PANTALLAZOS (CRÍTICAS DE BRAGATO Y PIERRE)

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jueves, 28 de febrero de 2013

EL MAESTRO, LA NACIONAL VILLEGAS Y EL POLICIAL BROKEN CITY, ENTRE LOS ESTRENOS JUEVES 28


JUEVES 28 DE FEBRERO DEL 2013.-
THE MASTER
De Paul Thomas Anderson. Con Joaquín Phoenix, Philip Seymour Hoffman, Amy Adams, entre otros. Música de  Johnny Greenwood. Duración: 137 minutos.
EXCELENTE. COMPLEJO RELATO CORAL, ÁSPERO, SOBRE LA LIBERTAD INDIVIDUAL
Cuando la vida nos echa al ruedo, la vida puede ser un vagabundeo espiritual tortuoso hasta el final.  “Freddie” (Joaquín Phoenix) es un ex combatiente de la Marina luego de la Segunda Guerra Mundial. El alcohol y extraños brebajes que prepara con todo tipo de alcoholes son su sustento espiritual así como el sexo ocasional. Huyendo de diferentes trabajos donde su presencia termina por ser desechada, cae en un yate, donde Lancaster Dodd (Philip Seymour Hoffman) está reunido con sus seguidores. El buen trago es lo primero que une al líder del grupo con el desolado Freddie, un polizonte perdonado.
De aquí en más, Paul Thomas Anderson nos describe un deambular penoso de alguien que busca un ancla para vivir, una razón para existir, en medio de vahos etílicos que lo confunden. En el fondo, Freddie sabe lo que quiere, conoce su destino de desamparo. Anderson retoma sus elencos corales, aunque en este caso apuntala a la pareja protagónica en un duelo estupendo: Hoffman-Phoenix.
El planteo del film va más allá de la historia que nos cuenta y surge de los parlamentos del mandamás Dodd, quien maneja “La causa”(muchos quisieron ver una representación de la Cientología), una orden pseudoespiritual de dominio sobre sus seguidores entre los que Freddie no termina de encajar: si Freddie consigue vivir sin un amo, será el primer ser humano que lo consiga. He aquí el quid de esta historia, por momentos atrapantes, en otros lenta pero siempre interesante.
En todo caso, Anderson nos quiere mostrar que las libertades individuales existen, pero cuestan y pueden estar condicionadas por nosotros mismos. Que si no hay un gran sustento espiritual, se cae fuertemente. Si las adicciones atormentan nuestros cuerpos, el camino será aún más difícil. Y si nuestro amo no es otro semejante con poder económico, será nuestra Fe la que nos dirija. Imposible vivir sin un dueño o guía. Anderson se juega aquí con un axioma profundo. Y encarna este peregrinar por la vida en Freddie, un Joaquín Phoenix soberbio, que adaptó su cuerpo a las exigencias del rol, con la espalda semiencorvada y con los brazos doblados casi siempre sobre su cintura, muy delgado.
El trabajo cinematográfico de la narración cuenta con planos secuencias extensas que le dan una continuidad especial a la historia, un montaje efectuado en base a este tipo de tomas que, aún hoy, sale de lo común, del montaje rápido en base a tomar cortas, breves. Otro aporte al cine muy especial.
Como película, es la mejor del 2012. Pero resulta difícil , compleja, y tiene un sustrato muy movilizador y doloroso. Es, ciertamente, el film más inteligente que hemos visto en mucho tiempo, lejos de la acción y los efectos especiales y cerca del ser humano y sus necesidades más cruciales, aunque sean las que menos se ven: las del espíritu. ¿Estamos predestinados? Film áspero y maduro del realizador de “Petróleo sangriento”.
Elsa Bragato
BROKEN CITY
De Allen Hughes. Con Mark Wahlberg, Russell Crowe, Catherine Zeta-Jones, entre otros. Música de Atticus Ross, Leopold Ross y Claudia Sarne. Duracion: 108 minutos.
BUENA. ELECTRIZANTE POLICIAL CON GRANDES ACTUACIONES
Thriller netamente neoyorquino donde la Gran Manzana, el contrastante jardín Botánico del Bronx y la rudeza de Brooklyn, se convierten en escenarios deslumbrantes y prosaicos donde se pone en disputa la elección del alcalde o Marshall.
Un guión inteligente y sostenido sin resquicios le confieren al film de Allen Hughes una estrecha vinculación con el espectador, provocada por las potentes figuras del alcalde de New York a cargo de Russell Crowe, su intrigante esposa compuesta por Catherine Zeta-Jones y un magnético protagonista, el detective privado que encarna Mark Wahlberg, quien aporta la figura de un perdedor que no se resigna a serlo y busca redimirse de un episodio del pasado. Luego del planteo argumental inicial, la narración de Hughes  va conformando una telaraña de situaciones en la que el Marshall y el detective privado se ven inmersos, cada uno buscando lograr su objetivo. Especulaciones de todo tipo y traiciones, los manejos electoralistas, la corrupción, hacen caer incluso a la esposa del Marshall, bajo sospechas de infidelidad.
El relato es atrapante y envuelve al espectador. Con una gran variedad de locaciones (además de New York, se filmó en Nueva Orleans), la oficina del alcalde se asemeja a la de Marlon Brando en ”El padrino”, sumándose la luminosidad de la gran ciudad en contraste con su vida nocturna, la marginalidad que vive en ella, captadas por una cámara inquieta y ágil.
La pareja protagónica es una dupla que lucha por el poder: Russell Crowe y Mark Walhberg se enfrentan visceralmente con una notable fortaleza y convicción en sus roles que le dan verosimilitud al relato. Sin duda, un policial muy bien realizado, que electriza a la platea.
Carlos Pierre
VILLEGAS
Dirección y guión de Gonzalo Tobal. Con Esteban Bigliardi (“Un mundo misterioso”, de Rodrigo Moreno), Esteban Lamothe (“El estudiante”, de Santiago Mitre), Mauricio Minetti, Paula Carruega, entre otros. Música de Nacho Rodríguez Baiguera. Duración: 98 minutos.
MUY BUENA. LA INFANCIA EN EL RECUERDO
Los inexorables cambios que el tiempo provocan en el cuerpo y el alma del hombre son los disparadores de esta ópera primera del joven realizador Gonzalo Tobal, quien elaboró un guión simple, lineal, para situar a dos primos. La muerte del abuelo en General Villegas los reúne en el viaje, donde surge un espacio para el recuerdo de esas vivencias de la infancia.
