LOS COLORES DEL TIEMPO, TRISTÀN Y LOS DÍAS POR VENIR, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 25 DE JUNIO DEL 2026

JUEVES 25 DE JUNIO DEL 2026

Esta sección aclara que en el cine Gaumont debido a las últimas indicaciones de las autoridades gubernamentales se exhiben uno o dos días las películas nuevas argentinas, por lo que su programación es aleatoria. Al mismo tiempo, indicamos que los títulos extranjeros previstos para estreno los días jueves pueden sufrir modificaciones y pasar a otra fecha.

ALGUNOA ESTRENOS NACIONALES PREVISTOS

TRISTÀN Y LOS DÍAS POR VENIR

Docuficció de  Martina Matzkin y Gabriela Uassoul, con Tristán Miranda, entre otros. Fotografía de Ana Paula Montenegro, Sonido de Andrés Costa Carbajal, Mùsica de Maria Vila y Julia Somma, Duración 62 minutos. Coproducción Argentina, Uruguay y Francia.

XXX- EL DÍA A DÍA DE UNA TRANSFORMACIÓN

Durante siete años las dos directoras, Matzkin y Massoul, siguieron el caso de Tristán a quien habían conocido durante el casting del docuficción anterior “El nombre del hijo”. Por supuesto, basadas ambas documentalistas en el interés por las identidades travestis trans. El caso de Tristán las conmovió y decidieron seguirlo paso a paso: su conversión en varón. Y el entorno que tenía hace siete años, político y social muy diferente al de hoy cuando el gobierno en 2025 modificó incluyendo restricciones a los cambios producidos hormonalmente. De haber sido ahora, Tristán sería hoy frustración pura.No lo es. Logró su objetivo con el apoyo incondicional de su madre. Asi como el documental contó co el apoyo de instituciones y organizaciones sociales vinculadas al colectivo trans.

Este paso a paso se ve inscripto dentro de una estupenda descripción de la cotidianeidad. Desde lavarse el pelo, hasta tomar el café en familia, la primera inyección hormonal, las indicaciones médicas, la presencia de la mamá dando ánimo, la aparición de incipiente barba. Y la aceptación de su entorno sin tapujos, sin preguntas. Alguien sintió que su cuerpo era el equivocado y siguió el camino para adecuarse al mismo. Con total normalidad.

Por sobre el caso de Tristán, dentro de nuestro estilo de comentarios-críticas, está el “còmo” se logó, el quehacer cinematográfico puro: y en este caso reside en la descripción, como indicamos antes, de la realidad cotidiana, una narración que no pierde ritmo, que tampoco es acelerada o saltea pasos, sino que talla a Tristán en la vida diaria, como un sobrerelieve.

Creemos que es el valor audiovisual más notable de este docuficción, independiente del protagonista: la narración es perfecta, no hay altibajos, se mantiene en un mismo tono monocorde que permite, casi linealmente, plantar sobre el mismo el discurrir de la historia. Es un tallado perfecto sobre lo cotidiano.

Elsa Bragato

     LOS COLORES DEL TIEMPO

de Cedric Klapisch, coguionista: Santiago Amigorena. Con Suszanne Lindonn, Abraham Wapler, Vincent Macaigne, Julia Platon, entre otros. Fotografía de Alexis Kavyrchine. Mùsica de Robin Coudert. Duración: 124 minutos, Francia.

XXXX- EL ARTE DE LA NARRACIÓN EN DOS NIVELES

Difícil postproducción, o armado de una historia que se manejó en dos niveles: el pasado, ubicado en el siglo XX, especialmente en la Belle Epoque parisina, y el presente. La historia comienza cuando un grupo de jóvenes recibe la herencia de una casa en la que van encontrando recuerdos, cartas, cuadros, que les revelan un pasado misterioso. El quid está en cómo estas nuevas generaciones resuelven la unión con los antepasados, les interesa, hasta dónde, los emociona, lo harán parte de su vida. He aquí donde Klapisch centra una magistral dirección narrativa y actoral al tratar el “descubrimiento” de los jóvenes de “Adele”, la veinteañera que dejó la Normandía natal para ir a buscar a su madre a un burdel parisino en la década del 20 del siglo XX. Y cómo tambièn ella se enamoró y descubrió que podía ser la hija de un gran pintor impresionista.

La complejidad narrativa está resuelta magistralmente porque no hay flashback ni “negros” que nos indiquen un paso del tiempo: así como estamos en el aquí y ahora o sea en el asombro de las generaciones jóvenes y sus tribulaciones económicas y amorosas, pasamos a la secuencia siguiente con una elegante Adele que descubre a su madre en un burdel de los años 20 del siglo XX, un todo permitido para las mujeres, transformadas en objetos de placer, y asumidas como tales por ellas mismas.

Este doble juego narrativo resulta fascinante: de pronto se entreveran los nuevos con los de antes, se pasean por salones de antaño a veces sin que el resto se dé cuenta, otras en un mano a mano. Es un puzzle del guion que asombra tal como está desarrollado.

Nada parece quedar fuera de la perfección: desde el encuentro de madre e hija, hasta estas nuevas generaciones que deciden aceptar el legado de sus antepasados y, con el mismo, recomenzar sus vidas en todo caso enriquecidas por el ayer. Klapisch juega con sus actores y los lleva a limites como la experiencia de todos con ayahuasca (el hongo alucinógeno) para que se permitan “vivir” ese pasado.

La propuesta de Cedric Klapisch es también ejemplar: no se pueden negar las raíces, más cercanas o lejanas, hay que aceptarlas y, en todo caso, junto a ellas, trazar el camino propio. Excelente, armoniosa narración, un film querible, simpático y entrador.

Elsa Bragato

BARRIO TRISTE

 Dirección y guion de Stillz. Música de Arca, Con Juan Pablo Baena, Samuel Velázquez, Tomás Tinoco Higuita, Bryan Erlin García, entre otros. Cinematografía de Stillz, Duración: 88 minutos. Colombia, coproducción con Estados Unidos, EDGLRD.

XXX – DEL REALISMO TRÁGICO AL REALISMO MÁGICO

Con una banda sonora estridente, ensordecedora por momentos, Stillz nos sumerge en el robo de una cámara de exteriores de televisión por un grupo de inadaptados. Es un barrio muy pobre de Colombia cuyos vecinos denunciaron la aparición de extrañas luces sobre el pavimento.

A partir de este robo, se inicia un recorrido a los saltos por callejuelas, baños inmundos, la risa de los jóvenes sin futuro que lastima al escucharlas, subibaja de callecitas destruidas, que van describiendo el lugar de crianza de los jóvenes ladrones, drogadictos, que no saben qué hacer con sus vidas y que apenas se plantean algún proyecto, o sueño tal vez, cuando alguien en off les hace preguntas.  Surgen las respuestas como el lado positivo de quien las responde, y allí està lo que quieren pero saben que no será fácil de lograr, es decir, una vida diferente. Se asiste, por sobre todo, a una narración muy fragmentada por estos episodios. La historia se ubica en la década del 80 en Medellín siendo la cámara el nuevo juego que encuentran para sobrevivir: son ellos quienes registran la miseria del lugar, de se barrio triste del que no saldrán. Hasta llegar a una luz poderosa, metáfora o de una droga o de un maleficio: es el portal que permite cambiar de género al director. Del realismo trágico del barrio pasa al realismo mágico. Solo así se comprende esta historia de jóvenes, frenética, chillona, y conmovedora, ubicada en un presente rabioso del que no se ve que el futuro asome. Stillz dejó una frase sin terminar… inacabada.

Elsa Bragato

NEGRO CHE, NEGRO USTED, QUINCE AÑOS DESPUÉS

Documental musical de Alberto Masliah Es el largometraje documental de un disco colectivo conjuntamente con un recital protagonizado por artistas afrodescendientes en homenaje a Pocha Lamadrid, figura fundamental del activismo afroargentino. El candombe, su retumbar por las calles, es propio de la ciudad de Montevideo por su población africana, que ha sobrevivido y tiene su propio barrio en la orilla vecina. Algo que aquí no ocurrió porque los africanos fueron esclavizados y aniquilados. En 1984 sobrevivía la última africana, descendiente de los originales, en la ciudad de Chascomús (nota de revista FLASH).

