia Platt que comprende bien rápido que la supervivencia es cosa personal, deben cuidarse los unos a los otros porque no saben hacia dónde van. La película encara una nueva forma de ciencia ficción, aquí no hay seres extraños de otros mundos, sino una calle bien humana trasladada a un lugar que se desconoce, como detenida en un espacio al que deberán acostumbrarse. La vida de la familia Platt ahora es diferente y es el centro de la acción, que es mucha. Los personajes deben habituarse a un mundo que los une frente a frente sin dilaciones pero que es distinto, habrá temores, sinsabores y acción, la de un suspenso diferente. En sì, el film es diferente y esto sí que es algo para aplaudir.

2)  PAW PATROL, LA DINO PELÌCULA, de Cal Brunker. Los cachorros de la patrulla Canina no saben bien cómo ni por qué, aterrizan en una isla tropical donde habitan los dinosaurios. Pero estàn perseguidos por un malvado humano que, con fechorías, hará explotar a un volcán poniendo en peligro la isla misma. Allí intervendrán estos cachorros patrulleros para intentar salvar al malvado y la isla y los nuevos amigos. Una animación que varía en algo el espacio y el tiempo de los personajes de esta índole.

3)  SACCHARINE, film asutraliano. De Natalie Erika James, Una joven debe bajar de peso para participar en eventos de moda pero a un costo muy alto e insólito: comer cenizas humanas. Hana, estudiante de medicina, se verá envuelta en círculos de terror por un fantasma hambriento. Para fanáticos de este tipo de cine. La película es un tanto diferente por el personaje y el tema que la afecta, pero no escapa a los momentos sangrientos si bien están  matizados por diálogos sagaces, al menos no tan burdos como los habituales dentro del gènero. Este film es para amantes del gore y del terror.

4)  ADOLESCENCIA, SEXO Y MUERTE EN CAMPAMENTO MIASMA, film canadiense. Este film es considerado un homenaje a los films slasher-horror de la década del 80, un tanto venidos a menos. Hay que ver si esta “resucitación” conmueva al público como para que este tipo de sagas continúen produciéndose y teniendo éxito.

CANELONES, FRANZ, ENGENDRO, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 6 DE AGOSTO DEL 2026

JUEVES 6 DE AGOSTO DEL 2026

ALGUNOS ESTRENOS PREVISTOS PARA ESTE JUEVES

FRANZ

Dirección y guion de Agneszka Holland. Coguionista: Marek Epstein. Cinematografía de Tomasz Naumiuk, Mùsica de María Jomasa y Antoni Jomasa Lazarkewicz. Ediciòn de Pavel Hrdlicka. Con Idan Weiss, Peter Kurth, Jenovefa Bokova, Ivan Troyano, entre otros. Duración. 127 minutos. Coproducción Checa-Alemania-Polonia.

XXXX – FRANZ KAFKA, RETRATO PERFORMÁTICO

Notable trabajo de preproducción y post tiene Franz, una biopic fragmentada y performática del gran escritor checo Franz Kafka, en manos de la directora polaca Agneszka Holland. Fallecido a los 40 años (1883-1924) de tuberculosis, con amores que no logró concretar en matrimonio (tres hermosas mujeres lo acompañaron en el desafío amoroso que enfrentó), Kafka padeció desde pequeño la intolerancia de su padre, productor de amianto, un hombre tirano y violento (Peter Kurth), que nunca aceptó su dedicación a las letras, aunque el escritor de La Metamorfosis intentó contentarlo. Tuvo una aliada en su hermana que, cuando Franz se tornó más vulnerable e intolerante, tampoco logró dominarlo.

Holland muestra de manera atemporal, sin perder el hilo narrativo, distintos momentos de la vida del escritor, desde su infancia, hasta alguno que otro almuerzo familiar, el trato destemplado de su padre, su madre sometida, su hermana conciliadora, y sus intentos por sobresalir como escritor si bien sus primeros escritos, que leía en reuniones literarias en alta voz, provocaron reacciones adversas. La lectura de escenas de torturas dando detalles estremecedores de las mismas, no lograron que el joven Franz atrajera al público, más bien lo alejó. De allì que casi toda su obra fuese editada post mortem por un gran amigo. Para Franz, todo era material descartable.

Esto indica la debilidad de su espíritu, cargado de pesadillas dantescas más que de pensamientos productivos. Y en esto hace hincapié el guion de Holland: Franz cargó toda la vida con la ira paterna y el desencanto que le produjo.

La historia está fragmentada, como decíamos, porque no tiene un orden estricto cronológico si bien hay un hilo conductor del tiempo que nos va llevando desde el niño al adolescente, al incipiente escritor, al hombre que visita prostíbulos, al amante frustrado, al escritor maligno, hasta su enfermedad y muerte, que devastó a su hermana.

Incluso Holland, segura de su propuesta, incluye las visitas actuales al museo Kafka para luego seguir con la biopic. Sin embargo, esta fragmentación, lejos de aligerar una vida tan dramática, se conjuga con ella, se consubstancia con el espíritu quebrado de Franz Kafka. Y lejos de alivianar la carga, le da énfasis al dolor interior que carcomió el alma de Franz Kafka. Por cierto, no es un film para salir con una sonrisa de la sala. Pero sí es una película para entender un alma torturada que no encontró su lugar en este mundo. Junto con la fotografía, muy cuidada, de gran estilo, Holland logra una biografía diferente, compleja en el articulado del guion, muy bien actuada.

Elsa Bragato

ENGENDRO

Dirección y guion de Hanna Bergholm. Con Seidi Haarla, Rupert Grint, Pamela Tola, Pirkko Salsio, Rebecca Lacey, entre otros. Fotografía de Pietari Peltola. Música de Eicca Toppinen. Duración: 92 minutos. Finlandia.

XXXX – UNA MATERNIDAD CONDENADA

El título de este film finlandés dirigido por Hanna Bergholm nos habla de un monstruo, de un alien, de un engendro de la naturaleza, expresión común para señalar a aquello que no encuadra con lo habitual. El guion se centra en la maternidad ansiada por la flamante pareja conformada por Saga y su marido inglés Jon. Deciden mudarse a una casa de la familia en medio de un bosque, a la que irán poniéndole orden. Va de suyo que cuando hay una casa en medio de un bosque lo que sucederá no tendrá ribetes magnánimos. Así que Saga y Jon nos introducen en un infierno paulatino, entroncando las leyendas nórdicas con los cuentos tradicionales como la Bella Durmiente y su corazón “frizado”. En este caso, estamos dentro de un film del género y aquí no habrá príncipes sino un parto extraño, un niño que su madre prácticamente escupe del útero bañando de sangre a todos, mientras Jon, que tiene otra mentalidad, intenta adecuarse a situaciones cada vez más brutales e inesperadas: desde los aullidos de su bebé, hasta la forma de prenderse del pecho de la madre, con tal fuerza que le destroza los pezones: más que la leche materna, el bebé beberá la sangre. Es la clave del film.

Nada hace suponer lo que vendrá y poco y nada tiene que ver con los miedos de toda mujer ante la primera maternidad, según señalan algunos críticos mal informados. Ciertamente, nadie espera dar a luz a un “engendro”, si bien hay temores de enfermedades prenatales o post. Aquí se supera todas las fantasías teniendo relación directa con el bosque y un acto sexual que la joven pareja tuvo en medio de los frondosos árboles. Pero la naturaleza nunca perdona su mal uso, el pasto es para caminar y no para hacer el amor, por lo que tomará venganza. Y no será la que el espectador supone, sino la que sabiamente oculta la guionista y directora Bergholm que logra un mix sangriento entre las más oscuras leyendas nórdicas y algún cuento supuestamente infantil. Es un increscendo que perturba, nunca se sabe què ocurrirá, y es lo que hace diferente a este film de género porque incluso no utiliza los clishés. El bebé de Rosemary puede ser el mejor antecedente, si bien hay otros films. En ambos casos, estamos frente a una maternidad condenada, a un vientre maldecido que solo traerá infortunio. La directora se dio “todos los gustos” en el final Y es literal.

