EL FALSIFICADOR, LA MUERTE DE ROBIN HOOD, TU CORAZÓN SERÁ DESTROZADO, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 20 DE AGOSTO DEL 2026

ALGUNOS ESTRENOS PREVISTOS PARA ESTE JUEVES

EL FALSIFICADOR

De Jean Paul Salomé. Fotografía de Julien Hirsch, Mùsica de Mathieu Lamboley. Con Reda Kaleb, Sara Giraudesu, Basilien Bouillon, Pierre Lottin, entre otros. Duración: 128 minutos. Coproducción Francia y Bélgica. Distribuye Le pacte.

XXXX – POLICIAL CLÁSICO DE GRAN SUSPENSO

Hábil guionista, Jean Paul Salomé ha realizado varios films siendo reconocido por Les femmes de L”ombre mientras viene avanzando sobre el cine “noir”, el de gran suspenso, una tradición dentro del cine francés. Es el caso de El falsificador, basado en hechos reales: se basa en la vida de Jan Bojanski, polaco que escapa de su país y se radica en Francia. La propuesta se inicia con el protagonista en el país galo y rápidamente va 8 años hacia atrás en el tiempo, ubicándose en Lyon, para luego plantarse nuevamente en la posguerra, mostrando aquel París de 1949. Bojanski es un notable falsificador de francos, participando de una embestida en 1951, conocida como “la de Rambouille” donde junto a sus secuaces logra robar el papel que necesita para su trabajo. Paralelamente, se casa, tiene dos hijos, y esconde su verdadero trabajo a su familia, diciéndoles que es inventor de una birome y de una cafetera, entre otras ideas.

Salomé va contando paso a paso el crecimiento de Bojanski, quien logra burlar al mismísimo Banco Francés y se convierte, durante 15 años, en la obsesión del inspector Mattei. Ni su esposa supo qué existía detrás de un placard en el lugar de “invenciones” de su marido.

Lo cierto es que Jean Paul Salomé logra aunar lo personal junto con el trabajo milimétrico de Bojanski de tal manera que no hay fisuras narrativas. Este film es compacto, es como leer la novela de Bojanski en dos horas a través de secuencias pausadas que, circunstancialmente, explotan en enfrentamientos policiales, manteniendo siempre dos líneas argumentales: la personal y la del trabajo. Van paralelas, no se unen hasta que el director da una vuelta de tuerca y entonces comienza otra etapa en la vida de Bojanski.

La banda sonora de Mattheiu Lamboley es llamativamente incidental, no molesta nunca, jamás va a la estridencia, y, en cambio, se basa en un sonido lejano de un saxo alto y un tenue piano, utilizando el recurso del pizzicato para alertar sobre un inminente peligro o una acción fuerte. Todo está milimetrado en este film, con una reconstrucción de época fantástica. Es vivir esa posguerra de la mano de Bojanski y, obviamente, de Jean Paul Salomé.

No falta la emoción que produce el padre cariñoso, así como se contrapone, fuera del hogar, con enfrentamientos policiales. El suspenso es constante. Y convierte al film en una de las muy buenas películas de época de los últimos tiempos, con rubros técnicos destacados por su perfección. Nada queda fuera de la narración que, aunque pausada, es de suspenso creciente. Dos vertientes y un policial de ésos que nos dejan ganas de seguir viendo este tipo de films.

Elsa Bragato

LA MUERTE DE ROBIN HOOD

Dirección y guion de Michael Sarnoski. Con Hugh Jackman, Jodie Comer, Bill Skarsgard, Noah Jupe, Faith Delaney, entre otros. Fotografía de Patrick Scola, Duración: 123 minutos.

XXXX –FINAL DE UN SUPERHÉROE QUE FUE MALHECHOR

Resulta extraño tener que hablar de la muerte de un superhéroe como Robin Hood, el hombre que, con su grupo de amigos, se escondía en los bosques de Nothingham para asaltar a los ricos y ayudar a los pobres.

La búsqueda de datos históricos nos permitió ubicar este tramo del final de la vida de Robin Hood que tomó el director Sarnoski para que encarnara Hugh Jackman, quien realiza uno de sus personajes más comprometidos.

 Dos elementos a destacar en principio: la actuaciòn del protagonista y la fotografía lúgubre que aumenta la sensación de agonía constante de principio a fin. Sin lugar a dudas, esta propuesta se enfrenta a la versión “Robin Hood” del 2010 de Russell Crowe, que encarnaba a Robin Langstrike, soldado de las Cruzadas.

