PANTALLAZOS (CRÍTICAS DE BRAGATO Y PIERRE)

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jueves, 28 de septiembre de 2017

"ZAMA", "MADRE!", "LA ESTAFA DE LOS LOGAN", ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 28 DE SETIEMBRE DEL 2017



JUEVES 28 DE SETIEMBRE DEL 2017.-
Seis estrenos variados. Entre ellos, “Veredas” de Fernando Cricenti, una novedad que no tuvo difusión previa al estreno. Se trata de una comedia urbana sobre Federico y Lucía, dos jóvenes que viven diferentes experiencias límites en la ciudad.
ZAMA
Guion y dirección Lucrecia Martel. Con Daniel Giménez Cacho, Matheus Nachtergaele, Juan Minujín, Lola Dueñas, Rafael Spregelburd,Daniel Veronese, Vando Villamil, entre otros. Fotografía de Rui Pocas. Edición de Miguel Schverdfinger y Karen Harley. Sonido de Guido Berenblum. Música de Moisés Simón Rodríguez. Duración: 115 minutos. Coproducción Argentina-España-Francia-Méjico-Brasil-Estados Unidos-Holanda (se destaca la presencia de la productora de Pedro Almodóvar).
XXXXX- SOLO DELEITE VISUAL
“Zama” está basada en la novela de Antonio Di Benedetto de 1956, ubicada en el siglo XVIII, en las colonias españolas en nuestro continente. Es un texto de muy difícil adaptación por la índole de su protagonista quien sufre una fuerte angustia existencial, una íntima tragedia de esperanzas incumplidas unidas a la vileza del colonialismo que lo retiene en una posesión miserable.
La larga espera de una transferencia, del reencuentro con su esposa y sus hijos, lleva a Diego de Zama (Daniel Giménez Cacho), asesor letrado español, a juguetear con su libido, depositada en indias desnudas y en una pícara e inaccesible dama española interpretada por Lola Dueñas. Este prolongado esperar cansino de Diego de Zama se interrumpe cuando decide atrapar a un peligroso bandido.
La magnificencia de la técnica de Lucrecia Martel, notable por sus narraciones con carnadura y fotografías que “hablan”, no es suficiente para que todo este deleite visual no opaque la exasperante lentitud de las dos terceras partes de la película. Casi dos horas de duración transcurren con un relato parsimonioso, sin acción,  que aburre. En la última parte, Martel da un viraje y permite que su protagonista inicie una fuerte acción en busca del bandido aludido.
Con absoluta sinceridad, solo el breve desenlace le da vida a una muy difícil representación del alma o bien del espíritu agónico de Diego de Zama. Toda esa emoción o ese “pathos” de Zama no surgen como tales siendo escondidas por el deleite visual mientras que las secuencias quedan sin remate. Si bien esto último es parte de la estética profunda de Lucrecia Martel, la corrección superlativa de lo estrictamente visual queda en eso.
A esto se le añade un anacronismo musical que pudo ser buscado por la realizadora pero que, a fin de cuentas, desluce la propuesta: Zama añora a su esposa “Marta”. Y, como leit-motiv, se escucha la versión instrumental de la canción “Martha, capullito de rosa” que, en el siglo XX, compusiera el cubano Moisés Simón para su pequeña hija. El descuido del rubro musical es constante en el cine nacional, se utilizan soundtracks que, muchas veces, no son empáticos con la historia y que, en alguna medida, resultan insólitos como en este caso.
A “Zama”, presentada fuera de competencia en el último festival de Venecia, le espera una difícil misión: subyugar al público que se deleitará con la detallada y estupenda fotografía pero que deberá superar la parsimoniosa narrativa durante 90 minutos. La trasposición de la literatura al cine requiere, como en el caso de esta novela cuyo planteo es la vida en sí misma a partir de un personaje, un trabajo que no caiga solamente en el deleite estético sino en las peculiaridades íntimas que tiene el protagonista, es decir, menos visualidad y más compromiso con la acción. La lentitud no nos asegura el descubrimiento del alma de don Diego de Zama
Carlos Pierre
MADRE!
De Darren Aronofsky. Con Javier Bardem, Jennifer Lawrence, Michelle Pfeiffer, Ed Harris, entre otros. Fotografía de Matthew Libatique. Música de Johann Johannsson. Duración: 120 minutos.
