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viernes, 21 de febrero de 2025
PREMIOS CÒNDOR DE PLATA, "EL JOCKEY", EL FILM NACIONAL GRAN GANADOR DE LA NOCHE
sábado, 15 de febrero de 2025
UNA VIDA SOÑADA, DALTON REVOLUCIÒ, BRIDGET JONES... ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 13 DE FEBRERO DEL 2025
JUEVES 13 DE FEBRERO DEL 2025
UNA VIDA SOÑADA
Direcciòn y guion de Morgan
Simon, fotografía de Sylvain Verdet, Mùsica de David Chalmin, con Valeria Bruni
Tedeschi, Felix Lefebvre, Lubna Azabal, Dylan Benha Guedi, Gedeon Ekay,
Francois De Brauer, Antonia Buresi, Tya Deslauriers. Duraciòn: 07 minutos.
XXXX – RELATO CONMOVEDOR
SOBRE DIFERENCIAS GENERACIONALES EXACERBADAS
Para Nicole (la ìtalo
francesa Valeria Bruni Tedeschi), su vida es un fracaso. Tiene a cargo a su
hijo Serge (Felix Lefebrvre), de 19 años, quien no acepta nada de su madre, critica
ser hijo único, el estilo de vida de su madre, siente vergüenza de ella y de la
vida que le da, hasta que el conflicto llega a mayores y abandona a su madre
horas antes de Navidad.
Morgan Simon vivió en los
suburbios de París como su protagonista y también, según confesó, cuestionó a
su madre por su historia, por su presente, hasta que se dio cuenta de que él
era parte de ella, y viceversa, y le rindió tributo antes de que fuese tarde.
Es decir que Simon parte de una mujer de 52 años, sin trabajo, rechazada
socialmente por la edad y por su hijo que primero la ofende para luego
abandonarla. Y establece, a través de un guion lúcido que lleva adelante la
talentosa Bruni Tedeschi, la confrontación de ciertos jóvenes de hoy a sus
mayores, a quienes ofenden y critican de la misma manera que Serge. Esto nos
recuerda, l Diario de la guerra del cerdo, obra de Adolfo Bioy Casares, que fue
llevada al cine: los jóvenes que se burlan de los mayores, que desprecian a los
abuelos y de sus creencias, de sus amores, y que los “cancelan” socialmente, o
sea, hay que ignorarlos, desecharlos.
El tratamiento narrativo está
sujeto a la capacidad emotiva de Valeria Bruni Tedeschi: dependemos de su
llanto, de su resiliencia, de su sonrisa, de su voluntad de salir adelante aún
con el corazón roto, para que la historia alcance el clímax emotivo que el
guion contiene. Hay aquí una enorme sensibilidad de parte de Morgan Simon que expone
autobiográficamente la relación conflictiva que mantuvo con su madre como
tantos otros jóvenes de su época. Es una película madura, adulta, de ésas que
retratan un momento de una familia que, lejos de ser particular, es universal.
Para ver.
Elsa Bragato
Actoresonline.com
Documental
de Alejandro Jablonskis, coguionista junto a Matías Spadaro. Música de Matías
Spadaro y Gabriela Grabowski. Fotografía, cámara y montaje de Alejandro
Jablosnkis. Sonido de Eduardo Sánchez Fernando Iguacel Duracion:105 minutos.
Argentina
XXX – CIRCENSES
DE ALMA
Filmado en la Argentina, Andorra y Cataluña
(España), el director Alejando Jablonskis decide llevar a la pantalla la
historia de los hermanos Dalton, nacidos en el país, que recorrieron el mundo
como artistas circenses siguiendo la tradición familiar. Es que la vida en un circo despierta
fascinación, curiosidad. Eso de vivir en carromatos, de especializarse en
trapecios, en artes de equilibrio y malabarismos, llama la atención pero
requiere de dedicación constante y, ciertamente dejar costumbres sociales tales
como ser sedentarios viviendo en un departamento. Las comodidades cambian, el
trueque con el arte es absoluto.
A través de la historia de los hermanos mayores,
de aquéllos que fueron parte de la primera generación de descendientes del
padre Dalton y de los que formaron la segunda camada de artistas, es decir, los
hijos más jóvenes, Jablonskis descubre un mundo que, fuera de lo formal, tiene
sentimientos de alegría y tristeza y una educación de extrema severidad y
crueldad que no conocíamos. La idea de que en un circo las alegrías son plenas
se desvanece para dar lugar a la realidad de seres humanos que sufren y se alegran
de manera extrema.
Los hermanos que hoy mantienen vigente la llama
sagrada de este ejercicio artístico tan apasionante (tenemos artistas como
Flavio Mendoza y el Bicho Gòmez que son fieles representantes de familias
circenses, criados en circo) van mostrando en forma individual fotos muy
antiguas de familiares que conformaban el grupo inicial, cuentan las historias
tristes de quienes murieron por enfermedades contraídas en algún lugar alejado
donde el circo paraba, todo es recuerdo pero tambièn todo es presente.
Es que el circo es la madre de las artes teatrales
de los últimos tres siglos. En nuestro país, fue la base del teatro criollo. Y,
aun con los cambios actuales de que no hay más animales, el circo atrae. La
llegada de estas troupes a los pueblos equivale a alegría. Ciertamente, la
historia de este documental es muy atractiva y también muy sentimental,
emociona la vida de artistas que van pasando de generación en generación sus
conocimientos, nos conmueve saber que algunos armaron su vida fuera del circo y
jamás regresaron, mientras otros quedaron atrapados en carpas y carromatos. Nos
muestra que hay otra vida fuera de las ciudades pero requiere de mucho
sacrificio, renunciamientos, habilidades artísticas y duro entrenamiento. Es un
documental que trasunta muchos sentimientos y llegan rápido al corazón del
espectador.
Elsa
Bragato (actoresonline.com)
ESTRENOS EN PLATAFORMAS
LA CHICA DE LA AGUJA
(estrenada en MUBI)
Dirección y guion de Magnus
von Horn, junto al coguionista Line Langebek. Fotografía de Michal Dymek,
Música de Frederikke Hoffmeier. Con Victoria Carmen Sonne, Trine Dyrholm, Beze
Zecin, entre otros. Duración: 115 minutos.
