CITRUS, YO NARCISO, EL FINAL DE LA CALLE OAK, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 13 DE AGOSTO DEL 2026

 

JUEVES 13 DE AAGOSTO DEL 2026

ALGUNOS ESTRENOS NACIONALES

El film de la semana es YO, NARCISO, dirigida por Adrián Suar, quien tambièn la protagoniza junto a Natalia Oreiro. La historia se basa en una joven profesora universitaria de sociología que escribe un libro sobre el narcisismo, y elige a un personaje muy especial al que considera narciso, a Marcelo Rey (Adrián Suar), hasta el apellido le va bien con sus ínfulas de ser el centro del mundo. Claro que la joven Rocío Flores (Natalia Oreiro) esconde su verdadera identidad para poder acceder a la intimidad de Narciso hasta que pasen situaciones que, narciso o no, trastocarán sus planes iniciales muy asépticos. A su vez hay lugar para figuras icónicas como Moria Casán quien hace las veces de madre de Rey, siempre especial, única y creíble. Rey tiene una ex con  a que no se lleva bien (Eleonora Wexler) y una  hija. Pero de pronto aparece Rocío, esta especialista en narcisos que es lesbiana y le hace creer que se está enamorando de èl.

La línea humorística y de sarcasmo se mantiene a lo  largo del film aunque siempre hay un final redentor donde los personajes parecen ser “perdonados” por el guionista y el director, en este caso también protagonista. No hay duda alguna sobre el histrionismo de Adrián Suar como comediante aunque en los últimos años ha perdido un poco la espontaneidad de otrora, tal vez por el peso de sus años como gerente de Canal 13. Pero la comicidad le es innata. No así el drama. Es decir, no se pierde el momento agradable que tanto él como la muy rápida y convincente Oreiro saben generar. Sin lugar a dudas el gran problema es cómo se filma hoy en día en nuestro país. Por empezar, siempre son los mismos elencos, con excepción de los protagonistas que deben ser el “imán” para el público, y luego el estilo narrativo, que dista mucho de la complejidad de los films exteriores. Todo es muy casero, muy doméstico, muy de entrecasa, simplote, es un regreso a los 70 pero adecuado a las normas urbanas actuales donde los chistes gruesos sobre terceros están prohibidos. Es decir, podríamos generar comedias un poco menos pochocleras y, si así fuesen, con mayor complejidad visual, mayor riqueza en todo sentido. Es todo simpático pero muy pueril, para nuestro gusto.

Elsa Bragato

CITRUS

Dirección y guion de Ayelén Agûero. Fotografía de Nadia Neder, Mùsica de Tomás Di Tella, Sonido de Sidka Saavedra Vera, Edición de Julia Straface y Verónica de Cata. Con Lucía Rodrìguez, Kika Rodrìguez y Julio Lucena. entre otros. Duración: 65 minutos.

XXXX -PROFUNDA MIRADA SOCIAL SOBRE LOS TRABAJADORES RURALES

Ayelèn Agûero es egresada de la Enerc, con estudios avanzados, y està radicada en New York. Sin embargo, no olvida su niñez en Tucumán y el esfuerzo cotidiano de su familia como peones rurales. Por eso surge “Citrus” con una carga emotiva muy especial, la suya, la que vivió con su familia como trabajadores rurales, bajo la mirada despiadada por momentos de los “capangas”, o señores de la tierra. Enfoca la emoción en una niña que se preocupa por la salud del abuelo, quien se esfuerza en la recolección de los limones de los campos de Alpachiri, Tucumán. Surge las leyendas, la piedra grande a la que se le ruega por el bienestar, por la producción, por la salud… Tierra de los calchaquíes.

Es un film que va de lo general, con muy buena fotografía matizada por planos medios y largos, a lo particular, a esa adolescente que cumple con la escuela, siendo muy compañera de su abuelo. Y un amuleto que se encuentra de casualidad, casi un protagonista más, con el que intentará ayudar. Nadie es tan mayor como para no tolerar el trabajo, pero los peones hablan a la cámara y lo dicen: frío, calor, mal comidos, es un trabajo penoso y duro el del campo.

La cámara va mostrando desde los campos plagados de limoneros así como personajes claves como el capataz, el ayudante, la presión sobre los obreros para que llenen más cajones con la preciada fruta, hasta la soledad y la depresión porque no hay un peso más, los tiempos “son siempre malos” para los trabajadores..

En lo conceptual, este docuficción funciona como una expiación del dolor y la frustración de Agûero en la niñez, el sufrimiento por los suyos, cuerpos golpeados por el trabajo de sol a sol. Y aunque esté entre rascacielos de New York, la niñez marcada por el sacrificio de sus mayores quedó grabada en el alma para siempre. Esa sensibilidad de la directora se transmite a sus personajes, todos integrantes de una familia. “Citrus” no hace más que revelar el sacrificio de los que trabajan la tierra, la falta de compasión de los patrones, y las consecuencias espirituales como ocurre con el abuelo,  así como la herida en el alma de los más jóvenes, como Ayelén Agüero, por  impotencia, por no poder ayudar.. La narración es muy ágil, con una cámara inquieta que toma desde los campos de cultivo hasta la intimidad de la familia de los peones. Ríos que bañan piedras como limpiando el dolor de décadas, una fotografía que va desde la mirada amplia hasta el detalle de una piedra. Es un gran comienzo de Agûero en el documental porque lo dotó de una sensibilidad exquisita, de su propia vivencia; su mirada sobre la explotación a los trabajadores conmueve.

Elsa Bragato

Se agrega el documental “El punto” sobre el padre Ismale Quiles, que se ofrecerá en el cine Gaumont. Consultar los horarios.

