SINISTER, LA CARACAS, EL CÍRCULO, Y EL REESTRENO DE ESPERANDO LA CARROZA, JUEVES 25 OCTUBRE

JUEVES 25 DE OCTUBRE DEL 2012.-

Hay siete estrenos, un reestreno nacional. Entre los estrenos, hay cuatro films nacionales.

No comentamos Rawson, de Macesich y Zito ni Masterplan de Diego y Pablo Levy.

“Esperando la carroza” es el gran reestreno nacional de la semana, luego de 27 años, que fuera vista por más de 80.000 personas. Es un clásico del cine nacional, insoslayable.

SINISTER

De Scott Derrickson. Con Ethan Hawke, Vincnten D’Onofrio, Nicholas King, Victoria Leigh, James Ransone, entre otros. Música de Christopher Young. Duración: 108 minutos.

MUY BUENA. ATRAPANTE TELARAÑA DE TERROR Y MUERTE

El realizador Scott Derrickson, autor del guión del film, es un avezado frecuentador del género del terror, además de tener una muy buena carrera en la televisión norteamericana. Es decir, conoce los recursos de los medios que utiliza. En el caso de “Sinister”, toma la vida de un escritor especializado en novelas sobre crímenes célebres, Ellison Oswalt que personifica Ethan Hawke. Ellison pone su cuerpo y su alma para lograr un éxito editorial que le es exigido desde hace 10 años. Y, siguiendo su costumbre de una vida familiar itinerante, se traslada a una casa donde los integrantes de una familia, menos una niña, fueron ahorcados en un árbol aledaño a la misma. Se mete a investigar un hecho policial con evidentes signos terroríficos y sobrenaturales.

Derrickson (“El exorcismo de Emily Rose, 2005) supo tejer una verdadera telaraña en torno al protagonista que gradualmente, y sin respiro, va siendo atrapado por esa red indescifrable que le tienDe un escurridizo ente, Mr. Boogie (Nicholas King), quien ha dejado pistas (videos de asesinatos a lo largo del país y en la casa, supuestamente filmados por la niña que quedó viva).

Un atributo incuestionable de la película es que el terror no se nutre de esporádicas apariciones y desapariciones sino que va hilando una progresiva tela sangrienta que envuelve al protagonista y contra la que debe luchar para sobrevivir. La magnitud de los acontecimientos van perturbando al espectador que no tendrá un segundo de calma a medida que la narración crece.

El escritor Ellison Oswalt no advierte a tiempo la trampa en la que cayó por su afán de investigar y empieza a transformarse en el protagonista de su propia historia de terror, transformándose en un eslabón más del horror.

Es, sin duda, una gran película de terror porque está narrada con sobriedad y notable consistencia cinematográfica, fuera de los clishés y sí utilizando los “tips” propios del género en una historia que estremece de principio a fin.

Carlos Pierre

EL CÍRCULO

De José Pedro Charlo y Aldo Garay. Coproducción de Uruguay, Argentina, Alemania y Chile. Duración: 92 minutos. Documental.

MUY BUENO. EL CÍRCULO DE LA VIDA, DEL HORROR A LA EXCELENCIA CIENTÍFICA

Henry Engler fue dirigente tupamaro y rehén de la dictadura militar uruguaya durante tres años. El título del documental “El círculo” se refiere al regreso de este hombre, que fue torturado hasta la locura y su excepcional dedicación a la ciencia, una vez que fue liberado.

Un círculo discontinuo entre la enajenación y la posterior labor de investigación sobre la enfermedad de Alzheimer, en la Universidad de Uppsala, Suecia. Ahí se destacó universalmente al obtener las primeras fotos que muestran en un cerebro humano vivo la presencia de esta enfermedad.

Engler ahora es ciudadano sueco. Y se lo muestra en su regreso a su país, Uruguay, si bien no en forma definitiva pero en busca de lugares que motiven sus recuerdos de aquellos años nefastos que vivió. Cárceles, barrios, el sentido de supervivencia en situaciones límites, mostrando siempre un espíritu sobrio y reflexivo.

En este documental de emoción contenida pero constante, vemos recorrer, o revivir, la ciudad donde creció, el pozo donde fue obligado a estar, los militares que lo custodiaron, los compañeros de cautiverio. Desfilan los nombres e imágenes de Raúl Sendic, de “Pepe” Mujica, actual presidente del país hermano, entre tantos sufrientes hombres que lucharon contra la dictadura uruguaya.

Henry Engler es el paradigma de la resistencia del espíritu humano frente a las mayores y más cruentas vejaciones sufridas con el agregado de su salto excepcional a la ciencia.

El cine uruguayo nos ofrece un documental creativo, bien fundamentado, bien narrado, pero sin excesos, una notable moderación para regalarnos este ejemplo de vida. Un gran documental, un ejemplo de vida.

Carlos Pierre

LA CARACAS

De Andrés Cedrón. Música de Juan Carlos Tata Cedrón y el Cuarteto Cedrón. Duración: 88 minutos.

