"MAD MAX", "TRASH" Y OTRA DE DIEGO PERETTI, ESTRENOS JUEVES 14

JUEVES 14 DE MAYO DEL 2015.-

Cuatro estrenos renuevan la cartelera cinematográfica. Entre ellos, “Sin hijos”, de Ariel Winograd, con Maribel Verdú y, en estos días, la nueva aparición de Diego Peretti (la semana pasada fue “Showroom). Se le agrega el film animado “El séptimo enanito”, de origen alemán, que nos narra la historia de “Bubi”, quien viaja al futuro junto a sus compañeros. Fue dirigida por Boris Aljinovic.

MAD MAX, FURIA EN EL CAMINO 3D

De George Miller. Con Tom Hardy y Charlize Theron en los protagónicos, gran elenco. Música de Junkie XL. Duración: 120 minutos.

REGULAR. REMAKE SIN MÍSTICA

En 1979, George Miller rodó la primera de las tres películas “Mad Max” con un ignoto actor australiano, Mel Gibson. La mirada distópica de un mundo sin petróleo y carencia de agua conmovió a los espectadores de entonces. Los viejos automóviles utilizados en la película se pusieron de moda porque el film, contra todos los pronósticos, se convirtió en un éxito que permitió rodar dos más: “Mad Max, el guerrero de la carretera” en 1981 y “Mad Max, más allá de la cúpula de trueno” en 1985. La primera es considerada hoy un film de culto. Y esta “furia en la carretera” que llega al cine de la mano del mismo Miller es la “supuesta” remake en la que Gibson despuntó como “celebrity”.

En verdad, esta película, la número 4, carece de toda magia o mística. Los primeros 34 minutos iniciales son una furiosa corrida de coches armados con partes de otros en un desierto rojizo donde la crueldad entre las bandas urbanas sobrevivientes tiene su clímax gracias a los efectos especiales y a un perturbador 3D innecesario y hasta forzado.

No por éxito de taquilla debemos ser complacientes con el material que se nos ofrece, aunque se trate de la remake de un film más que exitoso. Aquí solo se exacerba la criminalidad, Mad Max es una suerte de “mascarón de proa” con una máscara en el rostro al mejor estilo “Hannibal Leckter” muy alejado del entonces aniñado Gibson. Hay secuencias que hoy molestan: grupos de mujeres con pezoneras extrayéndoles leche, salvación en lugar del agua faltante. Si antes pudo ser un “futurismo” delirante, hoy es inadmisible. Las cuevas en las montañas, con niños tiznados o enharinados, mujeres escuálidas embarazadas, y la fiereza de los contendientes, resultan exageradas. Aún más cuando no hay un guión que sustente sino una linealidad exasperante. Los personajes no tienen carnadura, son simples depositarios de una gloria que no les pertenece.

Se comprende que los “buenos” intentan salvar a las mujeres y a los niños y que los “malos”, aunque se trate de sobrevivir, sojuzgan con el poder. Pero todo está tan teñido de ruidos, criminalidad, brutalidad, que no se encuentran puntos en común con la propuesta de la primera película de la trilogía. En todo caso, con elementos de las dos restantes.

Y, con la atronadora banda sonora de Junkle XL, la violencia que se ejerce sobrepasa el futurismo, la creatividad, y el buen gusto. La lucha entre Theron y Hardy es una secuencia lograda, un hombre y una mujer enfrentados brutalmente a puño limpio. La extraemos como lo más logrado. El resto es un montón de efectos especiales sin marcas de automóviles que se puedan destacar como antes. Son máquinas de matar por sobrevivir.

No es la primera ni la última película sobre un apocalipsis. Y habría sido mejor que Mad Max quedara en el recuerdo y en el cable que esta remake donde se han invertido millones a diferencia del escueto presupuesto de la primera. Esta vez, la recreación de George Miller queda en un gusto personal: lo hizo. Para ver corridas por desiertos, gritos guturales y mujeres destratadas, ésta es la película.

