RETRATO DE UN PIANISTA, HANGAR ROJO, VÉRTIGO 2, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 1RO DE OCTUBRE DEL 2026

JUEVES 1RO DE OCTUBRE DEL 2026

Hay varios estrenos. Vamos a comentar solo a tres.

RETRATO DE UN PIANISTA

Dirección, guion y producción de José Nacci, Elena Konieczny, con el pianista Antonio Formaro, Elena Konieczny en off, Eduardo Chino Orueta, Maestro Marcelo Balat, orquesta estable del Teatro Argentino, entre otros. Fotografía de Florencia Velozo, Luciano Nacci, Arte de Santiago Canepa, Montaje de Luciano Nacci, Música de Antono Formaro. Duración: 68 minutos. Prensa: Cristina Zurutuza.

XXXX – MARAVILLOSO RETRATO DE UN MÙSICO Y SU ENTORNO

Este documental es casi un “avis rara” en la cinematografía argentina: interesarse por un músico y su cotidianeidad. Se trata del maestro Antonio Formaro, que fue recorriendo el país no solo con su arte sino encontrando pianos maravillosos. Asi nos enteramos que los pianos fueron, hasta la primera guerra mundial, franceses y alemanes, y entre estos últimos, una de sus marcas fue la Steinway. Que los pianos del siglo XIX, si eran de la madera de los bosques añosos europeos, sonaban bien pero con sonidos livianos, mientras que luego, a mitad del siglo XX, se buscaron sonidos más densos. Y da ejemplos con su virtuosismo. También le rinde homenaje al gran pianista chileno Claudio Arrau, que debutó a los 5 años y dio su primer concierto internacional a esa edad en nuestro país. En torno al maestro Formaro, además de los pianos y sus maravillosas historias, está su familia.

Forma y fondo tienen en común una historia diferente porque la vida de los músicos es distinta a la de todos. La forma atiende las opiniones del pianista a cámara, dentro de una filmación clásica, con el objetivo de ser un fiel retrato de una vida musical. El fondo nos regala una vida diferente, ensayos, orquestas, responsabilidades, estudios, conciertos. Esas ceremonias que los músicos profesionales conocen y que no siempre el público en general advierte el sacrificio que hay detrás de un recital. Es, sin duda alguna, un documental que hace honor a un gran pianista y, al mismo tiempo, le rinde homenaje a la vida tan especial de los músicos, donde las notas, los pentagramas, ocupan la intelectualidad mientras que los sentimientos se dividen entre ese arte tan acaparador y los seres queridos. Magnífico.

Elsa Bragato 

VÉRTIGO 2

De Spierig Brothers. Con Harriet Slater, Arsema Thomas, Tom Britney, entre otros. Fotografía de Andrew Strahorn. Duración: 97 minutos.

XXX- CUANDO LOS EFECTOS ESPECIALES PUEDEN MÁS QUE UN GUION

Por momentos, Vértigo 2 es espeluznante debido a un trabajo de postproducción muy interesante: dos jóvenes colgadas de una montaña a la que accedieron por los caminos prohibidos tienen que regresar a tierra firme. Y les sucederá de todo un poco y siempre en situaciones límites, quedarse colgadas, un alud de piedras, un camino sobre un abismo. Jax (la bella Harriet Slater) quiere honrar a su hermana Shilot, que murió por sus aventuras extremas. Subir a esa montaña con la amiga de su hermana, Luce (Arsema Thomas=) puede ser una compensación.

Los Spierig Brothers trabajan esta narración en principio desde el thriller, casi cine catástrofe por las situaciones en las que las protagonistas viven, y lo va trasladando al policial neto, de manera imprevista. Aunque hay que reconocer que la reaparición de un personaje a tantos metros de altura resulta poco creíble. Se da en la ficción y comienza el vuelco hacia lo policial. Esto hace al thriller más interesante.

En lo formal, estamos frente a un compendio de clishés computarizados increíbles, bien engarzados, bien realizados, y actuaciones buenas si bien el terror de estar colgadas frente a un precipicio debió profundizar ese sentimiento en las la gestualidad de las protagonistas. El fondo está basado en pegarnos todo tipo de sustos, en mantenernos en vilo durante todo el tiempo de la historia, con un final sosegado, que da el respiro para que uno salga de la sala al menos con el corazón en el cuerpo, aunque se lo tenga en la boca.

Elsa Bragato

HANGAR ROJO

Dirección de Juan Pablo Sallato. Guion de Luis Eilio Guzmán. Fotografía de Diego Pequeño, Mùsica de Alberto Michelli y Matteo Marrella. Con Nicolás Zárate, Boris Queroia, Manuel Tagle, entre otros. Duración: 81 minutos. Distribuye Zeta Films.

XXXX- UNA VISIÓN PARTICULAR DEL DERROCAMIENTO

DE SALVADOR ALLENDE

Pocas veces a través de un trabajo fotográfico tan medido se logra tanto, se transmite tanta opresión, miedo, dolor. Hangar Rojo nos remite al 11 de setiembre de 1973, cuando el presidente chileno Salvador Allende había sido derrocado y estaba muerto. Pero esos hechos se hablan, sin que la cámara de Sallato recurra a ellos. Se centra en la vida del capitán Jorge Silva quien es el ex jefe de inteligencia de la Fuerza Aérea y tiene un hangar a su disposición. Reaparece un enemigo político quien lo obliga a destinar ese hangar a centro de tortura, el Hangar Rojo de ahora en más, con la orden de llevar a los jóvenes prisioneros al Estadio Nacional pero en el camino hacerlos correr y matarlos.

Jorge Silva está entre la espada y la pared. Es un hombre de Allende pero, si no se suma a las directivas actuales, es hombre muerto. Solo recién de pasadas muchas horas, puede volver a ver a su esposa, quien ha sufrido también la intromisión de los milicos en su oficina y está aterrada. Silva regresa, pero toma una decisión en la que se juega la vida sin por ello hacerle perder la vida a otros. En la vida real, murió en el 2024 en Londres y jamás regresó a su país.

En este film, sin duda brillante por la cinematografía, por la actuacin de Nicolás Zárate- hombre de rostro muy anguloso que logra transmitir sus sentimientos- así como ocultarlos ante sus superiores para no morir, la fotografía se transforma en un personaje más: el director trabaja en el glorioso blanco y negro, con planos cortos casi todo el tiempo, con la cámara siguiéndolo a Silva, casi pegada a su cabeza. Luego pasa al plano y contraplano con desenfoques precisos y a primerísimos planos de Silva y sus jefes ocasionales. Se genera una tensión creciente. El caminar rápido de Silva, la cámara pegada casi a su nuca, el estadio Nacional lleno de gente, los gritos de los torturados, generan un clima de opresión y angustia que representa lo que los habitantes de esta parte del mundo vivimos durante las sangrientas dictaduras militares, que partieron de la siniestra Escuela de Chicago y su plan económico a “sangre y fuego”. Gran película, gran actuaciòn de Silva, gran trabajo fotográfico, un film de ésos que se transforman en íconos de una época.