 

ALGUNOS ESTRENOS INTERNACIONALES PREVISTOS

1)  EL FINAL DE LA CALLE OAK, de David Robert Mitchell, con Anne Hathaway. Es ciencia ficción: toda una calle con sus moradores es transportada a otro lugar que desconocen. Entre ellos está la familia Platt que comprende bien rápido que la supervivencia es cosa personal, deben cuidarse los unos a los otros porque no saben hacia dónde van. La película encara una nueva forma de ciencia ficción, aquí no hay seres extraños de otros mundos, sino una calle bien humana trasladada a un lugar que se desconoce, como detenida en un espacio al que deberán acostumbrarse. La vida de la familia Platt ahora es diferente y es el centro de la acción, que es mucha. Los personajes deben habituarse a un mundo que los une frente a frente sin dilaciones pero que es distinto, habrá temores, sinsabores y acción, la de un suspenso diferente. En sì, el film es diferente y esto sí que es algo para aplaudir.

2)  PAW PATROL, LA DINO PELÌCULA, de Cal Brunker. Los cachorros de la patrulla Canina no saben bien cómo ni por qué, aterrizan en una isla tropical donde habitan los dinosaurios. Pero estàn perseguidos por un malvado humano que, con fechorías, hará explotar a un volcán poniendo en peligro la isla misma. Allí intervendrán estos cachorros patrulleros para intentar salvar al malvado y la isla y los nuevos amigos. Una animación que varía en algo el espacio y el tiempo de los personajes de esta índole.

3)  SACCHARINE, film asutraliano. De Natalie Erika James, Una joven debe bajar de peso para participar en eventos de moda pero a un costo muy alto e insólito: comer cenizas humanas. Hana, estudiante de medicina, se verá envuelta en círculos de terror por un fantasma hambriento. Para fanáticos de este tipo de cine. La película es un tanto diferente por el personaje y el tema que la afecta, pero no escapa a los momentos sangrientos si bien están  matizados por diálogos sagaces, al menos no tan burdos como los habituales dentro del gènero. Este film es para amantes del gore y del terror.

4)  ADOLESCENCIA, SEXO Y MUERTE EN CAMPAMENTO MIASMA, film canadiense. Este film es considerado un homenaje a los films slasher-horror de la década del 80, un tanto venidos a menos. Hay que ver si esta “resucitación” conmueva al público como para que este tipo de sagas continúen produciéndose y teniendo éxito.

EMI, CUATRO ESTRELLAS, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 7 DE MAYO DEL 2026

 

JUEVES 7 DE MAYO DEL 2026.-

(Se ofrecen los títulos previstos de estreno. Pero esto no asegura que a último momento se cambie el cronograma de exhibiciones)

UNA Y MIL VECES

 (se estrenó el miércoles 29 de abril)

Dirección de Ernesto Fontàn. Guion del mismo Fontán junto a Marcos Coria y Bruno Scarponi. Fotografía de Bruno Scarponi, Mùsica de Juan D’Eramo. Duración:70 minutos.

XXXX – RECUPERANDO LA MEMORIA SOBRE LA REVOLUCIÒN SANDINISTA

El 19 de julio de 1979 se derrocó a la brutal y sanguinaria dictadura de Anastasio Somoza en Nicaragua. Nadie sabe, muy pocos recuerdan, que hubo una brigada de 50 uruguayos, u “hermanos orientales”, que formó parte de la lucha armada contra el dictador.  He aquí este muy buen documental de Fontán que rescata ese momento histórico. Resulta un material atrapante por las historias que los sobrevivientes de esa brigada dan frente a cámaras, entre ellos Guillermo Romano, Víctor Estradet, Ernesto Souto, Fernando Mazzeo, Miguel Angel Ortiz, algunas de las esposas de estos luchadores, sin olvidarse de Marcos Couteris, que falleció en combate.

Muchos empezaron en las universidades para luchar contra la falta de democracia que, por momentos, se observaba en el Uruguay, para pasar luego al grupo Tupamaros. O sea a la clandestinidad. Por sobre las luchas, todos coincidieron en que iban hacia el real “patio de atrás” de los Estados Unidos, siendo el Caribe una zona muy sensible para el paìs del Norte. Nicaragua no escapó a esta designación y tuvo las consecuencias de la intervención solapada de los Estados Unidos. Muchos de estos combatientes, entre un vino, un mate y un asado, recuerdan que fueron a la vez exiliados de su propio país una vez que asumió la última dictadura, que fue parte del llamado Plan Cóndor u Operación Cóndor, plan sistemático para combatir el comunismo en América Latina durante la llamada Guerra Frìa que duró hasta 1980. Chile fue el primer país en caer bajo las consignas de la “escuela de Chicago” luego le siguieron, Paraguay y Uruguay y nuestro país. Todo orquestado. Un golpe a sangre y fuego para imponer el liberalismo a ultranza que hoy se vive con ese mismo rigor de los 70 pero con vendepatrias en los gobiernos de falsos “guantes blancos”. Es decir, al luchar en Nicaragua contra una dictadura brutal sintieron que tambièn lo hacían por su propia patria, la República Oriental del Uruguay.

El documental se filmó para rescatar a ese grupo de uruguayos combatientes porque ni siquiera el propio pueblo lo sabe. A nivel cinematográfico, encontramos solidez narrativa, una cámara inquieta que no se queda sobre determinados rostros o paisajes, sino que es ágil, que recorre, que se mueve, dando fluidez a la narración. Y es también un relato en sí mismo sólido, con inserts muy valiosos de la época, porque el relato de los sobrevivientes no tiene fisuras ni titubeos. Todo se confabula para transformarlo en un muy buen documental que rescata un fragmento de la historia de las Américas, siempre luchando por la libertad de sus pueblos.

Elsa Bragato

EL GRAN ARCO

Dirección y guion de Stephane Demoustler, Fotografía de David Chambille, Mùsica de Olivier Marguerit, edición de Damien Maetraggi, basada en la novela “La grande arche”, de Laurence Cossè, con Claes Bang, Sidse Babett Knudsen, Xavier Dolan, Swann Arlaud, Miche Fau. Duración: 105 minutos. Francia.