Elsa Bragato

TRASH, DESECHOS Y ESPERANZA

De Stephen Daldry. Con Martin Sheen, Rooney Mara, Wager Moura, Eduardo Luis, Gabriel Weinstein, entre otros. Música de Antonio Pinto.Duración: 111 minutos. Coproducción Gran Bretaña y Brasil.

MUY BUENA. REDENCIÓN EN EL BASURAL

Dos niños (encarnados por Rickson Tévez y Eduardo Luis), en medio del inmenso basural de Río de Janeiro, encuentran junto a la complicidad de un tercero (Gabriel Weinstein) una billetera y un libro. Comienza una aventura ininterrumpida, teñida con fuerte acento social y político, donde impera la corrupción de los llamados “dueños del poder” en connivencia con la policía. Martin Sheen compone al esforzado sacerdote que ayuda a los niños en la iglesia donde recalan, junto a su asistente (Ronney Mara)

Basada en la novela de Andy Mulligan, el realizador Stephen Daldry (el mismo de “Billy Elliot), logró imponer una magia redentora aún en las imágenes más dolorosas que dan los basurales y la cercanía del cementerio (uno de los “secretos” de la historia).

 La infancia es el camino redentor, el futuro, comprometido seriamente por obra y gracia de los que mandan, de los que poseen el dinero, la riqueza que aplasta y que desnutre. Nos reconocemos en este retrato que conmueve, porque es una realidad que nos rodea, que no queremos. Pero que está.

Es, dentro del dolor que produce la miseria, un guión amable, pícaro, al que se le ha buscado un buen motivo para que estos niños actores se luzcan. No hay tremendismo sino una solución cinematográfica. Quien tiene sensibilidad, saldrá del cine con el corazón desbocado, tratando de encontrar que ese grito social tan opacado sea fuerte de una vez por todas para terminar con la opresión de los que detentan un poder dictatorial sobre millones de pobladores de todo el mundo.

Carlos Pierre

"EL SECRETO DE ADALINE", "EL EXOTICO HOTEL MARIGOLD 2" Y "CHOELE", RECOMENDADAS DEL JUEVES 7

JUEVES 7 DE MAYO DEL 2015.-

Once estrenos se anuncian para este primer jueves de mayo en esta capital. Algunos van al “off” Corrientes y Lavalle, a centros culturales por lo que no han tenido difusión entre los críticos. De esta invasión fílmica, mencionamos la película argentina “La vida después”, de Franco Verdoin y Pablo Bardauil, protagonizada por María Onetto y Carlos Belloso, la vida después de 25 años de matrimonio y la consabida separación. Se anuncia también la animación belga “Trueno y la casa mágica”, de origen belga, para los chicos de menos de 10 años, “dibujitos” muy bien realizados, una narración clásica con clishés que los chicos disfrutarán. “Crímenes ocultos”, de Daniel Spinosa con producción de Riddley Scott (Gladiador), está protagonizada por Gary Oldman (La amada inmortal, El topo), y ubica la historia en la Rusia stalinista de 1953. Intensa acción, un policial político de los que atraen con sus más y con sus menos. Entre los documentales de la semana está “Soy Ringo”, de José Luis Nacci, una narración que apunta a esclarecer el asesinato de Ringo Bonavena ocurrido el 22 de mayo de 1976 en los Estados Unidos, sin esclarecer. Es un logro el punto de vista encarado por Nacci para esta “biopic” que no es lineal sino que apunta a diferentes aspectos para llegar al que le interesa desentrañar.

EL SECRETO DE ADALINE

(THE AGE OF ADALINE)

De Lee Toland Krieger. Guión de J. Mins Goodloe y Salvador Paskowitz. Con Blake Lively, Harrison Ford, Michiel Huisman, entre otros. Música de Eric Craig y Brian Mcnelis. Duración: 112 minutos.