Elsa Bragato

ANNEMARIE

Dirección y guion de Mariana Sanguinetti, Fotografía de Ignacio Aveille, Montaje de Ana Godoy, Sonido y subsonido de Marcos Zoppi. Con Annemarie Heinrich, Alicia Sanguinetti, Ricardo Sanguinetti, Dennis Connors, Ursula Heinrich, Graciela Borges, Mirtha Legrand. Duración: 74 años.

XXX – PIONERA DE LAS FOTÓGRAFAS

Annemarie Heinrich, nacida en Alemania, fue la gran pionera de la fotografía, especialmente los retratos, del mundo femenino. Fue, justamente, una mujer empoderada que luchó contra el machismo de la época y fue la requerida por los artistas de varias décadas. En este film, su bisnieta Mariana Sanguinetti busca elementos para el documental en la vastísima obra de su bisabuela, recogiendo testimonios de amigos y familiares y artistas, entre ellas, Graciela Borges. Surge del documental que Annemarie (1912-2005) tuvo grandes referentes de quienes aprendió sus técnicas, como Melitta Lang, Ria Granger y Sivul Wilenski. Hoy en día  sus obras integran los museos de New York, de Bélgica, de nuestro país. Es una de las grandes retratistas de todos los tiempos.

Yendo al material que se exhibe, las primeras secuencias exhiben la preparación de los salones para una exposición de los monumentales retratos. Y en verdad desalientan un poco porque el espectador quiere ver de entrada a la gran mujer fotógrafa, su familia, más que esa explicación a través de imágenes de cómo se trabaja para lograr una muestra. No obstante, esto se repara luego con una narración donde surgen muchas anécdotas sabrosas y hasta hay films de la época donde Heinrich habla, por ejemplo, agradeciendo un premio.

Es un homenaje completo que va más allá de las obras de Annemarie Heinrich: logra transmitir, y es lo más valioso, una mirada profunda sobre una personalidad femenina fuerte, decidida, luchadora, una mujer empoderada hace décadas cuando tanto su profesión como el hecho de ser mujer no eran aceptadas por la sociedad. Se siente el espíritu de lucha de Annemarie como profesional, tanto como, al mismo tiempo, fue capaz de organizar una familia. Resulta un documental esclarecedor y enriquecedor, sobre una figura fundamental del mundo artístico nacional. Y descubre para los más jóvenes una personalidad que fue clave en la difusión de los rostros de nuestros artistas. Muy interesante y también un justo tributo de la labor de una artista reconocida en todo el mundo, pero que vivió aquí y aquí desarrolló su notable obra como retratista.

Elsa Bragato

OTROS ESTRENOS

1)  SOY ELLA, DOCUMENTAL DE Cecilia Pinotti. Trata sobre la vida de La Kalo, una mujer tras del conurbano. No es el primero sobre el tema pero en este caso hay simplicidad y nobleza en el relato, es decir, se trata de dar visibilidad al tema del transgénero desde un lugar no común, mostrando la fortaleza de La Kalo así como su sensibilidad.

2)  ENCANTADOR, de Josè María Cicala. Con Mario Alarcòn. Es la vida de un joven de pueblo, que cuida de su madre, trabaja en un videoclub y colecciona muñecas. Todo se trastoca cuadno empiezan a desaparecer mujeres y llega el inspector Porter. Para la crìtica es una película pequeña pero atrapante entre la mezcla de comedia ligera, policial, con mucha intriga.

 

 

 

 

ERAMOS TAN FLACOS, CAUTIVA MINISERIE, DESDE DENTRO MINISERIE, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 24 DE SETIEMBRE DEL 2'26

24 DE SETIEMBRE DEL 2026

ERAMOS TAN FLACOS

Dirección y guion de Carlos Castro. Música de Juan Lucesole, Carmen Sànchez Viamonte. Duración: 80 minutos.

XXX- Documental sobre los 90 y los estudiantes

Un joven que viene del interior tiene como destino la ciudad de La Plasta, es la voz en off que nos va contando sus experiencias y la atracción que ejerce en èl esa ciudad y la Universidad. Son tiempos del ex presidente Carlos Menem, de “venta” del país, de desguazamiento de los centros educativos. Y la masa estudiantil esta en guardia, con reuniones en las facultades. El joven en Off va grabando lo que puede con una vieja cámara, pero descubre, con los años, que los servicios de inteligencia, agazapados, escondidos, hicieron filmaciones, que hoy se pueden utilizar, de los estudiantes. Los perseguían con las cámaras, eran seguras víctimas después. Habìa encono con la nueva Ley de Educación Superior, cambios que se venían gestando por los apátridas desde la época del gobierno de facto de Onganía. Se habìa ya vivido La noche de los bastones Largos. El documental, para quienes tenemos canas, es un verdadero “deja vú” de aquellos otros años de oprobio.

De esta manera, se descubre que los jóvenes que salían en manifestaciones eran llevados a los ex centros clandestinos de detención. Se suponía que no les hacían nada más que tirarles del pelo y no otra aberración, pero fueron tiempos donde, con los indultos de Menem a los genocidas militares y a los capos del terrorismo como Firmenich mostraban todavía las señales de las dictaduras. Estaban ahì, presentes.

El documental es valioso porque impide olvidarse de lo que se vivió en La Plata en esos tiempos de Menem que, de democráticos, por lo visto tuvieron el nombre. El fue elegido en “santas” elecciones. Pero los métodos provinciales de Buenos Aires, a cargo del gobernador Duhalde, no parecían distar mucho de los horrores vividos, aunque con menor intensidad.

Es historia filmada, que debe tenerse en cuenta siempre por aquello de tener “memoria activa”. para que no vuelvan los nazis, los fascios, los antipueblo que suelen estar al acecho de cualquier oportunidad. Valioso desde el punto de vista histórico a pesar de que hay fallas técnicas propias de los videos de hace tantos años ya. insistimos, valioso documental.

Elsa Bragato

ESTRENOS EN PLATAFORMAS

FLOW

CAUTIVA

Miniserie argentina sobre un caso real. Dirección de Paula Hernández y jazmín Stuart. Música de Pedro Onetto. 6 episodios. Con Carolina Kopelioff, Lorena Vega, Rita Cortese, Julieta Zylberberg, Valeria Lois, entre otros. Duración: 40 minutos cada episodio.

XXXX – EXCELENTE MINISERIE SOBRE LAS DEVOCIONES RELIGIOSAS

Basada en un caso real, las dos directoras, Hernández y Stuart, narran la historia de Clara, encarnada por Carolina Kopelioff, quien ingresa a un convento de clausura. Conoce a la madre superiora, Cecilia, a cargo de Rita Cotese, y también a su mano derecha, en la piel de la excelente actriz Lorena Vega. Los métodos que se emplean para dar fe de la devoción por Dios son cruentos, la vida es asfixiante para las novicias, especialmente bajo la mirada de una de las monjas superiores. Luego de 15 años, Clara escapa a su hogar y comienza a reconstruirse. Había perdido la esencia de sí misma, era una autómata.

En el primer episodio, hay un muy interesante plano secuencia inicial que cierra ese capítulo, mientras que la forma, en general, de la narración es clásica y nítida. Por momentos da la impresión de ser una miniserie española sobre el tema de las devociones religiosas. A lo largo de los capítulos se ve tanto la vida en el convento como la ayuda de la familia a Clara para que pueda ir superando costumbres tremendas como flagelos inhumanos auto infringidos.