Elsa Bragato

CANELONES

Dirección de Basilio Cristiano y Ana Gussoni, Con Verónica Llinás, Darío Barassi, César Bordón, Agustín Aristaràn Beatriz Spelzini, entre otros. Cinematografía de Guillermo Romero, Guion de Basilis, Hernán Casciari, Josefina Licitra, basada en un cuento de Hernán Casciari. Duración:91 minutos.

XXXX – MUY BUENA COMEDIA-THRILLER NACIONAL

Da placer ver una buena comedia dramática nacional, bien filmada, con cohesión y con la capacidad narrativa de pasar de la comedia sencilla al policial, sobrevolar la comedia dramática y regresar a la comedia inicial. Según se indica, está basada en hechos reales. Dos adolescentes tuvieron la mala idea de molestar a la mamá de un compañero, que vivía en la más absoluta soledad, haciéndose pasar por el hijo que regresaba. Y esta mujer esperó mucho tiempo hasta que decidió suicidarse. Su hijo, culpable de esta soledad de su madre en buena parte, decidió vengarse en la mamá de uno de los dos compañeros. Estos están encarnados por Darìo Barassi y Adolfo Aristarán, una dupla simpática que tiene química. Y eso se transmite porque los personajes se hacen creíbles. La mamá de Darío Barassi la compone una estupenda Verónica Llinás, notable actriz en cualquier rol que encarne. Y cae en manos del hijo vengador hasta que una vuelta de tuerca del guion va dándole resolución a cada rol.

La propuesta es muy buena, es una historia con un hilo conductor bien preciso, que se desarrolla en espacios bien fotografiados tanto interiores como exteriores. Lo formal está ampliamente cumplido mientras que lo conceptual, dentro de la idea de la historia de una venganza, también. Hay pocas comedias con tan buenos diálogos y resoluciones tanto fotográficas como de situaciones en nuestra cinematografía, por lo que aplaudimos esta producción que tiene una yapa sobre sus personajes en los créditos finales. No vamos a decirlos, hay que quedarse hasta la palabra fin. Nos devolvió la esperanza del buen cine nacional.

Elsa Bragato

EL MUNDO AL REVÉS

Dirección y guion de Agostina Di Luciano y León Schwitter. Con integrantes de la familia Escalante en su mayoría. Música de Hora Lunga. Cinematografía de Agostina Di Luciano, Luisina Guffanti y León Schwitter. Efectos Visuales de Agustín Torres. Duración: 77 minutos.

XXX- FILM PRETENCIOSO CON GUSTO A MUY POCO

Que hay luces extrañas en zonas descampadas, se sabe desde siempre. Los gauchos hablaban de la “luz mala”, luego están las luciérnagas, que pueden generar creencias en quienes están sujetos más a las mitologías pueblerinas que a las realidades. Es lo que sucede en este film que, para algunos, es un documental dado que la mayoría de los que trabajan pertenecen a una misma familia.

El que ve un día una luz extraña, fuerte, es el abuelo de la familia, de mediana edad, y junto a su nieto trata de averiguar de qué se trata. Al mismo tiempo, dos vecinas del pueblo descubren, al abrir las puertas de un placard, una pared de ladrillos a la vista. Para cada personaje son elementos “sobrenaturales” y comienzan a buscar respuestas.

No obstante, no hay un hilo conductor que permita un desarrollo coherente del tema propuesto, que es muy pretencioso: lo sobrenatural en la vida cotidiana. Es el “más allá de la física” aristoteliano. Pero sin resoluciones de ningún tipo. Se puede rescatar como núcleo del docuficción una reunión familiar donde se manifiestan las inquietudes de sus integrantes sobre estos hechos. Pero nada más. Es muy poco para tamaña propuesta, quebrándose el hilo narrativo al saltar de una familia a otros personajes, unos que buscan y otros que rezan.

La puntuación se debe por el rescate que hacemos de la postproducción, del trabajo técnico en sí, y de una fotografía que intenta ayudar en esa búsqueda de una respuesta a lo sobrenatural. Gusto a poco, casi a nada.

Elsa Bragato

 

OTROS ESTRENOS PREVISTOS PARA ESTE JUEVES

1)  EL DÌA D, BAJO PRESIÓN, de Anthony Maras. Es otro film sobre hechos de la Segunda Guerra Mundial que siempre resultan interesantes, aun con desniveles de guion. En este caso, el centro es el meteorólogo que debió dar el pronóstico para el notable desembarco de las tropas aliadas el 6 de junio de 1944. Una situación más desconocida hasta ahora que llega el cine. Con sus más y sus menos, el cine resulta ser el medio ideal para la información de hechos trascendentales como en este caso.

2)  LA INVITACIÓN, de Anthony Maras.Se bassa en la obra de teatro de Cesc Gay titulada Los vecinos de Arriba que le permitió al mismo autor hacer el film Sentimental en el 2020. Un matrimonio decide invitar a una pareja de vecinos y a partir de este encuentro surgen los temas que hoy movilizan a las sociedades conyugales: el amor, la lealtad, la vida, la amistad, dentro de un andarivel de emociones que van desde la alegría hasta la tristeza. Resulta una comedia, para algunos, aguda y simpática a la vez, y para otros, una comedia que deja poco. Es cuestión de gustos.

3)  ATEEZ, LIGHT THE WAY IN CINEMAS. Se tr4ata de un grupo masculino surcoreano formado por ocho jóvenes. Debutaron en octubre del 2018 con un mini álbum, siendo consagrados como “lideres” de los jóvenes de su país por el Ministerio de Cultura coreano. En este caso, los integrantes del grupo musical buscan a sus fanáticos, en medio de situaciones extrañas. Öbviamente es un film musical, por sobre las aventuras que el reconocido grupo viva en la ficción.

 

LA TIERRA EXPLOTA, LOS DOMINGOS, SPIDER MAN, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 30 DE MARZO DEL 2026

JUEVES 30 DE JULIIO DEL 2026 

ALGUNOS ESTRENOS PREVISTOS PARA HOY

SPIDER MAN, BRAND NEW DAY

Film de la saga Spider Man, dirigido esta vez por Destin Cretton, con Tom Holland, Zendaya, Mark Ruffalo entre otros. Es decir, un elenco de primer nivel. Spider ya ha crecido, vive solo, ha salido de la memoria de sus seres queridos y se encuentra combatiendo el crimen en New York (alguna similitud con Batman hay…), una ciudad muy diferente a la que conoció. Luego de 4 años, las amenazas de la ciudad son cada vez  mayores y esto es tambièn un problema pasra la propia vida y condición especial de Spider Man. Las aventuras van increscendo. Es la “mitología Marvel” que vuelve con sus personajes siempre buscando el bien pero a través de un brutal castigo al mal. Esto implica el “estilo Hollywood” o sea trompadas, autos que vuelan, edificios que caen y trompadas por doquier. El personaje es tradicional y gusta.

LOS DOMINGOS

Dirección y guion de Arauda Rioz de Azúa Cinematografía de Apuesta Rourich, Música de David Cerrejón. Con Blanca Soroa, Juan Minujin, Miguel Garcés, entre otros. Duración: 110 minutos. España.