MUY BUENA. LA EDAD ES LO DE MENOS…

Con un guión meticuloso, detallado y sustentado en el tono fantástico, Lee Tolan Krieger nos cuenta la historia de una joven de 28 años (Blake Lively), quien sobrevive a un accidente quedando con un “secuela”: no envejecer. Posee la “eterna juventud” viendo cómo sus afectos y amigos van falleciendo a lo largo de las décadas. San Francisco es la locación elegida para este guión que nos traslada a comienzos del siglo XX, la construcción del famoso Golden Gate, así como el trazado de sus tranvías, la generación del barrio chino, particularidades que hacen tan especial a esa ciudad del norte de California.

Adaline no desea ser descubierta y, cada década, cambia de lugar, absteniéndose de tener cualquier relación afectiva. Solo logrará enamorarla un joven filántropo (Michiel Huisman). Las cosas no serán tan fáciles cuando ocurre algo inesperado en la casa paterna del joven donde su padre (Harrison Ford) podría llegar a descubrir el secreto que viene guardando durante ocho décadas.

Aparece entonces el tono fantástico, hay romanticismo, dentro de la comedia dramática alejándose de la dulzona y almibarada narración convencional. La ciencia, la astronomía, un cometa por venir, enriquecen el guión que cambia de perfil para incursionar en un sendero insospechado y atractivo. El trío protagónico (Lively, Ford y Huisman) tienen el magnetismo necesario para que el espectador se sienta atraído, hay solvencia y verosimilitud en estas performances que van desarrollándose en un ambiente fantástico donde los rubros técnicos se lucen estupendamente. Pudo elegirse a una superestrella para el rol femenino (prácticamente no conocemos a Black Lively), pero está balanceada por Harrison Ford, celebrity que suele tocar y hacer oro. Sin buscarle profundidades psicológicas ni subtemas que nos dejen pensando, “El secreto de Adaline” es una fantasía disfrutable, muy bien realizada, con el encanto de la icónica San Francisco y del veterano Harrison Ford a quien siempre le damos la bienvenida. Para pasarla muy bien.

Carlos Pierre

CHOELE

Guión y dirección de Juan Sasiaín. Con Leonardo Sbaraglia, Guadalupe Ocampo, Lautaro Murray, Milka Hloster, entre otros. Música de Gustavo Pomeranec. Duración: 87 minutos.

BUENA. SUTIL ACUARELA RIONEGRINA

Todo el universo de un pueblo, Choele Choel, recae en la piel de un preadolescente, Coco (notable Leonardo Murray), profundamente inquieto por la separación de sus padres. Allí está con su papá (Leonado Sbaraglia) quien ya tiene otra pareja (Guadalupe Ocampo) mucho más joven que él y con una actitud de gran libertad frente a la vida. Coco espera que su madre venga a buscarlo. Mientras tanto, se van desgranando la relación con la mujer de su padre, un amigo de aventuras, el escozor del primer amor, ingredientes que sazonan la vida de este Tom Sawyer rionegrino.  

La película es la primera de Juan Sasiaín (fue codirector de La tigra, Chaco) y, en verdad, es un hallazgo el tono menor de la historia que nos cuenta y la actuación del pequeño Lautaro Murray que estremece por su naturalidad y convicción actoral. Es, en definitiva, el eje emotivo de esta sutil acuarela en un pueblo rural, distendido y cargado de una grata morosidad, muy bien retratada por Sasiaín. Sbaraglia y Docampo también son columnas vertebrales de este relato en el que los actores tienen que sostener y engrandecer una pequeña gran historia. Sasiaín los ayuda con una muy buena fotografía: espejos de agua e infinitas figuras de álamos (noble árbol que detiene el fuerte viento del sur).  “Choele” es una brisa conmovedora, tierna, dentro de los estrenos de esta semana.

Carlos Pierre

EL EXÓTICO HOTEL MARIGOLD 2

De John Madden. Con Judi Dench, Maggie Smith, Bill Nighy, Celia Imrie, Penelope Wilton, Tina Desai, Richard Gere, entre otros. Música de Thomas Newman. Duración: 122 minutos.