Es una de las mejores series que hemos visto de producción nacional, de seis capítulos de 40 minutos cada uno. Y la recomendamos fervientemente.

Elsa Bragato 

DESDE ADENTRO

Miniserie de Netflix. Serie de teve en cuatro capítulos. Con David Tennant, Stanley Tucci, Dolly Wells, Lydia West, entre otros. Fotografía de Tony Slater Ling. Direcciòn de Steven Moffat, su creador, junto a Paul Mcguigan.

XXX – INTENSO POLICIAL QUE APUNTA A LA INTROSPECCIÓN

Al ver el nombre de Stanly Tucci, por sobre otros grandes actores, se sabe que el producto será de calidad. No nos equivocamos con esta miniserie de corte policial si bien transcurre a partir de lasw consecuencias de asesinatos, o sea dentro de las cárceles. Se plantea a partir de presos que están sentenciados a muerte, entre ellos, el personaje encarnado por Stanley Tucci, y frente a èl diferentes personajes que también tienen sus crímenes. Uno es el caso del rol a cargo de David Tennant, quien encierra a su mujer en el sótano, es decir, el director y guionista muestra diferentes formas de violencia, siempre brutales todas.

Tucci, en todo caso, es el asesino sosegado que cumple con las visitas que llegan siempre esposado. Es, si se quiere, un thriller fuerte por momentos introspectivo. Cada personaje interpela de manera diferente al espectador y transforma la historia en un rompecabezas que hay que unir más sobre el final que en el transcurrir de la historia.

Es muy interesante, pero al mismo tiempo resulta monótona por los extensos monólogos de algunos personajes, interrumpidos por escenas de violencia contra una mujer que produce quiebres en el relato. No deja de tener cierta languidez.

Elsa Bragato

OTROS ESTRENOS PREVISTOS

1)  Avengers, endgame. de Anthony Russo y Jose Russo. Con Robert Downey Jr, entre otros. Es la cuarta película y la última. Tras Avenger Infinity War, es un reestreno con la inclusión de un adelanto exclusivo de Avengers Doomsday. Los vengadores tienen que reunir fuerzas para reconstruir un mundo devastado en las anteriores entregas. Para muchos críticos, es un cierro apoteósico de personajes muy queridos por los fans de Marvel, y el que debía darse.

2)  El último gran golpe, de Derrick Borte. Con Russell Crowe. Es la historia de un poderoso dueño de un club nocturno, muy relacionado con el mundo criminal. Decide dejar todo pero un asalto de graves consecuencias basado en traiciones cambia sus planes y deberá recomenzar la lucha por la sobrevivencia. 

 

ROMEO Y OFELIA, TRES ADIOSES, ONE PIECE, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 17 DE SETIEMBRE DEL 2026

 

JUEVES 17 DE SETIEMBRE DEL 2026

ROMEO Y OFELIA

Dirección y guion de Gustavo Postiglione. Con Guillermo Pfnening, Antonela Costa, Manuel Melgar, Camila Viale, entre otros. Fotografía de Marcos Garfagnoli, Mùsica de Gustavo Ppstigioe e I`van Tarabelli.

XXX – POSTIGLIONE FUNCIONAL A SHAKESPEARE

Conocedor de los secretos de la cinematografía, Gustavo Postiglione regresa a la pantalla grande con una narración compleja, aunque de pocos personajes. En principio el tiempo, sin determinar, puede ser pasado o presente o un futuro cercano, en la ciudad de Rosario donde se enfrentan bandas de narcos. Pero aquí Postiglione va más allá y toma elementos shakespeareanos: Romeo y Ofelia, los jóvenes, son Romeo y Julieta, que padecen las consecuencias de asesinatos entre las familias. Y, por si fuera poco, Postiglione trabaja en cuartos sin determinar su función por lo que se acerca al Dogville de Lars Von Trier (ese escenario donde los personajes solo tenían como casas una marcación de tizas, donde ocurren desde amores hasta aseinatos a mansalva. Aquí no ahorra balaceras, y, con buena cintura cinematográfica, evita el policial directo. Es el “toque”, aquello que define una secuencia y parte de la  historia donde los celos de “Hamlet” y su sed de venganza también se hacen presentes. Es una historia rosarina compleja que merece atención. El espectador ingresa en un mundo minimalista cargado de pasiones, odios y sentimientos. mientras dos jóvenes se debaten entre las acciones de los adultos y el amor que se profesan.

Hay un avance, un crecimiento más que notorio en el modo de encarar un guion de Postiglione. Incluso la banda sonora le pertenece. Sin embargo, deja el audio a las voces de los actores. Su música es un fondo incidental que solo acrecienta la tensión en algunas escenas. De aquel “El asadito” filmado en una terraza de Rosario a “Romeo y Ofelio” hay un camino de trabajo intenso en este notable director Rosarino, hoy màs cercano al Dogma 95 que el cine convencional, condescendiente o banal. Aunque sobrevuele Shakespeare o las bandas narcos de Rosario, Postiglione encontró un camino de madurez conceptual y estética que aplaudimos.

Elsa Bragato

OTRAS PELICULAS PREVISTAS

1) RESIDENT EVIL, de Blach Cregger. Un mensajero se ve envuelto en una serie de entuertos para lograr salvar su vida. Acción.

2) EL ÀRBOL MÁGICO, de Ben Gregor. Una familia se muda al campo y, como en los cuentos de Narnia, en vez de un placard, descubren un árbol que los lleva a mundos increíbles.

Y

3 ONE PIECE, LA PELICULA, Film Japonés. Es uno de los fenómenos del Manga y el Animè, y construye la aventura de Monkey Luffi y su gente. Aquello que vimos en otre género, ahora viene en pantalla grande. La película sigue a Luffy y los Sombrero de Paja cuando se ven involucrados en una aventura relacionada con el legendario pirata Woonan, conocido como el “Gran Pirata de Oro”.
La leyenda cuenta que Woonan reunió una enorme cantidad de oro antes de desaparecer y que su tesoro quedó escondido en una misteriosa isla. Tras las huellas de es ONCEa fortuna también se encuentra Eldorago, un despiadado pirata decidido a apoderarse del legendario tesoro.

 

TRES ADIOSES, IMPACTO MORTAL, ISLANDIA, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 10 DE SETIEMBRE DEL 2026

IMPACTO MORTAL

Dirección de Renny Harlin. Con Aaron Eckhart, Ben Kinsgley, Molly B, Right, entre otros. Fotografía de DJStipsen, Música de Fernando Velázquez, Duración 110 minutos. Coproducción Estados Unidos, Nueva Zelanda, España.

XXX – CINE CATÁSTROFE ATRAPANTE

Hace unas décadas, las películas con problemas aeropuertos o mecánicos de los aviones eran el “top”, así como la primera “Tiburón” que, con solo la notable música de John Williams, nos ponía los pelos de punta. Hoy son consideradas por algunos críticos como de “clase B”. Nadie duda de que son melodramones intensos que tienen los clishés del género. Pero el trabajo técnico, así como las actuaciones así como la postproducción técnica no son desechables. Al menos para nosotros.