El Robin Hood de Sarnoski es todo lo contrario: es un asesino, un malhechor, ha matado a cientos de personas, pero nunca se descubre el fin, si para ayudar a los pobres o para salvar su pellejo o defender al rey. Malherido, sigue asesinando sin piedad, hasta que se desmaya y aparece en un priorato o convento abandonado donde una bella mujer lo cuida, junto a su hija Margaret y otros niños.

La oscuridad de la fotografía desaparece: es un lugar luminoso. Es decir, formalmente, el director opone la tragedia moral de Robin Hood con lo oscuro y sombrío, mientras que la abnegación amerita la luminosidad.

 De acuerdo a las historias existentes, esta muerte de Robin Hood coincide con la del tercer Robin Hood encontrado. O sea que en el plano conceptual, encontramos una historia muy poco conocida de Robin Hood, seguramente un noble enojado con su rey, que manejaba maleantes en el bosque de Nothingham, siendo oriundo de York.

En lo formal es el protagonista quien lleva sobre sí la historia y permite que se sumen otros personajes. Todo depende de Hugh Jackman, en un rol de absoluto lucimiento personal. La cámara no se desprende de su rostro avejentado y de sus parlamentos cargados de arrepentimiento como de fiereza. Conviven en su alma alguna compasión junto con el instinto asesino.

Estamos frente a una novedad sobre la historia de una leyenda o bien de una historia real, que no vimos en las últimas décadas en el cine. La presencia de Robin Hood es la de un mendigo herido, que mantiene la fuerza para matar. Diferente, para concentrarse en esta expiación de pecados del personaje que tendrá un final sorpresivo.

Elsa Bragato

TU CORAZÓN SERÁ DESTROZADO

de Michael Vayinberg. basado en la exitosa novela actual de Anna Dzheyn. Con Veronika Zhurasleva, Daniel Vegas, entre otros. Fotografía de K. Postnikoy, Duración: 105 minutos. Rusia.

XXX – EL REGRESO DEL ROMANCITISMO ADOLESCENTE

Para nosotros, es una novedad este film titulado “Tu corazón será destrozado” dentro del romanticismo más empalagoso que pueda existir. El cine ruso, desde décadas, nos regaló La balada del Soldado, Asì pasan las Grullas, La dama del Perrito, entre otras biopics de sus grandes compositores. Pero una novela tan occidental enmarcada en una escuela secundaria mixta no parecía ser posible.

Gracias a una talentosa escritora como Anne Dzheyn ha sido posible conocer la historia de amor entre la rubia e ingenua Polina (Zhurasleva) y, en principio, el curso de secundario que le toca donde la ofenden y le hacen todo tipo de bullying. Hasta que un día, el fuerte y lindo de esa escuela, Bars (Daniel Vegas) le hace la propuesta de que lo siga sin chistar ni preguntar nada, la hará pasar pos u novia. Pero, claro, muy jóvenes y no siempre se pude cumplir esta lejanía de ser amigos y no darse un piquito…

Las idas y vueltas de los adolescentes conforman la típica trama de este género pero, a diferencia de otros films, aquí se ve la presencia, para bien y para mal, de las familias. Tanto padres como madres tienen algo que decirles a sus hijos, a veces no como debieran. O sea que, conceptualmente, los chicos no son huérfanos, como en muchos films yanquis, sino que dependen de familias que no siempre son lo mejor. Pero están.

Hay química entre los dos personajes protagónicas, y es uno de los grandes logros de esta historia de amor adolescente, tema que venía faltando en la pantalla grande atiborrada por las trompadas y balazos de Hollywood, espejo fiel de la política exterior de su país.

Si bien se hace larga, nos parece una buena idea y una buena producción encarar un film para adolescentes, donde el amor florece, aun cuando el desenlace no es el que esperamos, sino que tiene directa referencia con el título. Volver al cine “blanco” es realmente sanador!

Elsa Bragato

 

ALGUNOS OTROS ESTRENOS PREVISTOS PASRA ESTE JUEVES

1)LA NOCHE DEL DEMONIO, DE Jacob Chase. Con Lin Shaye. El terror vuelve sobre sus pasos al tomar lo sobrenatural. Es una forma de abrirle camino al mal. Una mujer se enfrente a hechos que no son brujerías sino que es como un portal del más allá que se vuelca en la realidad. El barrio apacible vivirá momentos infernales.

2)UN TRAGO DE INFIERNO, de Mariano Asseff y Pilar Boyle. Con Sergio Albornoz. Niko descubre que el miedo a la realidad tiene otros orígenes y tal vez lo que vive sea de su propio interior. Agregamos que el cine de terror nacional tiene muy buenos directores y guionistas y ha sembrado en diferentes festivales sus características.