XXX – SINIESTRA HISTORIA
SOBRE TRATA DE BEBÈS
Nadie puede salir del cine
sin un rictus de dolor luego de ver este film. Karoline (Victoria Carmen
Sonne), supuestamente viuda de un hombre que fue al frente en la Gran Guerra y
sumida en la miseria, encuentra asilo en el negocio que atiende una cincuentona,
Dagmar Overbye, asesina serial de bebès, que fuese condenada a muerte en
Dinamarca en 1921. Pero obviamente ni Karoline ni muchas madres jóvenes lo
supieron porque supo esconder durante años su perversión criminal bajo la
apariencia de una dama que daba bebés en adopciones dignas, aunque ilegalmente.
Uno de los casos es el de la propia Karoline, rechazada por un hombre de la
sociedad al descubrir su preñez. El regreso de su marido de la guerra con el
rostro destruido y la miseria en la que vive, la llevan a entregar su criatura
a Dagmar y a pedirle asilo.
Este es el nudo del guion que
se resuelve en secuencias que, en muchos casos, causan repugnancia,
especialmente cuando Karoline tiene que amamantar a una preadolescente. Es una
patraña de Dagmar para ocultarle a Karoline su miserable morbo, que pudo tener
explicación en la marginalidad provocada por la primera guerra mundial – hecho
irracional por donde se lo mire- que no solo de destrucción y muerte sino
también huellas en mentes enfermas como las de la protagonista.
No obstante la muy buena
reconstrucción de época, la historia resulta abrumadoramente cruel, impiadosa,
brutal. Es decir, formalmente, el uso
del blanco y negro, el curioso empleo de rostros deformados que surgen como
máscaras a la manera de intervalos “monstruosos”, y la narración, son
impecables.
El guion asombra porque, si
bien se atiene a hechos reales, es tan verosímil en sus secuencias que provoca
rechazo y dolor insoportables.
Para Magnus Von Horn,
director sueco de poco más de 40 años, la historia es un vector que canaliza su
propio sufrimiento por una brutal agresión que sufrió al llegar a Estocolmo. Y
admitió que, desde ese momento, se interesó por las personalidades violentas,
cómo retratar la maldad que llevan en el alma, como el caso ofrecido en “La
chica de la aguja”, título cuyo significado no podemos develar.
Por eso, bien se puede decir
que, en lo formal Von Horn se lleva todos los laureles, mientras que en el
fondo o sea en la historia planteada, la brutalidad de Dagmar, aunque haya sido
asì, es tan real en la pantalla que llega a límites insoportables. Ciertamente,
el cine es un arma de denuncia fenomenal y la historia de Von Horn sobre la
impiedad de muchas personas es, en verdad, un reclamo a corazón abierto sobre
la insensibilidad y perversión que anida, según su visión, en el corazón de las
sociedades en las que vivimos. Por eso, inferimos, no tuvo prurito alguno,
valiosa actitud de un cineasta, en llegar, en algunas secuencias, al límite de
la tolerancia de la crueldad. Es una historia para adultos que perturba,
inquieta, duele y repugna, aunque se sepa que la asesina será condenada. Este
hecho histórico apenas alivia el agobio que provoca una narración plagada de
situaciones brutales, que transforman un retrato de época en un policial
descomunal. Solo para adultos capaces de tolerar tanta crueldad.
Elsa Bragato
Actoresonline.com
OTROS ESTRENOS EN SALAS
COMERCIALES
1.- CAPTAIN AMERICA, BRAVE
NEW WORLD, de Julius Onah, con Harrison Ford.
Se trata de la cuarta
película de la franquicia que reitera temas propios de Hollywood, Harrison Ford
compone nuevamente al presidente de su país y Captain América tiene que
descubrir el complot que puede terminar con la vida del primer mandatario. Lo
único nuevo es la tecnología que, visualmente, enriquece una temática
archiconocida.
2.-BRIDGET JONES, LOCA POR
ÈL, DE Michael Morris, con Renée Zellwegger y Hugh Grant, entre otros.
Los años pasan y, en el caso
de Bridget Jones, crecen, tienen canas, se casan, tienen hijos. Por suerte no
permanecen en el limbo cinematográfico. Bridget enviudò, tiene un hijo y a
instancias de familiares y amigos entabla relación con un profesor. Habrà que
ver si realmente está enamorada, si llega a estar loca por el profesor, apuesto
y seductor. Una linda comedia para el dìa de los Enamorados.
jueves, 6 de febrero de 2025
EL SEGUNDO ACTO,. AMENAZA EN EL AIRE, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 6 DE FEBRERO DEL 2025
JUEVES 6 DE FEBRERO DEL 2025
Varios estrenos de los que ofrecemos sus datos, con el comentario crítico
de “El segundo acto”.
1.-EL BRUTALISTA, de Brady Corbet. Con Adrien Brody.
Esta película, de dos horas y media de duración, es aclamada por la crítica
internacional, siendo considerada un “monumento” narrativo audiovisual, con la
solidez interpretativa que aporta Adrien Brody. El director Corbet explicó en
varias oportunidades que el personaje de Brody, el arquitecto Laszlò Toh es
absolutamente ficticio, pero se basa en muchos personajes reales que debieron
huir de Europa no solo durante la Segunda Guerra Mundial sino en la postguerra
por las luchas civiles. En sí, buscándole un fundamento al personaje de Brody,
el director señaló que tomó datos del libro de arquitectura de Jean Louis
Cohen, teniendo un antecedente real: la mamá de Brody fue una exiliada de Hungría
de la misma manera como le ocurre al
personaje de su hijo cuando se desató la guerra civil postguerra. El film es
considerado una obra maestra para verse en pantalla supergigante.
2.- AMENAZA EN EL AIRE, de Mel Gibson. Con Mark Wahlberg.
Este nuevo film de Mel Gibson, años atrás aclamado como actor y director,
no supera la mediocridad según la prensa internacional. Un piloto transporta a
un testigo clave para un juicio, generándose una serie de tensiones a miles de
metros de altura. Poca inversión en los gags, muchos clichés y una mala
elección actoral hacen de este film un producto barato de entretenimiento. No
obstante, agregamos que, bueno o malo, esta temática siempre atrae.PWeo, xon
una mano en el corazón, es malísima!!!!!