Impacto Mortal nos muestra el brutal accidente que tiene un avión que va de Los Angeles a Shanghai en medio del Océano, y sus dos pilotos, encarnados por Aaron Eckhart y Ben Kinsgley, se ven sobrepasados por las fallas mecánicas al punto que el avión cae en medio del océano. Aguas infectadas de tiburones. En principio, los tremendos animales no aparecen. Se ven escenas de terror, pasajeros despedidos por la nave al romperse la presurización, muertos, en fin, un sinfín de momentos de enorme tensión logrados muy bien técnicamente. Está el instante lacrimoso donde una señora ochentosa da su lugar “de vida” a los más jóvenes. Pero forma parte del paquete del melodrama, y no debería llamar a risa o menospreciar todo un esfuerzo cinematográfico por alguna que otra secuencia donde afloran palabras tiernas y lágrimas rodeados de cadáveres mientras se va hundiendo esa parte del avión que aun permanece sobre la superficie del agua.

Impacto Mortal es un buen cine catástrofe, que por momentos nos pone piel de gallina, con buenas actuaciones. Ahí están comandando al elenco Eckhart y Kinsgley, actores de primerísimo nivel. Buen entretenimiento para sacarse la adrenalina en el cine y llegar ligeritos a casa.

Elsa Bragato

TRES ADIOSES

De Isabel Coixet, Fotografía de Guido Mechelotti. Con  Alba Rohnwacher, Elio Germano, entre otros,. Duración: 120 minutos. Coproducción Italia, España.

XXX – LA VIDA DESPUÉS DEL AMOR

Estamos frente a otro Love Story como hace décadas. Nada mas que en manos de la catalana Isabel Coixet que sabe cómo manejar físicos y sentimientos de sus personajes. En este caso, presenta a Marta y Antonio (Alba Rohnwacher y Elio Germano respectivamente), quienes se separan. El es un reconocido chef (de allí el título en italiano, Tre Ciotole), y ella, Marta, queda a la deriva. Insomnio, pérdida de apetito, hasta que decide consultar a sus médicos y descubren una enfermedad terminal. Pero tiene tiempo de vida. Y es aquí donde se planta Coixet para no caer en el melodrama común, si bien ha partido de una idea previsible y muy vista: la mujer “abandonada” que muere de amor. Coixet echa manos de este momento, cómo encara Marta la vida. No hay muerte, no hay desencanto, hay búsqueda de vida. Encuentra un amor momentáneo, abre las ventanas y mira al cielo donde el infinito se mezcla entre azules y pájaros.

Este film, bien tratado, tiene una secuencia impactante y es el encuentro de Antonio y Marta en las márgenes de un río que atraviesa la ciudad. Allí él la abraza y juntos caen de rodillas al suelo, pero es pura ternura y no amor, algo que Antonio aclara. Para nosotros es la secuencia más importante del film, que resume el sentimiento del amor que está por encima de la convivencia. Ciertamente Coixet no supera La vida secreta de las palabras, una película del 2005 con Sarah Polley y Tim Robbins, que ganó premios en rubros técnicos incluyendo la dirección en los Goya 2006. Una enfermera sorda y un trabajador malherido de una plataforma petrolera fueron sus protagonistas. También allí trató el amor que surge y se construye en medio de grandes dificultades.

La idea en sí de Tres Adioses no es novedosa. Pero el “quid”, el secreto, está en el tratamiento narrativo que Coixet quien le da oportunidades a sus protagonistas. Viven el desamor como desunión, pero la vida tiene otros vericuetos para cada uno de ellos y hasta reencuentros. En lo formal, la historia transita, fluye, por un camino previsto, sin sobresaltos salvo el que la vida les tiene previstos a Antonio y Marta respectivamente. Pero Coixet no va más allá, no introduce la trama en lo oscuro sino que apuesta a la luz, a que la vida siempre tiene segundos maravillosos, solo que hay que saber encontrarlos. Y Marta los busca y encuentra. Conmovedora película, que aporta la novedad de la resiliencia, del encuentro con lo mejor de cada día. Da la impresión que es una búsqueda personal de Isabel Coixet en la que coincidimos.

Elsa Bragato

ISLANDIA

de Leandro Cerro. coguionista Hernán Roselli. Elenco islandés. Compañía: Runa Films. Duraciòn:97 minutos.

XXXX- LA MÚSICA COMO FORMA DE VIDA

En más de una oportunidad dijimos que la música era una forma de vida. Es una elección, un camino difícil, trabajoso pero que nutre el alma y se vive desde un lugar especial a partir de otra sensibilidad.

El director Leandro Cerro viaja a Islandia para acompañar a un joven que quedó solo tras la muerte de su padre, y vivió escuchando la música del conjunto islandés Sigur Ros. Se encuentra con un país con menos de 400 mil habitantes, ubicando su historia en el 2015. La idea es retratar a los músicos que escuchó desde chico, pero la tarea no es sencilla porque son reacios a la prensa. De esa manera va recorriendo una isla que, en principio, saliendo de su capital Reikiavik, resulta inhóspita, salvaje. Para algunos lugareños, es una tierra virgen porque ha sido poco usada.

Esta búsqueda de los músicos de Sigur Ros le permite conocer un país tan pequeño y asombrosamente cargado de festivales en cada una de las estaciones.  El festival invernal es Icelan Airwaves en noviembre, mientras que otros son el Inni Pukinn, Braedslan, por nombrar solo algunos. Se produce un fenómeno inusual: así como Italia es el arte en sí mismo, Islandia parecer ser el país de la música pop por excelencia. Pero no es cualquier música, sino que está unida a la naturaleza, de ella pareciera surgir por el tipo de sonidos que los guitarristas, bajistas, pianistas, logran con sus instrumentos. Por lo que Sigur Ros se convierte en el ejemplo por antonomasia de este docuficción.

Son muchos los habitantes que se van uniendo en el trayecto del joven, que además es la voz en off, a lo largo de su búsqueda. De este modo llega a acantilados peligrosos, a caminos sinuosos muy difíciles de transitar, a campos ondulados con arándanos salvajes.

Dentro del género documental, Leandro Cerro ha logrado un trabajo diferente, que parte de los sentimientos de una familia unida a una determinada música. Y descubre que en la misma naturaleza está la música que escuchaba su padre de tan lejanas tierras. Es esencialmente una propuesta diferente, sensible, que sigue parámetros de pentagramas. Cala hondo en el corazón, es diferente buscar música a encontrar un objetivo material de cualquier índole. Nos parece excelente porque es una búsqueda de sonidos y naturaleza unidos al amor de familia. Y, en verdad, no es habitual. Además, tiene una realización prolija, con un hilo narrativo atrapante. Estamos todos tan atentos como el protagonista por encontrar a esos artistas que admiró desde siempre. Y esto produce atención, atrapa.

Elsa Bragato

ESTRENO EN PLATAFORMA NETFLIX

SUSURRAN TU NOMBRE

Dirección de James Ashcroft. Duración: 105 minutos. Con Robert De Niro.

La desaparición de su hijo obliga al joven viudo a contactarse con su padre, un experimentado inspector policial que ya tenía experiencia en casos similares al haber encarcelado al llamado “The whisper man”, el hombre del susurro, un asesino serial infanticida.