XXX – UN HECHO REAL QUE CONMOCIONÓ A FRANCIA

“El gran arco” viene precedida de altos y bajos en la crítica internacional, si bien logró premios en rubros técnicos en los César, nominaciones en el festival de cine Francés en nuestro país, en el de Londres, siendo el film de clausura de la Selección Oficial del festival de Gijón. A partir de estos elementos, se podría decir que estamos frente a una obra maestra que desarrolla un hecho real: el pedido del presidente Francois Mitterrand en 1983 de realizar un Gran Arco de la Defensa a través de un concurso internacional. Lo gana un joven arquitecto danés que solo ha construido su casa y varias iglesias entre católicas y protestantes. Se sorprende por ganarlo y esta sorpresa sacude también al gabinete de Mitterrand: ¿quièn lo conoce? A partir de este momento, con sagacidad cinematográfica, el director Demoustler logra una suerte de documental trabajado como relato clásico, parsimonioso, un paso a paso en la ejecución de este gran arco que, dada su ubicación, puede tapar el Arco de Triunfo de París, un icono de la Ciudad Luz, y ensuciar la visual de la Torre Eiffel Es decir, el proyecto, ideado en una maqueta a partir de datos de la realidad, choca con la realidad misma. Mitterrand no quiere perder esa vista de París, pero también quiere el Arco de la Defensa (en la vida real, el 14 de julio de 1989 el presidente Mitterand inauguró el Gran Arco de la fraternidad en el barrio llamado de la Defensa, de París).

El valor del film, por sobre el caso real, está en el tratamiento del personaje que encarna Claes Band como arquitecto danés: hay en él pesadumbre y complejidades espirituales e intelectuales, sus ilusiones parecen frustrarse ante una realidad que supera su maqueta, y en definitiva, es el artista que sufre las presiones del medio político y social, alcanzando excelentes matices en su interpretación. El danés representa a ese sector de artistas que, aunque se le reconocen todas las virtudes, son castigados con ninguneos de toda índole. Es el artista que sufre por su obra, aunque el director matiza con secuencias donde sobresale la sátira al pedido presidencial y otras de gran ironía a las pretensiones políticas.Puede aburrir, puede agobiar por la lentitud, pero es un film especial, una fusión entre una narración clásica con un documental, sin que se vean sus costuras. Es un film para quienes están relacionados con el arte y para quienes aman el cine detallista, puntilloso y bien realizado como es este caso.

Elsa Bragato

CUATRO ESTRELLAS

Dirección de Pablo Stigliani. Guion de Ulises Puiggrós. Con Ulises Puiggrós, Romina Escobar, José Sesán Ana Celentano, Mila Jaimes, María Fernanda Callejón y la presentación de Vera Peinado. Arte de Mirella Hoikman. Duración:80 minutos.

XXX – CONMOVEDOR RELATO SOBRE CUATRO MUJERES O CUANDO LA VIDA SE ENCARA DESDE EL CORAZÓN

La historia de “Cuatro estrellas” está ubicada en la década del 90 en un PH del barrio de Constitución. Y nos retrata la vida de cuatro prostitutas que han logrado formar una suerte de familia donde impera la ternura, entre ellas, una mujer trans (soberbio trabajo de Ulises Puiggrós) que canta en un cabaret y luego ejerce la prostitución. Para quien esto suscribe es un film sobre la prostitución por varias escenas explícitas de sexo. Aunque hay que reconocerle otro tono: el clima de resiliencia, de ternura, que existe entre las cuatro, una de ellas muy jovencita que esconde un secreto a revelarse con la aparición de la excelente Ana Celentano (algo así como nuestra Juliette Binoche). De las cuatro quedarán tres porque una morirá supuestamente por exceso de droga. El dolor las invade y también una cuota de traición cuando Marcela (Callejón) se va del PH para trabajar en la prostitución VIP.

En verdad, el director Stigliani toma el texto de Puiggrós y lo encara desde el mejor lado: la capacidad de unirse de cuatro personas que no son familia pero tienen necesidad de una. Se comprenden, generan un clima de hogar. Si bien es una historia sobre marginales, Stigliani no se queda en ese concepto sino que bucea en el corazón de estas mujeres, la que esconde un gran secreto, la que traiciona por necesidad, las que aceptan sus destinos. No parece haber salida salvo el que ellas mismas se puedan dar. Es la familia sustituta, la que no es de sangre la que las ayuda a vivir y sobrevivir en una ciudad de furia, sin posibilidades laborales, durante un período donde el país se puso en venta y se olvidó de la gente. Destacamos el trabajo de Puiggrós en el rol de la cantante trans, papel que pudo llevarlo a la exageración pero que estilizó con una cuidada interpretación. Finalmente, “Cuatro estrellas” tiene el mérito tanto del director Stigliani como del mismo Puiggrós en calidad de guionista de plasmar el lado humano, o sea, el darse cuenta de que la verdadera vida se encara desde el corazón.

Elsa Bragato

EMI

Dirección y guion de Ezequiel Enriquez Mena. Con Benicio Mutti Spìnetta, Sofia Palomino, Alejandro Scaravelli, Miriam Odorico, Mara Bestelli, Luis Ziembrowski, entre otros. Fotografía de Gustavo Schiaffini, Arte de Betania Cappato, Vestuario de Macarena Pazos, Montaje de Ezequiel Enriquez Mena y Pablo Riera, mùsica Original de Luciano Supervielle. Duración: 93 minutos. ^Productoras Rita Cine y El cielo Cine.

XXX – LA FAMILIA COMO EJE DE LA HISTORIA

La propuesta de “Emi”, protagonista encarnado por Benicio Mutti Spinetta (dos apellidos que lo lanzan por el buen camino del arte) es la reconstrucción de la vida personal de este joven cuyo nombre es título del film. Vive con sus padres, es homosexual aceptado por sus seres queridos, y trabaja en un taller de reparación de motos. El film produce intriga desde el comienzo porque, si bien Emi, de lindísimos 18 años, es parco y serio, da que pensar que su alma y su corazón van por otros caminos.