3.- LAS AVENTURAS DE DOG MAN, de Peter Hastings
Animación que cuenta con el beneplácito de la crítica, al considerarla bien
realizada y emotiva.
4.- LA TRAMPA DEL RATÒN MICKEY, de Jamie Bailey.
Animación mal aceptada por la crítica internacional. Es un “Slasher”
utilizando la figura del ratón Mickey que, a uno se le ocurre, es un ser dinámico
y alegre que salva situaciones. En algunos casos se calificó a esta animación
como “atroz” y como “muerta” como el creador del dibujito, don Walt Disney.
5.- EL SEGUNDO ACTO, de Quentin Dupieux.
Ver crítica.
CRÌTICAS
EL SEGUNDO ACTO
Dirección y guion de Quentin Dupieux. Con Lea Seydoux, Vincent Lindon,
Louis Garrel, Raphael Quenard, Manuel Guillot y Helene Alesandridis, Arte de
Kinology y Diaphana, Sonido de Guillaume Le Braz y Alexis Place, Vestuario de
Justine Pearoe. Duración: 80 minutos.
XXX – DELIRIO EN PANTALLA GRANDE
El realizador Quentin Dupieux toma a varios personajes para organizar una
historia que es ficción pero que, al mismo tiempo, sale de ese estadio para
responder las directivas de la Inteligencia Artificial. La base narrativa cuenta
que Florence (Lea Seydoux) quiere presentarle su novio David (Luois Garrel) a su padre Gillaume (Vincent Lindon). Pero
David trata de convencer a su amigo Willy (Raphael Quenard) de que la enamore
porque él es bisexual y no quiere casarse. Desde el comienzo se aprecia la
desfachatez del guionista, que es el mismísimo realizador, en medio de un largo
diálogo entre los amigos que, en varias oportunidades, piden disculpas porque
se olvidan de los parlamentos, y repiten la acción.
El espectador participa de la propuesta: si bien no se sabe a quién le
piden disculpas los actores al equivocarse, se tiene la clara sensación de que
se está conociendo el “detrás” de escena que, repentinamente, es la historia
propuesta.
Los personajes se reúnen en un bar perdido en un bosque, donde discuten
feamente, especialmente Willy con Guillaume, llegando a las manos. La presencia
del dueño del restorán, Stephane (Manuel Guillot) pone una cuota de ácido
humor: siente tanta emoción por participar del film que no logra embocar la
botella de vino tinto en las copas, produciendo un verdadero descalabro muy
risueño.
En verdad, es un guion delirante muy ingenioso que cuenta con un plantel de
actores valiosos porque nos hacen creer lo que es ficción y aquello que,
supuestamente, no lo es. Por momentos, el film resulta insólito, muy fuera de
lo común, que sorprende con sus gags, algunos alargados pero muy eficaces
porque en eso reside que uno estalle a carcajadas. Es un film esencialmente
inteligente que apela a un cine pensante con cierto cuestionamiento a la
Inteligencia Artificial, encargada de editar y de dirigir al elenco pero, como
toda tecnología, padece de errores como es el “tildarse”. Esto hace pensar qué podría
pasar con una IA que se tilde en medio de un viaje en avión o en una
intervención quirúrgica. Dupieux apela a ridiculizar un rodaje guiado por IA al
mismo tiempo que lo pone en tela de juicio. Para divertirse con inteligencia
natural.
Elsa Bragato
Actoresonline.com
DALTON REVOLUCIÒ
(puede pasar para el jueves 13)
Documental de
Alejandro Jablonskis, coguionista junto a Matías Spadaro. Música de Matías
Spadaro y Gabriela Grabowski. Fotografía, cámara y montaje de Alejandro
Jablosnkis. Sonido de Eduardo Sánchez Fernando Iguacel Duracion:105 minutos.
Argentina
XXX – LA VIDA DE
LOS DALTON, CIRCENSES DE ALMA
Filmado en la Argentina, Andorra y
Cataluña (España), el director Alejando Jablonskis decide llevar a la pantalla
la historia de los hermanos Dalton, nacidos en el país, que recorrieron el
mundo como artistas circenses siguiendo la tradición familiar. Es que la vida en un circo despierta
fascinación, curiosidad. Eso de vivir en carromatos, de especializarse en
trapecios, en artes de equilibrio y malabarismos, llama la atención pero
requiere de dedicación constante y, ciertamente dejar costumbres sociales tales
como ser sedentarios viviendo en un departamento. Las comodidades cambian, el
trueque con el arte es absoluto.
A través de la historia de los hermanos
mayores, de aquéllos que fueron parte de la primera generación de descendientes
del padre Dalton y de los que formaron la segunda camada de artistas, es decir,
los hijos más jóvenes, Jablonskis descubre un mundo que, fuera de lo formal,
tiene sentimientos de alegría y tristeza y una educación de extrema severidad y
crueldad que no conocíamos. La idea de que en un circo las alegrías son plenas
se desvanece para dar lugar a la realidad de seres humanos que sufren y se alegran
de manera extrema.
Los hermanos que hoy mantienen vigente
la llama sagrada de este ejercicio artístico tan apasionante (tenemos
artistas como Flavio Mendoza y el Bicho Gòmez que son fieles representantes de
familias circenses, criados en circo) van mostrando en forma individual
fotos muy antiguas de familiares que conformaban el grupo inicial, cuentan las
historias tristes de quienes murieron por enfermedades contraídas en algún
lugar alejado donde el circo paraba, todo es recuerdo pero tambièn todo es
presente.
Es que el circo es la madre de las artes
teatrales de los últimos tres siglos. En nuestro país, fue la base del teatro
criollo. Y, aun con los cambios actuales de que no hay más animales, el circo
atrae. La llegada de estas troupes a los pueblos equivale a alegría.
Ciertamente, la historia de este documental es muy atractiva y también muy
sentimental, emociona la vida de artistas que van pasando de generación en
generación sus conocimientos, nos conmueve saber que algunos armaron su vida
fuera del circo y jamás regresaron, mientras otros quedaron atrapados en carpas
y carromatos. Nos muestra que hay otra vida fuera de las ciudades pero requiere
de mucho sacrificio, renunciamientos, habilidades artísticas y duro
entrenamiento. Es un documental que trasunta muchos sentimientos y llegan
rápido al corazón del espectador.