MUY BUENA. SEGUNDAS PARTES SON BUENAS

Nadie podía esperar que la vida de un grupo de gerontes retratada en El exótico hotel Marigold se transformara en una franquicia rendidora, al punto tal que nos llega la continuación de esa historia de abuelos que un buen día, desde el Londres natal, quisieron vivir la aventura de una vida propia en el final de sus vidas embarcándose a un h otel desconocido que figuraba en internet. En aquella presentación de este grupo de abuelos disfrutamos intensamente de historias conmovedoras. Y, en esta segunda parte, se continúa con ese mismo grupo de actores, tan notables en sus performances, que enfrentan nuevas situaciones, se dan otras oportunidades de vida y ayudan al insólito joven dueño del Marigold (Dev Patel como “Sonny”) a concretar el enlace con la bella Sunania (Tina Desai). La presencia de Richard Gere como “Guy Chamsber” es anecdótica pero pone su cuota de magnetismo y seducción.

Es un film para público con padres y abuelos muy mayores porque se tocan temas que son muy sensibles: por ejemplo, “Sonny” toma lista todas las mañanas para ver si los abuelos siguen o no vivos. Judi Dench, magnífica, como “Evelyn” se plantea que hay que vivir y experimentar mientras se está vivo, porque no se sabe mientras la gran Maggie Smith presiente que su fin está cerca. Es decir, los abuelos deben hacer frente al final de la vida con hidalguía, con humor, dándose el permiso de amar, de bailar, de ayudar al otro. Para algunos, son películas de “geriátrico”, tono despectivo muy usado en nuestra sociedad en todos los ámbitos.

Los bailes hindúes aportan una cuota de colorido y ritmo inigualable, hay alegría, hay abuelos que danzan alrededor de un galán maduro como Gere, se permiten el abrazo, el beso tierno, y hasta andar en motos como veinteañeros. Nada es imposible. El mensaje del film es valiosísimo, y las actuaciones son maravillosas. Hay alguna que otra meseta narrativa, inevitable para la comprensión de las historias. Pero es tan positivo el mensaje, tan estupendas las actuaciones, es tan “gánica”, que la recomendamos fervorosamente.

Elsa Bragato

HISTORIAS BREVES 10

BUENA COMPILACIÓN DE 7 CORTOS

Este año se conmemoran los 20 años de laproducción del ciclo “Historias breves”, cortometrajes que produce el Instituto de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA). Entonces, se preparó este trabajo titulado "Historias breves 10” que son, en realidad, 7 realizaciones.

Con lo más variado del tejido de la vida, se abordaron temas sociales, costumbristas tanto en Buenos Aires como en el interior del país, incluyéndose un corto de ciencia ficción. En síntesis, son 7 historias diferentes sobre la cotidianeidad nuestra, dignas de verse.

En los 144 minutos totales desfilaron, con mayor y menor acierto: “El dorado de Ford”, de Juan Fernández Begauer, que trata el mito del legendario Henry Ford, quien liberó un dorado en uno de sus viajes por Corrientes. Con Germán Silva (Las acacias) y Carlos Portaluppi.

HOMUNCULO es un relato de ciencia ficción, osado y bien logrado, del realizador Ezequiel Sambucetti, con Guillermo Pfening y María Marulli.

EL TRABAJO INDUSTRIAL,d e Gerardo Neumann, trata sobre el trabajo a veces alienante de ciertas industrias, con una lejana reminiscencia de Tiempos Modernos de Charles Chaplin.

VENDIDO, de Lito Muravchik, trata sobre la tercera edad.

DURAZNO, de Francisco Ríos Flores, nos habla sobre las creencias ancestrales.

DIAMANTE MANDARÍN, de Juan Martín Hau, se centra en un supermercado chino que, en el fatídico diciembre del 2001, cerró sus puertas por los saqueos.

UNA DE ESAS NOCHES, de Germán Servidio, es una historia acerca de los problemas que se desatan en los boliches del conurbano bonaerense.

Carlos Pierre

DONDE SE ESCONDE EL DIABLO

De Christian Christiansen. Con Colm Meaney, Rufus Sewell, Alycia Debnam, Adelaide Kane, Leah Pipes, Katie Garfield, Nicole Elliott. Música de Anton Sanko. Duración: 86 minutos.