El realizador Enriquez Mena nos sorprende. Por un lado, Emi tiene padre y madre, pero adoptivos, por lo que hay algo en él que lo inquieta y lo obliga a buscar lo verdadero, a los padres biológicos.

El error de concepción del tema es no plantearlo desde el inicio. Como la mayoría del cine nacional actual, es secuencial, no hay un clima general que desde el comienzo nos indique la angustia que tiene Emi, sino que tenemos que amoldarnos, como espectadores, al paso a paso de la historia hasta descubrir algo que hace cambiar el espíritu de Emi y, por consiguiente, tendrá consecuencias en el hogar de sus padres,  o sea las personas que lo criaron.

La cuestión que, en alguna nota, ha planteado el director Enriquez Mena sobre dónde está la familia, si acaso debe ser solo la biológica o bien está en la que uno se va armando a lo largo de la vida, se contradice con su guion. Emi, su protagonista, busca lo biológico porque es un atavismo del que no puede escapar nadie. La necesidad la marca la consanguinidad, y esto es ineludible. Emi lo demuestra.

Desde el punto de vista narrativo, el film cuenta con un largo plano secuencia donde el protagonista va en moto con otra persona, solo los detiene un semáforo, pero no corta la ubicación de la cámara que continúa con el mismo tipo de toma.

Es un film parsimonioso, depende del enorme carisma de Benicio Mutti Spinetta, porque recae sobre él el peso de la historia. El resto actúa en planos secundarios. Ciertamente, tiene una hechura fílmica de solidez narrativa incuestionable que permite seguir los pasos de Emi aunque su vida parezca transcurrir sin sobresaltos. Hay que indagar en su mirada o esperar el desenlace para empezar a comprender que la película trata de algo más que la mera descripción de un tiempo en la vida del protagonista, tan parco y serio: es su búsqueda personal de la familia biológica. Aunque no se ofrezcan más explicaciones que este hecho, es suficiente para darle entidad al núcleo familiar en el que vinimos al mundo por sobre las personas que vamos sumando a nuestro propio universo social.

La familia biológica, la aceptación de la homosexualidad, fueron bases para que la Asociaciòn de Cronistas de cine le otorgara el máximo galardón en la Competencia Oficial de Argentina del reciente BAFICI.

Elsa Bragato

SUEÑOS DE OSLO

Dirección y guion de Dag Johan Haugenud. Con Ella Overbye, Selome Emnetu, entre otros. Fotografía de Cecilie Semec, Música de Anna Berg. Una joven estudiante, Johanna, se enamora de su profesora mucho mayor que ella. Va escribiendo en una especie de diario íntimo sus sensaciones, la necesidad de amarla. Se arma algo así como un “catálogo sobre la sexualidad” y el sexo que la crítica indica como algo muy personal de Dag J. Haugenud. Estos escritos, más algunas escenas que indican cierto acercamiento entre las partes, son descubiertos por la mamá y la abuela de la joven. ¿Se pueden publicar o simplemente son el descargo de la jovencita? ¿Hay posibilidad de concretar tanto deseo? El guion se pierde en muchas disquisiciones sobre el sexo, las diferentes sexualidades, pero ciertamente se está mostrando la necesidad de concretar una relación lésbica.

WESER, BESO DE TRES, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 4 DE DICIEMBRE DEL 2025

JUEVES 4 DE DICIEMBRE DEL 2025

WESER

Dirección de Fernando Spiner, guion de Aníbal Zaldívar y Fernando Spiner, Con Daniel Fanego, Valeria Lois y Luis Ziembrowski, Aníbal Zaldívar, Fernando Spiner, Guillermo Saccomanno, Adriana Lestido, Ricardo Roux, Leonardo Castellani y Eduardo Spiner. Voz en off: Sergio Lerer. Fotografía de Claudio Beiza, Arte de Sandra Iurcovich, Sonido de Sebastián González y Mercedes Tennina. Duración: 85 minutos. Boya Films, Prensa Cristina Zurutuza.

XXXXX – LA POESÍA COMO BOYA SALVADORA

El viejo barco Weser (a fines del siglo XIX llegó por primera vez) trajo a un ucraniano que, como parábola, abre y cierra esta película en su idioma natal, excusa de Fernando Spiner para su búsqueda de las raíces de la existencia: el mar, las aguas profundas como esencia de la vida, como el gran útero de la Humanidad, para flotar y sobrevivir, o para morir. Aguas como protagonista esencial de este film que es, al mismo tiempo, un tributo a Daniel Fanego, en su último trabajo.

La historia nos ubica en plena pandemia de Covid en un pueblo costero. Diez personas se comunican por zoom e intentan sobrellevar el aislamiento con poesías, con charlas, que les den un significado superior no solo a lo que están viviendo sino también a la vida misma.

Formalmente, la narración está dividida en cuatro capítulos: La inspiración, La ciudad de las Orcas, Montpellier, y El Regreso. Cada uno de los participantes del zoom como Daniel Fanego, o Daniel Ziembrowski, entre otros, ofrece su referencia de la vida y de la muerte, munidos de un poema, para tratar de entenderla como un paso hacia otro estado o como un final absoluto.

Spiner busca en el arte poético esa boya que aferre a la vida, mientras cada participante tiene su propia idea que el realizador trabaja con una cámara subjetiva, a veces sumergiéndola en las profundas aguas del océano. La poesía surge en la voz de cada participante como condensación de lo vital, de ese soplo cuyo origen ignoramos y nos hace respirar durante este tramo entre el útero y el más allá, entre las aguas de vida y las aguas finales.