 

 

 

CITRUS, YO NARCISO, EL FINAL DE LA CALLE OAK, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 13 DE AGOSTO DEL 2026

 

JUEVES 13 DE AAGOSTO DEL 2026

ALGUNOS ESTRENOS NACIONALES

El film de la semana es YO, NARCISO, dirigida por Adrián Suar, quien tambièn la protagoniza junto a Natalia Oreiro. La historia se basa en una joven profesora universitaria de sociología que escribe un libro sobre el narcisismo, y elige a un personaje muy especial al que considera narciso, a Marcelo Rey (Adrián Suar), hasta el apellido le va bien con sus ínfulas de ser el centro del mundo. Claro que la joven Rocío Flores (Natalia Oreiro) esconde su verdadera identidad para poder acceder a la intimidad de Narciso hasta que pasen situaciones que, narciso o no, trastocarán sus planes iniciales muy asépticos. A su vez hay lugar para figuras icónicas como Moria Casán quien hace las veces de madre de Rey, siempre especial, única y creíble. Rey tiene una ex con  a que no se lleva bien (Eleonora Wexler) y una  hija. Pero de pronto aparece Rocío, esta especialista en narcisos que es lesbiana y le hace creer que se está enamorando de èl.

La línea humorística y de sarcasmo se mantiene a lo  largo del film aunque siempre hay un final redentor donde los personajes parecen ser “perdonados” por el guionista y el director, en este caso también protagonista. No hay duda alguna sobre el histrionismo de Adrián Suar como comediante aunque en los últimos años ha perdido un poco la espontaneidad de otrora, tal vez por el peso de sus años como gerente de Canal 13. Pero la comicidad le es innata. No así el drama. Es decir, no se pierde el momento agradable que tanto él como la muy rápida y convincente Oreiro saben generar. Sin lugar a dudas el gran problema es cómo se filma hoy en día en nuestro país. Por empezar, siempre son los mismos elencos, con excepción de los protagonistas que deben ser el “imán” para el público, y luego el estilo narrativo, que dista mucho de la complejidad de los films exteriores. Todo es muy casero, muy doméstico, muy de entrecasa, simplote, es un regreso a los 70 pero adecuado a las normas urbanas actuales donde los chistes gruesos sobre terceros están prohibidos. Es decir, podríamos generar comedias un poco menos pochocleras y, si así fuesen, con mayor complejidad visual, mayor riqueza en todo sentido. Es todo simpático pero muy pueril, para nuestro gusto.

Elsa Bragato

CITRUS

Dirección y guion de Ayelén Agûero. Fotografía de Nadia Neder, Mùsica de Tomás Di Tella, Sonido de Sidka Saavedra Vera, Edición de Julia Straface y Verónica de Cata. Con Lucía Rodrìguez, Kika Rodrìguez y Julio Lucena. entre otros. Duración: 65 minutos.

XXXX -PROFUNDA MIRADA SOCIAL SOBRE LOS TRABAJADORES RURALES

Ayelèn Agûero es egresada de la Enerc, con estudios avanzados, y està radicada en New York. Sin embargo, no olvida su niñez en Tucumán y el esfuerzo cotidiano de su familia como peones rurales. Por eso surge “Citrus” con una carga emotiva muy especial, la suya, la que vivió con su familia como trabajadores rurales, bajo la mirada despiadada por momentos de los “capangas”, o señores de la tierra. Enfoca la emoción en una niña que se preocupa por la salud del abuelo, quien se esfuerza en la recolección de los limones de los campos de Alpachiri, Tucumán. Surge las leyendas, la piedra grande a la que se le ruega por el bienestar, por la producción, por la salud… Tierra de los calchaquíes.

Es un film que va de lo general, con muy buena fotografía matizada por planos medios y largos, a lo particular, a esa adolescente que cumple con la escuela, siendo muy compañera de su abuelo. Y un amuleto que se encuentra de casualidad, casi un protagonista más, con el que intentará ayudar. Nadie es tan mayor como para no tolerar el trabajo, pero los peones hablan a la cámara y lo dicen: frío, calor, mal comidos, es un trabajo penoso y duro el del campo.

La cámara va mostrando desde los campos plagados de limoneros así como personajes claves como el capataz, el ayudante, la presión sobre los obreros para que llenen más cajones con la preciada fruta, hasta la soledad y la depresión porque no hay un peso más, los tiempos “son siempre malos” para los trabajadores..