El camino de la maduración fue diferente, uno más formal, feliz; el otro, más perdido y desorientado. A los encontronazos entre ambos y en el regreso a los campos de Villegas, perciben el progreso ocurrido en el lugar, con tecnología y buen pasar económico. Mostrar las actividades del campo, detenerse en las tareas agrícolas y ganaderas que asombran a los primos, le restan bastante ritmo a la narración propuesta por Tobal.
El punto fuerte del guión reside en cómo dos personas que se criaron juntas, han ido diversificando sus objetivos, sus apetencias en la vida, al separarse en Buenos Aires. Cada personaje tiene una actitud diferente, a pesar del vínculo inicial, frente a lo que ven. Uno mantiene su coherencia formal. El otro intenta buscar algún otro camino a partir del reencuentro con el lugar.
La fotografía se detiene en los campos de General Villegas, retrata sus múltiples actividades, así como la vida de los familiares que aún viven en
el lugar, confiriéndole al relato una gran riqueza. Como apuntamos antes, por momentos también restan agilidad. “Villegas” es un promisorio inicio de Tobal, reconocido en Holanda y Francia, coproductores del film. Interesante comienzo. Finalmente, señalamos que es un film intimista, de seres que buscan su destino en los recuerdos, bien narrado, con los altibajos que señalamos.
Carlos Pierre
CIRQUE DU SOLEIL, MUNDOS LEJANOS, 3D
De Andrew Adamson. Elenco del Cirque Du soleil. Productor Ejecutivo: James Cameron. Música de Benoit Jutras. Duración: 91 minutos.
BUENA. ÉXTASIS VISUAL SIN HILACIÓN NARRATIVA
La idea de llevar al cine con la tecnología 3D no pudo ser mejor. Aquéllos que no pudieron disfrutar del show en vivo, tienen la posibilidad de acercarse a un mundo diferente, de grandes artistas, bailarines y acróbatas, que han hecho de la vida del circo un ejemplo de arte. Las coreografías, los efectos de mundos especiales, bajo tierra o bajo el mar, el vestuario colorido, permiten disfrutar de un show sin precedentes.
Hay una historia mínima central, por ahí se pierde en medio de las acrobacias, en la que Mía busca a su enamorado, un trapecista. La danza de amor en las alturas de los dos artistas es una de las secuencias más sublimes por la unión de música y belleza física y coreográfica. Notable. Sin embargo, por un momento, el espectador pierde de vista al enamorado, que fue capturado por los “malos”, y este hecho hace desaparecer la mínima hilación que, para quienes tenemos canas, nos remite a la maravillosa “Lilí” de hace 40 años.
Lejos de evitar el entorno técnico, muchas veces Adamson, el realizador, dejó que se entreviera el backstage, aunque sutilmente. Por lo que en secuencias donde una gigantesca tabla se eleva casi a 90 grados nos permite ver la destreza de sus bailarines, trenzados en la lucha de dos facciones de guerreros. Por momentos, la cámara se ubica a nivel de la tabla y la sensación es que transcurre así, es decir, a nivel del mar. Cuando otra cámara se aleja, observamos que se produce con la tabla inclinada. Si bien los artistas tienen arneses, la ductilidad para sostenerse en ese plano es sencillamente increíble. Pero real!
La música de Benoit Jutras tiene muchos matices buscados a través de diferentes instrumentos solistas, en especial, un violoncello. Es tocante, emotiva, profunda. Es un hallazgo del film. No hay parlamentos, apenas unos muy pocos, que ayudan a ubicar, especialmente sobre el final, a Mia en el camino hacia el amado. Mientras tanto, asistimos a un homenaje a Elvis Presley y un círculo de arena que se “traga” literalmente a los personajes para llevarlos a ellos y a nosotros a una laguna donde se vivirá otra experiencia visual y artística fascinante.
El espectáculo visual es potente aunque con hilación más que endeble. La riqueza visual es insuperable y allí se nota la mano de James Cameron (hay varios videos en Youtube que nos cuentan cómo se realizó). Es difícil calificar a un film que no es narrativo de manera convencional sino que su narración está dada por las secuencias de acrobacias, luchas y la generación de mundos virtuales plagados de medusas y trapecios. Por eso, invitamos a una función especial del Cirque du Soleil, donde hay varios argentinos trabajando, y a vivir un momento de éxtasis visual sin buscarle la quinta pata al gato, o sea, la hilación. Disfrute de los cuadros acrobáticos y no intente saber nada más!
Elsa Bragato
MAGIC-MIKE
De Steven Soderbergh. Con CHanning Tatum, Alex Pettyfer, Cody Horn, Matthew MacConaughey, entre otros. Duración: 110 minutos.
REGULAR.  STREAPPERS, EXCESOS, Y LA BÚSQUEDA DE UNA VIDA NORMAL
Pudo ser un film diferente, ahondando en la vida de los streappers y sus problemáticas existenciales. Fuera de las calientes noches donde muestran sus estupendos físicos frente a enloquecidas mujeres, tienen algo más: la vida familiar y la búsqueda de un trabajo que los ayude a vivir. Es el caso de Mike Lane, el Magic Mike del título, a cargo de Channing Tatum quien, hasta hace poco, trabajó como streapper o bien como bailarín nudista en un club. El encuentro con un amigo al que lleva al club y las reuniones plagadas de droga del dueño (Matthew McConanghey, un muy buen actor destinado a productos clase B, films romanticones en su mayoría, o éste, donde muestra la vileza humana). Pero se enamoró de Brooke (Cody Horn), una relación que tendrá idas y venidas. Hasta aquí algo del argumento. El film pudo ser mucho más, aprovechando la ex vida del protagonista.  Luego del auspicioso comienzo, queda en lo mismo. Se “retuerce” en los mismos hechos que van in crescendo, la droga, los dealers, el sexo fácil. No hay mayor profundidad. La cámara de Soderbergh se desliza desde el escenario donde los jóvenes se desnudan a sus fiestas diurnas y los excesos. No hay búsqueda de la psicología de los personajes sino un fugaz retrato de un estilo de vida a raíz de un trabajo poco común. La música es chillona y no colabora muchas veces en tratar de entender algo más. Tampoco parece haber sido la intención del afamado director. No nos convenció pero reconocemos que puede tener público joven y una razonable taquilla. Será un “Soderbergh” pero hay que decir que se quedó en la periferia de los personajes.
Elsa Bragato