Esencialmente el trabajo de Spiner (aparece al lado de Fanego explicándole una toma para luego dedicarle uno de los capítulos, Montepellier) es transformar en imagen lo inasible partiendo de una obstinada existencia que busca una tabla donde aferrarse para superar lo inexorable. Muerte de color blanco, de color negro, un paso que deberemos dar, una compañera que no estimamos, y que, sin embargo, la poesía ayuda a entenderla como extensión de una vida tan profunda y extraña como el mar mismo; en él puede residir el secreto de este paso que se nos permite dar entre las aguas iniciales y las finales.

Sin lugar a dudas, es un film de exquisito concepto existencial, donde Spiner maneja con sutileza y firmeza las alegorías y la realidad, lo metafórico unido a lo onírico con la existencia del aquí y ahora. Spiner sabe cómo tocar el alma.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

BESO DE TRES

Dirección de Chad Harigan, con Zoey Deutch, Jonah Hauer King y Ruby Cruz como el trío protagónico. Fotografía de Sing Howe ¨Yan, Mùsica de Keegan De Witt. Filmada en locaciones urbanas de los Estados Unidos. 102 minutos.

XXX – AMORES LIBRES CON CONSECUENCIAS SOCIALES

Una noche de alegría, bebidas, besos, pueden acarrear, en tiempos donde las formalidades se han tornado en “antiguas”. en un verdadero tormento a futuro. Es lo que ocurre con tres jóvenes, Connor, Olivia y Jenny, quienes comparten deseo, sexualidad, hasta que se dan cuenta, que las dos jóvenes estàn embarazadas. Surgirán otros amoríos, mentiras de hombres casados, algo así como “cacería” de presuntos padres mientras se agiganta la responsabilidad del joven “del beso” que debe asumir un presente sin relación con el futuro soñado.

Estamos frente a una narración que pone sobre el tapete las consecuencias de hábitos comunes desde hace varias décadas en nombre de una presunta libertad de conductas y empoderamiento tanto de mujeres como de hombres jóvenes quienes se exponen a situaciones indeseadas y hasta violentas.

En rigor de verdad, por sobre la trama en sí, se muestra una realidad social basada en el caos, en el no compromiso, en no tener cuenta que las sociedades siguen comportándose con la base de siempre: el hogar tradicional. El caos, el desorden en las parejas, los tríos, los “permitidos”, dan como resultado dolor, daño, y una toma de decisiones que no son diferentes a las de otros tiempos.

Las locaciones son sencillas, sus personajes son espontáneos mientras se consolida la idea de que las sociedades no cambian su esencia y el resto es tan solo hipocresía para mantener un orden social que se debate entre una anarquía o el deber cumplido.

Elsa Bragato, acttoresonline.com

TUNUN

Documental sobre las consecuencias de la construcción de la autovía de Punilla fue destruyendo casas rurales de las comunidades originarias, los comechingones, y ocupando un “hábitat” que desplaza sin destino seguro a quienes habitaron esas tierras hasta ahora. El documental se basa en una fotografía del lugar, en largos recorridos por los montes y su vegetación. Sin mayor variedad visual, expone con claridad el problema de las poblaciones dueñas de esas tierras. El primer docoumento que las tiene en cuenta es del año 1573, y en 1817 las comunidades compran las tierras. Pero en el 2022, sin culsta previa, se inicia la construcción aludida. Direcciòn, montaje, de Yannick Constantin y Yanina Luponio Sáenz. E.Bragato

76 89 23

Documental de Federico Benoir.

Se considera un homenaje al documental 76 89 03, del 2000, una obra de culto. Sin embargo, mientras se trató en el primero varios aspectos y épocas determinadas, la narración audiovisual propuesta en esta oportunidad no tiene gran atractivo visual, sucesión de entrevistas que aportan lo suyo pero sin despertar interés salvo para un target determinado seguidores del primer documental. E.Bragato

ESTRENOS PREVISTOS PARA ESTE JUEVES

1)FIVE NIGHTS AS FREDDY’S 2, de Emma Tammi. Con Josh Hutcherson y Elizabeth Lail. Està basada en la serie de juegos de Scott Cawthon. Luego de la primera película donde una determinada bar ocurrieron hechos demoníacos y desapariciones, la búsqueda de estos últimos desencadenará horrores inimaginados para sua protagonistas. No habrá segundas posibilidades. Dentro de los filmes de terror, es una de las más recientas apuestas del cine de USA, que trae UIP. Los clishés existen pero minimizados por la propuesta narrativa que surge de los juegos de Cawthong.

2) FUE SOLO UN ACCIDENTE, de Jafar Panahi. Ganadora de la Palma de Oro en Cannes 2025. Desde 2023 el notable realizador Panahi de origen iraní goza de ciertas libertades luego de padecer arresto domiciliario y la prohibición de filmar durante años, al punto tal que èsta es la primera película que puede presentar en libertad e incluso con su presencia en el festival de Cannes. Es una comedia ácida, no carente de ironía, donde con pocos personajes, Panahi pone a prueba la legitimidad de la justicia por mano propia o la legitimidad de concurrir a una justicia “justa” cuando se descubre quén fue el torturador o bien el carcelero despiadado.

Ew tan notable su capacidad de síntesis y recreación de situaciones que Panahi es uno de los grandes directores del siglo XXI porque maneja la creatividad inteligente por sobre los artilugios de los efectos especiales. Para Panahi no existen estos últimos sino los reales, feroces como los que se puedan generar en computación, por lo que trabaja  con la verdad de los hechos y sus propias vivencias. Notable realizador del que, por suerte, pudimos conocer sus “películas de la clandestinidad”.

ESTRENOS EN STREAMING, NETFLIX

EL CUCO DE CRISTAL

de Laura Alvea y Juan Miguel del Castillo. Sobre la novela homónima de Javier Castillo. Con Catalina Soopelana, Alex Garcìa, Itziar Ituño, Iván Massagué, entre otros. Una temporada, seis capítulos de aprox. 42 minutos cada uno. España.