REGULAR. CLISHÉ MAL ACTUADO

El terror es un género que tiene un público cautivo innegable. No obstante, en nombre del género se realizan no pocas películas que generan un clima atractivo por momentos y en otros hay que tolerar muy malas actuaciones, como ocurre con “Dónde se esconde el diablo” o bien “The devil’s hand” en inglés.

De entrada, asistimos a seis partos donde los primeros planos de las mujeres gritando, otras salpicadas de sangre, dan más sensación de asco que de terror. Éste sobrevendrá cuando las jóvenes cumplan 18 años y empiece a trabajar el “drommelking”, palabra complicada que significa “El libro de las profecías”. Y la de estas seis hermanas que tendrán su bautismo diabólico en el cumpleaños número 18. Sin embargo Christiansen nos aparta de la narración de terror llevándonos a paseos en un lago, las chicas bañándose, con el pudor extremo de una colonia Amish, si bien nunca se declara ni se aclara.  Allí tercia el pastor de la comunidad que, en verdad, es un ser abyecto.

El clima es de suspenso, hay algún momento de sobresalto, pero todo se desdibuja por la desvaída actuación de las actrices que no tienen “pathos”. No hay en ellas una internalización de los personajes que, de por sí, son más que lineales. La profecía está pero faltó mucho para hacer una película realmente profesional.

Elsa Bragato

ONCE ESTRENOS Y LIAM NEESON POR PARTIDA DOBLE, JUEVES 30

JUEVES 30 DE ABRIIL DEL 2015.-

Hay once estrenos de cine esta semana con una particularidad: dos de los films están interpretados por Liam Neeson, en uno, el acostumbrado matón y, en el otro, un escritor que enfrenta una complicada relación amorosa. Entre los que no comentamos están “Casa Vampiro”, novedad neozelandesa sobre vampiros de miles de años con mucho sarcasmo y buena crítica, y los documentales “León, reflejos de una pasión”, de José Glusman, documental sobre la vida de León Najnudel, generador de la Liga Nacional, así como “El último pasajero”, del francés Mathieu Orcel, radicado en el país en el 2001, documental sobre un singular personaje llamado Eduardo Gamba que descubre un hotel fantasmal en Mar del Sud. También se estrena el documental “El sueño dorado” sobre la vida de Saldaño, film de José Glusman,

UNA NOCHE PARA SOBREVIVIR (RUN ALL NIGHT)

De Jaume Collet.Serra. Con Liam Neeson, Ed Harris, Joel Kinnaman, Génesis Rodríguez, Vincent D’Onofrio, Boy Holbrook, entre otros. Música de Junkie XL. Duración: 114 minutos.

MUY BUENA. EL EFECTO “NEESON”

Jaume Collet-Serra es un director catalán que realiza su tercer film con Liam Neeson (los anteriores fueron Sin identidad y Non-Stop) aportando al género policial una narración muy bien estructura con notable empatía con la banda sonora de Junkie XL y con la fotografía. El elenco cuenta con dos notables actores: el mencionado Neeson y Ed Harris, uno de esos talentos a los que el Oscar se les escapa siempre vaya uno a saber por qué. Los protagonistas masculinos (Neeson y Harris) tienen cuitas del pasado, hasta que el hijo de “Sawn Maguire” (Harris) es asesinado por dealers, siendo testigo el hijo de “Jimmy Colon” (Neeson) por lo cual el joven es sentenciado a muerte. Pero aparece su padre y la cuestión cambia. Solo una noche tienen padre e hijo para evitar la muerte de uno de ellos.