XXX – RETRATO DE UNA VOCACIÓN

Alauda Ruiz de Azúa toma una idea muy acorde con la profunda religiosidad que, en general, muestra el pueblo español más que otros: una joven de 17, Ainara (Blanca Soroa), siente que debe tomar los hábitos de monja de clausura, tiene un joven sacerdote como guía espiritual, y una monja que la escucha y, de alguna manera, la orienta hacia la vida no mundana. En cambio, para su familia, Ainara no está para aislarse del mundo sino para ir a la universidad.

Una de las secuencias más reveladoras es la extensa charla de Ainara con una tía suya, dado que es huérfana de madre. Está criada por su padre y rodeada por la familia. Que tome los hábitos no es algo que comprendan fácilmente.

He aquí el meollo argumental: las idas y venidas de una familia que entiende la fe pero no ese “casamiento con Dios” o ese tipo de “amor” que confiesa sentir la jovencita. Tampoco Airana tiene un convencimiento absoluto. Siente “el amor de Dios”, pero tambièn la necesidad de probar el mundo terrenal incluso teniendo sexo con un amigo.

Formalmente, es una historia que va creciendo a través de la protagonista: es ella y nadie más quien va hilvanando la trama mientras a su alrededor los adultos se plantean su futuro y se lo hacen saber conformando el soporte narrativo. O sea estamos frente a una historia clásica, con una fotografía que busca encuadres diferentes, basándose en colores densos y oscuros y una puerta, por ejemplo, por donde la claridad es absoluta. Este contraste es una muy buena síntesis de la vida de Ainara: la luz de la vida común y la oscuridad del convento.

Hay solidez argumental, consolidada por una fotografía acorde. Un elemento fundamental es ls naturalidad de los diálogos y hechos. No hay situaciones forzadas: solo el transcurrir de los dìas de una familia que intenta comprender la decisión de la joven. Todo dentro de un devenir pausado pero constante, una acción familiar cotidiana, común, que no deja de inquietar.

Elsa Bragato

LA TIERRA EXPLOTA

Dirección, guion y producción de Juan Pablo Lepore. Montaje de Lepore y Bernardo Blanco. Fotografía de Danilo Galgano, Cámaras de Danilo Galgano, Catriel Marmo, Juan Manuel Ferraro, Bernardo Blanco, Juan Pablo Lepore. Voz en off de Juan Pablo Lepore. Música de Renato Siracusano. Apoyo del INCAA y del Fondo Metropolitano de la Cultura, las Artes y la Ciencia. Duración:84 minutos.

XXXX – LOS VENDEPATRIA QUE NOS DESTRUYEN

No hay título que pueda justificar lo que se ve en este documental, gracias a la investigación y dirección de Juan Pablo Lepore: entre el fracking que utiliza agua y elementos tóxicos para extraer gas y petróleo hasta la deforestación y forestación con especies foráneas, desde la agricultura que fumiga con tóxicos a las escuelas, la expropiación a la fuerza de las tierras de los pueblos autóctonos, aquéllos que estuvieron y están desde antes de que llegaran los europeos a estas tierras, hay una narración pormenorizada que da escalofríos. Lo mismo Europa y Estados Unidos hacen en África, donde los grandes laboratorios alemanes han probado sus medicamentos en poblaciones indígenas sin importarles sus vidas o muertes.

Lepore toma a cuatro luchadoras zonales: a Jelly Luján que inició la lucha de los pueblos de La Rioja para impedir que cinco empresas y los funcionarios cómplices llegaran a los altos cerros y los destruyeran, envenenando las aguas potables, o sea matando a sus pobladores. Otro caso es el de la maestra rural Mariela Leiva quien fue docente de la escuela rural nro 44 República Argentina, de Concepción del Uruguay en Entre Rìos: por su lucha, a la que se sumaron sus colegas, hoy hay sentencia firme contra el productor agrícola y el aviador. Otro tanto pasa en Mendoza, donde Guni Cañas emprendió la lucha salvando el agua de las vertientes de la provincia, con movilizaciones multitudinarias que lograron la reposición de la ley 7722 de preservación del líquido vital. Hoy están a salvo el preciado líquido en los glaciares y en cerros altísimos como hay en La Rioja, lugares donde los pueblos han impedido la llegada de los violadores de la naturaleza. Otro tanto ocurre en Misiones, donde Miriam Samudio, junto a sus compatriotas, lucha contra la empresa Arauco, de capitales chilenos, que suplanta la flora autóctona por pinos, provocando alergias y problemas pulmonares, y expropiando tierras indígenas.

¿Qué nos dice todo esto? Que el cine es una de las expresiones que permite defender el agua de la israelí Mekorot, empresa de aguas de Israel que firmó contrato con 12 provincias: maneja el agua, la distribuye a las empresas y le pone precios imposibles de pagar, como ha hecho en Palestina desde 1967. Esas aguas que tiene bajo “su mando” sirven para extraer minerales que van “hacia los Estados Unidos” para las empresas de armamentos.

¿Es posible que no reaccionemos en todo el país, que no haya una ley popular (la Justicia por lo visto ha intervenido poco de oficio) que condene definitivamente a los traidores a la patria que nos gobiernan desde hace décadas? Esa es la tremenda denuncia que hace Lepore. Por eso, este documental es de visión obligatoria y de difusión ineludible. Sin olvidarnos de las primeras denuncias cinematográficas que hizo el gran Pino Solanas sobre estos temas. Al parecer, los gobiernos se apoyan entre sí para hacer rico al hemisferio norte destruyendo la mitad del planeta. Nuestra tierra explota, sangra. Y el cine lo muestra para que hagamos algo. Notable documental.

Elsa Bragato

 

 

DICIEMBRE, EL AMOR QUE PERMANECE, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 23 DE JULIO DEL 2026

JUEVES 23 DE JULIO DEL 2026

ALGUNOS ESTRENOS NJACIONALES PREVISTOS

DICIEMBRE

Documental dirigido y guionado por Lucas Gallo. Montaje de Fernando Epstein Marcos Frachia. Sonido de Daniel Yafaliàn. Duración: 105 minutos. Coproducción Argentina y Uruguay.

XXXX -DE LA CRISIS SOCIAL DEL 2001

Luego de pasar por varios festivales, incluso siendo el film de apertura de algunos de ellos, Lucas Gallo logra exhibir su documental “Diciembre”, que toma material grabado en noticieros entre el 1ro de diciembre del 2001 y el 3 de enero del 2002, cuando las políticas de Cavallo llevaron al infierno económico a los argentinos, cuando el país estalló en las calles durante el gobierno de Fernando de la Rúa, cuando cinco presidentes se sucedieron en una semana, a lo sumo en quince días, sin dar respuesta a la salvaje apropiación del Estado de los ahorros de los argentinos, al uso tiránico de sus sueldos dándolos en cuentagotas, a un desmadre que incluyó un megacanje y un robo a mano alzada de los políticos al pueblo, al punto que el dinero que no se daba porque quedaba en los bancos, éstos, con casas madres en el exterior, los giraban para sus arcas.

Gallo fue a los archivos de Crónica TV, un canal (trabajamos en sus medios gráficos) que no buscaba estética cinematográfica para transmitir, sino que ponía las cámaras en la calle y lo que mostraba era la realidad cruda y cruel. En esos archivos encontró el material suficiente como para armar una narración con estilo propio que, en secuencias sin mayor aparente hilación, fueron mostrando las “tertulias” de De la Rúa con el ex presidente Carlos Menem y el gobernador de la provincia de Buenos Aires Carlos Ruckauf, arengando sobre cómo subsistir a la expropiación, al cierre de los bancos, a la miseria que llevó a asaltos a los negocios, y a la intervención salvaje de los uniformados que dejaron al menos 36 muertos en las calles de Buenos Aires.