En lo conceptual, este docuficción funciona como una expiación del dolor y la frustración de Agûero en la niñez, el sufrimiento por los suyos, cuerpos golpeados por el trabajo de sol a sol. Y aunque esté entre rascacielos de New York, la niñez marcada por el sacrificio de sus mayores quedó grabada en el alma para siempre. Esa sensibilidad de la directora se transmite a sus personajes, todos integrantes de una familia. “Citrus” no hace más que revelar el sacrificio de los que trabajan la tierra, la falta de compasión de los patrones, y las consecuencias espirituales como ocurre con el abuelo,  así como la herida en el alma de los más jóvenes, como Ayelén Agüero, por  impotencia, por no poder ayudar.. La narración es muy ágil, con una cámara inquieta que toma desde los campos de cultivo hasta la intimidad de la familia de los peones. Ríos que bañan piedras como limpiando el dolor de décadas, una fotografía que va desde la mirada amplia hasta el detalle de una piedra. Es un gran comienzo de Agûero en el documental porque lo dotó de una sensibilidad exquisita, de su propia vivencia; su mirada sobre la explotación a los trabajadores conmueve.

Elsa Bragato

Se agrega el documental “El punto” sobre el padre Ismale Quiles, que se ofrecerá en el cine Gaumont. Consultar los horarios.

 

ALGUNOS ESTRENOS INTERNACIONALES PREVISTOS

1)  EL FINAL DE LA CALLE OAK, de David Robert Mitchell, con Anne Hathaway. Es ciencia ficción: toda una calle con sus moradores es transportada a otro lugar que desconocen. Entre ellos está la familia Platt que comprende bien rápido que la supervivencia es cosa personal, deben cuidarse los unos a los otros porque no saben hacia dónde van. La película encara una nueva forma de ciencia ficción, aquí no hay seres extraños de otros mundos, sino una calle bien humana trasladada a un lugar que se desconoce, como detenida en un espacio al que deberán acostumbrarse. La vida de la familia Platt ahora es diferente y es el centro de la acción, que es mucha. Los personajes deben habituarse a un mundo que los une frente a frente sin dilaciones pero que es distinto, habrá temores, sinsabores y acción, la de un suspenso diferente. En sì, el film es diferente y esto sí que es algo para aplaudir.

2)  PAW PATROL, LA DINO PELÌCULA, de Cal Brunker. Los cachorros de la patrulla Canina no saben bien cómo ni por qué, aterrizan en una isla tropical donde habitan los dinosaurios. Pero estàn perseguidos por un malvado humano que, con fechorías, hará explotar a un volcán poniendo en peligro la isla misma. Allí intervendrán estos cachorros patrulleros para intentar salvar al malvado y la isla y los nuevos amigos. Una animación que varía en algo el espacio y el tiempo de los personajes de esta índole.

3)  SACCHARINE, film asutraliano. De Natalie Erika James, Una joven debe bajar de peso para participar en eventos de moda pero a un costo muy alto e insólito: comer cenizas humanas. Hana, estudiante de medicina, se verá envuelta en círculos de terror por un fantasma hambriento. Para fanáticos de este tipo de cine. La película es un tanto diferente por el personaje y el tema que la afecta, pero no escapa a los momentos sangrientos si bien están  matizados por diálogos sagaces, al menos no tan burdos como los habituales dentro del gènero. Este film es para amantes del gore y del terror.

4)  ADOLESCENCIA, SEXO Y MUERTE EN CAMPAMENTO MIASMA, film canadiense. Este film es considerado un homenaje a los films slasher-horror de la década del 80, un tanto venidos a menos. Hay que ver si esta “resucitación” conmueva al público como para que este tipo de sagas continúen produciéndose y teniendo éxito.

CANELONES, FRANZ, ENGENDRO, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 6 DE AGOSTO DEL 2026

JUEVES 6 DE AGOSTO DEL 2026

ALGUNOS ESTRENOS PREVISTOS PARA ESTE JUEVES

FRANZ

Dirección y guion de Agneszka Holland. Coguionista: Marek Epstein. Cinematografía de Tomasz Naumiuk, Mùsica de María Jomasa y Antoni Jomasa Lazarkewicz. Ediciòn de Pavel Hrdlicka. Con Idan Weiss, Peter Kurth, Jenovefa Bokova, Ivan Troyano, entre otros. Duración. 127 minutos. Coproducción Checa-Alemania-Polonia.