XXX – ADICTIVO THRILLER CON SALTOS TEMPORALES Y AESINATOS A ROLETE

De alguna manera, el pájaro llamado Cuco por su canto tiene algo que ver con esta historia: la hembra pone huevos en el nido de otras aves y espera que se los críen. Pronto olvida que es mamá y hace su vida. Pero subsiste ese espíritu a través de sus hijos. Algo así, aunque relacionado con los asesinatos, sucede en esta complicada narración donde en el 2022 una médica sufre un desmayo y recibe el trasplante de un corazón. Un año después, la madre del donante quiere conocerla y la invita a su pueblo. Pero, sin ninguna razón aparente, la historia se vuelca hacia el 2002, cuando un niño descubre lavándose las manos ensangrentadas a su padre. A partir de allí, la sucesión de hechos que mantienen en vilo al espectador va saltando en el tiempo, 2003, 2023, hacia adelante, hacia atrás, con una rapidez exagerada. El thriller se transforma en un rompecabezas con personajes o asesinados o a asesinar, hay que estar muy atentos. Incluso un personaje principal descubre quién es su padre (¿este padre podría ser el joven papá que se lavaba las manos ensangrentadas?) y decide esconderlo por diversos motivos. Finalmente la historia parece ordenarse en tiempo y espacio, pero por pocas secuencias.

La realización es estupenda como la mayoría de las producciones de España. El Cuco de Cristal, al que habrá que desentrañar en la serie, no es la excepción: logra a duras penas que sus alternancias temporales no logren confundir del todo al espectador pero su realización es impecable. Tiene una tensión muy bien trabajada que, aún confundidos o no, se mantiene hasta el final. Muy buen pasatiempo.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

 

G DRAGON, UN AMOR INCOMPLETO, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 30 DE NOVIEMBRE DEL 2025

JUEVES 30 DE OCTUBRE DEL 2025

G-DRAGON IN CINEMA (ÜBERMENSCH)

Dirección de Jinho Byun, Producción de Team Go, Duración: 105 minutos. Corea del Sur. Distribuye Lupino Films.

XXXXX – DESLUMBRANTE G-DRAGON EN UN SHOW SIDERAL

Impresionante, deslumbrante, es la nueva presentación, luego de ocho años de ausencia, de G-Dragon (nacido en Seúl como Kwen Ji-Yung en 1988), cantautor excepcional de Corea del Sur, que utiliza todas las técnicas musicales occidentales y la portentosa tecnología oriental para regalar un show de casi dos horas donde la fascinación ahoga, superando todos los límites. El show que llega al cine se llama “Ubermensch” y significa “superhombre”, en alusión a la filosofía del alemán Nietzche.

G-Dragon se impuso con “Heartbreaker”, entre el hip hop y el pop melódico. Su regreso a un estadio coreano es imponente a través de la música (banda dirigida por occidentales, empezando por Omar Dominick) la combinación extrema del tipo inmmersivo en ScreenX, 4DX y Ultra 4DX, y lo que uno distingue como rayos láser, drones que dibujan rostros en el cielo, pantallas que reflejan su figura por doquier, flechazos de rayos láser como hilos brillantes sobre cientos de miles de espectadores, un perro robot y una música que no ahorra el ritmo superlativo hasta la melodía más tradicional.

Junto a G.Dragon aparecen artistas consagrados como CL, cantante de impresionante belleza pelirroja, así como Taeyang y Darsung, excelentes voces melódicas, ubicados en el Top Ten de los artistas coreanos.

El lujo del vestuario de G-Dragon asombra tanto como el show, desconocido en Occidente con estos niveles de tecnología y musicalidad. Para no quedar tan opacados, reconocemos los avances (hoy tímidos…) de los 90 de Madonna, o el Rayo láser que en 1980 un joven Miguel Bosé usó en el interior del Teatro Coliseo.

G-Dragon es palabra mayor, es otra cosa, algo no vivido en esta parte del mundo. Es el K-Pop con mayùsculas (Korean Popular Music), género híbrido que suma todos los ritmos populares del rock y sus derivados, surgido en 1885 con música occidental pero cantada en coreano.

A G-Dragon no le hace mella la invasión occidental, la usa, la enaltece, no se siente avasallado sino que avasalla con la grandiosidad que le da a ritmos que surgieron al oeste de su país. Ya no son nuestros, son de artistas como G-Dragon que hacen un show cósmico, sideral, enalteciendo lo que creíamos solo occidental al elevarlo a alturas de descomunal subyugación. G-Dragon conmueve los cimientos de la música pop del mundo.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

UN AMOR INCOMPLETO

Dirección y guion de Guillaume Senez. Fotografía de Elin Kirschfink, AFC; SBC, Montaje de Julie Brenta, Arte de Takeshi Shimizu, Mùsica de Olivier Marguerit. Co Romain Duris, Judith Chemla, Mei Cirne Masuki, Suyu. Duración 98 minutos. Francia.

XXXX – LA PATERNIDAD EN EL EXTRANJERO

Con un buen background de críticas, llega a nuestros cines “Un amor incompleto”, donde el realizador Guillaume Senez, coguionista a la vez, encara las consecuencias de la separación de una pareja y el impedimento de ver a la hija de uno de los padres. La historia se basa en hechos reales que Senez pudo observar en un viaje a Tokyo: la situación del padre o madre extranjero es crítica y tremendamente dolorosa ante la insensibilidad de las leyes niponas. Un hijo o hija habida de una unión con un nativo de Japón, hombre o mujer, se transforma en un via crucis. Las leyes son duras aplicándose al extranjero, que puede ser deportado sin miramientos y perder todo lo que adquirió sin vueltas. Para este país y sus leyes, solo se tiene en cuenta al padre o madre nativo que se ha quedado con el heredero, sea niño o niña.