Para Lucas Gallo la realidad cinematográfica se nutre de los archivos periodísticos, del accionar de los políticos y de la memoria. Sobre todo de esta última que nos permite, a quienes pasamos aquellas circunstancias, a reconstruir sensaciones y sentimientos de miedo, de horror, de desesperación. Y eso es lo que muestra Gallo con su mirada sobre ese Diciembre 2001 que tuvo su epicentro el 20 de diciembre, el pueblo en la calle y la muerte frente a frente. No parece que el rumbo económico del actual gobierno libertario sea diferente, pero ya no quedan aquellos personajes que batallaron hasta morir por la verdad. En nuestra memoria están los rostros de artistas como Nito Artaza golpeando las persianas bajss de los bancos y clamando por su dinero, o del periodista deportivo Horacio García Blanco que debía continuar con un tratamiento contra el cáncer y al no tener su dinero falleció sin la medicación. Su caso fue paradigmático. Este documental, basado en el magnífico archivo de Crónica TV, debe exhibirse no solo en salas sino en los colegios secundarios. Es de visión obligatoria, aunque duele un montón.

Elsa Bragato

EL AMOR QUE PERMANECE

Dirección y guion de Hlynur Palmason. Cinematografía de Hlynur Palmason, Música de Harry Hunt.  Arte de Arni Jonsson, Vestuario de Nina Gronlund. Con Saga Garoardsottir, Sverrir Gudnason, Ida Meklen, Kristinn Gudmundsson, entre otros. Duración: 109 minutos. Coproducción de Islandia, Dinamarca, Francia y Suecia. Distribuye Zeta Films.

XXX- LA FRAGILIDAD DE SER

El estilo suave, moroso, de Hlynur Palmason, director nacido en Islandia en 1984, ganador de varios premios por sus films, en el caso de “El amor que permanece” traduce el sentir de su entorno a partir del protagonismo de un matrimonio que está por separarse, padres de tres hijos. “Anna” y “Magnus” (Saga Garoardsottir y Sverrir Gudnason respectivamente) se aman pero no saben convivir. En principio, el director toma un año en la vida de esta pareja si bien las estaciones no están bien delimitadas (seguramente por el clima bastante inhóspito de Islandia y de las tierras nórdicas), en la que va plasmando las reacciones de los niños, la de la mascota de la familia Panda, y la actitud de “Anna” con algunos animales. La mayor de los  hijos considera que su madre, artista plástica, es una “emocional” que no comprende nada, mientras que enfrenta al padre por la matanza de un gallo, mostrando más interés ecológico que necesidad del rearmado de la familia. Magnus logra solo de a ratos  la convivencia, y la misma provoca desazón en los hijos, que se acentúa por las largas permanencias de Magnus en alta mar pescando arenques.

El film resulta por momentos difuso o tal vez blando en la concepción de la crisis tanto d elos adultos como de los menores. Palmason busca secuencias con imágenes algunas muy duras para balancear ese tipo de flaqueza del guion, otras veces intenta reflejar el sentimiento de sus protagonistas dentro de un manejo narrativo parsimonioso. He aquí donde la historia pierde fuerza y hablamos de “blandura o flaqueza”. Hay situaciones absurdas porque no tienen resolución ni motivos para estar como la creación de una suerte de muñeco, cuyo destino es incierto y luego confunde, al que los niños juegan disparándole flechas. Y alguien saldrá herido.

como representar el dolor cargado de rabia de todos ellos ante situaciones cotidianas que no pueden manejar. A “Anna” no le va bien con sus cuadros, a “Magnus” no le va bien con su pasión por Anna quien demuestra una inestabilidad emocional profunda dañando la relaciòn intrafamiliar.

Paciencia, comprensión, se requiere para llegar al final de un film diferente, diversidad que se acentúa porque en Islandia no se vive como en la Argentina. Los paisajes son desangelados, y Palmason lo refleja a la perfección. Ni siquiera podemos confirmar que la escena final sea trágica o cómica, nos deja sobre ascuas pero al mismo tiempo golpea, perturba. La música incidental, con un piano por sobre el resto de los instrumentos es suave pero constante y enfatiza el agónico amor de esta pareja que quiere convivir pero que encuentra un escollo más en Anna que en Magnus. De allí el título: el amor permanece, está, por sobre la naturaleza frágil y equívoca de sus protagonistas adultos. Interesante propuesta.

Elsa Bragato

ALGUNOS ESTRENOS IINTERNACIONALES PREVISTOS 

OTROS ESTRENOS PREVISTOS

EL GRAN VIAJE es otro de los títulos para este jueves. Es la historia de cuatro amigos “semillas” o astillas pertenecientes al mismo diente de león que son expulsados al Cosmos luego de una gran explosión nuclear. Tendrán aventuras “siderales”, diferentes. Entre constelaciones, meteoritos y planetas. Animación francesa dirigida por Momoko Seto, realizada en Francia. Su título original es Planetes. Duración: 75 minutos.

LA ODISEA, RETAZOS DE MEMORIA, COLORES PERDIDOS, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 16 DE JULIO DEL 2026

LOS PRINCIPALES ESTRENOS DE CINE DE ESTA SEMANA

LA ODISEA

https://youtu.be/iuS9JkUjnQY?si=aQrefrsrA51EKanP

 Dirección, guion y producción de Christopher Nolan.

La película de esta semana es la superproducción norteamericana e inglesa de Christoppher Nolan titulada “La Odisea”, basada en el tradicional poema del griego Homero. Narra las vicisitudes que vivió el guerrero Odiseo, rey de Itaca, para regresar junto a su mujer, Penélope, luego de la guerra de Troya. Este largo camino de regreso le demandó 10 años, en los que fue viviendo extrañas aventuras con personajes como el cíclope Polifemo, las Sirenas y la diosa bruja Circe.

El drama de la postguerra interfiere con la vida familiar que espera el regreso de Odiseo, allí surgen diálogos muy “a la americana”, personajes que enfrentan al hijo de Odiseo recordándole que su madre podría haber tenido amantes. Por supuesto, es el toque de “melodrama” que siempre gustó al público norteamericano. En nuestras tierras se aprecian más los desarrollos técnicos y actorales que diálogos un tanto triviales.

El film se rodó entre febrero y agosto de 2025, casi un año después de haber sido elegido como protagonista Matt Damond, en el rol de Odiseo. Y en sistema IMAX totalmente de 70 mm, siendo el primer film realizado de principio a fin con esta tecnología. Demandó una inversión de 250 millones de dólares, que, por el tenor de la propuesta, es lo habitual. Pensemos que la primera película de Harry Potter hace muchos años ya requirió de 150 millones de dólares más otra cifra equivalente en publicidad y marketing en general.

La Odisea fue rodada en diferentes lugares, comenzando por estudios para pasar a exteriores en Marruecos (Teatro Real en Marrakech, Ait Ben Haddou, Essaouira, Dakhla), Grecia (Plyos, Castillo de Methoni, Peloponeso, playa de Voidokilia), Italia (Islas Eolias, Favignana, Sicilia), Escocia (Moray Firth, Buckie), Islandia (no fueron precisadas las locaciones) y el Sahara Occidental.

En la trama sobresalen las aventuras de Odiseo tanto como los pretendientes de Penélope, su mujer. El principal enemigo de Odiseo es Antínoo, encarnado por Robert Pattinson, que pretende quedarse con la mujer y el reino de Odiseo.

Otros aspectos técnicos son los siguientes: Fotografía a cargo de Hoyte Van Hotenma, Montaje de Jennifer Lame, Mùsica de Ludwif Goransson. Duración: 172 minutos.