El film es entretenido y complejo a la vez desde el punto de vista narrativo. Se suceden secuencias del hijo, de su desesperación, del padre (Robert de Niro), de malandras, y la tensión es creciente. Resulta un policial bien realizado con un Robert De Niro aplicado a su rol, con la solvencia que lo caracteriza, y sin ese rictus que ha caracterizado a tantos de sus personajes. Es una historia ágil que obliga a prestar atención para no perder detalle.

Dentro del género, es un muy buen policial con el plus que le da el protagonismo de Robert de Niro que así supera a su anterior film de la misma plataforma donde no logró mayor recercusión. “Susurran tu nombre” es el gran éxito actual de Netflix.

Elsa Bragato

OTROS ESTRENOS PREVISTOS PARA ESTE JUEVES

HECHIZO DE AMOR, DE SUSANNE BIER.

Música de Rupert Gregson Williams, Fotografía de Simon Duggan. Duración: 130 minutos.

Con Sandra Bullock, Nicole Kidmann, entre otros-Se continúa con las peripecias de las hermanas Owen que deberán destruir una maldición que quiere destruirlas a ellas y toda su familia. Secuela de la película “Prácticamente magia”.

MUTINY

De Jean Francois Richet. Co Jason Statham y Annabelle Wallis, entre otros. Duración: 95 minutos. Coproducción Reino Unido-Estados Unidos.

El agente de seguridad Cole Reed asiste involuntariamente al ase8sinato de su jefe, un supermillonario y es incriminado injustamente en ese homicidio por lo que deberá luchar con la justicia y los asesinos para limpiar su nombre y salvar su vida. Entretenimiento ya conocido pero que no deja de atraer y hacer pasar un buen momento de distracción adrenalínica.

ICE CREAM MAN

(EL HELADERO: DULCE SABOR A MUERTE)

De Eli Roth. Duración: 86 minutos.

Un pueblo, un heladero y un extraño comportamiento de los más pequeños cada vez que comen los ricos helados que compran. Algo raro pasa, porque los niños se transforman en asesinos de los adultos. Por sobre la propuesta, podemos decir que, sin llegar ese extremo, Eli Roth extrae elementos de la sociedad actual donde los mayores son descuidados y desechados por los más jóvenes. Es un film tipo “slasher” para fans de este tipo de género, que los hay y muchos.

 

 

 

 

 

 

 

 

ESA COSA CON ALAS, UNA QUINTA EN PORTUGAL, PEPITA LA PISTOLERA, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 3 DE SETIEMBRE DEL 2026

 

JUEVES 3 DE SETIEMBRE DEL 2026

PEPITA LA PISTOLERA

de Lucía Puenzo, con Luisana Lopilato, Claudio Tolcachir, Alberto Ayaka, Charo López, entre otros. Fotografía de Iván Gierasinchuk, Mùsica de Andrés Goldstein y Daniel Tarrab. Basado en hechos reales sobre idea de Lukas Jinkis y guion de Lucía Puenzo, Andrés Gelós Tatiana Mereñuk. Duración: 108 minutos.Productora ejecutiva: Luisana Lopilato a través de Live is One, su productora.

XXX – BUENA RECREACIÒN DE UN HECHO POLICIAL REAL

Lucía Puenzo lleva el cine en la piel. De esto no hay duda alguna. En este nuevo largometraje (otros fueron El niño pez, Wakolda) ingresa al submundo del malevaje y de la prostitución de Mar del Plata a partir del personaje de Margarita Di Tullio o Pepita la Pistolera, una mujer que regenteaba lugares nocturnos, y desde chica se había acostumbrado a las piñas y a usar el revólver. En 1985, ingresaron tres individuos a su vivienda, donde vivía con el padre de su último hijo, y le exigieron dinero o los violaban. No dudó Margarita en tomar un revólver y matarlos a tiros. Poco después, para mediados de los 90, se la vinculó con la banda que mató al reportero gráfico Josè Luis Cabezas.

Esta es la historia real que Lucía Puenzo lleva al cine con verosimilitud, cierta aspereza en el relato y una muy buena reconstrucción de época, así como fotografía. Dos rubros que su padre, Luis Puenzo, manejaba a la perfección.

El problema está en la protagonista, Luisana Lopilato, quien es la productora ejecutiva y se ha lanzado ya hace un tiempo como tal para hacer películas y miniseries incluso como coproductora. Una cosa es producción ejecutiva y otra es protagonismo. Lopilato no da el physique du role de Pepita la Pistolera. Es esencialmente una actriz de comedia y se nota que no hay interpretación de una “maleva” como el personaje requiere sino una mera “imitación”. Lamentamos decir esto pero es la verdad. Debió elegirse a alguna actriz de carácter, con otro físico y rostro, acorde a un personaje muy duro.

Salvo esta grave dificultad histriónica la ambientación lograda por Lucía Puenzo y su equipo son de muy buen nivel. Esto no va en desmedro de Lopilato, pero sí en ese ego tan exacerbado de poder invertir y de ser bonita al mismo tiempo como para autoelegirse como protagonista de esta fuerte historia. No se pone en duda la calidad de Puenzo, hizo un buen policial si hacemos abstracción de su protagonista.

Elsa Bragato

ESA COSA CON ALAS

Dirección y guion de Dylan Southern. Basada en la novela de Max Porter. Fotografía de Ben Fordesman BSC, Montaje de George Cragg. Música de Zebedee C. Budworth. Dibujos de Lucy Sullivan. Con Benedict Cumberbatch, Richard Bosall, Henry Boxall, Eric Lampaert, Vinette Robinson, Sam Spruell. Duración: 98 minutos. Reino Unido. Distribuye Impacto Cine.

XXXX – BUSCANDO LA RESIGNACIÓN

La muerte de la pareja es uno de los grandes dramas humanos. En este caso, un padre joven enviuda y queda al cuidado de sus dos hijos varones, pequeños, que van a la escuela primaria. El director Dylan Southern describe la sinrazón del dolor de la pérdida a través de diferentes capítulos, que van desde las lágrimas hasta las pesadillas, el miedo a que la muerte nos ande por detrás, o que inunde nuestra vida. El protagonista es Benedit Cumberbatch como Dad, y los pequeños Boxall, como Boy 1 y 2. No hacen falta nombres propios, aquí se trata de transcurrir el andarivel del dolor, “esa muerte que deshace a nuestros seres queridos” como dice la canción “La muerte” que cantan en el film, y sus distintas facetas.

En todo momento hay un cuervo, un actor que compone al ave sagrada para la realeza británica. No es producto de computación sino un actor. Su presencia es constante, es la muerte que acecha o la pesadilla que aparece luego de la pérdida de la madre y esposa. Hay que lidiar con esa sensación de miedo, vacío, desesperanza. Por eso, el director incluye al personaje “cuervo” como generador de esa terrible depresión que genera la muerte de un ser querido. Es hundirse en las sombras, es pelear con demonios oscuros, y Dad lo hace gracias a Shouther y su disciplina narrativa, Dad intenta que sus hijos no descubran esa oscuridad con alas que èl vio de frente, pero es imposible. La madre no está más.