Y, en el medio de esta persecución a la que no le falta ningún ingrediente, Jaume Collet Serra recurre a planos abiertos aéreos hasta llegar a un “close-up” diurnos y nocturnos que ponen un toque muy diferente a un policial que, en esencia, no difiere de ningún otro. La banda sonora de Junkie XL aporta una percusión electrónica que imprime tensión en el film, por momentos asfixiante. Si bien nada es diferente, o, en todo caso, tenemos un “dejá vu” importante, la historia de matones en el barrio irlandés de Brooklyn se transforma en atrapante por las notables actuaciones de Ed Harris y Liam Neeson, al que ya se llama el “nuevo Charles Bronson”, y la excelente narración planteada por Jaume Collet-Serra. Es tan alta la calidad actoral que el elenco supera con creces las limitaciones de sus roles, matones con pasados que molestan, que provocan profundos remordimientos y miserias. Las peleas, brutales, están muy bien coreografiadas y cuesta creer que los actores no se hayan dado más de un “trompis” en medio de tanto fragor corporal. Nada nuevo pero muy bien realizado. Un entretenimiento de marca mayor.

Elsa Bragato

TRES CORAZONES

De Benoit Jacquot. Con Catherine Deneuve, Chiara Mastroianni, Benoit Poelvoorde, Charlotte Gainsbourg, entre otros. Música de Bruno Coulais. Duración: 100 minutos.

BUENA. ENTRE DOS FUEGOS

El film “Tres corazones” fue presentado en el Festival de Venecia por su director, el francés Benoit Jacquot. Lo avala un gran elenco encabezado por la siempre vigente Catherine Deneuve, a quien vemos seguido en la pantalla grande, su hija Chiara Mastroianni, la ascendente Charlotte Gainsbourg y el belga Benoit Poelvoorde, envueltos en un triángulo amoroso, clásico, bien narrado pero con un final cuanto menos imaginado.

Un encuentro casual entre Marc y Silvie (Poelvoorde y Gainsbourg) irresuelto enfrenta a Marc con un nuevo amor, el de Sophie (Chiara Mastroianni) llevándolo al hogar que comanda la madre (Deneuve), quien se esfuerza por realizar mesas familiares donde conforme el paladar de todos, aunque observa el comportamiento de su hija y de su yerno (Marc). Éste se entrega a la vida casi sin preguntas, mansamente pero con algún dolor en su alma por el amor que no pudo concretar. Desconoce que Sophie y Silvie son hermanas, secreto que se develará y que obligará a los personajes a enfrentar un dilema amoroso y moral a la vez. Aquí se ve la mano del realizador quien maneja su cámara con clásica madurez, transcurriendo la historia en un tono menor, un melodrama conocido, para el que busca un final imaginable desde algún punto de vista. En principio, podría ser un final abierto pero Jacquot tuerce el destino, sin dejar de ser verosímil.

Elsa Bragato

AMORES INFIELES (THIRD PERSON)

De Paul Haggis. Con Liam Neeson, Mila Junis, Kim Basinger, Adrian Brody, Olivia Wilde, James Franco, Moran Atías, María Bello, entre otros. Música de Darío Marianelli. Duración: 137 minutos.

REGULAR. COMPLEJOS DILEMAS DE AMOR

Paul Haggis es el oscarizado realizador de “Crash”, donde se apoyó en un elenco coral, uniendo historias bien californianas a través de “crashes” o choques. En ese caso, se entendió a pesar de la complejidad que presentaba el ir conociendo los pormenores de las historias presentadas. En el caso de “Amores infieles”, un título bastante inadecuado respecto del inglés “Third person” (“Tercera persona”), el elenco coral es muy atractivo para el espectador, así como las historias presentadas, en las que los niños tienen mucho que ver, buscando un denominador común difícil de hallar en una primera visión del film. Liam Neeson es un escritor que no está en New York, que mantiene relación con una alumna quien esconde un pasado tenebroso, mientras la mucama de ese hotel pelea por la tenencia de su hijo, pero el azar se interpone y llega tarde a la audiencia de conciliación. En Roma, Adrián Brody cae sin querer en las manos de una bella gitana que necesita dinero para rescatar a su hija de 12 años de la mafia. O a ella misma.