Principales protagonistas: Matt Damond como Odiseo, Anne Hathaway como Penélope su mujer, Tom Holland como Telémaco su hijo, Zendaya como Atenea la diosa de la guerra que protege a Odiseo, Lupita Nyong”o como Helena de Esparta y Clitemnestra, esposas de Menelao y Agamenón respetivamente, Charlize Theron como Calipto o sea la ninfa exiliada en una isla, John Bernthal como Menelao o rey griego de Esparta, John Leguizamo como Fumeo o fiel sirviente de Odiseo, Benny Safdie como Agamenón o rey griego de Micenas, Mia Goth como Melanto o sierva de Penélope, entre otros.

Recordemos que la exuberancia tecnológica de Hollywood y, en este caso, Inglaterra, se estrellan en los diálogos supuestamente cotidianos de los personajes. Ha sido así siempre, hasta en la impactante “Gladiador”. Pero está lo visual y el protagonista, tomado de una historia de la mitología griega en lugar de la mitología de Marvel para dar un ejemplo. Es un gran paso el de Nolan buscando temas que hacen a la historia del mundo Occidental y alejándose, en este caso, del mundillo hollywoodense.

(Informe de Elsa Bragato para Actoresonline.com)

LOS LAGOS

Dirección, guion, producción, cámara y fotografía de Diego Gachassin. Sonido directo de Gino Geisi, Matías Reynoso, Luciana Basevich, Montaje de Fernando Vega y Diego Gachassin, Música de Germán Cantero, Asistencia y corrección de color de Bruno Gachassin Poncet. Operador de drone: Federico Batan. Con Agustín Lagos y Tomás Lagos, entre otros. Duración: 90 minutos. Docuficción.

XXX -LOS HERMANOS SEAN UNIDOS

Realizando una multitarea además de dirigir, Diego Gachassin nos ofrece un docuficción (los documentales lisos y llanos se han transformado en películas con personajes) sobre los hermanos Lagos, ambos dedicados a la cura de enfermedades, pero de manera diferente. Agustín vive en Catamarca donde construye casas de adobe, ayuda en “constelaciones” para averiguar el origen de las enfermedades de sus clientes-pacientes, mientras que Tomás trabaja en cuidados paliativos, en eso que, en algunos países, se llama “el buen morir”.

Gachassin no explica la separación de los hermanos, por qué uno vive en el Noroeste y otro en la capital o en el Sur, nada nos dice qué pasó entre ellos. Hay una secuencia inicial donde los dos hermanos están supuestamente junto a sus familias y Agustín explica lo que hace. En Catamarca se ve algo de sus orientaciones para curar pero Gachassin pone énfasis en contar cómo el protagonista se somete a técnicas orientales de autosanación y hasta filma ejercicios de yoga en un grupo a cielo abierto.

Lo mejor de este docuficción es el reencuentro de los hermanos en el Sur, cuando Tomás hará una carrera a la que asiste Agustín, y ambos, a orillas de un lago, hablan de frente sobre lo que los separa, si es posible remediar esa lejanía entre ambos, por sobre el lugar donde vivan. Es ahì donde está el meollo del film que se ha dilatado hasta el desenlace.

Nada hay que reprochar a la postproducción, a la filmación in situ, fuese en el Noroeste o en el Sur. Las técnicas son irreprochables. Pero, una vez más, encontramos pobreza en el guion, al menos una historia que se resuelve a los saltos, y que parece más un largometraje inacabado sobre una familia que un documental sobre las actividades de curación de dos hermanos. Los diálogos, con excepción de la secuencia indicada, son muy simplotes, elementales, y monocordes porque los actores no le dan énfasis sino que parecen recitarlos sin entusiasmo. En sí, el docuficciòn siempre tiene algo de rescatable y es esa charla de dos hermanos que bien podría haber sido el inicio del film para ubicarnos en tiempo y forma.

Elsa Bragato

RETAZOS DE LA MEMORIA

Dirección de Juan Pablo Tobal Clariá. Fotografía de Augusto Caro Ramíerez, Juan Pablo Tobal Clarià, Diego Elvio D”Angelo, Sonido de Carlos Segovia y Joaquín Santos, Montaje de Luciano Juncos, Mùsica de Horacio Burgos, Intérprete de Diego Cortez. Duración: 77 minutos.

XXXX – EL MUNDO SECRETO DE LA AMAZONIA COLOMBIANA

Resulta muy interesante, atrapante por momentos, este film de Juan Pablo Tobal Clariá, especializado en identidades culturales y lenguas indígenas con trabajos en serie como “Guardianes de la lengua”, que fuese nominada a Mejor Serie Latinoamericana en Premios Tal. En este caso, se acompaña a Jeison Castillo (también coguionista) a su ingreso al Parque Nacional Serranía de Chiribiquete, en la Amazonia colombiana, guiado en un bote por Gory Londoño, “sabedor” de la zona. Jeison va con la intención de enseñar arte a los niños de esa población indígena. Esto obliga a una convivencia con toda la comunidad y, en principio, a desconocer ciertos conceptos sobre la naturaleza y los seres invisibles que le traerá problemas. De pronto, se verá inmerso en un camino de sanación donde los indígenas le hacen saber que son ellos, sus pueblos, los que han salvado al mundo por respetar a los animales, a los bosques, a los seres invisibles.

El film resulta muy atractivo visualmente, en especial durante las primeras secuencias, por el viaje lento y calmo sobre un río interior de la Amazonia hasta llegar a la tierra donde la población lo espera. Son otros tiempos, otros conocimientos, otros respetos por el entorno que no existen en las ciudades. Tobal Clariá utiliza todo tipo de tomas, desde planos largos hasta close up cuando tres adultos de la población se sientan a hablar en su dialecto sobre la situación de Jeison Castillo y sus desconocimientos porque la naturaleza no lo perdonará.

El transcurrir de ese bote inicial le da el tono a la narración: es calma, no hay arrebatos, se va cumpliendo paso a paso con gran riqueza visual y conceptual a la vez. Se habla del conocimiento que hemos perdido o nunca tuvimos los ciudadanos sobre esos bosques que parecen despoblados y que, sin embargo, están cargados de vida en ésta y otra dimensión. Es una película diferente, alejada de los lugares comunes de historias consabidas: Tobal Clariá nos descubre un mundo que existe, nos rodea y que debemos conocer.

Elsa Bragato

EL CLUB DE LA PESCA

De Gastón Horacio Revol Molina. Con Adrián Azaceta, Paula Brasca, Iván Espeche, Matías Benedetti, Fernando Cangi, entre otros. Duración: 93 minutos. Año 2024.-

XXX-EMBROLLO NARRATIVO

Gastón Revol Molina ubica la historia de un matrimonio en crisis en una clase social alta. Rodrigo (Adrián Azaceta) es constructor, o eso parece, y su mujer es Valentina (Paula Brasca) acostumbrada a codearse con artistas, a partir de su nivel social y de su actividad de escritora. Por ahí aparece un cuadro de Modigliani y un joven que dice ser “merchant”, único punto de unión con la melange narrativa que se vivirá después. Si la narración se hubiera quedado en el devenir de un matrimonio con problemas económicos serios que obligan a Rodrigo a involucrarse con gente “pesada”, con un intento de la pareja por recomenzar, hubiese sido un film más, pero coherente. El caso es que la narración se tuerce intempestivamente al descubrirse que la mucama tiene un cuadro supervalioso. Y la historia de amor, o melodrama cotidiano, se pierde porque la acción se desplaza hacia la compra del cuadro en la casa de la mucama y su marido que aparenta ser mudo. Surgen personajes de la nada, el experto de arte que habla en francés e inglés, un toque de “clase media alta” que no aporta nada como se verá después, mientras Valentina desaparece de escena. Del melodrama romántico, dentro de un tono inexpresivo y frío, se pasa al thriller. Hay muchos hilos sueltos, hasta un irse a negro de la cámara que confunde y queda la impresión de que la historia del cuadro, seguramente buscada como conflicto que aporte otras líneas argumentales, cae del cielo, se incrusta en un drama socioeconómico y romántico y lo destruye. Muchos subtemas que opacan hasta sacar de escena la propuesta del matrimonio que debe superar su crisis. 