Elsa Bragato

ALGUNOS ESTRENOS INTERNACIONALES PREVISTOS PARA ESTE JUEVES

1)  SUPERGIRL, es la contracara de Superman, criado en la tierra por una linda familia, y Supergirl, criada en un fragmento de Krypton. Está lejos de ser la dulce hermanita del hombre que veía más allá de las paredes. Promete acción dentro de loa mitología de héroes y super héroes generados por Hollywood.

2)  JACKASS, BEST AND LAST, Johnny Knoxville y su pandilla regresan prometiendo que harán su última aventura en cine. Con este film se intenta rescatar lo bueno y lo malo de las cuatro anteriores películas (ésta es la quinta de la saga), para divertir desde la risa inteligente hasta la más tonta. De acuerdo a la primera afirmación, esperamos que no regresen más a la pantalla. Aunque sea cuestión de gustos, apelemos a lo mejor.

 

 

 

 

 

 

 

OJOS EXTRAÑOS, REESTRENO DE ALFHAVILLE, ESTRENOS DEL JUEVES 18 DE JUNIO DEL 2026

JUEVES 18 DE JUNIO DEL 2026

UNA DIRECTORA EXTRAORDINARIA

Direcciòn y guion de Fabiana Urricelqul. Com Analía Malvido,Luciana Dulitzkh, entre otros. fotografía de Marina  fiorini. Mùsica de Nicolás Reverso.

XXX – MUY MODESTA HISTORIA

La directora Fabiana Urricelqui tomó un caso real para elaborar su guion: el de la directora del Colegio Nacional de Pehuajó quien, en el 2018, entregó las llaves para la reconstrucción de los baños escolares pero empezaron las clases y los alumnos tuvieron que usar baños químicos. Empezó entonces una lucha contra la burocracia y los intereses políticos que, aunque parezcan que no están, existen y molestan y perturban las gestiones.

Nada se pude decir de los rubros técnicos en los que el cine nacional ha avanzado notablemente. Pero sí se puede hablar y mucho sobre el guion y el punto de vista a partir del que se cuenta esta historia. Que las actuaciones sean correctas, que los planos sean los adecuados, no nos dicen nada cuando no hay un sentido cinematográfico sino una historia secuencial a la manera de un cuento contado en familia. Es una realización modesta al extremo por la concepción cinematográfica y no porque haya más luz, o menos luz, o una secuencia no sea lo extensa que debió ser. Falta un sentido cinematográfico más amplio, una concepción que rebase los lìmites de la historia barrial. Salvamos al film porque hay honestidad en su planteo, pero no nos conforma para nada como producción nacional que está denunciado, como lo està, un hecho tan grave de desprecio por lo institucional desde una intendencia o un gobierno. El cine requiere de algo más que saber secuenciar un relato: requiere de concepción cinematográfica para lo que no es necesario tener efectos especiales a lo George Lukas.

Elsa Bragato

OJOS EXTRAÑOS

Dirección y guion de Yeo Siew Hua. Con Lee Kang Sherig, We Chien Ho, entre otros. Fotografía de Hideho Çurata, Mùsica de Thomas Foguenne, Duración 126 minutos.

XXXX –PROFUNDA CONCEPCIÓN DEL THRILLER

Yeo Siew Hua logra un thriller no convencional sobre la desaparición de la hija pequeña de una pareja, mientras están comprando en un supermercado. Aunque esto no queda muy en claro lo cierto es que la pareja empieza a vivir el infierno de la pérdida, al mismo tiempo que reciben videos de alguien que los filma en su vida cotidiana. Recurrir a la policía les da cierta seguridad con más cámaras, con mayor vigilancia, pero esos videos siguen apareciendo sin que nadie dé con el voyeur. Alguien los envía, no se sabe quièn.

La narración de Yeo Siew Hua es desconcertante e inquietante al mismo tiempo. Pocos diálogos, secuencias puntillosas, silencios que dicen mucho, y una historia que se va hilvanando en las sospechas mutuas más intuidas por el espectador que explicitadas por el guion, en el desgarro de una pareja que, padeciendo la pérdida de la hija, inicia el camino de la autodestrucción.

Es un thriller policial muy intenso, basado en actuaciones superlativas donde la gestualidad nos habla del trabajo de cada actor para llegar al alma de su personaje. Por eso los diálogos son mínimos, mientras la mirada de los actores cumple el rol de las palabras. No hay nada seguro en este thriller, solo una tensión creciente que el director maneja con silencios extensos y medios planos, con miradas de perplejidad y la desesperación por respuestas que no aportan nada.

La inquietud es creciente, un misterio a resolver que perturba al espectador con un final que desconcierta derivado más hacia los adultos incapaces de asumir sus propios errores. Podemos hablar de un final abierto sin equivocarnos. En verdad, dentro de los thrillers es uno de los mejores de los últimos años porque no se necesitó de lo “gore”, de los balazos, de nada más que un guion bien planteado y actuaciones trabajadas a partir del silencio y del concepto de la actuaciòn como alma del personaje. Excelente.

Elsa Bragato

ALFHAVILLE (reestreno)

De Jean Luc Godard. Con Anna Karina, Eddie Constantine, Akim Tamiroff, Jean Louis Comolli, Michel Delahayhe, entre otros, Fotografía de Raoul Coutard, Música de Paul Miskaki, Duración: 99 minutos. Francia, 1965- Distribuye Zeta Films

XXXX – LA NOUVELLA VAGUE REGRESA CON UNA OBRA CUMBRE

La Nouvelle Vague fue el movimiento cinematográfico de los últimos años de los 50, que surgió de un grupo de directores muy relacionados con los movimientos revolucionaros de esos años,  y creadores de los famosos Cahiers du Cinema. Francois Truffaut, André Bazin (fundamental para el movimiento), Agnés Varda, Jean Luc Godard, Jacques Rivette, Eric Rohmer, Claude Chabrol, entre otros, formaron parte del mismo. Así como Lars Von Trier generó su revolución con el Dogma 95, La Nouvelle Vague hizo lo propio al presentar a los personajes de manera verosímil, sin artilugios.

Alfhaville llamó la atención dentro del movimiento: Godard venía de filmar Sin Aliento, un film icónico, y luego Vivir su Vida, siempre con su musa y compañera durante años Anna Karina, actriz danesa que se sumó al movimiento.  La presentación de Godard fue diferente: un film de ciencia ficción dentro de un realismo a la francesa (no el neorrealismo italiano), de personajes que hablaban del amor sin tapujos, en los que uno podía identificarse con historias diferentes a las conocidas. Godard enfrentó al movimiento con este film: “Lemmy Caution” es el agente secreto enviado a Alfhaville, que está manejada por una computadora Alfha 60, sistema informático que maneja a toda su población. Ingresar al hotel que se le asignó ya es un síntoma de lo que vendrá: una “chaperona” que sueña con bañarse junto a él, mientras una música estridente matiza las secuencias desde el comienzo, y el personaje sin decir agua va saca un revólver y dispara, o se siente perseguido y con un cuchillo hace de las suyas. El mundo que plantea Godard se adelantó y mucho al que estamos viviendo. Podríamos decir que fue un visionario. No vivimos en una ciudad perdida en el Cosmos pero sí en ciudades computarizadas donde todos estamos, de una u otra manera, vigilados. Casi como el GH que creó George Orwell hacia fines de los 40.

Por fuera de las situaciones que viven los personajes, hay una unión entre esta propuesta y el presente que llama la atención. Ciertamente, en los 60 (el film fue estrenado en 1965) Godard dio un shock cinematográfico al movimiento al que pertenecía descubriendo un agente secreto en una ciudad ficticia, en la que debe matar a su creador, Von Braun, mientras su hija (Anna Karina) intenta distraerlo.

No vamos a analizar este film que fue y es otro de los grandes iconos del cine de todos los tiempos. En todo caso, festejamos que se reestrenen películas que formaron a las nuevas generaciones y que, en el caso de la Argentina, tuvo y tiene enorme influencia. “Alfhaville” sigue vigente en muchos más aspectos que la mera referencia cinematográfica.

Elsa Bragato

OTROS ESTRENOS PREVISTOS PASRA ESTE JUEVES

1)  VIDAS IMAGINARIAS, de Federico Cardone.  Con Malena Garay, María Pilar Mestre, entre otros. Se entrevistaron a Sofía Criach, Daniel Eduardo Politino y Oscar Guillén. Fotografía de Mariano Donoso y Mariano Cocolo, Arte de Darìo Ezequiel, Mùsica de Andrés Ceccarelli. Duración: 80 minutos.