lunes, 25 de febrero de 2013

PREMIOS OSCAR 2013

ACTOR DE REPARTO
Christoph Waltz
CORTO ANIMADO
Paperman
PELÍCULA ANIMADA
Valiente
CINEMATOGRAFÍA
Claudio Miranda, Life of Pi
EFECTOS VISUALES
Life of Pi movie
VESTUARIO
Anna Karenina movie
MAQUILLAJE/PEINADO
Les miserables movie
CORTOMETRAJE
Curfew movie
CORTO DOCUMENTAL
Inocente movie
DOCUMENTAL
Searching for sugar man movie
PELÍCULA EXTRANJERA
"Amour"
MEZCLA DE SONIDO
Les miserables movie
EDICIÓN DE SONIDO
La noche más oscura/Skyfall
ACTRIZ DE REPARTO
Anne Hathaway
EDICIÓN/MONTAJE
Argo movie
DISEÑO DE PRODUCCIÓN
Lincoln movie
MÚSICA
Michael Danna 
CANCIÓN
Skyfall (por Adele)
GUIÓN ADAPTADO
Chris Terrio
GUIÓN ORIGINAL
Quentin Tarantino (Django Unchained)
MEJOR DIRECTOR
Ang Lee
MEJOR ACTRIZ
Jennifer Lawrence
MEJOR ACTOR
Daniel Day-Lewis (tercer Oscar)
MEJOR PELÍCULA
(Desde la Casa Blanca, copresentó la Primera Dama
Michelle Obama junto a Jack Nicholson desde el Dolby Theatre)
Argo