El protagonista es el dúctil Romain Duris quien encarna a un francés que se casa en Tokyo y tras discusiones su mujer japonesa huye con la hija. Tras nueve años sin verla, la descubre en un natatorio escolar y, por coincidencias o causalidades, la empresa de taxis para la que trabaja le pide que sea su chofer. Ve a su Hija ocultando que es el padre. Hasta que la jovencita, Lily, es quien reconoce a su padre. Pero habrá consecuencias infaustas para Jerome “Jay” Da Costa (Duris).

El realizador va trazando con fino manejo de situaciones y sensibilidades las situaciones que padre e hija viven, algunas a sabiendas, otras no. En la narración nada es explosivo sino lo contrario: implosiona en el corazón de los personajes, conmoviendo profundamente a personajes y audiencia.

Son casos reales, y tal como el mismo Senez ha comentado, obliga a plantearse si ser inmigrante es tan positivo como se cree, o si pensar que fuera del propio país està la panacea.

Senez logra un excelente film trabajado en tono menor, sin melodrama, sin sentimentalismos y sin concesiones.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

REESTRENOS PREVISTOS PARA ESTE JUEVES

1)   DEPECHE MODE, es un viaje profundo hacia la cultura ancestral que México tiene con la muerte y su interpretación. En este caso, se trata de la gira de Depeche Mode titulada Memento M del 2023.

 

2)   EL CADÁVER DE LA NOVIA, del legendario Tim Burton.Se cumplen 20 años de su estreno y llegando a Halloween los protagonistas, Vìctor y Victoria, son ideales para esta celebración especial, más del Hemisferio Norte que nuestra.

ESTRENOS PREVISTOS PARA ESTE JUEVES

3)   ZOOCALYPSE, trata sobre la caída de un meteorito en un zoológico y la transformación en zombies de los animales mientras dos que están a salvo se animan a “curar” a sus compañeros. Hemos escrito sobre esta película en otra oportunidad, y repetimos algunos conceptos ahora que se confirma, nuevamente, su estreno. Esperemos que se concrete.

4)   CUANDO EL CIELO SE EQUIVOCA, de Azis Ansari. Con Keanu Reeves y Seth Rogen. Es una extraña comedia al menos para Kenue Reaves quien ha dejado sus personajes de puro tiro para encarnar al Angel Gabriel que baja a la tierra para ayudar a un productor de conciertos en apuros. Hay ingenuidad y no mucho más. Algo pasatista que no hiere a nadie. Y, lo que es importante, no deja huellas.

5)   EL DESCUBRIDOR DE LEYENDAS, de Stanley Tony, con Jackie Chan. Sin la pretensión de ser un remedo, tan siquiera, de los Indiana Jones de Harrison Ford, el director Stanley Tony ubica al famoso Jackie Chan como un profesor inquieto que inicia con su equipo una expedición hacia un glaciar para comprobar la existencia de más joyas similares a una que tenía su madre. Hav aventura y un buen pasatiempo con un protagonista al que conocemos bien.

 

LA PETITE, DIBUJOS IMAGINARIOS, NE ZHA 2, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 2 DE OCTUBRE DEL 2025

 

JUEVES 2 DE OCTUBRE DEL 2025

LA PETITE

Dirección de Guillaume Nicloux, Guion e Fanny Chesnel y Nicloux. Con Fabrice Luchini, Maud Wilyer, Mar Taquin, entre otros Fotografía de Yves Cape. Duración 93 minutos.

XXXX – LOS HIJOS POR ENCARGO TRATADOS CON FINA SENSIBILIDAD Y EMOCIÓN

Profunda y emotiva es esta nueva producción de Guillaume Nicloux, quien se aparta de sus temas tradicionales para adentrarse en el tema del dolor, del duelo, de la resiliencia, del perdòn, de la comprensión, de la aceptación definitiva. Concatenando esta amplia gama de sentimientos con las nuevas formas de familia del mundo. Su hijo es homosexual, casado con un joven de su misma edad, hecho que los padres de este último no aceptan tan abiertamente como Joseph (Fabrice Luchini), quien es viudo y vive con su hija (Maud Wilyer). La muerte del matrimonio homosexual en un accidente automovilístico pone a Joseph frente a un tema que desconocía: los dos jóvenes querìan ser padres y habían encargado un bebé a un vientre sustituto en Bélgica (Mara Taquiin).

Saber este hecho y que no se haya designado un tutor para el futuro ser humano desespera a Joseph que inmediatamente se hace cargo casi sin comprender el alcance que tendrá en su vida. Serà abuelo o padre=? No lo sabe pero entiende que un bebé no puede llegar sin familia.

Sin duda alguna, hay que destacar el trabajo actoral de Fabrice Luchini quien va mostrando su preocupación, su asombro, nunca una crìtica, solo preocupación para resolver el destino de ese bebé que, estando en gestación, empieza a comprarle el alma.

El film tiene un clima conmovedor y realista a la vez: estas situaciones se dan hoy en día, jóvenes deseosos de formar familia con la libertad de conciencia de hacerlo, olvidando por la propia juventud que los papeles en regla suelen ser fundamentales.

El director trabaja esencialmente con Luchini, èl es quien lleva el peso de la historia, quien muestra su conmoción interior por la muerte, por el futuro nacimiento, por conocer a la joven que presta nueve meses de su vida para gestar el bebé soñado por su malogrado hijo y su pareja. En estos vericuetos emocionales incursiona un Nicloux de fina sensibilidad, trabajando los bordes del melodrama con significativa calidad. Està presente el espíritu francés en la banda sonora descuidada por momentos: que suene el preludio de la primera suite de Bach para violoncello en un momento crucial no es lo más atinado. Sin embargo, el film no pierde el sabor francés siempre pleno de musicalidad y emoción refinada. Estamos frente a una película de resiliencia, a una actuación notable de Fabrice Luchini y a una destacada “gestadora” encarnada por Mara Taquin. Es una historia que refleja la problemática de la sociedad actual desde el mejor lugar: el de la aceptación del destino, no importa la edad que se tenga.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

DIBUJOS IMAGINARIOS

Dirección y guion de Seth Worley. Con Tony Hale, Bianca Berry Tarantino, Kue Lawrence. Mùsica de Cody Fry, Fotografía de Megan Stacey, duración: 92 minutos.