Elsa Bragato
Actoresonline.com
COMENTARIOS SOBRE PELÌCULAS “OSCARIZADAS”
Una de ellas se titula Setiembre 5, que narra las vicisitudes de los
periodistas de la ABC que estaban cubriendo los juegos Olímpicos de Munich de
1972, que terminó en tragedia por la irrupción de terroristas. En verdad es un
elogio al esfuerzo periodístico de ese grupo de televisión que, frente a la
sede de los juegos olímpicos, luego de ubicar sus cámaras en las diferentes
competencias, súbitamente se ven obligados a cubrir el terrible atentado que
conmovió al mundo y que, para muchos alemanes como bien se dice en el film,
puso a Alemania en el peor lugar, el del nazismo del que querían salir con la
organización de juegos internacionales sin problemas raciales. Ocurrió el
asesinato masivo de atletas judíos, una tragedia de las que hay otros registros
cinematográficos. Sin embargo, en este caso, las cámaras de plantan en el
control central, captando las dudas de los periodistas y técnicos de continuar
con las transmisiones, en la obligación de no negar lo que ocurría, en la
tristeza sin límite que sobreviene cuando los rehenes son ejecutados. Es el día
a día de todo periodista del área de noticias de un canal como periodistas gráficos
en general. Si ocultar la brutalidad, si darla a conocer sin vueltas, cuál es
el mejor ángulo de la información. Si bien puede resultar un film
claustrofóbico porque todo ocurre en el control central y sus alrededores, es
tan notable la verosimilitud de los hechos y conductas del elenco que uno
participa de esas diatribas con el mismo sufrimiento que quienes están
personificando esos roles. La película está nominada en el rubro Mejor guion
original.
La otra película que está nominada entre las mejores a ganar el Oscar en
ese máximo rubro es Nickey Boys, basada en la novela de Colson
Whitehead, ganador de premios internacionales. Narra la vida de dos amigos
afroamericanos que se unen para enfrentar la dura vida en un colegio especial
de La Florida. Tiene una narración visual muy específica, tomas de close up de
una mano extendida con una flor mientras se escucha la voz de la madre o de una
profesora, por ejemplo, llamando a los chicos o bien explicando algo. Es un
tributo al martirio social que sufrieron los afroamericanos en los Estados
Unidos. Para nuestra idiosincrasia, se la siente lejana a cualquier forma de
educación o sistema social latino. Tampoco hemos conocido ese tipo de
discriminación, por lo tanto, no parece ser uno de los films que vayan a
estrenarse rápidamente en salas. Es más seguro que se estrene en alguna
plataforma.
domingo, 29 de diciembre de 2024
LA QUIMERA, CIEN AÑOS DE SOLEDAD, BAGMAN, ESTRENOS DE CINE Y NETFLIX DEL JUEVES 26 DE DICIEMBRE DEL 2024
JUEVES 26 DE DICIEMBRE DEL 2024
1.- BAGMAN, EL ESPÌRITU DEL MAL,de Colm MacCarthy.
Este film lo anunciamos hace un tiempo. Vuelve ahora porque, en su momento,
se debió levantar el estreno. En líneas generales, la crítica internacional
considera que regresa una historia bien conocida (El hombre de la bolsa que se
llevaba, raptaba a los chicos), sin alcanzar mucha novedad en los gagas de
terror. Algunos especialistas han apuntado que lo mejor del film está en el
planteo de los miedos de todo ser humano, de sus ansiedades, tanto en relación
al mito como no.
2.- SUSURROS MORTALES 2, por Taweewat Wamtka
ESTRENOS PREVISTOS PARA EL MES DE ENERO 2025
La lista es tentativa pero, en principio, hay que agregar “El silencio de
Marcos Trammer” con Benjamìn Vicuña, y “La quimera”. También se anuncia un film
navideño con Ben Stiller. Todo está por confirmarse pero aquí dejamos algunos
títulos.
CRÍTICA DE “LA QUIMERA”
LA QUIMERA
Direcciòn y guion de Alicia Rohrmacher, fotografía de Helene Louvart,
edición de Nelly Quettier, Mùsica de Jung Jae Il, con Josh O Connor, Isabella
Rossellini, Alba Rohrwacher, Carol Duarte, Vincenzo Nemolato, Giuliano
Mantovaini, ´Lou Roy Lecollinet, entre otros. Duraciòn: 130 minutos.
Coproducciòn Italia, Francia, Suiza.
XXXX – FASCINANTE RELATO SOBRE EL AMOR ETERNO
Compleja y fascinante historia propone Alicia Rohrwacher en “La quimera”,
habitada por personajes que provocan empatìa: desde el dolor por su condición
social paupérrima hasta la alegría de la salvación por el amor.
La directora italiana sostiene que en La Quimera tuvo gran compasión por
sus personajes sin dejar una mirada sociopolítica sobre la condición de los
“robatumbas”, obligados a este quehacer para sobrevivir en una sociedad
mercantilista que abusa hasta de aquello que acompaña a los muertos en sus
tumbas.
La propuesta se centra en Arthur, interpretado por el inglés John O Connor,
quien sale de la cárcel y regresa a la casa de su novia, que no está más en
este plano, su Benjamina. Lo recibe la madre, Flora, encarnada por Isabella
Rossellini que tanto se parece a su madre Ingrid Bergman, rodeada de las
hermanas de Benjamina, y de Carol Duarte en el rol de Italia, una ayudante que
intenta aprender canto con Flora. La anciana maestra vive en una casa antigua
que se va derrumbando de a poco, hasta que habrá un cambio drástico cuando las
goteras puedan más que los techos. Para Arthur, su camino es reunirse con los
viejos amigos, seguir robando tumbas aunque con el objetivo secreto de
encontrar ese lugar que le permita ingresar al mundo de los muertos y volver a
abrazar a su Benjamina. Arthur tiene el don de ubicar pasadizos bajo tierra
donde están las tumbas y sus tesoros.
En la producción de Rohrmacher hay una síntesis del sentimiento italiano
cinematográfico, desde sus personajes pragmáticos pero sentimentales hasta la
exuberancia de Fellini. Si Fellini en La dolce Vita mostraba una sociedad en
decadencia, Rohrmacher apunta su cámara hacia lo miserable, a través de un
personaje que se debate entre su accionar delictivo y su búsqueda del amor
eterno.