jueves, 21 de febrero de 2013

"AMOUR", "CARNE DE NEÓN" Y REESTRENO DE "ARGO", CINE DEL JUEVES 21



JUEVES 21 DE FEBRERO DEL 2013.-
Hay seis estrenos. No comentamos la consabida película de terror de la semana, representada por “Terror en Silent Hill 2: La revelación” ni la nacional “Germania” de Maximiliano Schonfeld, sobre  una familia de alemanes del Volga que dejan misteriosamente Entre Ríos. Agregamos el reestreno de "Argo", en vistas a la entrega de los Oscar el próximo domingo, que emitirá TNT a partir de las 21.
“AMOUR”
De Michael Haneke. Con Jean Louis Trintignant, Emmanuelle Riva, Isabelle Hupert, Alexandre Tharaud y William Shimell, entre otros. Música de Alexandre Tharaud. Duración: 127 minutos.
MUY BUENA. POTENTE RELATO SOBRE LA ANCIANIDAD
Michael Haneke es un realizador austríaco que viene conmoviendo con películas como “La pianista” y “La cinta blanca”. Es, además, un regisseur de ópera que acaba de ganar premios en España por sus puestas. Y es, esencialmente, un realizador de sensibilidad sutil, y, no por eso, deja de mostrar los lados menos amables de la vida.
“Amour” es un film duro pero real. Es verosímil la relación de la pareja de ancianos compuesta maravillosamente por Jean Louis Trintignant y Emmanuelle Riva (nominada al Oscar por esta perfomance, a sus 84 años), donde hay devoción de uno al otro pero no conmiseración, donde hay lucidez y el orgullo de ser dignos hasta el final.
Haneke indicó que se basó en el caso de una tía suya, de 93 años, quien sufría una enfermedad terminal. De allí esta “Anne” de Riva, personaje que supo ser concertista y profesora de piano y que ama las “bagatellas” (género musical). Hay que señalar que el cine francés se caracteriza por desarrollar historias relacionadas con la música y Haneke no es la excepción aunque sea austríaco. La música clásica tiene gran presencia en la educación europea.
Es maravillosa también la composición del “Georges” de Trintignant, uno de los actores fetiche de la “nouvelle vague” francesa (Anges Varda filmó “La felicidad” en 1965, siendo considerada la “abuela de la nueva ola” francesa, con Trintignant, film que revolucionó la época). Isabelle Huppert como “Eva” personifica a la hija de este matrimonio con buen pasar y se retrata en ella la incomprensión por la vida de los ancianos y el temor de éstos a ser enviados a un geriátrico.
En esta película de “tempo” sostenido, de morosidad en las acciones de los personajes acorde a la edad, se muestra una situación límite que vive “Anne” y en la que es acompañada devotamente por su esposo Georges. Se comprenden, se aman, se respetan y buscan, hasta el minuto final de sus vidas, ser dignos y respetados en sus decisiones, las que éstas fueren.
El film toca el corazón profundamente, es una historia muy dolorosa, y encara la ancianidad desde otro punto de vista, el que no tiene “Eva”, la hija del matrimonio: respeto y aceptación de quienes están en sus cabales aunque la sociedad vea en ellos solamente la decrepitud.
Haneke también lleva su cámara hacia una situación límite que, aún con el rechazo que nos pueda producir, está entre las variables que dos adultos pueden elegir. Nada es previsible, podemos pensar que algo sucederá, pero Haneke tiene mano firme para llevarnos hasta el final de manera acompasada, dolorosa a su vez, sin que podamos advertirlo. Notable realizador, preciosista en la narración elaborada con Darius Khondji, el mismo que colaboró en las dos últimas películas de Woody Allen.
Es una de esas películas que recomendamos para mayores de 30 años, que duelen, que nos remueven la conciencia y echan luz sobre la vida íntima de dos personas que transcurren la última parte de la vida. cinco nominaciones a los premios Oscar.
Elsa Bragato
LA EXTRAÑA VIDA DE TIMOTHY GREEN
De Peter Hedges. Con Jennifer Garner, Joel Edgerton, CJ Adams (Timothy), David Morse, M. Emmet Walsh, entre otros. Música de Geoff Zanelli. Duración: 105 minutos.
BUENA. CUENTO DE HADAS EDULCORADO PERO EFICAZ
SOBRE LA ADOPCIÓN
Estamos frente a una fábula que, más allá de varios clishés efectivos, nos deja un subtema muy interesante: la adopción. Para los pequeños, es una linda historia mágica. Para los adultos, si bien puede resultar un film chico, es movilizadora por el deseo de la pareja central de ser papás del corazón.
El tema de la familia no es ajeno a los intereses artísticos del director Peter Hedges. En el Sundance Festival del 2002-2003 presentó “Pieces of April”, con Katty Holmes, donde ponía el centro en una adolescente que se va del hogar y quiere reconquistar a sus padres, quienes la rechazan. Película que recomendamos ver.
En este film toma el caso de una joven pareja que no puede tener hijos a los que, en una noche de lluvia muy especial (y aquí surge la fábula), reciben el regalo de un niño en cuyas piernas nacen hojas, justificadas por su nacimiento.  De allí en más, la relación entre los padres y el pequeño Timothy está plagada de novedades, de alegrías y frustraciones. Es muy buena la actuación del pequeño CJ Adams, y siempre resultan verosímiles las presencias actorales de David Morse y M. Emmet Walsh.
No convence mucho la resolución de la historia y resulta también apresurado su desenlace y final. Hay “ponchazos” de la vida en familia más que linealidad y esto le quita méritos a un tema muy interesante. La calificamos como “buena” y no regular, porque técnicamente tiene fallas, por el mensaje, porque nos deja con una sonrisa agridulce. Para ver en familia.
Elsa Bragato
CARNE DE NEÓN
De Paco Cabezas. Con Darío Grandinetti, Angela Molina, Luciano Cáceres, Mario Casas, Vicente Romero, entre otros. Música de Julio de la Rosa y Oscar Araujo. Duración: 105 minutos. Coproducción España, Suecia, Argentina.
BUENA. COMEDIA POLICIAL VISTOSA Y BIZARRA
Comedia dramática donde se entrecruzan el hampa callejero y una historia medular de un niño de 12 años que fuese abandonado por su madre prostituta (llamada “Pura”) en la calle, a punto de salir de la cárcel. La historia se sitúa 10 años después del abandono.
“Carne de neón” alude a esos años vividos  por Ricky a la intemperie bajo la luz de neón en una ciudad donde pululan prostitutas, travestis y otros personajes marginales. “Ricky” (Mario Casas) decide abrir un club clandestino junto a sus amigos callejeros llamado “Hiroshima”, como regalo para su madre, a quien nombra “regente”. Ricky vivirá entonces otras noches de neón en medio de bailes del caño, compra de mujeres, entre otras “yerbas”, hasta que aparecen un tosco matón (Luciano Cáceres) y un capomafia (Darío Grandinetti).
El film transita la comedia en medio de tiros de toda índole y una marginalidad oscura bien retratada por Paco Cabezas. El elenco colabora con sus muy buenas actuaciones y bien podemos hablar de una sólida narración de principio a fin, plagada del argot delictivo español (Borges habría escrito un fabuloso informe sobre este “habla”). Desbocada película por momentos, transita por todos los planos de los sentimientos de estos seres sin esperanza a partir de sus acciones “non sanctas”. La urdimbre narrativa es vistosa y bizarra a la vez.
Carlos Pierre
HERMOSAS CRIATURAS
De Richard Lagravenese. Con Alden Ehrenreich, Alice Englert, Jeremy Irons, Emma Thompson, Viola Davis, entre otros.  Música de la banda Thenewno2. Duración:
BUENA. LANZAMIENTO DE OTRA SAGA ADOLESCENTE CON MAGIA Y HUMOR
Basada en los libros de Kami García y Margaret Storl, “Hermosas criaturas” es el comienzo de una saga que abrirá las puertas a la joven pareja protagónica, Alden Ehrenreich y Alice Englert. Tienen un gran elenco de soporte donde aparecen nombres como Jeremy Irons y Emma Thompson nada menos.
Dirigida por Richard Lagravenese, narra la historia de amor sobrenatural que une a un joven harto de una vida anodina en un pueblo de Carolina del Sur y una chica con poderes, perteneciente a una familia de poderosos brujos (Irons y Thompson). Ella es una “Caster”, condición de “casta de brujas” que podría perjudicar al joven.
A esta película se le han querido encontrar rasgos comunes con la saga “Crepúsculo” pero, en verdad, aquí el amor de los jóvenes tiene otra índole, nadie acepta convertirse en lo que es el otro, utilizándose elementos góticos y muchas veces escenarios oscuros que devienen en hechos mágicos como gran atractivo. Tienen en común el hecho de estar dirigido a los adolescentes a través de factores no habituales, aunque diferentes en ambas propuestas.
Emma Thompson encarna dos personajes: una mujer ultraconservadora, madre del mejor amigo del protagonista, y una bruja malévola con secretos de alcoba. Jeremy Irons es el tío de la joven protagonista.
Tanto Irons como Thompson mantienen un duelo actoral, que se desarrolla en el interior de una iglesia y en el que el personaje de la actriz revela su verdadera naturaleza. Cabe recordar que Emma Thompson formó parte de la saga Harry Potter e intervino en Men in Black 3. Y que ama los personajes raros y exigentes, así como el cine independiente.
Otra secuencia que destacamos es el cumpleaños número 16 de la joven, donde todo se torna incontrolable porque las fuerzas de la Luz y las de la Oscuridad se reúnen para reclamarla para uno u otro lugar. Y este festejo coincide con el más poderoso solsticio en 5000 años, por lo que la “Alice” recibirá una energía todopoderosa.
Personajes con cargas mágicas, buenos actores y novelas como base, confluyen para dar inicio a una saga destinada a los más jóvenes. Es una “precuela”, una introducción a la fascinante historia de los Casters, sofisticados brujos, y un joven que coincide en la vida con la bruja casadera de una familia. Entretiene, tal vez le falte un poco de fuerza, pero tendrá buena taquilla.
Carlos Pierre