Por sobre cualquier instante de exageración, está la búsqueda narrativa de la resignación, que siempre tarda en llegar porque no se comprende cómo un ser querido va a parar bajo tierra. Es la búsqueda de la resiliencia, de cicatrizar para poder sobrevivir. Y en esa búsqueda trabaja el director Southern, a sabiendas de que “esa cosa con alas” es oscura, está siempre, es destino. Notable trabajo de interpretación y comprensión de Cumberbatch del dolor de la pérdida al que se atraviesa siempre con el alma aterrada. Que de eso se trata el Cuervo y de eso se trata lograr la resiliencia.

Es decir que, en lo formal, Southern busca un elemento como el Cuervo en calidad de alegoría del miedo a la oscuridad eterna. Y en lo conceptual, hace transitar a sus personajes por la amplia gama de sentimientos que van desde el desgarro inicial hasta el comienzo de la resignación que se vislumbra cuando se es capaz de sonreir de nuevo. Gran tema, trabajo consagratorio de Benedit Cumberbatch.

Elsa Bragato

UNA QUINTA EN PORTUGAL

Dirección y guion de Avelina Prat. Fotografía de Santiago Racaj, Edición de Juliana Montañes, Arte de Artur Pinheiro, Mùsica de Vincent Barriere, Con Manolo Solo, María de Medeiros, Branka Katic, Rita Cabaco. Idiomas Castellano y Portugués. Duración: 114 minutos.

XXXX –EN BUSCA DE UN LUGAR EN EL MUNDO

Este segundo largometraje de Avelina Prat se sumerge en el mundo de la soledad no buscada, en la necesidad de la reconstrucción del propio yo y el entorno, en la búsqueda de ese lugar en el mundo que es único y propio. Y es un reencuentro con la identidad. Parte de Fernando (Manolo Solo), profesor de geografía, quien regresa a su hogar y no encuentra a su esposa. Aunque inicia una búsqueda, resulta imposible. Ella se marchò (se ve en el film) y èl queda solo y abandonado. Decide emprender un viaje y llega a Portugal, donde entabla una charla con un lugareño quien consiguió trabajo en una quinta del lugar, pero súbitamente muere mientras toman un café. A Fernando le queda el saco de este hombre y la recomendación para el trabajo pero con otro nombre, Manuel. Debe adquirir otra personalidad por un largo tiempo. En la quinta se encuentra con Amalia (Marìa de Medeiros), la dueña, con quien poco a poco entablará una amistad.

El tono de la narración es calmo, sin prisa pero sin pausa. Los hechos transcurren, Fernando-Manuel los acepta pero no grita, no enloquece, asume como puede un destino inesperado y decide buscar otro sitio para olvidar, a fin de superar el dolor del desprecio de su mujer. Hay en este tratamiento sin estridencias mucha humanidad, un gran sentido del espíritu humano y sus recovecos. Se trata de un alma masculina en manos de una directora mujer: se nota entonces la condición femenina de maternar, de cuidar a ese ser humano tan herido y de darle otra oportunidad, no tan previsible pero sí conveniente.

En lo conceptual. el film carece, como dijimos, de exageración. Las secuencias transcurren sin exabruptos, y están trabajadas a partir de la actuaciòn de Manolo Solo quien lleva sobre sí el sentido profundo de la historia planteada.

En lo formal, hay un muy buen trabajo fotográfico, de exteriores e interiores, con una banda sonora moderada, que surge en algún momento, sin aturdir ni buscar ser protagonista.

“La quinta de Portugal” nos muestra cómo se puede hacer cine sin melodrama, sin gritos ni exasperación de los personajes. Es un cine que busca lo esencialmente humano, el rescate de la esencia del alma como resorte para revivir, para lograr el propio lugar en el mundo.

Elsa Bragato

12ma SEMANA DEL CINE ITALIANO

del 3 al 9 de setiembre

Entre los films anunciados están Gioia y Tres adioses, films muy actuales dentro de la cinematografía italiana. En el caso de Gioia, que significa alegría, hacemos el comentario, dejando para su estreno el 17 de setiembre, la segunda, o sea Tres Adioses.

GIOA

Dirección de Nicolangelo Gelormini. Fotografía de Gianluca Palma, Música de Porarinn Guonason. Con Francesco Colella, Valeria Golino, Saul Nanni, entre otros. Duración: 108 minutos. Basado en hechos reales.

XXX – DE LA COMEDIA AL POLICIAL BRUTAL

Nicolangelo Gelormini y sus guionistas (un pool de autores del que también participó) se basó en hechos reales y en la obra teatral “Se non sporca il mio pavimento”. De este “mix” surge esta historia de amor entre una profesora del secundario, Gioia (una “afeada” Valeria Golino con sobrenariz y peluca antigua), y su alumno Alessio (Saul Nanni), quien le pide clases particulares de francés. Alessio es explotado por un “tío[U1] [U2] [U3] ” para que gane dinero como taxi boy de hombres y mujeres ricas, mientras que Gioia vive cuidando de sus padres, siendo su madre una mujer dictatorial a pesar de su creciente Alzheimer.

De estas dos personalidades, que reflejan dos formas de soledad, surge una relación desigual pero basada en la necesidad del otro, del afecto o la caricia de un tercero para sobrevivir a una sociedad que les muestra su cara más inmunda.

El trabajo narrativo de Gelormini es muy interesante porque parte de la comedia amorosa diferente hasta llegar al policial brutal, con un desenlace y un final que surgen abruptamente y sorprenden al espectador. Sin embargo, el transcurrir de la historia va asombrando por las necesidades diferentes que ambos personajes muestran: la alegría de vivir y ser reconocida como mujer para Gioia y el erotismo y la sexualidad elegidas por Alessio, no impuesta por terceros.

Es un film duro, aunque por momentos la alegría de uno y otro protagonista alivie la tensión creciente. Gelormini lleva el hilo narrativo sin altibajos, es decir, de manera nítida hasta lo que él pretende: ese final que nos deja boquiabiertos. Para ver.

Elsa Bragato

Elsa Bragato

Otros estrenos

Se anuncia también el film surcoreano ZONA CERO sobre un virus que imprevistamente infecta a un grupo de personas que asisten a una conferencia. Las críticas internacionales son bastante buenas por lo que aseguran un plato fuerte de zombies y gore explotado.

 

 

 

---

 [U1]

 [U2]

 [U3]

TIERRA DEL CRIMEN, LU Y PAU, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 27 DE AGOSTO DEL 2026

Hay varias películas en danza cuyos estrenos están previstos para este jueves. Entre ellas, LA GUERRA DE LOS ÚLTIMOS, con dirección de Ridley Scott, SOLO POR UNA NOCHE, de Will Gruck, la reposición de HARRY POTTER Y LA PIEDRA FILOSOFAL, de la saga conocida, IDIOTS, TIERRA DEL CRIMEN, DEADS MANS WIRE, LU Y PAU, IMPACTO MORTAL (con Aaron Eckhart y Ben Kingsley) y PINOCHO DESATADO. Agregamos que el film de Ridley Scott nos habla de un mundo post apocalíptico, mientras que Impacto Mortal es realmente un film de terror a partir de un avión de pasajeros que cae en un mar rodeado de tiburones. Nosotros comentamos tres películas del listado enunciado:

TIERRA DEL CRIMEN

De Sven Bresser, con Gerrit Knobbe, Lois Reinders, Mirthe Labre, entre otros. Fotografía de Sam Du Pon, Música de Jong y Van Dinthur. Duración: 112 minutos. Distribuye Zeta Films.