Más italiano no pudo ser este film de Rohrmacher, que conoce el halago de
los grandes festivales. La fotografía y la banda sonora (desde Monteverdi,
pasando por Mozart hasta la Banda del Comitato y los cantores populares)
sostienen la historia si bien es Arthur quien está por sobre los demás
personajes y acciones, protagónico descollante del inglés Josh O Connor. Es, en
definitiva, una película que deslumbra por su vastedad y nos sumerge en una
historia difícil de describir pero absolutamente fascinante.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
CIEN AÑOS DE SOLEDAD
Dirección de Rodrigo García Bacha, Alex García López, Laura Mora Ortega.
Fotografía de Paulo Pérez, Marìa Sarasvati Herrera, Con Diego Vázquez,
Marileyda Soto, Claudio Cataño, entre otros. Miniserie de dos temporadas de 8 capítulos
de 60 minutos de duración cada capítulo, en total 16 capìtulos.. Netflix.
XXX –DESANGELADA VERSIÒN AUDIOVISUAL DE UNA NOVELA ÌCONO DE NUESTRA
LITERATURA
Desde hace unas semanas está en el gigante de las plataformas Netflix la
esperada miniserie Cien años de Soledad, basada en la novela del colombiano
Gabriel García Márquez que se publicó en Buenos Aires en 1967. La obra es una
de las cumbres de la literatura latinoamericana, plena de personajes y
locaciones típicas de finales del siglo XIX y comienzos del XX. El propio
García Márquez se había negado en transformar su novela en una serie televisiva
por la dificultad que existe en el trasvasamiento de una obra literaria a un
medio audiovisual. En este caso, sus hijos dieron el consentimiento a Netflix,
siendo uno de ellos director de cine y productor también de la miniserie.
La primera temporada tiene ocho capítulos iniciándose con la historia de la
familia de la familia Buendía y de la ciudad de Macondo, la ilusión de
encontrar el mar pasando la gran ciénaga, y la maldición que subsiste en el
matrimonio principal formado por los primos José Arcadio Buendía y Ursula
Iguarán, quienes no podrían tener hijos porque les saldrían con cola de
monstruo. A lo largo de la obra pasan siete generaciones y culminará con la
muerte de la matriarca, la que queda sola, viendo pasar a nietos y bisnietos,
muertes y nacimientos.
Se invirtieron cerca de 50 millones de dólares y la primera temporada
demandó dos años de rodaje recreándose el pueblo de Macondo.
En verdad, si bien se nota una notable inversión de producción, recreación
de personajes, buenas actuaciones, la miniserie carece del espíritu del gran
Gabriel García Márquez. Es una miniserie de época más. La prosa del
escritor colombiano es vibrante, colorida, y en la miniserie la fotografía es
la única que vibra a través del color: aqui falta pasión. Es una miniserie
desangelada que no acapara la atención. “Gabo” tenía razón en su temor de pasar
su novela a un medio audiovisual. No lo representa en su espíritu. Una
oportunidad perdida y la prueba fatal es que no se convirtió en uno de los
éxitos de la plataforma ni está entre las 10 más vistas. Mucho ruido y pocas
nueces.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
ESTRENOS PREVISTOS PARA ENERO Y FEBRERO
1.- SONIC THE HEDGEHOG 3. De Jeff Fowler. Con Jim Carrey.
2.- NOSFERATU, de Robert Eggers, con Willem Dafoe.
3.- BABY GIRL DESEO PROHIBIDO, de Halina Reijn
4.- HASTA EL FIN DEL MUNDO, Viggo Mortensen
5.-COMPAÑERA PERFECTA, de Drew Hancock, con Lukas Gage.
6.- AQUÌ, de Robert Zemeckis, con Tom Hanks.
7.- EL ROBO PERFECTO: PANTERA (DEN OF THIEVES 2)
8.-EMILIA PÉREZ,de Jacques Audlard.
9.- UN DOLOR MAL, de Jesse Eisenberg
10.- AHORA, de Sean Baker
TITULOS ESPERADOS EN EL 2025
1.- AVATAR 3, previsto para el 18 de diciembre del 2025
2.- Misiòn Imposible 8, prevista para mayo del 2025
3.- Capitàn América, un nuevo mundo, prevista para febrero del 2025
(Fuente: Cines Argentinos)
domingo, 15 de diciembre de 2024
LAS FRONTERAS DEL TIEMPO, NADA QUE PERDER, ESTRENOS DEL JUEVES 12 DE DICIEMBRE DEL 2024
JUEVES 12 DE DICIEMBRE DEL 2024
1.- QUEER, de Luca Guadagnino. Con Daniel Crail.
Basada en la novela homónima de William Burroughts, el italiano Guadagnino
explora la soledad masculina a través del rol protagónico de Daniel Craig y su
acercamiento a un joven. Para muchos críticos, es la versión opuesta a “Llamame
por tu nombre”, film también de Guadagnino. En el caso de Queer, sobresale la
estupenda actuación de Daniel Craig, quien desarrolla matices que van desde el
humor negro hasta la máxima sensualidad, teniendo en cuenta que la historia
está ubicada en la década del 50.
2.-KRAVEN EL CAZADOR, de J.C. Chandor.
Estamos ante otra película con un héroe de Marvel. “Kraven”, el hombre que
puede rastrear objetos y personas por el olfato, como los animales, está
cumpliendo una misión secreta. Odia a su padre, que es un malvado Russell
Crowe, y a raíz de esta situaciòn familiar, logra desarrollar una capacidad
olfativa animal con la que busca venganza. Para quienes siguen a los héroes de
Marvel, es una novedad que inicia una nueva franquicia al darle el protagònico
a un héroe de ficción como Kraven.
3.- LAS FRONTERAS DEL TIEMPO, de Sergio Acosta. Film nacional.
Ver crítica.
4.- NADA POR PERDER, de Delphine Deloget.
Esta ópera prima de Delphine Deloget toca un tema muy sensible, desgarrador
por momentos, como es el caso de una madre a quien uno de sus hijos tiene un
accidente cuando ella está en el trabajo. Se inicia entonces un doloroso camino
de recuperación de sus chicos que fueron llevados a un hogar donde
supuestamente se los cuidarà mejor que la madre. Hay gran intensidad dramática
y la crítica ha valorado la actuación de Virginie Efira.