Hacemos una breve síntesis dado que el film se estrenó fuera de los días habituales de estreno en el cine Gaumont. La intervención del gobierno en el INCAA ha producido un desmadre inconcebible en estrenos de films nacionales. Digamos que Federico Cardone es una figura central del panorama audiovisual de Mendoza donde realizado una intensa gestión cultural y docente unida a su labor creativa. Además, es el director artístico del Festival Graba Y se sintió atraído por la figura de Antonio Di Benedetto, de quien los vecinos decían que caminaba por las calles escribiendo. Esa dualidad, caminar y escribir o pergeñar un cuento o una historia, resultó poco comprensible para Cardone quien terminó por encontrar una razón para la literatura: quizás sea que nos ayuda a movernos. Esto se puede tomar tanto física como intelectualmente,[U1] [U2] [U3] [U4]  Cardone se basa en una protagonista, Vera, quien quiere filmar la vida de Antonio Di Benedetto. La narración se divide entre ficción y documental, y, para la mayoría de los críticos, si bien hay una interesante profundización del tema o sea la vida de tan elogiado escritor, es lo que posiblemente le reste solidez a la propuesta. Pero no hay duda de que Cardone afrontó un tema con total seguridad y no siguiendo patrones comunes por lo cual, en este sentido, su producción cobra un valor adicional favorable.

2)CRIATURAS BIZARRAS, una serie de Julián Cortizo. Se trata de cinco episodios de 10 minutos cada uno, aproximadamente, está auspiciado por Flow y se podrá ver desde el 18 de junio próximo por esa plataforma. Se presenta como una sátira al tercer mundo y su estilo de vida actual donde está claramente expresado el abuso de los medios informativos, la deshonestidad política, la corrupción en su grado máximo, la falta de seguridad, entre otros estigmas sociales que padecemos, a través de los personajes de Gordo Morrón, Alien, Canario, Leio, Tito, Terly y Primo. Alguno de ellos “pega” de lleno con nuestras realidades y en protagonistas de la historia actual. Las voces son de Marito Falcón Ramiro Dunogetn, Julián Cortizo, Diego Romero, Gonzalo Alvarez y Lucía Cortizo, y la participación de Víctor Hugo Morales.

3)Toy Story 5, de Andrew Stanton. Con las voces originales de Tom Hanks, Tim Allen, Keanu Reeves, Greta Lee, Wallace Shawn, Joan Cusack, Penélope Cruz, Tom Hanks, Tim Allen, Keanu Reeves, Greta Lee, Wallace Shawn, Joan Cusack, Penélope Cruz. Cuando Woody, Buzz, Jessie y la pandilla se encuentran con un recién llegado de alta tecnología, sus aventuras dan un giro inesperado mientras compiten por demostrar que los juguetes más valiosos de la vida no se limitan a códigos y chips. Sin lugar a dudas, es el estreno de la semana, esperado por largo tiempo. En verdad, es una crítica abierta al impacto de la tecnología en los juegos infantiles, a partir de una pequeña protagonista que vive inmersa en su Tablet. Como siempre, Toy Story parece representar, a través de sus distintos films, los problemas de la sociedad mundial, los abandonos, los equívocos, los egoísmos, y el altruismo- Para los seguidores de la saga, es un imperdible.

 

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ENCUENTRO COLEMAN, FAMILIA, EN EL CINE, EL DÍA DE LA REVELACIÒN, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 11 DE JUNIO DEL 2026

 

JUEVES 11 DE JUNIO DEL 2026

ENCUENTRO COLEMAN

Documental de Ana Negri y Florencia Nussbaum. Con Claudio Tolcachir, elenco actual, duración: 90 minutos.

XXX – LA OBRA QUE SE METE EN EL CUERPO

Claudio Tolcachir decidió escribir “La omisión de la familia Coleman” hace más de 22 años y abrir una sala, Timbre 4, en el fondo de un PH. En este documental de Negri y Nussbaum, el autor teatral se pregunta sobre el éxito inesperado de esta obra de teatro independiente que lleva unos 22 años en escena y que ha recorrido el mundo con éxito, “porque no hay una estructura familiar, no hay una familia común”. En cambio, Tolcachir trabaja con lo que no hay, y son los sentimientos de unión familiar. Hay dejadez, hay abandono, hay ruindad, que es en definitiva la expresión del alma de los personajes.

La pregunta sería a quién se omite, y a través de las expresiones de los actores se va comprendiendo que hay cancelaciones, como hoy se dice, u omisiones que puede ser la del padre, pero no está determinada. O bien la omisión de una escenografía convencional. O la omisión de sentimientos  

Los documentalistas salen de los escenarios, se ubican en espacios vacíos, o alguna cocina, para hablar con los actores, las actrices, con el mismo Tolcachir. Y no hay una respuesta precisa sobre el éxito de esta obra que es un clásico del teatro contemporáneo argentino. Pero tiene aspectos que la empatizan con todos.

Hay dos aspectos fundamentales, uno lo rescata una de las actrices: si bien nadie se explica por qué la unión, por qué la espontaneidad en la actuaciòn, lo cierto es que “la obra se te mete en el cuerpo” y asì formaron, a lo largo de décadas, una familia extraña en el escenario y una familia en la vida.

La omisión no está definida, puede ser un pariente como el alma misma, es decir, bien se puede pensar en que es tanto una figura, la del padre, como la de sentimientos de solidaridad, porque lo que se ve es egoísmo, individualidad. Tolcachir tocó fibras muy profundas a través de personajes que, en apariencia, son una ruindad, pero en el fondo nos está mostrando la miserabilidad espiritual de cualquier mortal. Los documentalistas ahondaron en estos aspectos ofreciendo una mirada inteligente sobre una obra que nos habla de los sentimientos que omitimos, sean personas o pura alma.

Elsa Bragato

FAMILIA

De Francesco Costabile. Con Francesco Greghi, Barbara Ronchi, Francesco di Leva, Tecla Insolia, entre otros. Fotografía de Giuseppe Maio. Mùsica de Valerio Vigliar. Duración: 125 minutos. Italia.

XXXX -INTENSO DRAMA SOBRE LA VIOLENCIA INTRAFAMILIAR

Francesco Costabile se basó en las memorias de Luigi Celeste, quien purgó su crimen durante 9 año. Su hermano, en cambio, es lo opuesto, sueña con ser padre, tener familia.

La propuesta se basa, como se indicó, en memorias y, en forma especial, en la frase de Luigi indicando “No siempre será así”. Costabile simplificó el concepto en la palabra “Familia”, que describe a la perfección y en detalle las consecuencias de la violencia intrafamiliar generada por un padre que tiene vedado acercarse a la mujer y los dos hijos. Pero que no cumple, que la madre cae una y otra vez en sus redes, que vuelve a ser golpeada brutalmente, los niños son separados de la madre por la justicia, el padre purga cárcel, el hijo mayor tambièn, mientras que el menor, Gi, acuña un rechazo profundo por el progenitor, un golpeador nato, un misógino de armas tomar.

Lo que aquí vale es el tratamiento de la historia que hace Costabile, una narración pausada pero intensa, basada en un elenco de excelencia: los dos hijos, de pequeños y ya grandes, el padre abusivo, la madre vulnerada en sus fuerzas. Son actuaciones memorables que retratan, por un lado, los caracteres diferentes para enfrentar al padre que vuelve una y otra vez, así como Costabile describe el clima agónico, asfixiante que aun en las secuencias de cenas familiares, impuestas por las situaciones que los personajes viven, hay una atmósfera densa, de peligro, de que algo está por estallar.

No en vano este film tiene innumerables premios internacionales y fue elegido por Italia, en su momento, para representar al país en los Oscars. Memorable película, de visión obligatoria, aunque haga doler el alma.

Elsa Bragato

Otros estrenos previstos

1)En el cine, de Matías Szulanski

2) Argentina Sangra por las barrancas del Río Paraná, de Andrés Cedrón, reestreno desde el miércoles 10.

3) El día de la revelación, de Steven Spielberg

En este nuevo film, el gran Spielberg vuelve sobre temas que conoce muy bien afirmando que se basa en hechos reales: seres extraterrestres, el terror de la población donde se desarrolla la historia, todo está narrado, contado, con la perfección de un maestro del cine. Para los incrédulos, es un film simplista; para los que se animan a tener cierta apertura mental y espiritual, Spielberg sabe de qué hable, y lo hace de manera concreta aunque se nutra de conocimientos proféticos. Es para fans de Spielberg y para reconocerle, siempre, el enorme talento, inigualable en muchos aspectos, de este director de cine que renovó los contenidos de Hollywood.