jueves, 14 de febrero de 2013

"LOS MISERABLES" Y "DURO DE MATAR 5", ENTRE 6 ESTRENOS DE CINE, JUEVES 14


JUEVES 14 DE FEBRERO DEL 2013.-
Hay seis estrenos en fílmico. No comentamos “Mala” de Adrián Caetano ni el muy buen documental “El árbol de la muralla”, ambas argentinas.
LOS MISERABLES
De Tom Hooper. Basado en el  musical francés estrenado en 1980. Con Hugh Jackman, Russell Crowe, Anne Hathaway, Sacha Baron Cohen, Helena Bonham Carter, Eddie Redmayne, Amanda Seyfried, entre otros. Duración: 137 minutos.
MUY BUENA. GRAN HISTORIA ÉPICA QUE TRASCIENDE LA CLÁSICA COMEDIA MUSICAL
LA HISTORIA Y EL ARGUMENTO DEL MUSICAL
“Los miserables”,  escrita por Víctor Hugo, fue publicada en 1862. El gran escritor romántico fue un defensor acérrimo de la libertad en todas sus manifestaciones, de los derechos de los pueblos y, en esta obra, acerca los estereotipos de aquellos personajes que amó y que odió de su propia sociedad. La historia está inspirada, según Víctor Hugo, en un personaje que detestó y fue Vidocq, criminal francés quien, ya redimido, fundó la Policía Nacional Francesa. La ubica en la Revolución de 1830, que sucedió a las Tres Gloriosas Jornadas que llevaron al trono a Luis Felipe I de la casa de Orleans, obligando a Carlos X, de los Borbones, a huir. Se impuso la monarquía parlamentaria y, desde Luis Felipe I, los reyes no tuvieron condición divina sino que eran ungidos por el pueblo. Es el período en el que surge el movimiento obrero y se apoya el sufragio.
Dentro de este contexto histórico, Víctor Hugo ubicó a sus personajes: Jean Valjean (Hugh Jackman) es prisionero por haber robado un mendrugo de pan, su vida está en manos del implacable policía Javert (Russell Crowe). Valjean es liberado y logra rearmar su vida teniendo una gran empresa. Una de sus empleadas, sin que él lo sepa, la frágil Fantine (Anne Hathaway), es echada  a la calle por su capataz. Tiene una  hija pequeña, Cosette ( ese rostro de nena que caracteriza toda publicidad de esta gran obra). Fantine muere y Valjean va hasta el hogar de los Thenardier (posaderos que ofrecían cerveza y prostitutas), encarnados por Sasha Baron Cohen y Helena Bonham Carter (esposa de Tim Burton), para hacerse cargo de la pequeña. Ambos huyen y viven en una casa de las afueras ocultos de la mirada del feroz policía Javert.
Pasa el tiempo, y , en un paseo por la ciudad, Cosette , ya  una jovencita muy bella, se enamora de Marius (Eddie Redmayne), revolucionario quien, junto a sus compañeros, dará batalla a las fuerzas leales a Carlos X de los Borbones armando las barricadas. Aparece Eponine (Samantha Barks), que está enamorada de Marius y finalmente le dice dónde vive Cosette.  Marius es herido en la sangrienta lucha, lo salva Valjean, perseguido por Javert. Los jóvenes podrán vivir su amor mientras Valjean confiesa que se ha enamorado de Cosette. Javert no soporta su propia maldad y se suicida. El amor y la libertad triunfan con un añadido sociopolítico: es un sacerdote quien le ofreció salvación a Valjean y su imagen aparece nuevamente sobre el desenlace. Es este sacerdote quien le regaló dos costosos candelabros de plata de un altar para que Valjean pudiera venderlos y sobrevivir justo cuando Javert lo iba a encarcelar nuevamente por ladrón. Víctor Hugo unió la visión de una iglesia cercana a los pobres con la lucha sociopolítica. Pero los miserables siempre están, encarnados por el matrimonio Thenardier, corrupto y venal.
DE LA LITERATURA AL MUSICAL Y AL CINE
La obra de Víctor Hugo fue llevada al teatro en 1980. El compositor es Claude-Michel Schönberg y los letristas Alain Boublil y Jean Marque Natel, basados en el texto de Víctor Hugo, la convirtieron en musical. El productor británico Cameron Mackintosh (quien ha participado del film como productor) se encargó de que la obra fuese adaptada al inglés en 1982, trabajando con los realizadores franceses y Herbert Kretzmer, siendo estrenada en Londres en 1985. Desde ese entonces, es uno de los más grandes musicales épicos concebidos. El argentino Gerónimo Rauch, ex “Mambrú”, fue Jean Valjean en España y actualmente realiza la versión inglesa en Londres. En 2010 la obra cumplió 25 años y se inició un “revival” de la misma en España y Londres. Es curioso que nadie recuerde el debut en el Teatro Apolo de París en 1982 de esta obra, hecho que queremos destacar. No es un musical inglés sino francés.
TOM HOOPER Y SU VERSIÓN CINEMATOGRÁFICA
Llevar al cine un musical épico es un trabajo notable, difícil, casi imposible especialmente por tratarse de un relato épico. En este sentido, Hooper supo suplantar el escenario por las tomas en primer plano de los personajes. Es decir, mientras en la versión teatral los personajes conviven en distintos sectores y, cuando les toca su parte, un seguidor los ilumina sin que el resto del elenco tenga que salir por el foro, en el cine la cuestión fue resuelta con el primer plano súbito, casi con “zoom”, mientras los efectos digitales lo ubicaron en otra locación. O bien en otra escenografía.
Este manejo de la cámara con los efectos digitales fue efectivo pero le restó emoción a la mayoría de las canciones que el elenco cantó en vivo en el estudio (un hecho poco frecuente en el cine). De todas maneras, fue la mejor solución cinematográfica. Hugh Jackman es un avezado actor de musicales en Broadway y dotó a sus interpretaciones de fuerza. Russell Crowe es un buen cantante de bandas (tuvo una hasta el 2005) y también un buen actor teatral. Pero sus parlamentos cantados suenan más a recitados que a emotivas canciones, como en realidad lo son. En el caso de Anny Hathaway, su “Fantine” es emotiva y la actriz lográ una muy buena perfomance vocal. No ocurre lo mismo con Amanda Seyfried como “Cosette” adulta, cuya voz es muy poco agradable. Los Thernadier tienen temas más briosos y alegres por lo que las cualidades vocales pasan más desapercibidas (Sasha Baron Cohen y Helena Bonham Carter).
El hallazgo de Cooper es el montaje cinematográfico: la resolución con primeros planos de los solistas que, en teatro, comparten el espacio. Las barricadas, que forman parte de los momentos más emotivos del musical, no se apartan de la realización teatral y esto sí llama la atención. Quedan pequeñas, notándose la “costura” de la escenografía. En la versión argentina, que parece que nadie recuerda (elenco encabezado por Carlos Vittori, Juan Rodó y Elena Roger, 2000), la finalización del primer acto con las barricadas, prestos los revolucionarios a la lucha, se unió el gran tema “Escuchas al pueblo cantar?” a la Marsellesa, dotando al musical de una emoción vibrante e inolvidable.
Las secuencias que más nos impactaron por realización en todos los aspectos, incluyendo el vocal, fueron la inicial con Hugh Jackman bajo el látigo de Russell Crowe, “Fantine”- Anne Hathaway en las calles y su muerte, la salvación de Marius por Valjean recorriendo las cloacas parisinas, la miserable alegría de los Thernadier, y las luchas. El suicidio de Javert-Russell Crowe es una buena secuencia pero se descubre fácilmente la utilización de los efectos especiales, restándole impacto.
A pesar de la falta de emoción en las interpretaciones, con excepción de Hugh Jackman y, en cierta medida, de Anne Hathaway aunque resulta muy afectada, la película de Tom Hooper tiene el enorme logro de llevar el musical más notable al cine. Notable por sus personajes y por su reivindicación de las libertades del ser humano, surgidos de la noble pluma del gran Victor Hugo.
Para quien no ame la ópera o no disfrute de los parlamentos cantados de pe a pa, como ocurre en esta obra, no es la película indicada para ver. Ya no estamos en los 60 cuando “Los paraguas de Cherburgo”, con música de Michel Legrand, rompía todos los moldes y Catherine Deneuve alcanzaba el estrellato con una taquilla inolvidable por “hablar cantando”.
Los Miserables según Hooper nos gustó pero no nos conmovió. Reconocemos el gran esfuerzo. Sin embargo, el tratamiento dado al musical en sí no nos convenció.
Destacamos los temas más famosos: “i dreamed a dream”- “Soñé un sueño” (que popularizó en los últimos años la inglesa Susanne Boyle),  “Escuchas al pueblo cantar?” y la inicial “What have I done?”-“Qué he hecho.
No olvidemos que es un musical francés y que en la Argentina tuvo una de las mejores representaciones.
Elsa Bragato
 “5-5-5”
De Gustavo Giannini, con Antonio Birabent, Gonzalo Suárez, Belén Chavanne, con participaciones especiales de Norman Briski, Daniel Fanego, Nancy Anka, Ricardo Bauleo, Pochi Ducasse, Rolando Graña, Adrián Yospe y Atilio Pozzobón. Música de Antonio Birabent (“5-5-5”). Duración: 125 minutos.
BUENA. DIFÍCIL INCÓGNITA DE PARRAVICINI
Este film tardó bastante en ser estrenado y coincide con la llegada de algunos asteroides, según la NASA, a la Tierra, en estos días de febrero. “Gabriel” es un profesor que encarna muy bien Antonio Birabent, una alumna se le acerca, lo ayuda a superar el mal trance con su esposa, pero desaparece. “Gabriel”  encuentra entonces motivos para investigar la profecía “5-5-5” de B.Parravicini.
La película tiene un buen comienzo pero rápidamente cae en secuencias muy extensas que, si bien nos explican el por qué de la soledad de “Gabriel”, aletargan la narración en demasía. Pocos personajes: secunda a Birabent el eficaz González Suárez (comerciales y hoy en “Mi amor mi amor”, Telefé), así como la participación de grandes actores (Anka, Briski, Fanego, Bauleo, entre otros) jalonan su búsqueda de certezas e interrogantes.
El tema es muy interesante, Antonio Birabent tiene muy buena actuación junto a Gonzalo Suárez, y el elenco es un gran soporte para los dos protagonistas. Sin embargo, quedan muchos interrogantes, ciertas  elipsis inoportunas (cuando Gabriel se reencuentra con la joven y ésta tiene un niño con sus mismos ojos claros, mientras al lado de chica hay un supuesto marido que jamás tiene un plano corto y se nota que es un extra sin permiso de hablar), y un efecto especial sobre el final que tiene relación forzada con la profecía diagramada por Parravicini (sobrino de Florencio Parravicini).
Nos da la impresión de que, con un poco más de presupuesto, se habría logrado un film muy intrigante. O bien el montaje pudo ser más picado, más ágil, generando una sensación creciente de thriller.
Elsa Bragato