5.- STING, ARAÑA ASESINA, de Kiak Reache-Turner.
Para quienes gustan de los films de terror, Sting nos mete de lleno en la
aracnofobia, una fobia justamente muy común. Por momentos resulta una película
fútil pero, en general, será de interés para quienes aman este género. Para
fans, por cierto.
6.- EL AGUJERITO, de Ana Hayzus, Leando Eljall Questa
Documental sobre la disquerìa que fue furor en Buenos Aires, siendo punto
de encuentro de varias generaciones de argentinos relacionados con la música
por amor o por profesión. Eso sì, había buena importación de material.
CRÌTICAS
LAS FRONTERAS DEL TIEMPO
Dirección de Sergio Acosta, guion de Nuni Ferreira. Fotografía de Mariano
Maximovicz, Arte de Axel Monsù. Sonido de Hernán Ruiz Navarrete, Productor
ejecutivo: Sergio Acosta. Jefe de producción: Juan Martín Treffinger. Montaje
de Guillermo Rovira. Música de Matías Carou. Con Sabina Buss, Karina Hermida,
Veroka Fedeli, Jorge Vega, Gary Meza, entre otros. Duración: 86 minutos.
XXX - BUENA RECONSTRUCCIÒN DE HISTORIAS FAMILIARES
Con una muy buena construcción narrativa, basada en una concepción clara de
lo que se quiere contar y con la colaboración de una excelente banda sonora y
una muy buena fotografía, el realizador misionero Sergio Acosta logra una
historia de familia en la que los secretos del pasado se vuelven fantasmas para
los adultos hasta que los más jóvenes deciden derribar los misterios, las
circunstancias no dichas, es decir, buscar la verdad.
La protagonista es Amanda, encarnada por Sabina Buss, un
rostro joven muy especial, dúctil, bello, a la vez que compone a una conductora
y periodista radial. El oficio de investigar la lleva a bucear en esos secretos
que advierte por momentos en su padre, que ensombrece la mirada de su madre, de
su tìa, advirtiendo figuras poco amigables en las fotos familiares. Algo pasó
en la historia de su familia, algo se le oculta, Amanda buscará la forma de que
todo salga a la luz.
En verdad, Sergio Acosta se maneja con una buena producción pero de escasa
inversión, lo que no se hace mella en el tratamiento del tema de fondo que pasa
por las relaciones familiares, los temores, las culpas, la resignación. Nada es
tan grave pero a veces los pequeños hechos desgarran el alma de muchos. De esto
se trata Las fronteras del tiempo que existen siempre y cuando no haya voluntad
para derribarlas. Un buen film nacional sin pretensiones, de gran honestidad
intelectual y con una protagonista a la que hay que seguirle los pasos:
Elsa Bragato, Actoresonline.com
NADA QUE PERDER
Direcciòn y Guion de Delphine Deloget. Coguionistas Pierre Chosson y Julia
Kowalski. Con Virginie Efira, Felix Lefebre, Alexis Tonetti, India Hair, entre
otros. Fotografìa de Guillaume
Schiffman, Duraciòn: 112 minutos. Francia.
XXXX – HISTORIA DESGARRADORA DE UNA MADRE QUE LUCHA POR SUS HIJOS
Madres que luchan por no perder a sus hijos, sin el sostén de maridos o
parejas, son historias cotidianas lamentablemente. La realizadora de la
televisión francesa Delphine Deloget llega a la pantalla grande con “Nada que
perder”, abordando un tema social que en Europa y aquí tiene aristas
puntiagudas, que hieren, dañan, más que sanar una situación familiar.
Encara la vida de Sylvie Paugom, joven madre, viuda, sin pareja, que
trabaja de noche y tiene dos hijos, uno adolescente estudiante de música (Jean
Jacques a cargo de Félix Lefebre) y otro en edad escolar (Sofianne, a cargo de
Alexis Tonetti) que, aprovechando que no está la mamá, cocina y se quema. El
hecho es denunciado por el hospital comenzando de allí en más un calvario para
Sylvie y su hijo mayor, tratando de recuperar al hijo que el Estado le sacó por
sus supuestos “descuidos”. Por sobre el melodrama, inevitable en muchas
secuencias, está la lucha de una mujer contra un Estado que aplica teorías
vacías de contenido vital para ordenar vidas.
Deloget logra que la protagonista, Virginie Efira, en el rol de la madre,
imprima a su rol de tal verosimilitud en la que nada es cuestionable, porque
puede dotar a su personaje de ese dolor visceral que solo conoce una madre,
oponiendo este desgarro interior a la insensibilidad de jueces y asistentes
sociales.
No es una película en la que haya deleite visual sino una historia que
genera una absoluta empatía de sentimientos con esa madre y con las decisiones
que debe tomar. Imposible no cuestionar a los Estados que imponen normas
basándose en que la Justicia es “sorda, ciega y muda”, más que en la
comprensión de las necesidades humanas.
Encontramos solidez narrativa, una fotografía austera pero justa, a través
del planteo argumental de una familia monoparental que supera desde la pobreza
hasta el secuestro “legalizado” de un hijo. Es un film humano, desgarrador, con
muy buenas actuaciones sobre un tema que no solo ocurre en Europa sino que
atañe a los Estados que hacen de la administración pública la vacía razón de
ser de la existencia de los ciudadanos.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
jueves, 5 de diciembre de 2024
ESPERANDO AL MAR, ALGO NUEVO ALGO VIEJO ALGO PRESTADO, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 5 DE ENERO DEL 2024
JUEVES 5 DE DICIEMBRE DEL 2024
1.-EL SEÑOR DE LOS ANILLOS: LA GUERRA DE LOS ROHIRRIM, de Kenji Kamiyama.
El cine épico tiene un muy buen lugar ganado desde tiempos inmemoriables.
Sn embargo no deja de ser una novedad de estos tiempos el cine èpico en Animè,
en animaciòn. Nada menos que un japonés encara esta tremenda tarea tecnológica,
Kenji Kamiyama en extensos 135 minutos. Es casi una precuela de los libros J.K.
Tolkien, ubicándose un siglo antes de la gran batalla, buceando en el abismo de
Helm, y en épocas del Rey de Rohan. Una maravillosa de la tecnología que
atraparà a los fans del anime y de los personajes del estudioso e historiados
inglés tan admirado por Jorge Luis Borges.