XXXX – FRANZ KAFKA, RETRATO PERFORMÁTICO

Notable trabajo de preproducción y post tiene Franz, una biopic fragmentada y performática del gran escritor checo Franz Kafka, en manos de la directora polaca Agneszka Holland. Fallecido a los 40 años (1883-1924) de tuberculosis, con amores que no logró concretar en matrimonio (tres hermosas mujeres lo acompañaron en el desafío amoroso que enfrentó), Kafka padeció desde pequeño la intolerancia de su padre, productor de amianto, un hombre tirano y violento (Peter Kurth), que nunca aceptó su dedicación a las letras, aunque el escritor de La Metamorfosis intentó contentarlo. Tuvo una aliada en su hermana que, cuando Franz se tornó más vulnerable e intolerante, tampoco logró dominarlo.

Holland muestra de manera atemporal, sin perder el hilo narrativo, distintos momentos de la vida del escritor, desde su infancia, hasta alguno que otro almuerzo familiar, el trato destemplado de su padre, su madre sometida, su hermana conciliadora, y sus intentos por sobresalir como escritor si bien sus primeros escritos, que leía en reuniones literarias en alta voz, provocaron reacciones adversas. La lectura de escenas de torturas dando detalles estremecedores de las mismas, no lograron que el joven Franz atrajera al público, más bien lo alejó. De allì que casi toda su obra fuese editada post mortem por un gran amigo. Para Franz, todo era material descartable.

Esto indica la debilidad de su espíritu, cargado de pesadillas dantescas más que de pensamientos productivos. Y en esto hace hincapié el guion de Holland: Franz cargó toda la vida con la ira paterna y el desencanto que le produjo.

La historia está fragmentada, como decíamos, porque no tiene un orden estricto cronológico si bien hay un hilo conductor del tiempo que nos va llevando desde el niño al adolescente, al incipiente escritor, al hombre que visita prostíbulos, al amante frustrado, al escritor maligno, hasta su enfermedad y muerte, que devastó a su hermana.

Incluso Holland, segura de su propuesta, incluye las visitas actuales al museo Kafka para luego seguir con la biopic. Sin embargo, esta fragmentación, lejos de aligerar una vida tan dramática, se conjuga con ella, se consubstancia con el espíritu quebrado de Franz Kafka. Y lejos de alivianar la carga, le da énfasis al dolor interior que carcomió el alma de Franz Kafka. Por cierto, no es un film para salir con una sonrisa de la sala. Pero sí es una película para entender un alma torturada que no encontró su lugar en este mundo. Junto con la fotografía, muy cuidada, de gran estilo, Holland logra una biografía diferente, compleja en el articulado del guion, muy bien actuada.

Elsa Bragato

ENGENDRO

Dirección y guion de Hanna Bergholm. Con Seidi Haarla, Rupert Grint, Pamela Tola, Pirkko Salsio, Rebecca Lacey, entre otros. Fotografía de Pietari Peltola. Música de Eicca Toppinen. Duración: 92 minutos. Finlandia.

XXXX – UNA MATERNIDAD CONDENADA

El título de este film finlandés dirigido por Hanna Bergholm nos habla de un monstruo, de un alien, de un engendro de la naturaleza, expresión común para señalar a aquello que no encuadra con lo habitual. El guion se centra en la maternidad ansiada por la flamante pareja conformada por Saga y su marido inglés Jon. Deciden mudarse a una casa de la familia en medio de un bosque, a la que irán poniéndole orden. Va de suyo que cuando hay una casa en medio de un bosque lo que sucederá no tendrá ribetes magnánimos. Así que Saga y Jon nos introducen en un infierno paulatino, entroncando las leyendas nórdicas con los cuentos tradicionales como la Bella Durmiente y su corazón “frizado”. En este caso, estamos dentro de un film del género y aquí no habrá príncipes sino un parto extraño, un niño que su madre prácticamente escupe del útero bañando de sangre a todos, mientras Jon, que tiene otra mentalidad, intenta adecuarse a situaciones cada vez más brutales e inesperadas: desde los aullidos de su bebé, hasta la forma de prenderse del pecho de la madre, con tal fuerza que le destroza los pezones: más que la leche materna, el bebé beberá la sangre. Es la clave del film.