Elsa Bragato

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También se anuncia el estreno de la animación nacional “Colores perdidos”, de Roberto De Biase, que dura 82 minutos y es apta para todo público. Cuenta la historia de Juliàn, de 9 años, que se da cuenta que el famoso Cerro SieteColores los perdió. Junto a sus abuelos y una brújula mágica hará un viaje especial para tratar de que el cerro recupere sus colores.

DOS PIANOS, TRIAL, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 9 DE JULIO DEL 2026

JUEVES 9 DE JULIO DEL 2026

CRÍTICAS DE ALGUNOS ESTRENOS NACIONALES E INTERNACIONALES

LOS CAMINANTES DE LA CALLE. Se previó su estreno la semana pasada, por lo que nos remitimos a la crítica de la semana pasada ya publicada.

Es justo aclarar para nuestros amigos lectores que este tipo de idas y vueltas en los estrenos nacionales surge de la intervención estatal en el Cine y el INCAA en especial. Se perdió el listado completo de estrenos semanales nacionales.

Elsa Bragato

DOS PIANOS

Dirección y acción de Arnaud Desplechin. Cinematografía de Pablo Guillhame, Mùsica de Gregoire Hetzel. Con Francois Civil, Nadia Tereszkiewicz, Charlotte RampLing, Hipolito Girardot, Alba Gala Bellup, entre otros.  Duración: 116 minutos.

XXX- ENTRE CONCIERTOS Y AMORES

El realizador Arnaud Desplechin plantea un melodrama poco habitual en las demás cinematografías uniendo música, infidelidad, pasión. Centra la acción en un pianista que regresa a su ciudad para reencontrarse con su mentora, Elena (Charlotte Rampling). Elena desea dejar por edad y cansancio los conciertos y tiene reservado ese lugar a su discípulo, Mathías Vogler (excelente Francois Civil). El regreso de Mathías no lo encuentra en su mejor estado de ánimo sino que su alma aun está atravesada por dolores y desengaños del pasado. Sin embargo, sigue el mandato de Elena hasta que este presente, donde parece retomar su camino profesional, se ve casualmente interceptado por un niño en un parque que es idéntico a él cuando era pequeño, algo que corrobora con una foto de su niñez. Y empieza a buscar a su primer gran amor, Claude (bella Nadia Tereszkiewicz). Cuando la encuentra, el desencuentro trastoca el alma de Mathías, discuten, se aman, y recupera al hijo que le fuese negado por Claude cuando estuvieron juntos clandestinamente.

Desplechin trabaja con un protagonista al que somete a un doble sufrimiento: el de su pasión por la música que se ve tan entorpecida y su amor por Claude y el hijo que descubre. Es decir, el realizador profundiza en las vicisitudes de la vida humana: lo cotidiano, lo familiar, puede ser un ariete en la vida de un artista, trastocar su carrera porque resulta casi imposible desentenderse de lo que se vive en un hogar con la ceremonia de subirse a un escenario.

Sabe mostrar esa dicotomía espiritual que existe, que es común aunque no habitual en muchos artistas: el drama de una familia destruida conviviendo con la responsabilidad profesional. Dónde se hace pie, de qué manera. ¿Puede un mecenas con sus imposiciones que el discípulo se centre en el arte alejándose de los problemas de su corazón?

La película duele porque Francois Civil dota a su personaje de ese matiz melodramático a través de una gestualidad verosímil, honesta. Difícil separar la figura del actor del personaje, logro tanto de Civil como del director y su marcación.

La fotografía es rica, colorida, trabaja en interiores y exteriores fluidamente, es una narración clásica que apela al desarrollo de sus personajes de la manera más explícita posible, mostrándolos en sus debilidades, en sus cotidianeidades, en sus fortalezas y en sus desesperaciones. Amor y música en un film francés que no defrauda.

Elsa Bragato

TRES NOCHES AL AÑO

Dirección de Juan Alejandro Cassareto. Guion de Julia Bastanzo Paximada. Edición de Juan Guzmán Bonavento. Mùsica de Julio Manuel Vázquez, Duración de 70 minutos. Misiones, Argentina.

XXX- RESCATE DE UNA PASIÓN: EL CARNAVAL

A “Tres noches al año”, como cualquier documental donde se trabaja con entrevistados, hay mirarlo de pe a pa y luego sacar algunas conclusiones sobre su realización.

Cassareto toma cuatro localidades de la provincia de Misiones (Concepción de la Sierra, Apóstoles, San Javier y San Ignacio) que, de un tiempo a esta parte, transformaron sus vidas al encontrar en la realización del Carnaval, con sus ropajes y carrozas especiales, un motivo de ingresos y esencialmente una pasión de vida. Se entrevistaron más 20 de personas que van ofreciendo sus respectivos puntos de vista, o sea por qué esta actividad les da sentido a sus vidas. Incluso hay un testimonio opuesto a tanto trabajo para esta singular festividad: un sacerdote, representando a la comunidad del rito ortodoxo, no comprende el afán de estas poblaciones por el Carnaval. Pero ellos, sus habitantes, lo dicen con claridad: es una pasión. Cómo nació esa pasión?  ¿Por proximidad con Brasil, por ejemplo? No parece ser el caso. Una de las entrevistadas lo explica: debían encontrar una ocupación para sus hijos; allí, en esos pueblos, no hay pubs ni lugares de reunión para los jóvenes. Los mayores les encontraron un quehacer: el Carnaval. Las chicas comenzaron a bordar y armar los trajes mientras que los varones buscaron instrumentos, aprendieron a tocarlos, ensayos y arreglos musicales de los que más saben de música y, de ser posible, agregar otro instrumento el año siguiente. De a poco, este objetivo sano para dar una ocupación a los más jóvenes se transformó en un medio de vida y en una pasión. Muchas veces, las intendencias que se encargan de las luces y sonidos, tienen un presupuesto acotado y no llega dinero a los bolsillos de las comparsas. Pero esto no amedrenta a nadie.

En verdad, el documental describe la vida cotidiana de cuatro pueblos para los que el Carnaval no es pecado sino alegría y trabajo durante todo el año. Se esfumará tanto esfuerzo en tres noches. Pero valieron la pena porque todos reconocen que son felices cumpliendo este objetivo.

Cassareto elabora bien el plan narrativo sin explicaciones sino hurgando con la cámara en el pleno accionar de la gente, en los lugares donde trabajan, y los entrevista de manera espontánea, en sus casas, en sus trabajos. Es un vivo retrato de qué es el Carnaval para estos cuatro pueblos a través de una descripción puntual y completa planteada sobre un hilo narrativo sin pausas.

Nota de Redacción: el carnaval no se reconoce como tal antes del 1200. Se atribuye su creación a las fiestas paganas de los griegos y romanos, por ejemplo, a las del Dios Baco. Existían entonces festividades plenas de descontrol y alimentación prohibida como ser la carne. También se indica que “Carnem-vale” refiriéndose a la prohibición de comer carne puede ser uno de los orígenes del nombre mientras que otros estudiosos lo dan a “carrus navalis”.En síntesis, es una fiesta pagana en la que se consume todo lo prohibido por la Iglesia Católica a partir del llamado “miércoles de ceniza” que marca el período de introspección previsto ante de la Semana Santa.

Elsa Bragato

TRIAL

Dirección y guion de Ernesto Aguilar. Con Clara Kovacic, Lara Lusnich Augusto Olcese, Antonio Mayans, entre otros. Fotografía de Leandro Díaz del Campo, Edición de Martín Senderowicz, Música de Ernesto Aguilarm Duraciòn: 72 minutos. Coproducción de Argentina y España. Presentada en el Festival Internacional de Cine de Terror de Sitgez, España.