2.- BAGMAN, EL ESPÌRITU DEL MAL, de Colm McCarthy.
Para muchos, El hombre del Saco. Para la tradición argentina, El hombre de
la Bolsa, el que se llevaba a los chicos y los hacìa desaparecer. Por lo que
había que portarse bien. Al parecer, por más que se porten bien, no parecen
escapar los protagonistas de esta historia de terror de este terrorìfico señor.
Clishès, una producción que, en este gènero, exige más que en otros, y buenas
actuaciones, mantienen a flote una historia de terror que no rompe los moldes.
3. ASESINO SERIAL, DE JT Mollner.
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4.-RM RIGHT PEOPLE WRONG PLACE, de Nicolás Saad y Im Soo-bin.
A lo largo de ocho meses los directores siguen la gira de Kim Nam Joon, o
RM, la voz de BTS. Intentan retratar no solo al artista en sus presentaciones
sino también al ser humano con sus tribulaciones, sus miedos y certezas también
antes de un recital, o ya en pleno descanso. Un documental musical que nunca
viene mal y que, sin duda, atraerá a los fanáticos de la banda.
5.- SUSURROS MORTALES 2
Ver crìttca
6.-LA FAVORITA DEL REY
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7.- REFLEJADO
Film nacional. Crìticas saldrán viernes en diferentes medios.
CRÌTICAS
ASESINO SERIAL
Direcciòn y guion de J.T.Mollner. Con Willa Fitzgerald y Kyle Gallner, en
los protagónicos y gran elenco. Fotografìa de Giovanni Ribisi. Mùsica de Craig
Deleon. Duraciòn: 96 minutos.
XXX – ALTO GRADO DE PERVERSIÒN
Tarda en llegar pero, finalmente, se produce lo que se espera de un film de
género, siendo innecesario explicitarlo ahora. El realizador JT Mollner
relaciona el caso de asesinos seriales con un encuentro sexual ocasional
derivando en un film de terror luego de un largo camino sangriento de
perversiones varias.
Trabaja con la fotografía, incluyendo los subtítulos (el film se divide en
seis capítulos y un epílogo), por lo que los cambios en la estructura narrativa
contribuyen a crear tensión de principio a fin. Es decir, hay una alternancia
desde el comienzo entre el conocimiento de la pareja hasta el encuentro sexual
que devendrà en una explosión de gore. Es en este aspecto donde Mollner logra
darle a su producto un matiz muy peculiar, muy personal: sale del común de la
narración de género para imprimirle el estilo de puzzle. Sin duda, un guion muy
trabajado con secuencias muy predeterminadas antes de iniciarse el rodaje en
sì.
El director Mollner se vale además de una dupla protagónica de gran nivel
actoral como son Willa Fitzgerald y Kyle Gallner para desarrollar esta historia
basada en hechos reales: trabaja en blanco y negro virado al azul, en color, le
imprime luces rojizas intensas a determinados momentos, tejiendo una serie de
secuencias que, como si fuese un rompecabezas, nos muestra el comienzo erótico
de una pareja casual para ir conformando un devenir sangriento y brutal.
Nada más se puede decir para no caer en el espóiler. Vale agregar que es un
film de horror diferente desde lo fotográfico y lo actoral, para llegar al
final que se espera pero que se hará esperar. Como para que la tensión no
decaiga y uno pueda respirar profundamente con la palabra Fin.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
ESPERANDO AL MAR
De Lucas Peñafort y Fernando González.
Documental con la participación de Azizbek Nurlybaev, Uralbay Utegenov, Mansur
Jumabayev, Dauka Utemuratov, Yusif Erjanov. Fotografía de Fernando González,
Montaje de Martín Solá, Sonido de lucas Peñafort, Idioma: Karakalpak, Locación:
Uzbekistán. Duración: 60 minutos.
XXXX – EL MAR
QUE SE CONVIRTIÒ EN DESIERTO
Las noticias están pero a veces no les
damos la importancia que tienen: el Mar Aral, en Uzbekistàn, se esfumò,
desapareció, hoy es un gigante desierto. Por esas cosas que solo el destino
sabe, los cineastas mendocinos Lucas Peñafort y Fernando González tomaron
contacto con una comunidad Sufi, que habita en Mendoza. De esta manera se
enteraron de que el Mar Aral desapareció. Con el tiempo, emprendieron el largo
viaje, pleno de inconvenientes, hasta ubicar a Uralbay, ex pescador del pueblo
de Moynaw. A partir de ese momento, los realizadores mendocinos y su equipo
comenzaron a retratar la tragedia existencial de esa zona y de sus pobladores.
Se sabe que en la década del 40 se empezó a utilizar el agua del Aral, un mar
gigantesco que tenía olas de hasta 7 metros de altura, cargado de vida marina.
Y de a poco sus aguas se fueron esfumando, desapareció. Quedó su lecho, con
restos de barcos, incluso algunos hundidos, con matorrales achaparrados, con
arena volátil que enferma a los habitantes que quedaron en los límites del
gigante desaparecido.
Peñafort y González encaran con una
narración determinante la historia: planos largos que muestran la aridez, con
el sonido del viento como protagonista, de vez en cuando la voz de un habitante
asombrado por lo que vive, expresando el temor por lo que podrá sobrevenir. “El
mar desapareció tres veces y tres veces apareció” afirma. De todo lo que había,
quedó esa arena volátil que enturbia la visión, ese viento que silba y que se
adueñó del lugar. Las cámaras se esmeran en el contraste del ayer vital con la
muerte actual: solo hay silencio, solo hay polvo, y los poblados vecinos
parecen abandonados al destino que la naturaleza quiera darles, o al que la
mano artera del hombre vuelva a producir.
Para explicar cómo era el mar Aral,
llamado Aralkum por los lugareños, los realizadores inician la película con
films antiguos de pescadores y de los diferentes oficios que la vida marítima
había generado. Hoy esos pobladores están a la deriva, buscando “artemisas”,
pequeño molusco, en la zona norte donde hay un poco de agua. La resignación de
los ex pescadores no existe, hay estupor, y solo esperan algún milagro para
vivir como antes.