4)Letras robadas, de John Carney. Dos artistas que no tienen la fama de antes, la recuperación del éxito de uno por el otro, nos permiten transitar por una comedia muy agradable, diferente aunque clásica, donde la música tiene mucho que ver, que hacer, con el alma de los personajes. El director Carney está consubstanciado con los cantantes y compositres. Algo diferente, sentimental, agradable, sin que por ello pierda, en algunas secuencias, la justa dramaticidad.

5) Zero A.D., Alejandro Monteverde, Un tirano ordena la muerte de un niño porque teme que tenga más poder que èl. Por lo poco que se ha podido ver, es una versión siglo XXI del nacimiento de Jesús, que sigue danto temas para películas donde su presencia es tomada como alien o bien, como en este caso, como un ser sobrenatural. Resulta interesante.

6) Vidas Imaginarias, de Federico Cardone. Las maldiciones no duran para siempre, al menos eso piensa Vera, una joven que intenta hacer una película sobre el escritor Antonio Di Benedetto. Todo empieza con su primer cuento en un zoológico durante una noche de eclipse. Una trama extraña y precisa que contiene la clave de su vida. Interesante.

 

 

 

MADRES JÓVENES, SCARY MOVIE, EL PEQUEÑO NINJA, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 4 DE JUNIO DEL 2026

JUEVES 4 DE JUNIO DEL 2026

MADRES JÓVENES

Dirección y guion de Jean Pierre Drdenne y Luc Dardenne. Fotografía de Benoit Dervaux, Edición de Marie Helene Dozo, Arte de Julien Denis, con Babette Verbeek, Elsa Houben, Janaina Halloy, Lucie Laruelle, Samia Hilmi, Jef Jacobs, Gunter Duret, Christelle Cornil, India Hair y Joely Mbundu. Duración: 104 minutos.

XXXX – LA VIDA DE MUJERES EN LA LUCHA

Tratándose de un producto de los hermanos Dardenne, uno se asegura sensibilidad y profundidad en la propuesta. En este caso, , analiza con cámara dúctil y discreta la vida de cinco madres jóvenes, que son Jessica, Perla, Julie, Ariane y Naima. Todas viven en un refugio para madres jóvenes, adolescentes que enfrentaron la vida sin experiencia y hoy son madres. Buscan lo que cualquier ser humano: una vida digna, mejor, para ellas y en especial para sus hijos. El tema nos toca a todas las sociedades por igual, con mayor o menor calidad social, pero la soledad de una mujer adolescente que es madre resulta igual allí que en la China o aquí. Los Dardenne no van más allá de lo que los personajes le permiten, ofreciendo uno mirada conmovedora de situaciones más espirituales que económicas de la situación de estas aun adolescentes.

El aspecto narrativo esencial es la sencillez con que el tema es tratado, en forma individual  y grupal, un detalle no menor para que las historias sean verosímiles y nos lleguen al corazón. Los Dardenne tiene la flecha justa siempre que nos golpea allí, donde duele, donde surgen los sentimientos. Y es inevitable en el caso de estas chicas y sus bebés. En principio es el primer film coral de los famosos cineastas belgas y nos confrontan con una realidad que conocemos y que “superamos” como podemos porque, en verdad, nada se puede hacer en forma individual. Asì como es la historia coral, así debería ser la unión socio-estatal para darles una salida digna a estas jóvenes. Porque ser madre sin saber por qué, cuidar de una vida humana que se engendra en el propio cuerpo, luego de atravesar infancias difíciles, puede ser un trauma no superado como un trauma que se transformará en bendición.

Es una historia que nos toca a todos, coral o individualmente. Porque es parte de las sociedades actuales con más frecuencia que antes, tal vez porque somos más millones, tal vez porque la información hoy vuela. Gran película de los Dardenne, que, entre otros productos, ya golpeó el corazón con “El hijo”. Para ver con alma generosa, abierta.

Elsa Bragato

ALGUNOS ESTRENOS PREVISTOS PARA ESTE JUEVES

1)      AMOS DEL UNIVERSO, de Travis Knight. Volvemos a las  mitologías de Hollywood y para ello hay que tener datos anteriores. No es nuestro caso porque tanta invasión de historias y personajes que nada tienen que ver con nuestra idiosincrasia nos producen rechazo. Pero hay público para todo. Por eso contamos que el príncipe Adam, de diez años, aterriza en la Tierra en una nave espacial, separándose de la llamada España del Poder que es el cordón umbilical con su planeta Etemia. Dos décadas después encuentra la Espada y puede así regresar a su planeta para defenderlo de las fuerzas malignas de Skeletor. Historias cósmicas que no aportan nada nuevo a lo ya hecho por grandes directores pero que distraen, son pasatistas.

2)      SCARY MOVIE 6, de Michel Tiddes. Se trata de la sexta saga de este film, 26 años después de escapar de un asesino muy familiar por sus características, los Cuatro Originales están en la mira y esto obliga a reñirse y enfrentar al malvado. En líneas generales, ni siquiera este film puede considerar final de la salga. Sin duda, quedan hilos colgando, invisibles, que permiten que en algún momento los caminos de los protagonistas se entrecrucen. En Hollywood el final es solo cuando el actor principal se muere o bien la saga no atrae más. Pero, tambièn es cierto que llegan a aburrir.

3)      EL PEQUEÑO NINJA, EL ORIGEN. Anders Matthesen El film tiene el sello de Dinamarca, país donde se realizó. Un joven adolescente perdió interés por las aventuras ninja. Si bien tiene un amigo ninja con poderes mágicos. Algo sucede para que este amigo ninja lo incite a recuperar el interés por la lucha y a defenderse, en todo caso, de los enemigos como solía hacerlo. Más de lo mismo, siempre con luchas, poderes especiales. A veces nos preguntamos, y creemos que con razón, dónde hay una historia de humanos, cotidiana, profunda.

4)      LOS BOBOS, de Basovih Marinaro y Sofía Jallinsky. Este film es el tercero de esta dupla, pareja en la vida real, que son “locales” en el festival de Gijón, al decir de quienes han podido asistir al mismo, y que trabajan dentro de una línea de terror-horror que a veces no es digerible sino que puede fastidiar al público. Al parecer, en Gijón no ocurre nada raro: se acepta el manejo del horror de estos directores al que trabajan con fruición. En verdad, la pareja es única en el manejo de este tipo de “noir” que pasa los límites aceptables o comunes. En este caso, mediante un sistema de electroshock casero, logran idiotizar a personas incluso a pedido de gente con dinero. Es decir, los “poderosos” se sacan de encima, lobotomizan, a quienes los molestan con aumentos, y demás. Es un retrato de nuestras sociedades, si miramos más allá de la imagen, donde la codicia por el dinero es superior al respeto por la existencia. Pero, mientras tanto, vemos imágenes que pueden resultar espantosas.

MAYO 2026, PELÌCULAS PREVISTAS DE ESTRENO DURANTE ESTE MES,, JUEVES MAYO 2026

 

ALGUNAS PELÍCULAS PREVISTAS PARA LOS JUEVES DE MAYO

l)LAS OVEJAS DETECTIVES, de Kyle Balda. Se unen animación con actores de carne y hueso. Un pastor les lee cuentos de detectives a su rebaño creyendo que no lo entienden. Pero cuando ocurre algo grave, serán las ovejas que, gracias a lo que aprendieron, inicien la investigación que darà con los malvados. Es un mix de humanos y animación muy atractivo

2)BILLIE EILISH, DE James Cameron. Filmada en vivo la gira de esta artista contemporánea, en un 3D inmersivo. Para disfrutar a pleno. Es un concierto para pantalla supergrande codirigido por la misma artista, Billie Eilisch, junto al gran Cameron.

3)EL ÚLTIMO VIAJE A CHINA, de Alejandro Maci (se anunció hace dos semanas y presentamos un sucinto resumen. Tiene producción de Pablo Echarri) Con Soledad Silveyra y Carlos Perciavalle. Nos cuenta el reencuentro de dos “hijos artísticos” de China Zorrilla que no volvieron a unirse hasta ahora. Si bien se pude calificar de documental, es algo más, tiene un toque diferente que el público va a apreciar en forma inmediata.