DURO DE MATAR 5; UN BUEN DÍA PARA MORIR
De John Moore. Con Bruce Willis, Jai Courtnay, Mary Elizabeth Winstead, Sebastián Kock, entre otros. Música de Marco Beltrami, con alguna “colaboración” de Beethoven. Duración: 120 minutos.
BUENA. BRUCE WILLIS COMO “TERMINATOR”
Hay que calificar como “buena” a este film sin argumento y con tiros y efectos especiales increíbles solamente por estos últimos. El regreso de Bruce Willis a su personaje más querido, John McClane fue un triunfo personal del actor. Pero de 1986 a este film ha corrido mucha agua bajo el puente y hoy nos encontramos con batallas campales de tiros, persecuciones, destrucciones de edificios, helicópteros que cargan camiones rompiendo todo en su andar, rotura de cristales al por mayor, sin mayor explicación.
En principio, el personaje McClane va en busca de su hijo Jack, a cargo de Jai Courtnay, quien está en Moscú como agente secreto de la CIA y no se sabe bien si tiene que proteger a un ruso por un expediente que tiene relación con uranio y que va a declarar ante la justicia moscovita o qué. En definitiva, el famoso preso es salvado tras una terrible y alocada explosión en la que aparece insólitamente “papá” John en medio de tiroteos y de una calle que no es precisamente tranquila dado que le pasan rozando los coches de los malhechores y de su propio hijo.
Hay una secuencia inicial muy endeble: cuando John McClane llega a Moscú, el taxista que lo traslada hacia donde está su hijo sabe hablar inglés. ¿Ruso o neoyorquino? Luego, la irrupción de Bruce Willis en medio de tiroteos y de persecuciones por autopistas moscovitas tampoco se comprende – a los efectos narrativos- porque, si bien sigue el camión o extraña comby de su hijo, lo hace como quien conoce de memoria esos caminos. Y encuentra siempre la mejor forma, estrafalaria y explosiva, para correrse de carretera aunque tenga que aplastar coches con conductores. Un “sorry” es suficiente.
Nadie va a negar que hay entretenimiento puro pero se esperaba mucho más de John Moore y de Bruce Willis, quien tiene buen ajetreo físico aunque haya habido dobles en secuencias de enorme peligro. Nos entretuvo pero no hay más para comentar. Tuvimos la rara experiencia de ver un film sin argumento.
Elsa Bragato
LA MULTITUD
BUENA.
De Martín Oesterheld. Documental. Duración: 60 minutos.
BUENA. MULTITUDES AUSENTES DE DONDE DEBIERAN ESTAR
Con un elocuente tratamiento documental, poblado de silencios y sustentado por una fotografía abarcadora de dos espacios de diversión popular como fueron la Ciudad Deportiva de Boca, construida durante el gobierno de facto de Onganía, y el Parque de Diversiones Interama, inaugurado a finales de la última dictadura militar, el realizador Martín Oesterheld muestra las ruinas de un pasado que solo quedó en promesa. Hoy es desolación lo que tuvo que estar poblado por multitudes.
En estos lugares hay otro tipo de multitud, de aglomeración anónima, indigentes, empobrecidos inmigrantes, entre pastizales y basurales. Linderos a estos dos espacios se levantan el barrio Rodrigo Bueno y la Villa 20. Sus habitantes viven a espaldas de esa construcción actual que se levantan imponentes, con la mirada puesta lejos de la precariedad exasperante.
Oesterheld expone con certero manejo de la cámara la desolación de dos predios de las décadas del 60 y 70, en contraste con las torres habitadas cercanas. Es una mirada sobre dos emprendimientos surgidos de períodos militares, hoy silenciados y testigos mudos de dos épocas tristes. Resulta un documental muy interesante.
Carlos Pierre

jueves, 7 de febrero de 2013

"EL VUELO" Y "LA NIÑA DEL SUR SALVAJE", DOS GRANDES ESTRENOS JUEVES 7 FEBRERO


JUEVES 7 DE FEBRERO DEL 2013.-
Hay ocho estrenos en soporte fílmico que incluyen 4 títulos nacionales, uno en coproducción con el Uruguay. No comentamos “La chica del sur”, documental de José Luis García, sobre su viaje a Corea en 1989.