XXXXX- TERROR DENSO Y OSCURO
Darren Aronofsky es el director de un film muy inquietante titulado “Requiem para un sueño” y de la psicológica “El cisne negro”. No es un realizador que se ande con chiquitas. Cada película suya nos sumerge en narraciones retorcidas, perturbadoras, y provocativas desde todo punto de vista. Madre! Es una de ellas dentro del terror denso y oscuro. En este caso, la pareja protagonica y sus coequipers son de lujo: Jennifer Lawrence (su actual pareja), Javier Bardem, Michelle Pfeiffer y el reaparecido Ed Harris (uno de los grandes olvidados por la Academia de Hollywood a la hora de los Oscars).
La historia se basa en una pareja (Lawerence y Bardem)  que, en principio, lleva una vida normal, él es poeta, ella reconstruye el hogar. Hasta que aparece una pareja extraña (Pfeiffer y Harris) y otros personajes que alteran el aparente paraíso en el que viven. A tal punto que Aronofsky puede jugar como le gusta: thriller, terror psicológico. Bardem parece a gusto, Lawrence vive una pesadilla. Se vio claramente en “El cisne negro” esta apetencia del realizador por indagar en la psiquis de sus personajes y buscarles un entramado sobrenatural.
Ni los sustos ni las actitudes de sus protagonistas son simples. Del paraíso se pasa al caos, a la anarquía. En “Requiem para un sueño” Aronofsky jugó a sus anchas con el anticonvencionalismo. Es que, además de la ruptura con lo clásicodel género, Aronofsky se permite llevar al límite la conducta de sus personajes, a los que no les da nombres propios: Lawrence es “Mother!” mientras que Bardem es “Him”, Pfeiffer es “Woman” y Harris es “Man”. La relación con simbologías varias (religiosas, ecológicas, psicológicas). “Him”-Bardem estremece por su frialdad, mientras que “Mother!” es el símil de Natalie Portman en “El cisne negro”. Se destaca la notable actuación de Jennifer Lawrence, seguida con cámara en mano, centro del mundo caótico que Aronofsky descubre.
Complicada, pretenciosa, tiene un remate un tanto convencional. Para Aronofsky, una de las posibles interpretaciones está en el Génesis bíblico: el día seis, cuando Dios crea al hombre y la mujer. Todo dicho. El resto corre por cuenta de la paciencia del espectador porque los sustos aquí son diferentes y aterrorizan desde un lugar diferente.
Elsa Bragato
ADIÓS QUERIDO PEP
Guión y dirección de Karina Zarfino. Con Florencia Raggi, Claudia Cantero, Facundo Arana, Juan Palomino, Marian Bermejo. Música de Carlos Libedinsky. Duración: 90 minutos.
XXXXX-BUEN INTENTO
Karina Zarfino es una escritora y cineasta uruguaya que vive en Buenos Aires, con extensa trayectoria autoral. “Adiós querido Pep” es su primer largometraje, basado en su guion que ganó el Premio Ópera Prima del INCAA en el 2014. Vivió 15 años en Barcelona, experiencia que volcó en esta ficción: tres protagonistas se conocieron en Barcelona y se reencuentran en Buenos Aires durante el velatorio del marido de una de ellas, el querido Pep.
Durante esa noche aparecerán viejos fantasmas del pasado, una suerte de parábola de la vida y la muerte, que las movilizará entre las pérdidas y la esperanzas, teñidas de llanto, desesperación y la incomprensión, que se materializa en dos protagonistas: Facundo Arana y Juan Palomino. Es necesario destacar la contundencia interpretativa de Palomino así como la solvencia alcanzada por Raggi.
Karina Zarfino recurre a sus muchos conocimientos sobre el budismo y el chamanismo colocando al difunto Pep sobre una manta en el suelo, rodeado de rezos y un ritual poco conocido. Zarfino explica que intenta despertar el interés por la muerte, en este caso, para que se la considere desde otro punto de vista. Por eso entrecruza vida y muerte: la vida de las tres amigas que continuará aunque Pep haya fallecido.