XXXX – INTRIGAS EN LA CAMPIÑA HOLANDESA

Es curioso y diferente el matiz que va tomando esta obra de Sven Bresser sobre un campesino, Johan, encarnado por el actor amateur Gerrit Knobbe, quien se dedica al cultivo de cañas, a cortarlas, y venderlas. De pronto descubre el cuerpo de una joven brutalmente asesinada. Bresser apunta entonces al mundo psicológico de su protagonista y abandona el policial en ciernes. Este hallazgo perturba a Johan, teme por su pequeña nieta, de quien se hace cargo en sus traslados a la escuela, a la casa. Pero también revela, a través de un gran trabajo gesticular del novel Knobbe, un aspecto oscuro o al menos poco conocido del campesino quien se busca en la soledad de su cuarto el sexo virtual.

Es decir, la narración transcurre de manera muy pausada, atiende cada movimiento del protagonista, apunta a su rostro que no es inexpresivo sino que contiene algo en su mirada muy perturbador. Sería la línea policial que Bresser no ahonda, para enfrentarla a la otra línea, la real, la vida de los campesinos que se reúnen para buscar alguna mejora en el cobro de sus pesadas tareas.

Si buscamos una resolución, nos quedamos con las ganas. El film de Bresser mantiene en vilo porque justamente no va ni hacia lo policial ni hacia lo personal. Bosqueja los problemas, los presenta, pero la resolución está en la mente del protagonista y en lo que el espectador puede llegar a pensar a partir de lo que ve. Es, en este sentido, una propuesta diferente, profunda, que nos permite vernos a nosotros mismos cuando enfrentamos este tipo de noticias en la televisión o escuchamos por radio. Es el impacto de la muerte el que nos interpela pero no buscamos una solución sino que la esperamos de otros. Es lo que ocurre con Johan y es la propuesta de Bresser, comprometida con la vida y la compleja psicología humana.

Elsa Bragato

DEAD MANS WIRE

De Gus Van Sant. Con Bill Skarsgard, Al Pacino, D. Montgomery, entre otros. Duración: 104 minutos.

XXX – OTRO CASO POLICIAL, Y VAN…

Si no hay tiros, parece que Hollywood no puede producir nada confiable y exitoso. La recreación de casos policiales es una buena fuente de recursos para llenar las pantallas del mundo con sus balaceras. El caso es que, en esto, no hay cinematografía que le gane. En esta oportunidad, tomaron el hecho policial del 8 de febrero de 1977, cuando Anthony Tony Kiritsis, en Indianapolis, a sus 44 años decidió tomar una actitud definitiva: al perder sus tierras, luego de pedir 130 mil dólares de préstamo a la famosa Meridien Mortgage Company y verse literalmente “comido” por los intereses, rapto al hijo del dueño de la empresa, a Richard Hall. El sistema fue el de “una cuerda de hombre muerto”, es decir, atar al cuello de Hall una cuerda unida a una escopeta recortada que, si el joven hacía algún movimiento, el arma se disparaba matándolo al instante. Fueron 63 horas de infierno para la ciudad de las carreras de autos, se lo vio a Kiritsis salir a la calle con su rehén rodeado de cámaras y policías que, si hacían un ademán, con solo tirar de la cuerda el disparo mataría a Hall.

Es un policial clásico, trabajado fotográficamente con muchos planos cortos, o medios pero que dan la sensación de tener el rostro de Kiritsis sobre el espectador. Si bien está muy bien realizada, varias cámaras, buena edición, no deja de ser un policial más, esta vez de pocos personajes y sin persecuciones, que genera adrenalina, no mucho más.

Elsa Bragato

LU Y PAU

Dirección y guion de Nicanor Loreti. Con Jazmín Stuart, Lorena Vega, Demián Salomón, Paula Manzon, entre otros. Fotografía de Iñaki Echeverría, Música de Pablo Fuu. Duración: 74 minutos.

XXX – DOS MUJERES PARA UN POLICIAL

La primera impresión de esta película nacional nos remite a la excelente Thelma & Louise. Aunque, siendo sinceros, solo como punto de contacto con las dos protagonistas, Jazmín Stuart y Lorena Vega, quienes están todo el tiempo frente a cámaras componiendo a Lu (Jazmín Stuart) y Pau (Lorena Vega). La hermana de Lu va presa, Jesse, y para pagar su fianza porque está embarazada, deciden asaltar en tiempo récord a tres financieras. Pau es la “ladrona enmascarada” mientras que Lu es quien oficia de chofer. Un novio policía complica el panorama para las chicas que, sin embargo, no se detienen en sus objetivos. Si bien todo atraco tiene su final.

La historia está bien contada y actuada. Hay algunos altibajos narrativos, sobre todo luego del enfrentamiento con la policía que es a pura balacera, pero la propuesta resulta atractiva. También la fotografía es interesante basándose en las protagonistas y su entorno. Hay agilidad, fluidez, en las secuencias, aun cuando con habilidad el director vuelve el tiempo hacia atrás y recorremos la vida de las dos jóvenes mujeres en busca de dinero. El desenlace y el final dejan dudas: ¿baches o soluciones rápidas?; sería hilar muy fino cuando, en verdad, la narración resultó entretenida. Y para el cine nacional de estos momentos, es más que un buen resultado.

Elsa Bragato

 

 

 

 

 

 

 

EL FALSIFICADOR, LA MUERTE DE ROBIN HOOD, TU CORAZÓN SERÁ DESTROZADO, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 20 DE AGOSTO DEL 2026

ALGUNOS ESTRENOS PREVISTOS PARA ESTE JUEVES

EL FALSIFICADOR

De Jean Paul Salomé. Fotografía de Julien Hirsch, Mùsica de Mathieu Lamboley. Con Reda Kaleb, Sara Giraudesu, Basilien Bouillon, Pierre Lottin, entre otros. Duración: 128 minutos. Coproducción Francia y Bélgica. Distribuye Le pacte.

XXXX – POLICIAL CLÁSICO DE GRAN SUSPENSO

Hábil guionista, Jean Paul Salomé ha realizado varios films siendo reconocido por Les femmes de L”ombre mientras viene avanzando sobre el cine “noir”, el de gran suspenso, una tradición dentro del cine francés. Es el caso de El falsificador, basado en hechos reales: se basa en la vida de Jan Bojanski, polaco que escapa de su país y se radica en Francia. La propuesta se inicia con el protagonista en el país galo y rápidamente va 8 años hacia atrás en el tiempo, ubicándose en Lyon, para luego plantarse nuevamente en la posguerra, mostrando aquel París de 1949. Bojanski es un notable falsificador de francos, participando de una embestida en 1951, conocida como “la de Rambouille” donde junto a sus secuaces logra robar el papel que necesita para su trabajo. Paralelamente, se casa, tiene dos hijos, y esconde su verdadero trabajo a su familia, diciéndoles que es inventor de una birome y de una cafetera, entre otras ideas.

Salomé va contando paso a paso el crecimiento de Bojanski, quien logra burlar al mismísimo Banco Francés y se convierte, durante 15 años, en la obsesión del inspector Mattei. Ni su esposa supo qué existía detrás de un placard en el lugar de “invenciones” de su marido.