LA CHICA DEL SUR SALVAJE
De Benh Zeitlin. Con Quvenzhané Wallis, Dwight Henry, Levy Easterly, entre otros. Música de Dan Romer y Benh Zeitlin. Duración: 91 minutos.
MUY BUENA. CINE CATÁSTROFE DE LA POBREZA CON UNA HEROÍNA DE 6 AÑOS. FUERTE y CONMOVEDORA.
Con cámara en mano, en la zona pantanosa de Luisiana (similar a la de los pantanos de Miami), el debutante director Benh Zeitlin nos muestra a una niña y su padre  quienes viven la vida de los pobres, para quienes no hay casas dignas y el contacto con la naturaleza es brutal. Desde un tornado hasta la falta de comida, la suciedad, la relación con los animales, ‘objetos’ diarios de trato y maltrato. Pero las “grandes criaturas” llegarán… elementos del realismo mágico muy bien utilizados por Zeitlin.
“Beasts of the Southern Wild” es un libro de Lucy Alibar quien colaboró en la realización del guión. Emerge como heroína la pequeña Quvenzhané Wallis como “Hushpuppy”, de padres africanos pero con ciudadanía norteamericana, en el papel de la pequeña rebelde que es enorme, generoso, increíble; aún más: es impensable que una criatura haya podido llevar sobre sí el peso de toda una narración. Pero Wallis lo hizo.
Es también la pequeña gran actriz Wallis quien, como narradora en off, nos va contando algunos momentos de su vida. Y asombra la capacidad para el relato de Wallis por las inflexiones de su voz; no en vano hoy está compitiendo por el premio a la mejor actriz en los Oscars, enfrentando a una notable Emmanuelle Riva, de 84 años.
La relación con su padre, “Wink” (Dwight Henry, quien debió ganar el Naacp Award) es el otro gran tema del film. La pequeña es educada según los cánones más convencionales, un “sopapo” cuando se rebela, pero con ternura sin palabras para salvarla de situaciones límites, comunes en el ámbito en el que vive.
La narración del film es potente y sin fisuras, la fotografía es sólida, y las actuaciones son nobles y convincentes. Es una gran película pero muy brutal por momentos, muy dura. Y, hay que reiterarlo, es asombrosa la actuación de la pequeña Quvenzhané Wallis.
La banda sonora, por su parte, es intrigante y aporta el sonido incidental que se necesita como otra protagonista más. Estamos frente al “cine catástrofe de la pobreza”, que asombra en el Hemisferio Norte y que nos duele en el Hemisferio Sur. Las creencias esperanzadoras rozan el realismo mágico. El resto es realismo puro: la pobreza, los olvidados, que aún así mantienen sus coloridos idearios. El drama está sin aditamentos.
Elsa Bragato
LINCOLN
De Steven Spielberg. Con Daniel Day-Lewis, Tommy Lee Jones, Sally Field, entre otros. Música de John Williams. Duración: 150 minutos.
BUENA. THRILLER POLÍTICO DIDÁCTICO SOBRE EL PROCESO PARLAMENTARIO CONTRA LA ESCLAVITUD EN LOS ESTADOS UNIDOS
Luego de filmar “El color púrpura” donde se abordó la esclavitud de los afroamericanos a manos de sus propios congéneres, esta película de Steven Spielberg nos asombra porque no tiene nada que ver con su estilo narrativo habitual. No es la biografía de Abraham Lincoln porque falta a la verdad en algunos pasajes, es decir, no coinciden algunos hechos mostrados en el film con los hechos históricos. Tampoco tiene grandes exteriores sino que es un análisis del proceso legislativo que permitió incorporar la 13 Enmienda en la Constitución de los Estados Unidos y terminar con la esclavitud. Mientras en la Argentina acabamos de celebrar los 200 años del fin de la esclavitud en 1813, en USA se logró recién en 1865 por la oposición de los demócratas del sur, hecho que llevó a la guerra al Norte y el Sur. Paradójico pero real: el Norte a cargo de los republicanos; el Sur, de los demócratas.
Es, en definitiva, un thriller político que resulta didáctico y poco cinematográfico, especialmente para esta parte del mundo. Sin embargo, las actuaciones de Daniel Day- Lewis y de Tommy Lee Jones son magistrales. Sally Field vuelve a la pantalla grande en el papel de la esposa de Lincoln (Mary Todd) y su estirpe de gran actriz está a la vista, aunque el tratamiento dado a su personaje es muy teatral.
En sí misma, la película es teatral porque se desarrolla en el recinto del Parlamento como gran escenario. Es aquí donde, fuera de los Estados Unidos, el film resulta tedioso en su larga primera parte. No obstante, entonces como ahora están los “enjuagues” políticos, las coimas, las luchas de poderes en el mismo seno de republicanos y demócratas. Y esto sí ha sido mostrado al detalle por Spielberg. Y ésta sí es la sal del film.
Da la impresión de que se ha seguido un “story board” muy rígido. Tanto la primera como la última parte están filmadas en los campos de batalla. Dos largas secuencias que, seguramente, fueron rodadas en horas en la misma locación pero con diferentes personajes. La narración principal, el cuerpo del film, transcurre, como dijimos en el Parlamento. Hay matices, por supuesto, que cortan la asfixia de los largos debates y están dados por las secuencias de la vida familiar de Lincoln, la depresión de su esposa por la muerte del primer hijo, el temor de que el segundo hijo vaya a la guerra, sin mayores precisiones históricas. Y el famoso discurso de la segunda asunción de Lincoln a la presidencia está, como un legado para la historia del país del Norte. La precisión histórica está en el año, 1865, en la finalización de la guerra, y en el asesinato, el primer magnicidio, de Lincoln, aunque no se respetan los datos históricos. Sugerir el asesinato no ha sido lo mejor.
Los últimos 45 minutos del film tienen más ritmo cuando la presencia de “”Thaddeus Steven”, personaje clave en la vida de Lincoln a cargo de Tommy Lee Jones, cobra importancia. Solo un gran actor con enorme solvencia frente a las cámaras puede conmovernos con mínimos recursos expresivos como los que utiliza Jones. Notable. La composición de Lincoln de Daniel Day Lewis también resulta memorable y ayuda a comprender la figura del estadista.
La banda sonora del maestro John Williams aparece muy deslucida. Gran compositor clásico a quien admiramos, su partitura no fue tenida en cuenta como en otros films. Aquí no nos emociona su enorme calidad musical porque está ubicada en un plano muy secundario.
Estas consideraciones, modestas, deben ser algunas de las razones por las que la película no ha ganado, hasta ahora, premios como tal (faltan los Oscars donde obtuvo 12 nominaciones y se comprende: es un film esencialmente norteamericano) y sí la actuación de Daniel Day Lewis. El film no ha requerido de grandes locaciones ni de enormes inversiones. Pero sí de grandes actores. He aquí el quid de esta entrega de Steven Spielberg, un thriller político muy revelador de las intrigas parlamentarias. Entonces como ahora.
Elsa Bragato
EL VUELO