Nada hace suponer lo que vendrá y poco y nada tiene que ver con los miedos de toda mujer ante la primera maternidad, según señalan algunos críticos mal informados. Ciertamente, nadie espera dar a luz a un “engendro”, si bien hay temores de enfermedades prenatales o post. Aquí se supera todas las fantasías teniendo relación directa con el bosque y un acto sexual que la joven pareja tuvo en medio de los frondosos árboles. Pero la naturaleza nunca perdona su mal uso, el pasto es para caminar y no para hacer el amor, por lo que tomará venganza. Y no será la que el espectador supone, sino la que sabiamente oculta la guionista y directora Bergholm que logra un mix sangriento entre las más oscuras leyendas nórdicas y algún cuento supuestamente infantil. Es un increscendo que perturba, nunca se sabe què ocurrirá, y es lo que hace diferente a este film de género porque incluso no utiliza los clishés. El bebé de Rosemary puede ser el mejor antecedente, si bien hay otros films. En ambos casos, estamos frente a una maternidad condenada, a un vientre maldecido que solo traerá infortunio. La directora se dio “todos los gustos” en el final Y es literal.

Elsa Bragato

CANELONES

Dirección de Basilio Cristiano y Ana Gussoni, Con Verónica Llinás, Darío Barassi, César Bordón, Agustín Aristaràn Beatriz Spelzini, entre otros. Cinematografía de Guillermo Romero, Guion de Basilis, Hernán Casciari, Josefina Licitra, basada en un cuento de Hernán Casciari. Duración:91 minutos.

XXXX – MUY BUENA COMEDIA-THRILLER NACIONAL

Da placer ver una buena comedia dramática nacional, bien filmada, con cohesión y con la capacidad narrativa de pasar de la comedia sencilla al policial, sobrevolar la comedia dramática y regresar a la comedia inicial. Según se indica, está basada en hechos reales. Dos adolescentes tuvieron la mala idea de molestar a la mamá de un compañero, que vivía en la más absoluta soledad, haciéndose pasar por el hijo que regresaba. Y esta mujer esperó mucho tiempo hasta que decidió suicidarse. Su hijo, culpable de esta soledad de su madre en buena parte, decidió vengarse en la mamá de uno de los dos compañeros. Estos están encarnados por Darìo Barassi y Adolfo Aristarán, una dupla simpática que tiene química. Y eso se transmite porque los personajes se hacen creíbles. La mamá de Darío Barassi la compone una estupenda Verónica Llinás, notable actriz en cualquier rol que encarne. Y cae en manos del hijo vengador hasta que una vuelta de tuerca del guion va dándole resolución a cada rol.

La propuesta es muy buena, es una historia con un hilo conductor bien preciso, que se desarrolla en espacios bien fotografiados tanto interiores como exteriores. Lo formal está ampliamente cumplido mientras que lo conceptual, dentro de la idea de la historia de una venganza, también. Hay pocas comedias con tan buenos diálogos y resoluciones tanto fotográficas como de situaciones en nuestra cinematografía, por lo que aplaudimos esta producción que tiene una yapa sobre sus personajes en los créditos finales. No vamos a decirlos, hay que quedarse hasta la palabra fin. Nos devolvió la esperanza del buen cine nacional.

Elsa Bragato

EL MUNDO AL REVÉS

Dirección y guion de Agostina Di Luciano y León Schwitter. Con integrantes de la familia Escalante en su mayoría. Música de Hora Lunga. Cinematografía de Agostina Di Luciano, Luisina Guffanti y León Schwitter. Efectos Visuales de Agustín Torres. Duración: 77 minutos.

XXX- FILM PRETENCIOSO CON GUSTO A MUY POCO

Que hay luces extrañas en zonas descampadas, se sabe desde siempre. Los gauchos hablaban de la “luz mala”, luego están las luciérnagas, que pueden generar creencias en quienes están sujetos más a las mitologías pueblerinas que a las realidades. Es lo que sucede en este film que, para algunos, es un documental dado que la mayoría de los que trabajan pertenecen a una misma familia.

El que ve un día una luz extraña, fuerte, es el abuelo de la familia, de mediana edad, y junto a su nieto trata de averiguar de qué se trata. Al mismo tiempo, dos vecinas del pueblo descubren, al abrir las puertas de un placard, una pared de ladrillos a la vista. Para cada personaje son elementos “sobrenaturales” y comienzan a buscar respuestas.

No obstante, no hay un hilo conductor que permita un desarrollo coherente del tema propuesto, que es muy pretencioso: lo sobrenatural en la vida cotidiana. Es el “más allá de la física” aristoteliano. Pero sin resoluciones de ningún tipo. Se puede rescatar como núcleo del docuficción una reunión familiar donde se manifiestan las inquietudes de sus integrantes sobre estos hechos. Pero nada más. Es muy poco para tamaña propuesta, quebrándose el hilo narrativo al saltar de una familia a otros personajes, unos que buscan y otros que rezan.