Un niño corre por el lecho del Aral
elevando un barrilete, pensamos en que la vida humana desplazó una vez más a la
vida autóctona, en este caso, la vida marítima del mar Aral. Mientras tanto las
potencias buscan métodos que escapan al conocimiento de los pueblos para o
terminar con el calentamiento global o bien transformar el planeta a sus fines.
Con la extensión de un desierto por delante, Peñafort y Gonzàlez lograron un
documental atrapante, a través de la fotografía y del sonido del lugar: las
arenas y el viento dan fe en imágenes sonoras de la realidad actual.
Inquietante llamado de atención-
Elsa Bragato,
Actoresonline.com
SUSURROS MORTALES 2 (LA PELÌCULA PUEDE LEVANTARSE PARA OTRA FECHA)
Film de Tailandia de Taweewat Wantha. Duraciòn: 110 minutos.
XXX – LUCHA DESPIADADA CONTRA
HORRIBLES FANTASMAS
Esta secuela de Susurros Mortales o Tee Yod, producto de Tailandia esta vez
dirigido por Taweewaat Wantha, nos lleva al terror psicofísico sin vueltas. La
muerte de un familiar hace un tiempo ha sumido a una familia en el terror. A
este hecho, se yuxtaponen otras teorías del horror: los fantasmas de un bosque
cercano, el monstruo que obliga a tragarse una lengua y subsistir comiéndose a
los humanos, es decir, una sucesión de hechos espantosos que mantienen en vilo
al más pintado y que pueden confundir la línea argumental. Es que hay flashback
que enmarañan la trama de manera exagerada, aunque queda bien en claro que será
el valiente Yak, hermano mayor, quien está dispuesto a vencer al fantasma que
está destruyendo a su familia. En Yak se cifran las esperanzas de sobrevivir al
monstruo por lo que habrá luchas despiadadas, sangrientas, brutales, desde
ahorcamientos por “manos invisibles” hasta descabezamientos sin piedad.
Tiene todos los condimentos que los fanáticos del género necesitan:
venganzas de muertos, fantasmas, personas poseídas, ritos macabros, palizas
descomunales, ríos de sangre. Todo a disposición de un género que, en este
caso, si bien cumple con los clichés, hay un manejo de la narración que la hace
diferente por cómo se interrelacionan los integrantes de una familia
tradicional oriental. La fotografía es un protagonista esencial con la
inclusión de algunos trucos mientras que el trabajo en el sonido se transforma
en fundamental. Para fanáticos de los sustos al por mayor.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
ALGO NUEVO, ALGO VIEJO, ALGO PRESTADO
De Hernán Rosselli. Ganadora del premio Mejor Película en la Sección
Oficial del último Festival Internacional de Cine de Mar del Plata.
XXX – EXCESIVA FRAGMENTACIÒN NARRATIVA EN UN FILM DESANGELADO
Hernán Rosselli se acaba de consagrar como ganador del último Festival
internacional de Cine de Mar del Plata con “Algo nuevo, algo viejo, algo
prestado”, su tercera entrega. Se lo reconoce como un buen husmeador de las
“malas juntas” de Lomas de Zamora y zonas aledañas.
En este caso, presenta la vida de la familia Felpeto que vive del juego
ilegal, mientras una voz femenina en off perteneciente va relatando la relación
con sus padres, cómo fue su infancia a través de documentales ficcionados. El
caso es que esa voz carece de modulación y tiene pésima dicción. Sin embargo es
el único elemento que le da hilación a esta historia exageradamente fragmentada
indagando en de su familia. De a poco surgen los inconvenientes del juego
ilegal, llevar el dinero fuera del país por si hay allanamientos, mientras un
personaje promete avisarles el dìa y la hora para que puedan escapar.
El tema es novedoso destacándose la
postproducción que, en verdad, es el secreto de este film. Se ve un trabajo
fotográfico diferente, pero carente de garra en las actuaciones, se siente un buscado desapasionamiento impide
que uno se sienta atrapado por esta historia que cabalga entre el documental y
la ficción. Se requiere mucha paciencia
para llegar al final, donde se da lo único potente. Pelìcula desangelada con
actuaciones olvidables, con solo algunos rubros técnicos destacables.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
LA FAVORITA DEL REY
Dirección de Maiwenn. Fotografía de Laurent Dailland, Música de Stepehn
Wrbeck. Con Johnny Depp, Maiwenn, entre otros. Duración: 116 minutos.
XXX – EL PALACIO DE VERSAILLES ANTE NUESTRAS NARICES
Las intrigas palaciegas siempre tuvieron sus seguidores. El cine ha dado
buena fe de este gusto un tanto morboso pero humano al fin. En “La favorita del
rey” se cuenta la historia de la plebeya Jeanne Du Barry quien, aunque casada
con Du Barry, logró convertirse en la favorita del rey Luis XV, considerado muy
“amoroso” en sus tiempos. La realizadora y actriz Maiwenn interpreta a Jeanne
Du Barry, personaje del siglo XVIII que logró enorme influencia no solo en los
aposentos íntimos de Luis XV (encarnado por Johnny Depp, siempre un atractivo
extra para cualquier película) sino en la corte. Se convirtió en la primera
cortesana en ir del brazo de un monarca y hasta vestir pantalones como el rey.
Ocupò el lugar de la reina, que había fallecido, enfrentando a las hijas del
rey. Pero no pudo escapar de un duro final luego de la revolución francesa.
La película de Maiwenn recrea con perfección ese período y tiene a su favor
nada menos que el Palacio de Versailles y sus jardines para que el elenco pueda
jugar sus roles. Visualmente, el film es un deleite y también la historia
porque tiene un interesante in crescendo a través de los peldaños sociales que
va subiendo Jeanne Du Barry hasta llegar al dormitorio del rey.
Si bien se trata de la historia de Francia, el film resulta interesante
porque sobresale el romance de la plebeya y el rey que decide tomar las riendas
de su propia vida cuando la soledad lo invade. Es decir, hay una historia de
amor prohibida que es el eje de la narración y que, por sobre la fotografía y
la potente banda sonora, se hace central. En esto tienen mucho que ver el
rostro anguloso y expresivo de Maiween y la solidez de Johnny Depp para
encarnar cualquier rol. Es un film que rescata un momento de la historia de
Francia a través del diseño de arte, las locaciones, y una producción con muy
buena inversión.
Elsa Bragato, Actoresonline.com
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