4)MORTAL COMBAT 2, de Simón McQuoid. Ciencia ficción en esta segunda parte al por mayor. Ahora habrá que luchar contras las fuerzas oscuras a morir para salvar a la tierra. Están todos los efectos especiales imaginables que permiten saltar de la butaca, taparse los ojos, pero sentirse atrapado sin salida por lo que la pantalla muestra. Este género es de puro entretenimiento por lo que no hay mucho más que agregar. Es cuestión de gustos: la mitología creada por Hollywood o un buen libro de mitología greco-romana. Cuestión de gustos.

5) IRON MAIDEN, BURNING AMBITION, de Malcom Venville. Recordemos que Iron Maiden fue telonero de Joe Cocker en el estadio de Vélez cuando este ultimo se presentó en el país luego del suceso del film “Nueva semanas y media” con su tema como banda sonora absoluta. En esta oportunidad, se explora el alcance del heavy metal creado por Iron Maiden y la influencia cultural del artista y su grupo dentro del rock y de los parámetros musicales y sociales del periodo de mayor influencia de su mùsica.

JUEVES 14 DE MAYO DEL 2026.-

1)  EXIT 8, de Genki Kawamura. Un hombre queda atrapado y debe encontrar la salida 8, como indica el título; pero se equivoca y las reglas son muy duras: debe volver al inicio hasta encontrar esa salida de forma directa. Este tipo de argumentos acrecienta la tensión y la atracción por el film. Y en este sentido los orientales son expertos. Como solemos decir, para espíritus fuertes.

 

2)  ESTELARES, NUESTROS DÍAS EN MI MEMORIA. de Gonza López, localizada en la ciudad de La Plata a la que se considera “ciudad de la música” por su teatro y sus orquestas. En este caso, recorre la vida musical del conjunto Estelares, matizado no solo con su mùsica sino tambièn con entrevistas.

3)  LO HABRÁS IMAGINADO, film nacional de Victoria

Chaya Miranda con Diana Lamas, Carlos Portaluppi, Osmar Núñez y Mario Pasik. Està dentro del subgénero del thriller político, con varios galardones en el exterior en dirección, actuaciòn masculina y mejor actriz. Nos habla de la vida de Abril que, en vísperas de Navidad, aparecen su tìo Angel y Guille, un viejo amigo. En verdad, no será un encuentro semi familiar agradable dado que los nuevos personajes buscan datos para una investigación judicial paraestatal. El horror de otros años no terminò: aùn hay que desenterrarlo porque, al parecer, las familias ejemplares no existen. Y la de Abril no lo fue.

JUEVES 21 DE MAYO DEL 2026.-

1)  STAR WARS: The Mandalorian and Grogu. De Jon Favreeau, con Pedro Pascal y Sigourney Weaver. Es continuación de la serie The Mandalorian. El imperio ha caído, todos vagan por el cosmos, mientras La Nueva República busca salvarse del asedio de los malvados y contrata a un experto como es Din Djarin y su joven ayudante Grogu. Si comparamos los títulos y los contenidos, la ciencia ficción gana por lejos a las historias de vida. Hollywood se centra en las luchas cuerpo a cuerpo y en salvar la Tierra, planeta al que està hostigando con sus guerras. Hollywood toma la “esencia” de estos hechos reales y os transforma en ciencia ficción. A quien le guste, todo bien.

2)  HOKUM: LA MALDICIÓN DE LA BRUJA, de Damián Mc Carthy, con Adam Scott. Un escritor, Ohm Bauman, decide aislarse en una casa solitaria para esparcir las cenizas de sus padres. Repentinamente se ve envuelto en sonidos y sombras extrañas, una casa embrujada o al menos visitada por seres de otros planos. Vivirá entonces una pesadilla. Esto se transmite al público, especialmente al afecto, al fanático, del terror paranormal. No falta nada, se reiteran gags, pero no se hace mella al género propuesto.

3)  LA CHICA DE COLONIA. de Ida Fluck, basado en su propio guion. Narra la historia de Vera Grandes, el gran ídolo de los jóvenes de la escena musical de colonia en los años 70. El film ha recibido diversas críticas, entre las que la consideran poco lograda y la mayoría, como una divertida biopic que puede ser o no muy fiel a los hechos pero que no deja de ser entretenido, además de rescatar a una valiosa figura del mundo de la música de aquellos años.

JUEVES 28 DE MAYO DEL 2026.-

1)  AMARGA NAVIDAD, DE Pedro Almodóvar

Se considera una obra maestra del genial Pedro Almodòvar, ya presentada en festivales. Trata la vida de Elsa, una publicista que pierde a su madre cerca de las fiestas. apoyándose en su pareja, Bonificio. Sin embargo, la depresión la va consumiendo hasta que decide hacer un viaje con una amiga suya. Vendrán otras consecuencias porque cada decisión tiene su acción.

2)  EMILY, DÓNDE ESTÁS?, de Alicia MacDonald.

El título en inglès es “Buscando familia” y es más correcta que en castellano. Un joven mùsico recibe el número de telèfono equivocado de la chica que le gusta e inicia una búsqueda que terminará por revolucionar el Campus. En materia de comedias ligeras y románticas, el cine inglés siempre ha dado muestras de muy buen gusto. En este caso, si bien no son nombres famosos, no hay excepción.

3)  ZONA DE RIESGO, se reitera este título que fue previsto hace un mes y del que dimos cuenta en su momento.

 

 

 

EMI, CUATRO ESTRELLAS, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 7 DE MAYO DEL 2026

 

JUEVES 7 DE MAYO DEL 2026.-

(Se ofrecen los títulos previstos de estreno. Pero esto no asegura que a último momento se cambie el cronograma de exhibiciones)

UNA Y MIL VECES

 (se estrenó el miércoles 29 de abril)

Dirección de Ernesto Fontàn. Guion del mismo Fontán junto a Marcos Coria y Bruno Scarponi. Fotografía de Bruno Scarponi, Mùsica de Juan D’Eramo. Duración:70 minutos.

XXXX – RECUPERANDO LA MEMORIA SOBRE LA REVOLUCIÒN SANDINISTA

El 19 de julio de 1979 se derrocó a la brutal y sanguinaria dictadura de Anastasio Somoza en Nicaragua. Nadie sabe, muy pocos recuerdan, que hubo una brigada de 50 uruguayos, u “hermanos orientales”, que formó parte de la lucha armada contra el dictador.  He aquí este muy buen documental de Fontán que rescata ese momento histórico. Resulta un material atrapante por las historias que los sobrevivientes de esa brigada dan frente a cámaras, entre ellos Guillermo Romano, Víctor Estradet, Ernesto Souto, Fernando Mazzeo, Miguel Angel Ortiz, algunas de las esposas de estos luchadores, sin olvidarse de Marcos Couteris, que falleció en combate.

Muchos empezaron en las universidades para luchar contra la falta de democracia que, por momentos, se observaba en el Uruguay, para pasar luego al grupo Tupamaros. O sea a la clandestinidad. Por sobre las luchas, todos coincidieron en que iban hacia el real “patio de atrás” de los Estados Unidos, siendo el Caribe una zona muy sensible para el paìs del Norte. Nicaragua no escapó a esta designación y tuvo las consecuencias de la intervención solapada de los Estados Unidos. Muchos de estos combatientes, entre un vino, un mate y un asado, recuerdan que fueron a la vez exiliados de su propio país una vez que asumió la última dictadura, que fue parte del llamado Plan Cóndor u Operación Cóndor, plan sistemático para combatir el comunismo en América Latina durante la llamada Guerra Frìa que duró hasta 1980. Chile fue el primer país en caer bajo las consignas de la “escuela de Chicago” luego le siguieron, Paraguay y Uruguay y nuestro país. Todo orquestado. Un golpe a sangre y fuego para imponer el liberalismo a ultranza que hoy se vive con ese mismo rigor de los 70 pero con vendepatrias en los gobiernos de falsos “guantes blancos”. Es decir, al luchar en Nicaragua contra una dictadura brutal sintieron que tambièn lo hacían por su propia patria, la República Oriental del Uruguay.