Lo cierto es que Jean Paul Salomé logra aunar lo personal junto con el trabajo milimétrico de Bojanski de tal manera que no hay fisuras narrativas. Este film es compacto, es como leer la novela de Bojanski en dos horas a través de secuencias pausadas que, circunstancialmente, explotan en enfrentamientos policiales, manteniendo siempre dos líneas argumentales: la personal y la del trabajo. Van paralelas, no se unen hasta que el director da una vuelta de tuerca y entonces comienza otra etapa en la vida de Bojanski.

La banda sonora de Mattheiu Lamboley es llamativamente incidental, no molesta nunca, jamás va a la estridencia, y, en cambio, se basa en un sonido lejano de un saxo alto y un tenue piano, utilizando el recurso del pizzicato para alertar sobre un inminente peligro o una acción fuerte. Todo está milimetrado en este film, con una reconstrucción de época fantástica. Es vivir esa posguerra de la mano de Bojanski y, obviamente, de Jean Paul Salomé.

No falta la emoción que produce el padre cariñoso, así como se contrapone, fuera del hogar, con enfrentamientos policiales. El suspenso es constante. Y convierte al film en una de las muy buenas películas de época de los últimos tiempos, con rubros técnicos destacados por su perfección. Nada queda fuera de la narración que, aunque pausada, es de suspenso creciente. Dos vertientes y un policial de ésos que nos dejan ganas de seguir viendo este tipo de films.

Elsa Bragato

LA MUERTE DE ROBIN HOOD

Dirección y guion de Michael Sarnoski. Con Hugh Jackman, Jodie Comer, Bill Skarsgard, Noah Jupe, Faith Delaney, entre otros. Fotografía de Patrick Scola, Duración: 123 minutos.

XXXX –FINAL DE UN SUPERHÉROE QUE FUE MALHECHOR

Resulta extraño tener que hablar de la muerte de un superhéroe como Robin Hood, el hombre que, con su grupo de amigos, se escondía en los bosques de Nothingham para asaltar a los ricos y ayudar a los pobres.

La búsqueda de datos históricos nos permitió ubicar este tramo del final de la vida de Robin Hood que tomó el director Sarnoski para que encarnara Hugh Jackman, quien realiza uno de sus personajes más comprometidos.

 Dos elementos a destacar en principio: la actuaciòn del protagonista y la fotografía lúgubre que aumenta la sensación de agonía constante de principio a fin. Sin lugar a dudas, esta propuesta se enfrenta a la versión “Robin Hood” del 2010 de Russell Crowe, que encarnaba a Robin Langstrike, soldado de las Cruzadas.

El Robin Hood de Sarnoski es todo lo contrario: es un asesino, un malhechor, ha matado a cientos de personas, pero nunca se descubre el fin, si para ayudar a los pobres o para salvar su pellejo o defender al rey. Malherido, sigue asesinando sin piedad, hasta que se desmaya y aparece en un priorato o convento abandonado donde una bella mujer lo cuida, junto a su hija Margaret y otros niños.

La oscuridad de la fotografía desaparece: es un lugar luminoso. Es decir, formalmente, el director opone la tragedia moral de Robin Hood con lo oscuro y sombrío, mientras que la abnegación amerita la luminosidad.

 De acuerdo a las historias existentes, esta muerte de Robin Hood coincide con la del tercer Robin Hood encontrado. O sea que en el plano conceptual, encontramos una historia muy poco conocida de Robin Hood, seguramente un noble enojado con su rey, que manejaba maleantes en el bosque de Nothingham, siendo oriundo de York.

En lo formal es el protagonista quien lleva sobre sí la historia y permite que se sumen otros personajes. Todo depende de Hugh Jackman, en un rol de absoluto lucimiento personal. La cámara no se desprende de su rostro avejentado y de sus parlamentos cargados de arrepentimiento como de fiereza. Conviven en su alma alguna compasión junto con el instinto asesino.

Estamos frente a una novedad sobre la historia de una leyenda o bien de una historia real, que no vimos en las últimas décadas en el cine. La presencia de Robin Hood es la de un mendigo herido, que mantiene la fuerza para matar. Diferente, para concentrarse en esta expiación de pecados del personaje que tendrá un final sorpresivo.

Elsa Bragato

TU CORAZÓN SERÁ DESTROZADO

de Michael Vayinberg. basado en la exitosa novela actual de Anna Dzheyn. Con Veronika Zhurasleva, Daniel Vegas, entre otros. Fotografía de K. Postnikoy, Duración: 105 minutos. Rusia.

XXX – EL REGRESO DEL ROMANCITISMO ADOLESCENTE

Para nosotros, es una novedad este film titulado “Tu corazón será destrozado” dentro del romanticismo más empalagoso que pueda existir. El cine ruso, desde décadas, nos regaló La balada del Soldado, Asì pasan las Grullas, La dama del Perrito, entre otras biopics de sus grandes compositores. Pero una novela tan occidental enmarcada en una escuela secundaria mixta no parecía ser posible.

Gracias a una talentosa escritora como Anne Dzheyn ha sido posible conocer la historia de amor entre la rubia e ingenua Polina (Zhurasleva) y, en principio, el curso de secundario que le toca donde la ofenden y le hacen todo tipo de bullying. Hasta que un día, el fuerte y lindo de esa escuela, Bars (Daniel Vegas) le hace la propuesta de que lo siga sin chistar ni preguntar nada, la hará pasar pos u novia. Pero, claro, muy jóvenes y no siempre se pude cumplir esta lejanía de ser amigos y no darse un piquito…

Las idas y vueltas de los adolescentes conforman la típica trama de este género pero, a diferencia de otros films, aquí se ve la presencia, para bien y para mal, de las familias. Tanto padres como madres tienen algo que decirles a sus hijos, a veces no como debieran. O sea que, conceptualmente, los chicos no son huérfanos, como en muchos films yanquis, sino que dependen de familias que no siempre son lo mejor. Pero están.

Hay química entre los dos personajes protagónicas, y es uno de los grandes logros de esta historia de amor adolescente, tema que venía faltando en la pantalla grande atiborrada por las trompadas y balazos de Hollywood, espejo fiel de la política exterior de su país.

Si bien se hace larga, nos parece una buena idea y una buena producción encarar un film para adolescentes, donde el amor florece, aun cuando el desenlace no es el que esperamos, sino que tiene directa referencia con el título. Volver al cine “blanco” es realmente sanador!

Elsa Bragato

 

ALGUNOS OTROS ESTRENOS PREVISTOS PASRA ESTE JUEVES

1)LA NOCHE DEL DEMONIO, DE Jacob Chase. Con Lin Shaye. El terror vuelve sobre sus pasos al tomar lo sobrenatural. Es una forma de abrirle camino al mal. Una mujer se enfrente a hechos que no son brujerías sino que es como un portal del más allá que se vuelca en la realidad. El barrio apacible vivirá momentos infernales.

2)UN TRAGO DE INFIERNO, de Mariano Asseff y Pilar Boyle. Con Sergio Albornoz. Niko descubre que el miedo a la realidad tiene otros orígenes y tal vez lo que vive sea de su propio interior. Agregamos que el cine de terror nacional tiene muy buenos directores y guionistas y ha sembrado en diferentes festivales sus características.