XXX – TERROR ERÓTICO EN UN FILM SANGRIENTO

La producción cinematográfica de Eduardo Aguilar, que presentó un film la semana pasada, es abundante, siempre con bajo presupuesto, tres o cuatro actores y su propia imaginación apoyada por sus conocimientos musicales y cinematográficos. En este caso, toma elementos del llamado “cine erótico europeo” de los 70 sin caer en los excesos de entonces. Nos cuenta en Trial (significa Juicio en inglés) la vida de Wendy que está muy bien casada, es feliz pero tiene pesadillas que la remiten a un pasado oscuro, de sectas, violaciones y hasta del nacimiento de una hija. No sabe si es cierto o no. A su esposo le miente su nombre, siendo el real Tarria. Estos sueños espantosos tienen como epicentro a una adolescente que luego se sumará a la historia de la protagonista hasta de manera incestuosa.

El film està hablado en inglés, con precisión y claridad. Las actuaciones son buenas dentro de lo que el género exige. Por ejemplo, la protagonista, Clara Kovacic se maneja a la perfección con el idioma sajón. Su pareja está a cargo del actor Augusto Olcese quien tendrá un crecimiento exponencial en la trama. Recordemos que estamos hablando de terror erótico por lo que todo se orienta hacia las sectas y la necesidad de ver sangre.

El manejo del hilo narrativo que propone Aguilar es, en este caso, muy bueno. Es correcto decir que sus personajes adolecen de cordura, están encerrados en círculos de gran malignidad. Ciertamente la protagonista Tarria tiene mucho que mostrar a través del personaje, así como su esposo, el muy eficiente Olcese, sumándose todos a un increscendo maléfico que inunda la historia con una base de banda sonora trabajaba con instrumentos electrónicos, constante, sin ser estridente, pero machacona.

La fotografía sobresale por sobre cualquier otro aspecto. Es minimalista por lo que se ve pero tiene encuadres y un manejo del color realmente excelentes. En definitiva, los elementos que construyen esta historia son siempre los mismos: sectas, violaciones, sangre por doquier, velas que iluminan tétricamente, cuerpos desnudos, y, en todo caso, un elogio a la muerte no natural. En nuestro caso, la repetición de clishés, aunque estén muy bien filmados, no nos resulta atractivo y nos deja poco sabor. Aguilar en esta oportunidad no se privó de nada.

Elsa Bragato

TRES NOCHES AL AÑO

Dirección de Juan Alejandro Cassareto. Guion de Julia Bastanzo Paximada. Edición de Juan Guzmán Bonavento. Mùsica de Julio Manuel Vázquez, Duración de 70 minutos. Misiones, Argentina.

XXX- RESCATE DE UNA PASIÓN: EL CARNAVAL

A “Tres noches al año”, como cualquier documental donde se trabaja con entrevistados, hay mirarlo de pe a pa y luego sacar algunas conclusiones sobre su realización.

Cassareto toma cuatro localidades de la provincia de Misiones (Concepción de la Sierra, Apóstoles, San Javier y San Ignacio) que, de un tiempo a esta parte, transformaron sus vidas al encontrar en la realización del Carnaval, con sus ropajes y carrozas especiales, un motivo de ingresos y esencialmente una pasión de vida. Se entrevistaron más 20 de personas que van ofreciendo sus respectivos puntos de vista, o sea por qué esta actividad les da sentido a sus vidas. Incluso hay un testimonio opuesto a tanto trabajo para esta singular festividad: un sacerdote, representando a la comunidad del rito ortodoxo, no comprende el afán de estas poblaciones por el Carnaval. Pero ellos, sus habitantes, lo dicen con claridad: es una pasión. Cómo nació esa pasión?  ¿Por proximidad con Brasil, por ejemplo? No parece ser el caso. Una de las entrevistadas lo explica: debían encontrar una ocupación para sus hijos; allí, en esos pueblos, no hay pubs ni lugares de reunión para los jóvenes. Los mayores les encontraron un quehacer: el Carnaval. Las chicas comenzaron a bordar y armar los trajes mientras que los varones buscaron instrumentos, aprendieron a tocarlos, ensayos y arreglos musicales de los que más saben de música y, de ser posible, agregar otro instrumento el año siguiente. De a poco, este objetivo sano para dar una ocupación a los más jóvenes se transformó en un medio de vida y en una pasión. Muchas veces, las intendencias que se encargan de las luces y sonidos, tienen un presupuesto acotado y no llega dinero a los bolsillos de las comparsas. Pero esto no amedrenta a nadie.

En verdad, el documental describe la vida cotidiana de cuatro pueblos para los que el Carnaval no es pecado sino alegría y trabajo durante todo el año. Se esfumará tanto esfuerzo en tres noches. Pero valieron la pena porque todos reconocen que son felices cumpliendo este objetivo.

Cassareto elabora bien el plan narrativo sin explicaciones sino hurgando con la cámara en el pleno accionar de la gente, en los lugares donde trabajan, y los entrevista de manera espontánea, en sus casas, en sus trabajos. Es un vivo retrato de qué es el Carnaval para estos cuatro pueblos a través de una descripción puntual y completa planteada sobre un hilo narrativo sin pausas.

Nota de Redacción: el carnaval no se reconoce como tal antes del 1200. Se atribuye su creación a las fiestas paganas de los griegos y romanos, por ejemplo, a las del Dios Baco. Existían entonces festividades plenas de descontrol y alimentación prohibida como ser la carne. También se indica que “Carnem-vale” refiriéndose a la prohibición de comer carne puede ser uno de los orígenes del nombre mientras que otros estudiosos lo dan a “carrus navalis”.En síntesis, es una fiesta pagana en la que se consume todo lo prohibido por la Iglesia Católica a partir del llamado “miércoles de ceniza” que marca el período de introspección previsto ante de la Semana Santa.

Elsa Bragato

ALGUNOS ESTRENOS INTERNACIONALES

1)  MOANA, de Thomas Kall. Disney. Cuanta la historia de Moana que quiere devolverle a su pueblo la prosperidad y se aventura fuera de su isla junto al poco querido semidios Maui. El título en Europa es Vaiana por una razón comercial (Moana es el nombre de un producto cosmético). La realización es fantástica visualmente mientras que el texto nos lleva al bien y el mal, como siempre. La niña quiere ayudar a su pueblo mientras, por distintas circunstancias queda unida al semidios malvado. Pero aquí no hay que mirar mucho con quién se està sino ayudar al pueblo ano sucumbir ante un océano que cobra una vida especial.

2) EVIL DEAREN LLAMAS, de Sebastien Vanicek. Es una franquicia que agrega un producto más. Una viuda decide buscar consuelo con sus suegros, pero lejos està de imaginar que no será una familia normal sino infernal.Se enfrentará a monstruos, personas endiabladas capaces de descuartizar, de pulverizar cuerpos humanos, cortar manos, sin que medie respiro para el espectador. Obviamente es un film para amantes del género porque quienes no lo son se van a sentir muy incómodos. Es el subgénero llamado “slasher” y tanto gore no siempre es fácil de digerir. Como dijimos, para fanáticos. Es además un producto de la saga Evil Dead Rise (2023), terror sobrenatural gore.

 

EL AFINADOR, LOS CAMINANTES DE LA CALLE, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 2 DE JULIO DEL 2026

 

JUEVES 2 DE JULIO DEL 2026

EL AFINADOR

De Daniel Roher. Con Leo Woodall, Dustin Hoffman, Lior Raz, Joan Reno, entre otros. Cinematografía de Lowell A. Meyer, Mùsica de Marius De Vrios, Will Bates, Duraciòn: 109 minutos. Canada.