El documental se filmó para rescatar a ese grupo de uruguayos combatientes porque ni siquiera el propio pueblo lo sabe. A nivel cinematográfico, encontramos solidez narrativa, una cámara inquieta que no se queda sobre determinados rostros o paisajes, sino que es ágil, que recorre, que se mueve, dando fluidez a la narración. Y es también un relato en sí mismo sólido, con inserts muy valiosos de la época, porque el relato de los sobrevivientes no tiene fisuras ni titubeos. Todo se confabula para transformarlo en un muy buen documental que rescata un fragmento de la historia de las Américas, siempre luchando por la libertad de sus pueblos.

Elsa Bragato

EL GRAN ARCO

Dirección y guion de Stephane Demoustler, Fotografía de David Chambille, Mùsica de Olivier Marguerit, edición de Damien Maetraggi, basada en la novela “La grande arche”, de Laurence Cossè, con Claes Bang, Sidse Babett Knudsen, Xavier Dolan, Swann Arlaud, Miche Fau. Duración: 105 minutos. Francia.

XXX – UN HECHO REAL QUE CONMOCIONÓ A FRANCIA

“El gran arco” viene precedida de altos y bajos en la crítica internacional, si bien logró premios en rubros técnicos en los César, nominaciones en el festival de cine Francés en nuestro país, en el de Londres, siendo el film de clausura de la Selección Oficial del festival de Gijón. A partir de estos elementos, se podría decir que estamos frente a una obra maestra que desarrolla un hecho real: el pedido del presidente Francois Mitterrand en 1983 de realizar un Gran Arco de la Defensa a través de un concurso internacional. Lo gana un joven arquitecto danés que solo ha construido su casa y varias iglesias entre católicas y protestantes. Se sorprende por ganarlo y esta sorpresa sacude también al gabinete de Mitterrand: ¿quièn lo conoce? A partir de este momento, con sagacidad cinematográfica, el director Demoustler logra una suerte de documental trabajado como relato clásico, parsimonioso, un paso a paso en la ejecución de este gran arco que, dada su ubicación, puede tapar el Arco de Triunfo de París, un icono de la Ciudad Luz, y ensuciar la visual de la Torre Eiffel Es decir, el proyecto, ideado en una maqueta a partir de datos de la realidad, choca con la realidad misma. Mitterrand no quiere perder esa vista de París, pero también quiere el Arco de la Defensa (en la vida real, el 14 de julio de 1989 el presidente Mitterand inauguró el Gran Arco de la fraternidad en el barrio llamado de la Defensa, de París).

El valor del film, por sobre el caso real, está en el tratamiento del personaje que encarna Claes Band como arquitecto danés: hay en él pesadumbre y complejidades espirituales e intelectuales, sus ilusiones parecen frustrarse ante una realidad que supera su maqueta, y en definitiva, es el artista que sufre las presiones del medio político y social, alcanzando excelentes matices en su interpretación. El danés representa a ese sector de artistas que, aunque se le reconocen todas las virtudes, son castigados con ninguneos de toda índole. Es el artista que sufre por su obra, aunque el director matiza con secuencias donde sobresale la sátira al pedido presidencial y otras de gran ironía a las pretensiones políticas.Puede aburrir, puede agobiar por la lentitud, pero es un film especial, una fusión entre una narración clásica con un documental, sin que se vean sus costuras. Es un film para quienes están relacionados con el arte y para quienes aman el cine detallista, puntilloso y bien realizado como es este caso.

Elsa Bragato

CUATRO ESTRELLAS

Dirección de Pablo Stigliani. Guion de Ulises Puiggrós. Con Ulises Puiggrós, Romina Escobar, José Sesán Ana Celentano, Mila Jaimes, María Fernanda Callejón y la presentación de Vera Peinado. Arte de Mirella Hoikman. Duración:80 minutos.

XXX – CONMOVEDOR RELATO SOBRE CUATRO MUJERES O CUANDO LA VIDA SE ENCARA DESDE EL CORAZÓN

La historia de “Cuatro estrellas” está ubicada en la década del 90 en un PH del barrio de Constitución. Y nos retrata la vida de cuatro prostitutas que han logrado formar una suerte de familia donde impera la ternura, entre ellas, una mujer trans (soberbio trabajo de Ulises Puiggrós) que canta en un cabaret y luego ejerce la prostitución. Para quien esto suscribe es un film sobre la prostitución por varias escenas explícitas de sexo. Aunque hay que reconocerle otro tono: el clima de resiliencia, de ternura, que existe entre las cuatro, una de ellas muy jovencita que esconde un secreto a revelarse con la aparición de la excelente Ana Celentano (algo así como nuestra Juliette Binoche). De las cuatro quedarán tres porque una morirá supuestamente por exceso de droga. El dolor las invade y también una cuota de traición cuando Marcela (Callejón) se va del PH para trabajar en la prostitución VIP.

En verdad, el director Stigliani toma el texto de Puiggrós y lo encara desde el mejor lado: la capacidad de unirse de cuatro personas que no son familia pero tienen necesidad de una. Se comprenden, generan un clima de hogar. Si bien es una historia sobre marginales, Stigliani no se queda en ese concepto sino que bucea en el corazón de estas mujeres, la que esconde un gran secreto, la que traiciona por necesidad, las que aceptan sus destinos. No parece haber salida salvo el que ellas mismas se puedan dar. Es la familia sustituta, la que no es de sangre la que las ayuda a vivir y sobrevivir en una ciudad de furia, sin posibilidades laborales, durante un período donde el país se puso en venta y se olvidó de la gente. Destacamos el trabajo de Puiggrós en el rol de la cantante trans, papel que pudo llevarlo a la exageración pero que estilizó con una cuidada interpretación. Finalmente, “Cuatro estrellas” tiene el mérito tanto del director Stigliani como del mismo Puiggrós en calidad de guionista de plasmar el lado humano, o sea, el darse cuenta de que la verdadera vida se encara desde el corazón.

Elsa Bragato

EMI

Dirección y guion de Ezequiel Enriquez Mena. Con Benicio Mutti Spìnetta, Sofia Palomino, Alejandro Scaravelli, Miriam Odorico, Mara Bestelli, Luis Ziembrowski, entre otros. Fotografía de Gustavo Schiaffini, Arte de Betania Cappato, Vestuario de Macarena Pazos, Montaje de Ezequiel Enriquez Mena y Pablo Riera, mùsica Original de Luciano Supervielle. Duración: 93 minutos. ^Productoras Rita Cine y El cielo Cine.

XXX – LA FAMILIA COMO EJE DE LA HISTORIA

La propuesta de “Emi”, protagonista encarnado por Benicio Mutti Spinetta (dos apellidos que lo lanzan por el buen camino del arte) es la reconstrucción de la vida personal de este joven cuyo nombre es título del film. Vive con sus padres, es homosexual aceptado por sus seres queridos, y trabaja en un taller de reparación de motos. El film produce intriga desde el comienzo porque, si bien Emi, de lindísimos 18 años, es parco y serio, da que pensar que su alma y su corazón van por otros caminos.

El realizador Enriquez Mena nos sorprende. Por un lado, Emi tiene padre y madre, pero adoptivos, por lo que hay algo en él que lo inquieta y lo obliga a buscar lo verdadero, a los padres biológicos.

El error de concepción del tema es no plantearlo desde el inicio. Como la mayoría del cine nacional actual, es secuencial, no hay un clima general que desde el comienzo nos indique la angustia que tiene Emi, sino que tenemos que amoldarnos, como espectadores, al paso a paso de la historia hasta descubrir algo que hace cambiar el espíritu de Emi y, por consiguiente, tendrá consecuencias en el hogar de sus padres,  o sea las personas que lo criaron.

La cuestión que, en alguna nota, ha planteado el director Enriquez Mena sobre dónde está la familia, si acaso debe ser solo la biológica o bien está en la que uno se va armando a lo largo de la vida, se contradice con su guion. Emi, su protagonista, busca lo biológico porque es un atavismo del que no puede escapar nadie. La necesidad la marca la consanguinidad, y esto es ineludible. Emi lo demuestra.

Desde el punto de vista narrativo, el film cuenta con un largo plano secuencia donde el protagonista va en moto con otra persona, solo los detiene un semáforo, pero no corta la ubicación de la cámara que continúa con el mismo tipo de toma.