El film se estanca peligrosamente en ese ámbito, se enclaustra, con escenas del velatorio muy rígidas y frías. Los protagonistas resultan hieráticos y los parlamentos, previsibles y acartonados sin que esto melle en la actuación en sí misma de Raggi y Palomino de manera especial. En este hieratismo, en esta falta de mayor expresividad, está el gran escollo de la película. De alguna manera, es poco razonable porque Zarfino tiene muchos quilates como autora de libros sobre estos temas. En este caso, la muerte es el punto de partida de la vida misma. No es poca transgresión.
Carlos Pierre
LA ESTAFA DE LOS LOGAN
Dirección, edición y fotografía de Steven Soderbergh. Con Channing Tatum, Adam Driver, Farrah Mackenzie, Daniel Craig, Katie Holmes, Hilary Swank, entre otros. Guion de Rebecca Blunt. Música de David Holmes. Duración: 118 minutos.
XXXXX- PILLERÍAS CON MARCA EN EL ORILLO
Steven Soderbergh regresó al cine luego de afirmar que dejaba todo. Su mano diestra para entretener con inteligencia queda demostrada una vez más en “La estafa de los Logan” donde aborda el caso de tres hermanos que se embarcan en un gran robo. Recordemos que Soderbergh es autor de la trilogía “Ocean’s” por lo que los vericuetos de este género policial y humorístico los conoce muy bien.
Su actor fetiche es Channing Tatum como Jimmy Logan, lo despiden del trabajo y no puede ver como quisiera a su pequeña hija por decisión de su ex mujer (Katie Holmes). Es un perdedor nato pero quiere dar el gran salto: convoca a su hermano Clyde (Adam Driver), ex combatiente en Irak, y no deja de lado a Mellie, su otro hermano (Ricky Keough), para hacer el gran robo del Charlotte Motor Speedway de Carolina del Norte. Pero solo no pueden: hay que convocar al ladrón experto en explosiones y en voladuras de bóvedas de los bancos. Se trata de Joe Band (David Craig), que está encarcelado.
Aunque hay esquemas que resuenan a “Ocean’s”, la película es muy entretenida, tiene un lenguaje procaz por momentos, y los personajes son perfectos, caen a medida de cada protagonista. Channy Tatum ha logrado una solidez actoral enorme: pasó de ser el chico lindo de cuerpo fornido a ser un buen actor de comedia. Recordemos su “Magic Mike”, también de Soderbergh.
Un dato casi anecdótico: la guionista Rebeca Blunt es una ilustre desconocida que irrumpe en este film de Steven Soderbergh, quien defiende “la no exposición” de la misma porque “no le gusta la prensa”. Para muchos, es otro de los tantos seudónimos de Steven Soderbergh.
En síntesis: narración dinámica, inteligente, buena banda sonora y música country, que asegura el entretenimiento sin que nos descubra nada, salvo cómo construir una buena historia conociendo todos las licencias cinematográficas de la comedia y el policial. Más que recomendable.
Elsa Bragato

NINJAGO, ANIMACIÓN, 3D
De Charlie Bean, Paul Fisher y Bob Logan. Con Jackie Cha, Dave Franco, Kaan Gulgur, Michael Peña, Alex Kauffman, Ali Wong, entre otros. Música de Mark Mothersbaugh. Duración: 101 minutos.
XXXXX-ACCIÓN DESMESURADA
“Ninjago” tiene un principio y fin ficcionado: Jackie Chan vive en una tienda inmensa con muchos adornos y juguetes orientales. Entra un niño, Kaan Guldur, que se enamora de un muñeco y Jackie comienza a contarle la historia de ese diminuto personaje.
Surge entonces la animación con los tradicionales muñecos Lego, creados en 1932 por el danés Ole Kirk Kristiansen (Lego significa, en danés, “jugar bien”). El pequeño Lloyd es despertado por su padre, el malvado Garmadon, quien lo tiene olvidado. Quiere su ayuda para dominar la ciudad de Ninjago, que alcanzó la paz y el bienestar luego de la última lucha.
Repentinamente se inicia una serie de persecuciones, juegos, con mucho color, de los habitantes de Ninjago: resulta muy confuso desde el punto de vista narrativo, aunque los más chicos disfruten de los dragones volando, entre otros seres y objetos. La narración pierde su rumbo durante un buen rato hasta que se centra en el avance de Garmadon y el enfrentamiento con su hijo Lloyd quien es el “Green Verde” y sigue las instrucciones del maestro “Wu” junto a otros amiguitos.