El transcurrir de la narración atrapa. La cámara va de New York a París, salta a Roma, y se produce empatía con las tres historias presentadas. No obstante, hay algunos elementos narrativos poco claros porque, entre los personajes, dos tienen alguna relación casual (no estrictamente amorosa) que no siempre concuerda con la locación que el director eligió para esa historia en particular. Resulta de difícil comprensión el deambular de la mucama desde el cuarto que ocupa Neeson hasta la oficina de la justicia, por ejemplo.

En común, además de los niños, están las culpas que los personajes sienten por el pasado inmediato que vivieron y la relación que aún conservan. El desenlace no aporta luz sobre las tres historias. Falta algo que no se ve, no se muestra, y que, en cada caso, da lugar a suspicacias o bien a interpretaciones que tiran por tierra la atracción que produjo en el comienzo y durante el transcurrir del film. Es extraño que a Haggis le haya faltado algo para redondear estos complejos dramas, o bien que algo le haya quedado en la sección de edición. Si no le interesa mucho el final, puede darse el gusto de ver a Liam Neeson en una fuerte escena sexual, lejos de sus habituales matones conflictuados.

Elsa Bragato

HÉROE DE CENTRO COMERCIAL 2

(Paul Blart: Mall Cop 2)

De Andy Fickman. Con Kevin James, Molly Shannon, Daniella Alonso, entre otros. Música de Rupert Gregson-Williams. Duración 97 minutos.

REGULAR. PELIGROSAS VACACIONES

Hace seis años vimos la versión número 1 de este héroe que compone el comediante Kevin James, quien es el coguionista de este film con producción, entre otros, de Adam Sandler. En la primera película lograba casarse, tras demostrar su capacidad de héroe al salvar a rehenes en el centro comercial que custodiaba. Sin ser policía, Paul Blart (Kevin James), se considera como tal y, aún sin armas, se las ingenia para desbaratar los más tremendos casos de atracos y robos. El film tiene la peculiaridad de iniciarse con la última escena de la película anterior. Rápidamente, Paul sufre decepciones de todo tipo, incluso el abandono de su esposa, y queda al cuidado de su hija adolescente, quien tiene buenos momentos en el film (Raini Rodríguez como Maya Blurt).

Sin escatología, a veces tan solo enunciada pero jamás concretada por suerte, Blart tiene merecidas vacaciones en Las Vegas pero no puede con su genio e intentará desbaratar una banda de traficantes de obras de arte. El lugar está repleto de cuadros de famosísimos pintores (Van Gogh, entre otros). Una de las características de Kevin James es dotar a su personaje de una agilidad poco común a una persona de su envergadura: se desliza por el piso, se detiene detrás de columnas con insólita precisión, y acude a los gags que le vimos en el primer film. Inocua, no nos deja nada, apenas unas sonrisas, y hasta se puede sentir que el valor de la entrada supera en creces lo que hemos visto.

Elsa Bragato

EL ACTO EN CUESTIÓN

Guión y dirección de Alejandro Agresti. Con Carlos Roffé, Lorenzo Quinteros, Mirtha Busnelli, Sergio Povés Campos, Natalie Alonso Casale, Daniel Burzaco, entre otros. Música de Toshio Nakagawa. Duración: 106 minutos.

MUY BUENA. AGRESTI DE COLECCIÓN

Más de 20 años después de su presentación en el Festival de Cannes, se estrena en Buenos Aires la película “El acto en cuestión”, film de Alejandro Agresti, quien regresó al país para asistir a este estreno. La película fue masterizada y digitalizada para estar acorde al avance tecnológico. Y se pudo lograr a partir de una única copia positiva existente que Fernando Peña conservaba en su archivo.

El protagonista, Miguel Quiroga (Carlos Roffé) vive en un conventillo sin un centavo, junto a su esposa (Mirtha Busnelli) y, para sobrevivir, roba libros, convirtiéndose en un lector de buen paladar y también en un oportunista como se ve por el hecho que se desencadena: encuentra, en un ignoto libro, un truco de magia con el que hace desaparecer objetos y personas. Se hace famoso y viaja por toda Europa, cosechando gran éxito.