Es un film parsimonioso, depende del enorme carisma de Benicio Mutti Spinetta, porque recae sobre él el peso de la historia. El resto actúa en planos secundarios. Ciertamente, tiene una hechura fílmica de solidez narrativa incuestionable que permite seguir los pasos de Emi aunque su vida parezca transcurrir sin sobresaltos. Hay que indagar en su mirada o esperar el desenlace para empezar a comprender que la película trata de algo más que la mera descripción de un tiempo en la vida del protagonista, tan parco y serio: es su búsqueda personal de la familia biológica. Aunque no se ofrezcan más explicaciones que este hecho, es suficiente para darle entidad al núcleo familiar en el que vinimos al mundo por sobre las personas que vamos sumando a nuestro propio universo social.

La familia biológica, la aceptación de la homosexualidad, fueron bases para que la Asociaciòn de Cronistas de cine le otorgara el máximo galardón en la Competencia Oficial de Argentina del reciente BAFICI.

Elsa Bragato

SUEÑOS DE OSLO

Dirección y guion de Dag Johan Haugenud. Con Ella Overbye, Selome Emnetu, entre otros. Fotografía de Cecilie Semec, Música de Anna Berg. Una joven estudiante, Johanna, se enamora de su profesora mucho mayor que ella. Va escribiendo en una especie de diario íntimo sus sensaciones, la necesidad de amarla. Se arma algo así como un “catálogo sobre la sexualidad” y el sexo que la crítica indica como algo muy personal de Dag J. Haugenud. Estos escritos, más algunas escenas que indican cierto acercamiento entre las partes, son descubiertos por la mamá y la abuela de la joven. ¿Se pueden publicar o simplemente son el descargo de la jovencita? ¿Hay posibilidad de concretar tanto deseo? El guion se pierde en muchas disquisiciones sobre el sexo, las diferentes sexualidades, pero ciertamente se está mostrando la necesidad de concretar una relación lésbica.

EL DESPRECIO, MUJERES AL FINAL DE ESTE VIAJE, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 30 DE ABRIL DEL 2026

 

JUEVES 30 DE ABRIL DEL 2026

EL DESPRECIO

de Jean Luc Godard, con Brigitte Bardot, Jack Palance, Michele Picooli, Franz Lang, Giorgia Moll, entre otros. Basada en la novela del mismo nombre en italiano de Alberto Moravia. Fotografía de Raoul Coutord, Mùsica de G. Delereu, Duración: 103 minutos.

XXXX – LA OBRA CUMBRE DE GODART EN CINEMASCOPE

Jean Luc Godard, fallecido en el 2022, es uno de los grandes maestros de la Nouvelle Vague francesa. El otro grande es Jacques Trouffaut, ambos trabajando en los famosos Cahiers du Cinema. Más este último que Godard.

Esta película, El desprecio, fue la única que el francés realizó con dineros de Hollywood y en cinemascope. Sufrió un gran tormento durante la realización de esto que es “cine dentro del cine” por las ínfulas de la gran Brigitte Bardot en su momento de esplendor, porque Jack Palance se querìa ir, y porque Godard solo tenía buen trato con su admirado Fritz Lang, el alemán que se exilió mientras su mujer se transformó en la cineasta de Hitler.

La historia es extremadamente parsimoniosa, especialmente en estos tiempos tan veloces que vivimos. Hay pausas que hoy no se admiten en ninguna película. La propuesta es que la pareja que componen Bardot y Piccoli intervengan en la realización de una película que tiene a un productor millonario, que encarna Jack Palance. Al mismo tiempo, Godard no abandona sus inquietudes personales por lo que se produce un “mix” que, por momentos, resulta difícil de seguir: Bardot viene a ser la encarnación de la mujer que Godard està perdiendo en la vida real, la bella Anna Karenina, por lo que la francesa usa la peluca de cabello negro carré que Anna lució en Vivir su vida, film clásico de la Nouvelle Vague. Godard quiere filmar al público, quiere mostrar algo más novedoso que una simple historia de un escritor, Piccoli, obligado a reescribir un guion que no gusto al productor yanqui, cuando vio algunas escenas en la sala de proyección privada de Cinecittà, ni tampoco quiere abandonar sus principios cinematográficos como el de “El cine es una invención sin ningún futuro” que dijera Lumiere, el creador de este tipo de audiovisual, hoy poderosa industria internacional.

El Desprecio muestra la vida íntima de un matrimonio que se desgasta, que quiere subsistir pero no puede. La protagonista Bardot caerá en brazos del productor norteamericano, y ambos decidirán su futuro que no es el que se espera sino un desprecio por todo lo que han vivido y por los que van dejando.

El “tempo” interno lo marca la época, los 60, donde se trabajaba con colores intensos y Hollywood se daba el lujo de contratar a artistas europeos como a sus directores para sus superproducciones. La experiencia, que hoy es más aclamada que entonces, dejó muy poco satisfecho a Godard y no la volvió a repetir. Podríamos hablar de planos largos, de cámaras fijas, de personajes tomados a la distancia, pero no es lo que hace a la esencia de esta película.

Al espectador le queda una historia lánguida, interpretada por nombres que han hecho historia en el cine internacional, que se interpelan y se agobian mutuamente. Una curiosidad es el desnudo inicial de Bardot, que fue exigido por los productores yanquis: un film de la Briggite sin su cuerpo desnudo no podía existir. Si uno saca de El desprecio esos minutos iniciales, el film cobra el sentido existencialista que Godard intentó esforzadamente darle.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

MUJERES AL FINAL DE ESTE VIAJE

Documental de Paola Nucci. (o Diario de rodaje)

XXX – SOBREVIVIENTES DEL HORROR

Paola Nucci quedó conmovida con el caso de Marita Verón en Tucumán, a cuyas audiencias asistió. Como se sabe, nunca más se supo de la joven a pesar de los ingentes esfuerzos de su madre. A partir de esta experiencia traumática, dolorosa, advirtió que podía reunir a diferentes mujeres que habían logrado escapar a sus proxenetas para que contaran sus historias de manera espontánea. Que cada una hiciera un “corto”, y también de esta manera ir logrando una superación de las brutalidades sufridas.

A lo largo del documental, o diario de cine, varias mujeres van contando sus vivencias, los maltratos físicos, las violaciones, los abortos, la muerte de otras compañeras por palizas brutales, en síntesis, horrores que muchas jovencitas desde sus 13 años (una de las mujeres cuenta que en La Rioja un juez pedía que le llevaran a una nena de 13 años) viven engañadas por un amor, un joven que les endulza los oídos, les promete una vida mejor y las trasladan a Tierra del Fuego, “donde la prostitución no está prohibida”, así afirman, o a La Rioja o a Tucumán, puntos mencionados en la narración.

El documental se va armando a partir de las reuniones improvisadas con un grupo de mujeres que lograron escapar al infierno, dónde se sientan, què quiere cada una contar; hay una marcada espontaneidad que, por momentos, puede resultar desprolija pero que, al final, nos demuestra que es la única manera posible de haber tenido semejantes testimonios.

Elsa Bragato

CANCIÓN PARA MI TIERRA

De Mauricio Albornoz Iniesta, con participación de diferentes pueblos afectados por los agroquímicos, abogados ambientalistas, mùsicos como León Gieco, Abel Pintos, La Mona Giménez, La Renga, Lito Vitale, Fenna della Maggiore, Juan Carlos Batlietto, Aterciopelados, mensajes de Rubèn Blades, entre otros. Canciones de Ramiro Lezcano. Duración: 93 minutos.

XXXX – QUE NUNCA SE CALLE EL CANTOR

Un maestro de música rural, Ramiro Lezcano, observa en sus alumnos diferentes inquietudes. E inicia una búsqueda de la raíz de las mismas. Entre palabras los chicos, y bien claritos los peones rurales, le van pintando el panorama desolador del que nadie da cuenta: los agroquímicos están matando a los pobladores, ya hay numerosos casos de cáncer infantil.

Pero Ramiro tiene solo una guitarra. Sin embargo, suficiente para transformar sus conocimientos en el medio de protesta más convincente que siempre surte efecto: recordemos que el rock nacional fue el ariete que socavó el relato feroz y mortal de la última dictadura cívico militar.

De a poco fue logrando que sus alumnos escribieran frases que luego unió en una letra, surgiendo la canción “Carancho de metal”. En Buenos Aires se contactó con los grandes, con los consagrados: Lito Vitale, León Gieco, tuvo el apoyo de Abel Pintos, de Juan Carlos Baglietto, La Renga que participó, Javier Calamaro, el mensaje de Rubén Blades, entre otros. Se buscó un lugar amplio del pueblo, se formó a los alumnos de manera que armaran un gran coro infantil, y se produjo lo que se dio en llamar un “Woodstock ambiental”.