La puntuación se debe por el rescate que hacemos de la postproducción, del trabajo técnico en sí, y de una fotografía que intenta ayudar en esa búsqueda de una respuesta a lo sobrenatural. Gusto a poco, casi a nada.

Elsa Bragato

 

OTROS ESTRENOS PREVISTOS PARA ESTE JUEVES

1)  EL DÌA D, BAJO PRESIÓN, de Anthony Maras. Es otro film sobre hechos de la Segunda Guerra Mundial que siempre resultan interesantes, aun con desniveles de guion. En este caso, el centro es el meteorólogo que debió dar el pronóstico para el notable desembarco de las tropas aliadas el 6 de junio de 1944. Una situación más desconocida hasta ahora que llega el cine. Con sus más y sus menos, el cine resulta ser el medio ideal para la información de hechos trascendentales como en este caso.

2)  LA INVITACIÓN, de Anthony Maras.Se bassa en la obra de teatro de Cesc Gay titulada Los vecinos de Arriba que le permitió al mismo autor hacer el film Sentimental en el 2020. Un matrimonio decide invitar a una pareja de vecinos y a partir de este encuentro surgen los temas que hoy movilizan a las sociedades conyugales: el amor, la lealtad, la vida, la amistad, dentro de un andarivel de emociones que van desde la alegría hasta la tristeza. Resulta una comedia, para algunos, aguda y simpática a la vez, y para otros, una comedia que deja poco. Es cuestión de gustos.

3)  ATEEZ, LIGHT THE WAY IN CINEMAS. Se tr4ata de un grupo masculino surcoreano formado por ocho jóvenes. Debutaron en octubre del 2018 con un mini álbum, siendo consagrados como “lideres” de los jóvenes de su país por el Ministerio de Cultura coreano. En este caso, los integrantes del grupo musical buscan a sus fanáticos, en medio de situaciones extrañas. Öbviamente es un film musical, por sobre las aventuras que el reconocido grupo viva en la ficción.

 

LA TIERRA EXPLOTA, LOS DOMINGOS, SPIDER MAN, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 30 DE MARZO DEL 2026

JUEVES 30 DE JULIIO DEL 2026 

ALGUNOS ESTRENOS PREVISTOS PARA HOY

SPIDER MAN, BRAND NEW DAY

Film de la saga Spider Man, dirigido esta vez por Destin Cretton, con Tom Holland, Zendaya, Mark Ruffalo entre otros. Es decir, un elenco de primer nivel. Spider ya ha crecido, vive solo, ha salido de la memoria de sus seres queridos y se encuentra combatiendo el crimen en New York (alguna similitud con Batman hay…), una ciudad muy diferente a la que conoció. Luego de 4 años, las amenazas de la ciudad son cada vez  mayores y esto es tambièn un problema pasra la propia vida y condición especial de Spider Man. Las aventuras van increscendo. Es la “mitología Marvel” que vuelve con sus personajes siempre buscando el bien pero a través de un brutal castigo al mal. Esto implica el “estilo Hollywood” o sea trompadas, autos que vuelan, edificios que caen y trompadas por doquier. El personaje es tradicional y gusta.

LOS DOMINGOS

Dirección y guion de Arauda Rioz de Azúa Cinematografía de Apuesta Rourich, Música de David Cerrejón. Con Blanca Soroa, Juan Minujin, Miguel Garcés, entre otros. Duración: 110 minutos. España.

XXX – RETRATO DE UNA VOCACIÓN

Alauda Ruiz de Azúa toma una idea muy acorde con la profunda religiosidad que, en general, muestra el pueblo español más que otros: una joven de 17, Ainara (Blanca Soroa), siente que debe tomar los hábitos de monja de clausura, tiene un joven sacerdote como guía espiritual, y una monja que la escucha y, de alguna manera, la orienta hacia la vida no mundana. En cambio, para su familia, Ainara no está para aislarse del mundo sino para ir a la universidad.

Una de las secuencias más reveladoras es la extensa charla de Ainara con una tía suya, dado que es huérfana de madre. Está criada por su padre y rodeada por la familia. Que tome los hábitos no es algo que comprendan fácilmente.

He aquí el meollo argumental: las idas y venidas de una familia que entiende la fe pero no ese “casamiento con Dios” o ese tipo de “amor” que confiesa sentir la jovencita. Tampoco Airana tiene un convencimiento absoluto. Siente “el amor de Dios”, pero tambièn la necesidad de probar el mundo terrenal incluso teniendo sexo con un amigo.