Agresti, a lo largo de más de una hora y media, esgrime una saludable verborragia textual y visual. Es un “fresco” donde ha puesto de todo: países europeos, acentos bien argentinos que incluyen canciones de Carlos Gardel, conciertos del siglo XVII y el concierto de Bach para dos violines. Nada ni nadie quedó sin ser retratado. La impronta del film es del cine mudo, con dinamismo ininterrumpido. Es un “Agresti de colección” y merece ser visto.

Carlos Pierre

SHOWROOM

Guión y dirección de Fernando Molnar. Con Diego Peretti, Roberto Catarineu, Andrea Garrote, entre otros. Música de Gabriel Chwojnik. Duración: 76 minutos.

REGULAR. ENTRE EL DOCUMENTAL Y EL MELODRAMA

Si no fuera por Diego Peretti… “Showroom” es el lugar de venta de un edificio a construir y, entre la maqueta y la realización de la misma, aparece Diego Peretti como “Diego”, un vendedor apremiado por su devaluada economía doméstica quien debe sostener su hogar. Diego Molnar es el director de “Showroom”, su ópera prima en el largometraje luego de transitar por documentales muy valiosos como Rerum Novarum, Cuba Plástica o Mundo Alas. No pudo desprenderse del lenguaje documental notándose falta de dinamismo e incluso de emoción en los personajes. Además, hay una atención preferencial por el paisaje (en este caso, el Delta del Tigre) en detrimento de la ficción en sí.

El film se sostiene en Diego Peretti, quien se carga al hombre todo el film. Compone a un obstinado y puntilloso luchador que gracias a su tío (Roberto Catarineu) logra una casa abandonada en el Tigre para su familia. Viaja continuamente a la capital por el trabajo y en eso se va el film: las ideas y venidas por el Delta se reiteran de un modo monótono, quitándole intensidad al relato propuesto. No hay momentos destacables sino más bien parsimonia testimonial, que deja de lado a la ficción. Hay cierto automatismo en el personaje de Peretti que no produce empatía con el espectador. Sin embargo, es Diego Peretti el sostén de esta película.

Carlos Pierre

BAILANDO POR LA LIBERTAD

(DESERT DANCER)

De Richard Raymond. Con Reece Ritchie, Freida Pinto, Tom Cullen, Marama Corlett, Nazanin Boniadi, entre otros. Música de Benjamín Wallfisch. Duración: 98 minutos.

BUENA. LA DANZA COMO EXPRESIÓN DE LIBERTAD

Basado en una historia real, “Bailando por la libertad” del inglés Richard Raymond sobre el singular bailarín iraní Afshin Ghaffarian (Reece Ritchie), nos muestra, en la primera década del 2000 y en plena Revolución Verde o Despertar Persa, la revolución creativa de un grupo de bailarines perseguidos por un régimen dictatorial, después de la caída del Sha de Persia.

De manera oculta, subterránea, los artistas no tienen en claro qué eran, si actores, bailarines de danzas corporales, o bien de danza contemporánea, como luego lo comprendieron, o bien artistas del teatro físico. Para expresarse, lucharon denodadamente. Gracias a un precario acceso a internet, recibieron la música y la danza de otros países, prohibidos en el suyo: Michael Jackson, Gene Kelly y Rudolf Nureyev. Muy cercana a Ghaffarian, la morena Elaheh (Freida Pinto) arriesgó su vida para formar, juntos, una compañía subterránea de danzas. Y se van a bailar al desierto, a muchos kilómetros de distancia de Teherán. De allí el título del film en inglés.

Ghaffarian se asiló en París siendo admitido en la Escuela Nacional de Danza de manera gratuita. Se graduó y formó su propia compañía de danza llamada “Reformances”, palabra compuesta por la voz francesa “réforme”, reforma, y la inglesa “performance”, o sea actuación.

La visión del realizador Richard Raymond sobre la represión del régimen iraní es fuerte y excluyente, demonizadora, ya que Ghaffarian regresó a su país natal sin inconvenientes. Su axioma de vida es la creación continua como único medio de lucha por la libertad. Es una película diferente.

Carlos Pierre

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