De Robert Zemeckis. Con Denzel Washington, Kelly Reilly, Don Cheadle, Nadine Velázquez, Melissa Leo, entre otros. Música de Alan Silvestri. Duración: 138 minutos.
MUY BUENA. TRAGEDIA Y REDENCIÓN CON GRANDES ACTUACIONES
Robert Zemeckis regresa al cine de la mejor manera: con una narración sólida, compacta, y notable actuación de Denzel Washington. Realizador de Forrest Gump, El Expreso polar o La muerte le sienta bien, en “El vuelo” se inspiró en la tragedia del 2000 del Alaska Airlines Flight 261, que no dejó sobrevivientes. En este caso, toma otro vuelo: el Southjet Flight 227 de Orlando a Atlanta, de tan solo 45 minutos, que se transforma en una pesadilla.
La película sorprende luego de las secuencias iniciales: la noche de sexo y droga del piloto William “Whip” Whithaker (Denzel Washington) con una de las azafatas, “Trina” Márquez (Nadine Velázquez), que incluye desnudos frontales a cámara y consumo de cocaína sin vueltas. Es importante para el espectador recordar esta escena porque tiene mucha relación con las secuencias finales en las que “Whip” declara frente a la Justicia.
La secuencia del desastre aéreo toma unos 20 minutos y está realizada con maestría. Estremece, no hay detalle dejado al azar y nos muestra a un avezado piloto que mantiene la sangre fría aún en el momento final de su vida. Sobrevive y empieza otro vía crucis: si fue una falla mecánica o una falla humana.
El film no se circunscribe a la tragedia aérea, de la que quedaron más de 100 sobrevivientes, sino que incluye la vida familiar de “Whip” y la incidencia de sus adicciones, su ex mujer, el rechazo de su hijo adolescente. Así surgen personajes muy queribles que nos conmocionan: Kelly Reilly en el papel de “Nicole” es realmente conmovedora por su tragedia personal y su femineidad, la fragilidad de la mujer frente a un destino sin esperanzas.
Tal vez Zemeckis no nos aporta una dosis de originalidad porque recurre a algunas convenciones para la resolución de la historia. Sin embargo, el producto es sólido, convincente, y sus personajes secundarios, como el del abogado que compone Don Cheadle (bastante olvidado por el buen cine de Hollywood), o el ya mencionado de Relly, están dotados de gran credibilidad. La ‘perfomance’ de Denzel Washington es de grandeza en su actuación, nada novedoso de parte de este actor. Su emoción, su cinismo, su arrogancia y sus debilidades, están captados por la cámara de Zemeckis que, luego del tremendo vuelo, se mete en el alma de los personajes. Más que regodearse en la tragedia, Zemeckis busca el “siniestro” espiritual de los protagonistas. Es entretenimiento, sí, pero del muy bueno.
Elsa Bragato
LA CULPA DEL CORDERO
Guión y dirección: Gabriel Drak. Con Ricardo Couto, Susana Groisman, Rogelio García, entre otros. Música de Carlos García. Duración: 81 minutos. Coproducción de Uruguay y Argentina.
REGULAR. REUNIÓN FAMILIAR MÁS TEATRAL QUE CINEMATOGRÁFICA
Opera prima del realizador uruguayo Gabriel Drak en la que una familia uruguaya es convocada por su padre para comer un asado de cordero, con el indeclinable propósito de sacar a la luz las miserias (droga, sexo y traiciones) de todos los integrantes del clan. Si bien el ámbito donde se sitúa este drama familiar es acertado (la típica chacra uruguaya), todo parece ser un gran acto. Nos basamos en lo siguiente: primero, la puesta de los actores tiene forzada naturalidad. Segundo, el guión, que intenta descubrir las debilidades de cada personaje, no resulta cinematográfico sino parte de una obra de teatro. Se percibe claramente el tufillo del escenario, de las bambalinas, quitándole la espontaneidad que una película nos suele brindar.
El film tuvo una buena aceptación en el Uruguay. Rescatamos la idea del guión que, de tener otro tratamiento narrativo, nos hubiese atrapado. No fue el caso. Hay historias pequeñas y conocidas que, bien manejadas, son absolutamente plausibles. No obstante, Drak tiene futuro en el cine.
Carlos Pierre
CRAKS DE NÁCAR
De Daniel Casabé y Edgardo Dieleke. Con Rómulo Berrutti y Alfredo Serra. Música de Andrés Drimer. Duración: 80 minutos.
BUENA DOS CRÍTICOS SE DAN EL GUSTO DE ACTUAR
Rómulo Berrutti y Alfredo Serra, dos veteranos y reconocidos críticos y periodistas, juegan, desde hace 50 años, al fútbol con botones.
Esta pasión los reúne todos los sábados, charlan, recuerdan e impregnan estas jornadas con anécdotas y algún vaso de whisky. Son dos cracks en el manejo de estos botones de nácar, pequeños remedos de aquellos históricos futbolistas que jalonaron el deporte más popular del mundo.
Sin duda, es un documental sin más intenciones que las de mostrarnos a dos colegas en un momento de esparcimiento bastante poco común. O sea, un juego ante cámaras de quienes han estado siempre analizándola. Se dieron el gusto…
Carlos Pierre
LAS CRÓNICAS DEL MIEDO (VHS)
Directores: David Bruckner, Joe Swanberg, Glenn McQuaid, Adam Wingard, TI West, Radio Silence. Duración: 116 minutos.
BUENA. TERROR EN MANOS DE SEIS DIRECTORES, DESTRIPADOS Y OTRAS
LINDURAS. PARA FANS DEL GÉNERO
Dividida en seis partes, cada una de ellas dirigida por un joven director, especialista en el género del terror y sus subgéneros, la película fue filmada con cámara en mano, con los vaivenes propios del VHS (su título en inglés).
Un grupo de delincuentes es contratado para ir a una misteriosa fiesta a recuperar una cinta de video. La tarea no será tan fácil como pensaban. En el salón de la casa, frente a un televisor, se encuentra el cadáver de un anciano rodeado de cintas de VHS, con videos espeluznantes, una casa embrujada, vampirismo, asesinos en el bosque.
Los cazadores “cazados”, todos los clishés en un solo film de terror, con escenas muy desagradables que, sin embargo, tienen su público. Solo para fanáticos del género.
Carlos Pierre
NATAL
De Sergio Mazza. Documental. Música de Sophie Fountain. Duración: 88 minutos.
REGULAR. EL CINE DE ENTRECASA…
No se comprende mucho este afán por mostrar ciertos hechos de la intimidad en el cine existiendo tantos medios para hacerlo vía internet. La facilidad tecnológica actual es la responsable de llevar al cine documentales como éste con el que el espectador se queda con las manos vacías luego de pagar una entrada.
Sergio Mazza es un buen realizador a pesar de que la semana pasada estrenó “Graba” con nula repercusión. Se nota su “pasta” para el cine. Pero filmar el nacimiento de su hijo, si bien lo “adornó” con los momentos previos y algunos posteriores, no es lo que uno espera ver en el cine. El dato autobiográfico solo sirve para la familia y no para el público que paga una entrada.
El cine es para contar historias de ficción o documentales con datos, no para mostrar las experiencias personales. Así hacemos un cine de entrecasa que no le conviene a la industria nacional y ahuyenta al público en general de las salas. Para el resto, está Youtube.
Elsa Bragato