La lucha es a todo o nada, hasta que en algún momento el malvado Garmanon se da cuenta del tiempo perdido sin su hijo Lloyd.
Confusamente alegre, desmesurada en su acción inicial, “Ninjago” es un producto para los más chicos que se embelesarán con los personajes y la animación, compleja y excelente a la vez. De todas maneras, aunque sea en 3D que aligera muchos inconvenientes de postproducción, algo le falta para ser un producto redondo.
Elsa Bragato





jueves, 21 de septiembre de 2017

"IT", "ALANIS", "BEATA IGNORANZA", ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 21 DE SETIEMBRE DEL 2017



JUEVES 21 DE SETIEMBRE DEL 2017.-
Ocho estrenos llegan a las pantallas de cine de todo el país. Entre ellos,
LA NOVIA DEL DESIERTO
Guión y dirección de  Cecilia Atán y Valeria Pivato. Con Paulina García y Claudio Rissi.
“Una delicada historia de amor en la vejez )…). Traza un dibujo variado de la sociedad argentina sin acudir a clich{es de conflicto de clases”, de Lee Marshall, Screendaily.
CROL
Documental de Verónica Schneck sobre los nadadores de río.
XXXXX- HÉROES DE LOS RÍOS
Verónica Schneck escribió una obra de teatro que fue representada en algunas ciudades del interior. A partir de ella, se lanzó a este documental en el que rinde homenaje a los nadadores de río, a las mujeres en forma especial, a sus triunfos y sus esfuerzos. En alguna medida, Schneck va hacia el pasado para recuperar la figura de insignes nadadores de río, siempre opacados por los de mar o aguas abiertas. Surgen las figuras de Pedro Candioti, apodado “El Tiburón de Quillá”, Teresa Plans que fue discípula de Candioti y apodada “la Sirenita”, así como la estupenda Lilian Harrison, la primera en cruzar el Río de la Plata. Candioti fue en os 20 y 30 del siglo XX un fuera de serie, campeón mundial de natación en aguas abiertas. Hizo escuela al fundar el Club Náutico de Quillá. Así como el 21 de diciembre de 1923 una mujer alcanzaba un record: Lilian Harrison, de familia británica, cruzaba el Río de la Plata, entre otros “héroes del agua”. Es decir, de todos estos nombres y datos se nutre Verónica Schneck para rescatar nombres importantísimos de la historia del deporte nacional. Perfeccionista, Schneck incluye música, esa misma que tuvo que ver con las hazañas de cada nadador o nadadora. Y un particular por qué en sus respectivas batallas acuáticas.
El título Crol nos indica una manera de nadar, y Verónica Schneck hace hincapié en el paso del “over” al “crol”, dos estilos. Interesante, diferente documental, con buena base de investigación.
Elsa Bragato
BORG-MCENROE
De Janus Metz. Con Sverrir Gudnason, Shia Labeouf, Stellan Skarsgard y Tuva. Fotografía de Niels Thastum. Música de Vladislav Delay. Duración: 100 minutos. Coproducción Finlancia, Suecia y Dinamarca.
XXXXX-EL PARTIDO QUE HIZO HISTORIA
El final del torneo de tenis Wimbledon 1980, que se produjo el 5 de julio de ese año, es considerado uno de los más furiosos enfrentamientos entre dos grandes de aquella década: el sueco Bjon Borg, que apuntaba a ganar el quinto Wimbledon para batir todos los récords, y el norteamericano John McEnroe. Primero y segundo lugar respectivamente en la tabla mundial. Borg era la experiencia y McEnroe, la furia adolescente, desparpajo y maleducado.
Si pensamos que solo vamos a ver un grandioso partido de tenis nos equivocamos. La película de Metz, que hace foco en Bjon Born, revela el entorno de los dos grandes tenistas: Born, a cargo de Sverrir Gudnason, y McEnroe, encarnado por Shia Labeouf, tenían fuera del tenis, una cotidianeidad diferente, personal, única. Así como la relación con los entrenadores y los traumas familiares. Borg fue imbatible, frío y dispuesto a todo a fin de superar numerosos problemas personales, y McEnroe, un chico desembarazado de timidez.