Formalmente, es una historia que va creciendo a través de la protagonista: es ella y nadie más quien va hilvanando la trama mientras a su alrededor los adultos se plantean su futuro y se lo hacen saber conformando el soporte narrativo. O sea estamos frente a una historia clásica, con una fotografía que busca encuadres diferentes, basándose en colores densos y oscuros y una puerta, por ejemplo, por donde la claridad es absoluta. Este contraste es una muy buena síntesis de la vida de Ainara: la luz de la vida común y la oscuridad del convento.

Hay solidez argumental, consolidada por una fotografía acorde. Un elemento fundamental es ls naturalidad de los diálogos y hechos. No hay situaciones forzadas: solo el transcurrir de los dìas de una familia que intenta comprender la decisión de la joven. Todo dentro de un devenir pausado pero constante, una acción familiar cotidiana, común, que no deja de inquietar.

Elsa Bragato

LA TIERRA EXPLOTA

Dirección, guion y producción de Juan Pablo Lepore. Montaje de Lepore y Bernardo Blanco. Fotografía de Danilo Galgano, Cámaras de Danilo Galgano, Catriel Marmo, Juan Manuel Ferraro, Bernardo Blanco, Juan Pablo Lepore. Voz en off de Juan Pablo Lepore. Música de Renato Siracusano. Apoyo del INCAA y del Fondo Metropolitano de la Cultura, las Artes y la Ciencia. Duración:84 minutos.

XXXX – LOS VENDEPATRIA QUE NOS DESTRUYEN

No hay título que pueda justificar lo que se ve en este documental, gracias a la investigación y dirección de Juan Pablo Lepore: entre el fracking que utiliza agua y elementos tóxicos para extraer gas y petróleo hasta la deforestación y forestación con especies foráneas, desde la agricultura que fumiga con tóxicos a las escuelas, la expropiación a la fuerza de las tierras de los pueblos autóctonos, aquéllos que estuvieron y están desde antes de que llegaran los europeos a estas tierras, hay una narración pormenorizada que da escalofríos. Lo mismo Europa y Estados Unidos hacen en África, donde los grandes laboratorios alemanes han probado sus medicamentos en poblaciones indígenas sin importarles sus vidas o muertes.

Lepore toma a cuatro luchadoras zonales: a Jelly Luján que inició la lucha de los pueblos de La Rioja para impedir que cinco empresas y los funcionarios cómplices llegaran a los altos cerros y los destruyeran, envenenando las aguas potables, o sea matando a sus pobladores. Otro caso es el de la maestra rural Mariela Leiva quien fue docente de la escuela rural nro 44 República Argentina, de Concepción del Uruguay en Entre Rìos: por su lucha, a la que se sumaron sus colegas, hoy hay sentencia firme contra el productor agrícola y el aviador. Otro tanto pasa en Mendoza, donde Guni Cañas emprendió la lucha salvando el agua de las vertientes de la provincia, con movilizaciones multitudinarias que lograron la reposición de la ley 7722 de preservación del líquido vital. Hoy están a salvo el preciado líquido en los glaciares y en cerros altísimos como hay en La Rioja, lugares donde los pueblos han impedido la llegada de los violadores de la naturaleza. Otro tanto ocurre en Misiones, donde Miriam Samudio, junto a sus compatriotas, lucha contra la empresa Arauco, de capitales chilenos, que suplanta la flora autóctona por pinos, provocando alergias y problemas pulmonares, y expropiando tierras indígenas.

¿Qué nos dice todo esto? Que el cine es una de las expresiones que permite defender el agua de la israelí Mekorot, empresa de aguas de Israel que firmó contrato con 12 provincias: maneja el agua, la distribuye a las empresas y le pone precios imposibles de pagar, como ha hecho en Palestina desde 1967. Esas aguas que tiene bajo “su mando” sirven para extraer minerales que van “hacia los Estados Unidos” para las empresas de armamentos.

¿Es posible que no reaccionemos en todo el país, que no haya una ley popular (la Justicia por lo visto ha intervenido poco de oficio) que condene definitivamente a los traidores a la patria que nos gobiernan desde hace décadas? Esa es la tremenda denuncia que hace Lepore. Por eso, este documental es de visión obligatoria y de difusión ineludible. Sin olvidarnos de las primeras denuncias cinematográficas que hizo el gran Pino Solanas sobre estos temas. Al parecer, los gobiernos se apoyan entre sí para hacer rico al hemisferio norte destruyendo la mitad del planeta. Nuestra tierra explota, sangra. Y el cine lo muestra para que hagamos algo. Notable documental.

Elsa Bragato