XXXX. EL CAMINO DE LA MÚSICA AL CRIMEN

Atrapante e imprevisible película que lanza como protagonista al joven Leo Woodell con un hábil sustento actoral a través de la presencia de Dustin Hoffman a quien papeles aparentemente secundarios o pequeños siempre los transforma en sustanciales.

“Hary Horowitz” es un afinador de pianos ya veterano que tiene un joven ayudante, Niki, quien padece de hiperacusia y, sin embargo, tiene desarrollada la capacidad para detectar los sonidos perfectos de las 88 notas del piano. Ha sido un hábil pianista pero por ese problema de salud decidió abandonar esa carrera y trabajar con Horowitz. Sin embargo, ser afinador tiene otra cara que ni èl mismo sospecha: sus oídos son privilegiados para detectar las claves de las cajas de seguridad de particulares y oficinas donde se guardan suculentos botines en dólares. Esta otra cara transforma la comedia simpática en un policial de intensidad creciente, especialmente cuando el viejo Horowitz tiene que ser internado por su Alzheimer y Niki queda a cargo de la empresa. Alguien, una joven oriental pianista, será su punto débil al movilizar su corazón y el secreto de una eventual redención.

La propuesta del director Roher, apuntalado por el coguionista  Roher, es una narración con clímax creciente aunque no abandona cierto tono menor que le impide caer en el melodrama común. En todo caso, està expandiendo la posibilidad del policial neto al entrecruzar una historia de amor de gran pureza con el oscuro mundo del crimen.

La fuerza de este film, muy bien realizado en aspectos técnicos y actorales, reside en este entrecruzamiento de lo romántico con lo delincuencial. Sin perder cierto tono menor que rodea toda la actuación de Niki por lo que no cae en el melodrama común. Es el “noir siglo XXI” del realizador Roher, que propone el misterio, el crimen, a partir de un personaje y de un hecho impensados: un afinador.

Gran película a la que hay que encontrarle el sabor a medida que transcurre. Atrapa, conmueve, perturba, sin darnos pistas de su final, lejos de lo que se pueda imaginar el espectador. La recomendamos. Es una de las muiy buenas realizaciones vistas en lo que va de este año, rubros impecables y originalidad van de la mano. Elsa Bragato

 

LOS CAMINANTES DE LA CALLE

Dirección y guion de Juan Martín Hsu con el coguion de de Marcelo Pitrola. Con Victoria Almeida, Chien Min Leo, Andrés Alberto Tan He, entre otros. Cinematografía de Rodillo Romano, Mùsica de Jorge Miranda y Mowat. Duración: 90 minutos. Coproducción de Argentina y Perú.

XXX –EXTRAÑA ESPERA DEL TIRO DEL FINAL

La globalización ha permitido compartir todo tipo de personajes y acciones, desde las más enriquecedoras hasta el crimen organizado. Es el caso de la mafia china, que se instaló en la provincia de Mendoza en 2010, con consecuencias a lo Al Capone (de acuerdo a las películas vistas) que fueron creciendo en peligrosidad. En este film de Juan Martín Mau, se observa el accionar iniciático de la mafia china en la ciudad de Mendoza basándose en la recopilación de hechos reales.

Las mafias no perdonan, exigen dinero a cambio de una falsa seguridad y terminan matando. El cìrculo es igual en todos lados.

En el caso de “Los caminantes de la calle” como se autodenomina esta específica mafia el tratamiento que le da el director Hsu es llamativo por la lentitud que no significa precisamente detallismo, o cierta necesidad de puntualizar algo. Esta tranquilidad en la concatenación de las secuencias y lo que nos muestran le quita emoción y cierto atractivo a un género que, como el policial, exige rapidez en los hechos. Creíble o no, porque todo puede ser, es extraño ver a las víctimas esperar que les llegue el tiro del final sin hacer nada, mirando de frente al matador. Es cuanto menos una forma poco común de explicar con imágenes este tipo de asesinatos. Hablada en cantonés, puede ser que este idioma obligue a trabajar las secuencias de esta manera: el asesino apunta con parsimonia a sus víctimas.

No hay duda alguna sobre la realización en los rubros técnicos. La cuestión pasa por cómo se nos cuenta una historia policial que parte de inmigrantes. La adaptación a tierras lejanas no debiera ser a los tiros, pero las mafias del mundo tienen este accionar (“Promesas del este”, de Cronenberg, 2007, con Viggo Mortensen). No obstante matar, prostituir, lo que llega a las pantallas tiene una celeridad que, en esta película, cuyos rubros técnicos son inobjetables, no existe, con excepción de la primera secuencia de muerte. Rara, en verdad, reflejando un problema social existente solo en Capital Federal y, sin embargo, està extendido en varias provincias argentinas.

Elsa Bragato

LA CASA DE OSCAR

Dirección y guion de Ernesto Aguilar. Con Gastón Biagione, Valeria Galarza, Carlos Benincasa. Pablo Cavè, Danetela Legui, Florencia Prícolo. Fotografía y cámara de Leandro Díaz del Campo y Ernesto Aguilar. Mùsica de Gonzalo Pérez, Duración: 61 minutos. Filmada en Moreno, localidad de la provincia de Buenos Aires, 2019.

XX – POBREZA FRANCISCANA PARA UN POLICIAL

Si bien debemos apoyar las producciones independientes y siempre lo haremos, también éstas deben ofrecer guiones que tengan algo que contar y, cuando lo cuentan, debe ser de manera que atraiga y no que uno vea por dónde viene el  hilo argumental y a los 20 minutos sepa qué va a pasar. Es el caso de La casa de Carlos, tomando a tres policías supuestamente independientes, sin uniformes, que persiguen a un asesino serial. Pero las expresiones y la gestualidad de uno de los dos hombres (dos hombres y una mujer participan de esa búsqueda es una oficina sin ninguna identificación policial) así como sus pesadillas ya nos empiezan a dar demasiados indicios.

La casa de Carlos, justamente, es el epicentro de las secuencias finales donde el protagonista presenta ataques que, al no ser médicos, no podemos describir pero es evidente que son de insania mental. Y allì se descubre en imágenes lo que venimos suponiendo desde el principio.

El film data del 2019, está rodado en la localidad de Moreno, provincia de Buenos Aires, y sin embargo resulta claustrofóbico porque las secuencias se desarrollan en interiores no aprovechándose, salvo en contadas ocasiones, los exteriores. Hay muy poca inversión, se puede comprender, pero para competir en las salas donde hay films extranjeros del género por lo menos hay que darle al guion una impronta menos previsible y celeridad en la acción. El dinero no siempre es el culpable, pero se nota su carencia cuando el guion es el que padece de una pobreza franciscana, como decían las abuelas salvándose en este caso la fotografía, la cámara, pero no así la cinematografía o sea ese aspecto general que engloba el concepto o la razón de ser de una película. En verdad, no nos conformó, y lo lamentamos.

Elsa Bragato

OTROS ESTRENOS INTERNACIONALES PREVISTOS

-   MINIONS & MONSTRUOS, dirigida por Pierre Coffin es la película en principio anunciada como superestreno internacional. Entre las voces de los Minions y Monstruos están las de Christoph Waltz, Jeff Bridges como Elwood, Trey Parker, entre otros.  Se trata de la secuela de Mions, The Rice of Gru, del 2022. En este caso, la historia retrocede en el tiempo y presenta a tres de los Minions que quieren convertirse en famosos directores de cine. Estos muñequitos animados siempre divierten aun cuando no son del todo buenos y alguna maldad dejan por el camino. Con el elenco que ha puesto sus voces en la banda original, o sea sin doblaje, habrá seguramente momentos de intensidad y otros de sana diversión.

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