En este tipo de relatos, donde el centro es hecho deportivo, el desarrollo de personajes suele ser poco profundo. En esto, la narración del sueco Metz comete la torpeza de remarcar las características de Born y dejar un poco de lado la de McEnroe. No obstante, transformar un partido de tenis inolvidable a nivel mundial en un hecho narrativo con cierta investigación en las personalidades de los rivales es valioso, especialmente cuando se atiene a la verdad de cada uno de ellos. Se deja ver.
Elsa Bragato
IT (ESO)
De Andrés Muschietti. Basada en la novela ‘IT’’ de Stephen King. Guion de Chase Palmer, Cary Fukunaga y Gary Dauberman. Con Bill Skarsgard, Jaeden Lieberher, Sophia Lillis, Richie Tozier, Jack Dylan Grazer, Wyatt Oleff, Jeremy Ray Taylor, Nicholas Hamilton, Jackson Robert Scott, entre otros. Música de Benjamín . Duración: 135 minutos.
XXXXX- TERROR DEL BUENO
El realizador argentino Andrés Muschietti afrontó la titánica novela IT (ESO), de Stephen King, escrita en l986, calificada por la crítica internacional como una de las mejores adaptaciones de una obra del mencionado autor. Y, cuando una película se basa en una obra literaria, no hay que darle vueltas al asunto: el cine puede o no reflejar a pie juntillas lo literario. Lo que interesa es cómo el realizador toma personajes y ambientes para serle fiel al espíritu del autor literario, cómo le da carnadura en la pantalla grande.
Muschietti nos ofrece un film de terror sobrenatural con el payaso bailarín Pennywise y su “relación” con la inocencia de siete preadolescentes, Además de la dirección actoral superlativa, la fotografía de Chung-hoon Chung es excepcional mientras que la banda sonora recayó en el avezado compositor Benjamin Wallfisch.
El acrobático Bill Skarsgard compone al payaso del globo rojo, el eterno y sobrenatural Pennywise; Jaeden Lieberher es Bill, el líder del club de los Perdedores; Finn Wolfhard es Richie, su mejor amigo con gafas; Sophia Lillis es la única mujer miembro del equipo; Jackson Robert Scott es Georgie, el hermanito de Bill, de 7 años, y el primero de la cadena de desaparecidos. Finalmente, Nicholas Hamilton es Henry, el joven psicópata que lidera a los Bowers Gang, banda de matones de la escuela secundaria que aterroriza al club de los Perdedores.
Aún con las licencias cinematográficas de rigor, apuntadas en párrafo anterior, “It” logra trasuntar el espíritu de perversión y terror propuesto por Stephen King, jugando con los opuestos: la ingenuidad de los chicos y la sanguinaria vocación del maldito clown. Quién puede con quién… Emoción, suspenso, hay secuencias realmente impresionantes que solo el cine actual puede construir. Filmada en el sur de Ontario y en Riverdale, el marco fotográfico y la narración en sí misma se fusionan para dar una versión notable de una obra literaria por lo que es, sin duda, el tanque de la semana.
Carlos Pierre
RETIRO VOLUNTARIO
Guion y dirección de Lucas Figueroa. Con Imanol Arias, Darío Grandinetti, Miguel Ángel Solá, Luis Luque, Paula Cancio, Valeria Alonso, Jorge D’Elía, Juan Grandinetti, entre otros. Música de Federico Jusid. Duración: 90 minutos.
XXxxx. PRETENSIÓN FALLIDA
“Retiro voluntario” es un intento de comedia social que tiene un elenco de nivel (Imanol Arias, Darío Grandinetti, Miguel Ángel Sola, Paula Cancio), pero no logra salvarse del naufragio porque su guion, base de la narración, es inverosímil.
Lucas Figueroa, argentino radicado en España, vino a filmar esta producción española. Sin duda trajo una energía desbordante, pero no alcanzó porque su propio guion tiene tamaña pretensión que no consigue llevar al cine. Con un reducido bagaje de chistes de argentinos y gallegos, frases hechas, tuerce la pintura social argentina donde hay mezcla de nacionalidades, intereses extranjeros, despidos compulsivos. Figueroa se queda en el merodeo de una buena comedia al no poder remontar lo caricaturesco. Porque entre comicidad y caricatura el abismo es grande.