MUY BUENO. DOCUMENTAL SOBRE UNA EPOPEYA AUTOMOVILÍSTICA.

Declarada de Interés Cultural por la Cámara de Diputados de la Nación y la Legislatura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, esta ópera prima de Andrés Cedrón documenta la epopeya del automovilismo realizada en el año 1948, la mayor competencia de Turismo de Carretera, que unió a los pueblos de Argentina, Bolivia, Perú, Ecuador, Colombia y Venezuela. Se unieron 10 mil kilómetros polvorientos y heroicos en 14 etapas, donde 138 deportistas se atrevieron a esta hazaña de unir Buenos Aires con Caracas.

Juan Manuel Fangio, los hermanos Gálvez y Domingo Marimón, entre otros notables corredores, amalgamaron la historia social, política y cultural, con muchas vicisitudes en el medio, de tantos países hermanos: el golpe militar en Perú de 1948, y situaciones especiales de una América del Sur convulsionada.

Este documental es el resultado de una larga y profunda investigación, la ardua recuperación de viejos materiales fílmicos, la búsqueda de entrevistas de aquellos años, para reconstruir esta epopeya y sacarla a la luz luego de 64 años.

Bien vale el slogan del film: “La utopía no solo es la meta sino también el camino”, un camino deportivo pleno de caballerosidad entre los competidores, donde los accidentes y hasta la muerte pusieron su enorme carga trágica.

Resuena la voz del reconocido locutor Luis Elías Sojit, narrándonos desde allá lejos en el tiempo los distintos momentos de “La Caracas”.

Estamos frente a un documento fílmico notable, donde hay que rescatar tanto la investigación de preproducción como su montaje posterior, épico esfuerzo que merece toda nuestra consideración porque, además, el resultado final es más que elogiable.

Carlos Pierre

PARANORMAN

De Chris Butler y Sam Fell, con Kodi Smit-McPhee, Tucker Albrizzi, Elaine Strich, Casey Affleck, entre otros. Música de Jon Brion. Duración: 92 minutos.

MUY BUENA. LOS ZOMBIES QUE BUSCAN SER PERDONADOS Y UN NIÑO COMO HÉROE

Los monstruos y fantasmas animados tienen en Paranorman un objetivo loable en un film que va creciendo a medida que aparecen los personajes centrales, los zombies. Norman es un niño con dones “paranormales” que le permiten ver a los muertos del barrio, envueltos en una luz verde -estilo holograma- y los saluda camino a la escuela. Estos hechos se repiten en su hogar, donde habla con su abuela fallecida (Elaine Strich), frente al desconsuelo de sus padres que no le creen. La familia de Paranorman es casi… típica: una hermana adolescente en busca desenfrenada de un novio, una madre un tanto sometida a su papá, y éste, que tiene una buena panza, es descreído y pragmático. Nadie le cree al niño. Ni siquiera sus compañeros de colegio que lo someten a burlas.

Sin embargo, esta cualidad de ver el “otro mundo” lo enfrenta a la resolución de una maldición que recae en el pueblo: los adultos, ya fallecidos, condenaron a la muerte a una niña por considerarla una bruja. Y no descansan en paz.

La película se anima a recrear a los zombies; la mente de Norman le permite ingresar, sin que lo quiera, al mundo del más allá, y comprender las razones de muchos que ya están muertos y buscar la solución de la maldición. Para ello, se vivirán notables aventuras, desopilantes, y muy bien realizadas.

Hay un subtema muy interesante que conmueve a medida que transcurre la narración y es que los adultos pueden ser, como en este caso, los responsables de las frustraciones y tristezas pequeñas y enormes de los chicos. Y es un chico el que debe tener la grandeza de enfrentar tanto daño hecho en el pasado y perdonar.

El film va in crescendo, va creciendo en situaciones, en desarrollo de personajes, en situaciones, y tiene un final que no hay que perdérselo: por eso hay que esperar que terminen todos los créditos para ver una pequeña maravilla de la tecnología. Más que recomendable. Ingenio, sólida realización (la banda sonora es excelente) y un buen mensaje.

Elsa Bragato

HYSTERIA

De Tanya Wexler. Con Hugh Dancy, Rupert Everett, Maggie Gyllenhaal, Jonathan Pryce, Felicity Jones, entre otros. Música de Gast Waltzing. Duración: 95 minutos.

BUENA. COMEDIA RISUEÑA SOBRE EL INVENTO DEL “VIBRADOR” CON OLOR A NAFTALINA

“Hysteria” nos habla de ese mal supuestamente femenino que los médicos de hace más de un siglo no sabían cómo resolver y todo aquello que le ocurrían a las mujeres ingresaba bajo el calificativo “histeria”. Dolor de cabeza, dolores de panza, angustias, todo era producto de la personalidad enfermiza de las mujeres y se calificaba de esa manera.