Como siempre, la música es el vehículo esencial para alertar sobre los males que aquejan a los pueblos por los poderosos. Todo lo que comemos chicos y grandes, estemos en los campos o en la ciudad de Buenos Aires, está envenenado por los agroquímicos. Todos estamos en la misma, y por suerte la voz del cantor, en este caso la de Ramiro Lezcano, no se calló, buscó otras voces y logró una queja a puro canto como solo lo pueden lograr los músicos populares. Podríamos hablar de los planos, de las entrevistas, sin embargo, en este caso, vale el camino desde el inicio hasta llegar al monumental evento entre el pueblo, el canto de los chicos y los artistas, un hecho conmocionante. Lo dijo Guarany, lo repetiremos hasta el cansancio: que el cantor nunca se calle. Y agregamos que no debemos olvidar el valor social y de libertad que tuvo el rock nacional frente a la dictadura feroz del 76. ¡Viva la música como voz de los pueblos!

Elsa Bragato

PLATA O MIERDA

de Toia Bonino y Marcos Joubery.

XXX – LA MIRADA DETRÁS DE REJAS

El título nos lleva a un mundo de todo o nada. Es una cosa o la otra, desagradable. Cuenta el caso de Marcos, que está preso y logra ir filmando con un celular que obtuvo de “contrabando” distintas situaciones. De a poco esas filmaciones se las pasa a Toia, una conocida suya. Está muy lejos de las superproducciones de tiros, violencia de todo tipo: es un diario íntimo experimental que pudo tomar forma de documental ficcionado. El encierro es desesperante, Marcos lo sufre de una manera especial y lo retrata.

Aun dentro de su carácter experimental, Plata o Mierda viene logrando el consenso de la crítica (se presentó en la competencia oficial argentina del BAFICI). A veces este tipo de cine que es elemental por lo minimalista y la carencia de recursos técnicos suele descartarse. Sin embargo, como en este caso, suelen ofrecer historias que perturban, que inquietan, que nos muestran el otro lado de las cosas, en este caso de las rejas. Y el valor cinematográfico reside en lo que narran, no en los aspectos técnicos. Estos se superan cuando la historia nos llega al corazón.

Elsa Bragato

LA FRECUENCIA KIRLIAN

Dirección de Cristian Ponce. Guion de Herrán Bengoa y Critian Ponce, Fotografía de Franco Cerana, Mùsica de Marcelo Cataldo, Arte de Herrán Bengoa, Ilustraciones de Ivana Calamita, Mateo Quinteros, Federica Suárez. Géneros: Thriller y  Terror en animación, con Nicolás Van de Moortele, Casper Uncal, María Dupláa, Letizia Bloisi, Ciro Herce, Milagros Moline, Jorge Alonso. Duración: 93 Minutos.

XXX – EL TERROR Y LA ANIMACION PUEDEN IR DE LA MANO

Si bien nos llega este film que combina actores de carne y hueso con animaciones (en la mayor parte de la narración) titulado La Frecuencia Kirlian, se trata de una serie que es muy conocida especialmente por el público fan del género. Une diferentes tópicos, extraídos del terror tanto como de la animación en sí: la última noche de un pueblo llamado Kirlian, un Cometa se acerca y destruirá todo. Como elemento que une está el programa radial que dura hasta las 24 horas, donde van apareciendo personajes de carne hueso como la maestra Gladys Mournier que es la primera en hablar por la radio a las 23 horas, siguiéndole luego el constructor de un “barrio embrujado” que se llamado Julio Vergara, una jovencita, el dueño de la radio opositora, frente a u micrófono que maneja diestramente un extraño ser humano con una máscara de calavera que esconde algo más.

La historia es atrapante, pero en muchos momentos, se suman tantos personajes y situaciones que la destrucción del pueblo por el cometa, idea original que se dice varias veces, desaparece. Ocurren sí cosas extrañas: un comisario que pone orden y mata al mismo tiempo, la extracción del hígado de un jovencito, el miedo d e los padres a que sus hijos salgan, un personaje femenino (en realidad andrógino) que por momentos narra la historia, y la llegada, entre otros, de Abel, actor de carne y hueso, que busca a Caín. Mucho, mucho, mucho, algo así como la Biblia y el Calefón.

Es necesario indicar que todo lo que se habla frente al micrófono se traduce en animaciones. Solo quienes van a la radio son “de verdad”. El resto son personajes de animación que van concretando tanto lo que los eventuales relatores vieron como lo que ellos van sintiendo.

En síntesis, el género atrapa pero la narración suma personajes y sub historias por lo que se pierde el hilo argumental y no se sabe si el pueblo efectivamente desaparece con la llegada del cometa o todo se debe al monstruoso conductor radial. Es una suerte de puzle de terror para fanáticos del género, además ya conocen la historia y la forma de trabajar de este equipo, preciso, pocos técnicos y mucha creatividad.

Elsa Bragato

EL DIABLO VISTE A LA MODA 2

 de David Frankel. Con Meryl Streep, Anne Hathaway, Emily Blunt, Stanley Tucci, Justin Therous, entre otros. Fotografía de Florian Ballhaus, Mùsica de Theodore Shapire. Duración: 119 minutos.

XXX – LA MODA FEMENINA Y UNA VUELTA DE TUERCA

Poco aporta esta segunda parte de “El diablo viste a la moda”, que se estrenara hace 20 años. Tiene a sus mismas protagonistas: Meryl Streep como Miranda Pruestly y Anne Hathaway como Andy. Algunas cosas cambiaron: el personaje de Emily Blunt, Emily Charlton, regresa con más poder que antes. En este caso, es Andy quien ha logrado superar a la diabólica Miranda, estando al frente de una revista nupcial, a punto de casarse, hasta que reaparece en su vida Miranda Priestly y la tensión con ella en lo personal y en lo profesional.

La solidez narrativa está en que estas historias se basan en la trilogía escrita por Lauren Weisberger, que aportan características esenciales a los personajes en la ficción cinematográfica. El mundo de la moda tiene, dos décadas después, aspectos muy diversos tanto para la poderosa Miranda, que ahora encuentra en su ex asistente Emily a una fuerte competidora, como para Anne, que toma una decisión impensada, a pesar de lo vivido. Los recursos del mundo han cambiado y hay que defender los productos logrados. La cuestión està en el “còmo” cada una de ellas encara el desafío socioeconòmico.

El film fue tachado de “feminista” en los Estados Unidos, sin tener en cuenta el valor actoral de sus protagonistas, el acompañamiento inefable de Stanley Tucci, siempre eficiente. Y estas críticas que hoy se dejan de lado fueron las dudas que se plantearon tanto en la ficción como en la preproducción. Quiénes valen más, si estas mujeres luchando por una posición en un medio periodístico que, en general, manejan los hombres, o sus valiosos aportes creativos.

Es un film de corte clásico que, por lo menos, saca a Hollywood de la mitología espantosa de Marvel, de los tiros y de las persecuciones, metiéndose en la vida de mujeres empoderadas. Sin mucho de novedad, pero atrapante siempre.

Elsa Bragato

ESTRENO DEL 23 DE ABRIL

INSTANTE

de Daniel Silveira, Pablo Bustos y Alvaro Galarza Lima. Con Manuela Viale, Pablo Yotich, Magui Bravi y Alejandro Fiore y elenco. Es un film interesante porque demuestra que, en un segundo, o en un “instante”, la vida nos cambia. Aquí se entrecruzan, en ese segundo impensado y jamás previsto, dos historias y eso cambiará para siempre el destino de ellas, con sus altibajos o sea sus más o sus menos. Se destaca la estética del film (Arte de Lucas Pèrez). Tal vez el amor no debe buscarse cuando uno quiere, y sin embargo, aparece cuando se lo necesita. Interesante!

 

SE ANUNCIA EL ESTRENO PARA ESTE MIÉRCOLES 29 DEL DOCUMENTAL UNA Y MIL VECES, de Ernesto Fontan. Se reconstruye la vida de los 52 exiliados uruguayos que se unieron al Frente Sandinista de Liberación Nacional por decisión personal. Y en el Centro Cultural 25 de Mayo, el documental del mismo realizador sobre el 40 aniversario de la catástrofe nuclear de Chernobil.