Javier (Imanol Arias), español expatriado en Buenos Aires, es directivo de una empresa de telecomunicaciones. Habrá despidos, será una semana importante, crucial, agravada con la aparición de un excéntrico personaje, (Darío Grandinetti) quien lo tendrá en ascuas con una estudiada artimaña. Para Javier, el “infierno” está cerca. Como si fuera poco, el presidente de la compañía (Jorge D’Elía) y el encargado de finanzas (Miguel Angel Solá) le tornan insoportable la idea de “retiro voluntario”. Ni su novia lo respeta (la bella Paula Cancio) y el ordenanza (Luis Luque), excéntrico y verborrágico, parece tener los hilos para manejar a Javier. Es decir, Javier es tomado “de punto”. Y lo que pudo ser una comedia reidera, solo se salva y a medias por algunas de las actuaciones mientras la narración desbarranca de a poco hacia un final poco plausible. Ni llega a ser comedia porque cae en la caricatura ni tampoco se transforma en critica de los empresarios como parecía ser.
Carlos Pierre
ALANIS
De Anahí Berneri. Guion de Javier Van de Couter y Anahí Berneri. Con Sofía Gala Castiglione, Dante Della Paolera, Dana Basso, Silvina Sabater, Carlos Vuletich, Santiago Pedrero, entre otros. Música de Nahuel Berneri. Duración: 82 minutos.
XXXxx- CIUDAD QUE DUELE
Anahí Berneri debutó como directora con ‘Un año sin amor’ (2005) con buena acogida en Berlín, New York y Los Ángeles, y continuó esa línea de reconocimientos con tres películas más hasta llegar a este retrato realista e íntimo de la vida de una prostituta joven, Alanis (Sofía Castiglione), luchadora infatigable en una Buenos Aires multirracial, marginal e inmigrante. Solo tres días bastan para que Alanis muestre sus desventuras, guiada por la mano experta y certera de Berneri.
Alanis llega a Buenos Aires con su pequeño hijo, Dante (Dante Della Paolera, hijo en la vida real de Sofía Castiglione) desde Río Negro, huyendo de su familia y de los fantasmas que se crean en los pueblos acerca de la vida de una mujer, madre soltera. En un “privado” céntrico que comparte con su amiga Gisela (Dana Basso), Alanis atiende a sus clientes. Pero dos inspectores municipales clausuran el departamento. A Gisela la llevan detenida, acusada de “trata”, y Alanis queda en la calles con su hijo a cuestas. Una tía, Andrea (Silvina Sabater), la aloja en su local de modas, frente a Plaza Miserere.
Para Alanis, la vida como prostituta no es fácil, debe pelear clientes con las dominicanas. Los golpes de la vida y la marginalidad creciente la arrastran a un pozo inevitable, certero. Aquí se unen dos solventes profesionales: la directora Berneri, y la estupenda Sofía Gala Castiglione, dueña de fuerte carisma, suelta, convincente, adueñándose de la cámara junto a su pequeño hijo en la vida real. Sofía es única para los roles fuertes y desenfadados. Y ese don natural se trasunta en este personaje tan exigente.
Por su parte, Anahí Berneri logra una ambientación fantástica del barrio de Once, creíble. Y le agrega la dosis de la prostitución encubierta o no tanto, de la pobreza y la marginalidad que duele. Un muy buen film nacional para quien quiera ver un guion comprometido con una realidad insoslayable. Buenos Aires también es cuna del dolor social.
Carlos Pierre
VIENTO SALVAJE
Escrita y dirigida por Taylor Sheridan. Con Jeremy Renner, Elizabeth Olsen, Gil Birmingham, Jon Bernthal, Julia Jones, Kelsey Asbille, James Jordan, entre otros. Música de Nick Cave y Warren Ellis. Cinematografia de Ben Richardson. Duración :111 minutos.