XXX – CUANDO LA IMAGINACIÓN SE VUELVE REALIDAD

El debut cinematográfico de Seth Worley, afamado realizador de cortos y trabajos audiovisuales, no pudo ser más auspicioso con “Sketch” o “Cuidado con lo que dibujas” o “Dibujos imaginarios”. Vuelve con el tema que desarrollara en su corto “Darker Colors” y abre su imaginación al máximo a través de una narración de gran inspiración.

La historia gira en torno a Ambar (Bianca Berry Tarantino), una niña de 10 años que intenta sublimar el fallecimiento de su madre a través de dibujos. Siente ira e impotencia y los vuelca en dibujos horribles, donde todo su dolor está expresado. En verdad son espantosos seres de un ojo gigantesco y tentáculos, otros de colores furiosos, o lagartijas enormes malvadas. Ambar y su hermano Jack intentan luchar con la inesperada corporeización de los dibujos que cayeron a un estanque de aguas extrañas.

El terror que genera Seth Worley tiene una base de ingenuidad y, al mismo tiempo, es efectivo. Los sustos se dan pero acordes a los que los chicos pueden tolerar. Hay imaginación en cada secuencia, y muy buenas actuaciones de los pequeños guiados por un papà viudo que se asombra, que se ocupa de la alimentación y del colegio, y que està presente. Por cierto los dibujos de Ambar lo desconcierta, más aun cuando se hacen reales.

Es una película muy agradable, excitante de principio a fin, pensada en un principio para adultos pero que termina siendo una muy buena realización para la familia, con lenguaje adecuado y buenos efectos especiales, de ésos que no aturden, sino que sorprenden. Por ahì se cuela algo de Steven Spielberg, aunque con medios mucho más modestos. Logra sensibilizar y entretener por partes iguales.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

NE ZHA 2

           Dirección y guion de Yu Yang, basada en una tradicional novela épica de la cultura china. Música de Roc Chen y Wan Pin Chu. Duración: 143 minutos

XXX- LUCHA ENTRE EL CIELO Y LA TIERRA SEGÚN LA TRADICION CHINA

Para el mundo occidental, la historia de Ne Zha 2 es un banquete de dioses, dragones, espíritus malos y buenos en una narración desenfrenada de principio a fin, luchas, momentos de sarcasmo, ingenuidades, y el Bien y el Mal encarnados por el tercer hijo del primero y el tercer hijo del segundo. Ne Zha es un demonio criado por seres humanos y es amigo de Ao Bing, el hijo del Bien. Por diferentes motivos, Ao Bing pierde sus formas y Na Zhe debe luchar contra demonios para defender sus respectivos clanes y al mismo tiempo restaurarle el cuerpo a su amigo. Pero se desencadena una guerra donde tropas pertrechadas ocupan la gran muralla china mientras dragones de brillantes colores surcan la pantalla.

Más que comprender la historia en sí, que nos llevaría a investigar “La investidura de los dioses”, novela tradicional atribuida a Zu Zhenglin que habla del derrocamiento de la dinastía de Xin por Shang y éste por la dinastía Ming, hay que sumergirse en un mundo de llamaradas de color, que se entrecruzan en un encuentro entre el Cielo y la Tierra que nos deja boquiabiertos.

Esta animación es para disfrutar del mundo de la animación y del derroche del color y movimiento, sentir curiosidad por el legado de tan rica mitología y dejar que nuestros sentidos superen las barreras del desconocimiento de la compleja historia china.

Se anuncia como la película más taquillera del mundo dentro del mercado de la animación. Convengamos que es dentro de la población china porque Occidente espera conocer más detalles sobre estas superproducciones animadas que son, desde el punto de vista técnico, perfectas. Ne Zha 2 es el primer paso (teniendo en cuenta a Ne Zha 1 prácticamente es desconocida en esta parte del planeta) hacia el mundo oriental y su cultura cuya presencia es cada vez más importante en el comercio de nuestras vidas cotidianas.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

OTRAS PELÌCULAS DE ESTRENO PREVISTO:

1)  ANIMALES PELIGROSOS. DE Sean Byrne

Truculenta, para los que aman el gore en su grado máximo. Se trata de la historia de Zephyr que es secuestrada por un psicópata quien ama alimentar a los tiburones con carne humana. Ella intentará escapar de la jaula donde està antes de servir de alimento a los animales del mar. Es un film que no tiene pretensiones filosóficas, sino que vos, amigo lector, si te gusta, disfruta con un mar de sangre, pero en la pantalla grande.

2)  LOS EXTRAÑOS, CAPÌTULO DOS, de Renny Harlin.

Una pareja va camino a su luna de miel en coche pero éste sufre una avería y no encuentran mejor lugar para esconderse que una carcaza. Pero en plena madrugada serán acechados por delincuentes. En sì, la película no deja de repetir los gags conocidos, y muchas veces mal realizados por lo que no es muy recomendable.

3)  AVATAR, EL CAMINO DEL AGUA, de James Cameron. Lara los amantes de James Cameron, que además es investigador arqueológico, estamos frente a una alucinante aventura de extraños seres con los que no tenemos ningún punto en común físico, pero las emociones pueden ser tan humanas como las de ustedes y las nuestras. Sin embargo, la lucha por la familia que vive feliz en los bosques de Pandora no logra acicatear vivazmente la atención del espectador. Demasiada computación, demasiada invención, es decir, un exceso de todo que logra apabullar y no dejar nada.