XXXXX-EL REVERSO DEL SUEÑO AMERICANO
Taylor Sheridan es un escritor británico quien ha analizado la temática de la frontera americana moderna, desde ser el guionista de Sicario hasta Sin nada que perder. Llega con “Viento salvaje” a culminar una trilogía donde desnuda sin cortapisas la realidad de los marginados en los Estados Unidos, en este caso, dentro de una reserva indígena. Western y thriller, impactante, amargo y pasional al mismo tiempo, retrata brutalmente el abandono de esa reserva por una administración que no la tiene en cuenta. El alcohol y las drogas ahogan a los jóvenes, mientras sus mujeres son asesinadas con alarmante frecuencia. Allí se vive sin códigos, fuera de toda ética y contemplación piadosa.
La región es inhóspita, las nevadas son agobiantes. La monotonía de la marginalidad se interrumpe cuando una joven es encontrada muerta, congelada, al parecer escapando de alguien o algo. La novata agente del FBI que encarna Elizabeth Olsen ubica al cazador local de depredadores (Jeremy Renner) para que encuentre al asesino. El drama personal de “Cory Lambert” (Renner) por la muerte de su hija en las mismas circunstancias acicatea el alma y la furia interior del cazador. Las huellas de sangre en la nieve (una fotografía que siempre impresiona y muy shakespeariana a la vez) son diez millas agónicas que debe enfrentar.
En este contexto, el realizador Sheridan se torna filoso, apuntala el amargor de la búsqueda apoyado en el entorno fantasmagórico que le brinda Wyoming con su paisaje de impacto visual y emocional. La banda sonora de Cave y Ellis es densa, acuciante, lleva el paso del protagonista, cauteloso pero con violencia interior profunda. Es el reverso del sueño americano, lo que no se muestra o no se quiere ver, la marginación de millones abandonas a su propia suerte en medio de una naturaleza hostil e impiadosa. Como rasgo distintivo de que no es la América soñada, Sheridan llega a mostrar una bandera boca abajo.
Un gran acierto del cineasta es la planificación de la narración: utiliza flashback para mostrar el drama sufrió el  cazador, pero insertándolo como una secuencia más, sin otro recurso visual. a modo explicativo de lo sucedido ese día fatídico del asesinato de la hija del cazador. No hay recursos visuales. Narración pura con que Taylor Sheridan cierra una trilogía conmovedora, real y dolorosa sobre lo que no se ve detrás del sueño americano. Es una película para ver, insoslayable.
Carlos Pierre
BEATA IGNORANZA
De Massimiliano Bruno. Con Marco Giallini, Alessandro Gasmann, Valeria Bilello, Teresa Romagnoli, entre otros. Fotografóa de Alessadro Pesci. Duraci{on: 1’2 minutos. Italia.
XXXXX- PATERNIDAD VS. TECNOLOGÍA
Comediante, Massimiliano Bruno reúne a una pareja exitosa para la dupla protaginica: Marco Giallini y Alessandro Gassman (hijo del notable Vittorio Gassman). Dos profesores de secundaria que alguna vez compartieron un mismo amor: el de Margharita. Uno se cas{o con ella, el otro desconoce que el hijo que esperaba la bella rubia era suyo.
En base a esta situación se construye una comedia que interpola roles y tecnología para desnudar la relación que los une (la hija “Nina”, que espera un bebé de un amor de un ex novio). Enfrentamientos, peleas muy a la italiana, uno es profesor de italiano  y literatura y el otro de matemáticas, surgen los chistes elementales, el hablar directamente a cámara, y algunas secuencias que se pudieron evitar como la de una representación teatral que no aporta nada y, en cambio estira una historia que, cuanto más breve, hubiese sido mejor.
“Beata ignoranza”, tal como indica el título en italiano, es esa “santa ignorancia” de la que se jactan quienes no utilizan ni celulares ni computadoras y mucho menos redes sociales, hasta que en la escuela donde ambos se desempeñan se establece el “chat” de profesores con padres y “soluciones que se encuentran en Google”.
La simpatía “tana” está pero con un guion muy endeble sostenido por los dos buenos protagonistas, Marco Giallini como “Ernesto” y Alessandro Gassman como “Filippo”. El futuro nieto “de ambos” es, en realidad, el quid de la historia aunque el realizador Bruno lo evade hasta bien entrada la historia bifurcándolo entre la tecnología de la que uno es adicto y el otro la odia y la paternidad de Nina. No está mal pero es un humor demasiado doméstico. Sin embargo, las películas de género, las comedias italianas tienen sus fans.
Elsa Bragato