En la Londres victoriana del siglo XIX, el doctor Joseph Mortimer Granville, que no era bien visto en los hospitales donde trabajaba por sus inusuales métodos para atender a los enfermos o bien curarlos, busca ayuda en un psicólogo amigo, padre de dos hijas (la “revoltosa” es Charlotte, a cargo de la notable actriz Maggie Gyllenhall), quien tiene “cansadas las manos” de tanto “calmar a las mujeres” que llegan a su consultorio, entiéndase “masajes genitales”.  De allí que Mortimer Granville, junto a un amigo millonario, piense en un “plumero” que puede “calmar a las señoras”. Es probado y tiene éxito.

Las señoras de entonces, por lo visto, no estaban bien “tenidas en cuenta” por sus maridos y sufrían soponcios porque sus hormonas andaban de aquí para allá mientras sus esposos tal vez tenían otros asuntos extra matrimoniales.

Surge así el primer “vibrador” de la historia. La comedia tiene olor a naftalina, como dijimos en el título, porque a estas alturas recrear la época victoriana y lujos tan lejanos nos da ese aroma de rancio o fuera de época. No obstante, la recreación de época, las actuaciones, la narración sólida y las secuencias simpáticas y risueñas, hacen que el film sea agradable. El protagonista, Hugh Dancy, no es conocido aquí y tampoco derrocha carisma. Para ese personaje debió elegirse a Jude Law, por ejemplo, también de estirpe británica. Para pasar el tiempo y conocer el origen de un aparato íntimo, que hoy es tema frecuente entre las mediáticas de nuestra televisión.

Elsa Bragato

ARGO, EL NOTIFICADOR, MOONRISE KINGDOM, ENTRE LOS ESTRENOS DEL JUEVES 18 OCTUBRE

JUEVES 18 DE OCTUBRE DEL 2012.-

Hay 7 estrenos de los cuales 4 son argentinos. No comentamos el documental Errantes ni tampoco Actividad Paranormal 4, por ser más que conocido su argumento y sus efectos, que siempre logran buen público.

ARGO

De Ben Affleck. Con Ben Affleck, Bryan Cranston, John Goodman, Alan Arkin, Víctor Garber, entre otros. Música de Alexander Desplat. Producción de Ben Affleck y George Clooney. Duración: 120 minutos.

EXCELENTE. HOLLYWOOD Y LA CIA EN UN RESCATE HISTÓRICO

El tercer film de Ben Affleck (los dos anteriores fueron “Desapareció una noche” y “Atracción peligrosa”), que supo ser el “galancito” de fines de los 90 y comienzos del siglo XXI, es una gran película que une acción, tensión e historia de manera sincronizada. Imposible no tener reflejos en el alma ante esta narración.

Los hechos, una especialidad histórica que Ben Affleck realizó en sus estudios superiores sobre Medio Oriente, se iniciaron el 4 de noviembre de 1979, cuando cayó el Sha Reza Pahlevi, aquél que rechazara a la bella Soraya por infértil y que fuese la mano derecha de la CIA en su propio país, Irán, sometiendo y matando a sus compatriotas. La población tomó por asalto los edificios norteamericanos, incluyendo la embajada, cuya guardia tuvo la orden de no matar. El Ayatollah Komeini empezó su obra opuesta, la de la censura, la del fanatismo. Seis de los 444 norteamericanos que fueron rehenes en aquellos días lograron escapar por la puerta trasera de ese edificio, en medio del caos, y pidieron asilo en la embajada de Canadá, que se convirtió en la gran aliada de Estados Unidos en esa emergencia. La CIA y sus hombres trataron de organizar diferentes salvatajes. Todos resultaban imposibles de llevar a cabo. Hasta que fue convocado Tony Méndez, un experto en sacar prisioneros en situaciones límites, papel a cargo de Ben Affleck. Este hombre tiene la idea de la llamada “Opción Hollywood”, recurrir a un maquillador, John Chambers (se utilizaron los nombres reales de los protagonistas), que ya había colaborado con l a CIA en diversos maquillajes y aplicaciones para cambiar los rostros. Arman entonces una productora con la ayuda de Lester Siegel, y un argumento desechado, “Argo”, de los cientos que llegan a diario a las productoras cinematográficas, fue elegido por Méndez. ET bajando en Irán, algo insólito, que podía permitir el armado del “storyboard” y de un equipo de ayudantes (los seis norteamericanos asilados en la embajada de Canadá) de filmación. El problema estaba en que, al ingresar a Irán, se les daba un formulario de ingreso quedando retenida su copia. Al salir del país los seis con Méndez, esa copia no iba a estar porque no habían ingresado en tiempos de revolución… y deberían pasar por tres controles militares. He aquí el “quid” de este rescate.

¿Por qué el título? “Argo”, en griego, es la nave de quien la realizó con distintos maderos y tuvo una troupe llamada los “argonautas”, todos en busca del “vellocino de oro”. Un viaje difícil, que forma parte de la mitología griega y que ha dado origen a un sinnúmero de interpretaciones. La situación de la “Opción Hollywood” no fue menos fácil y aquí la cuenta Ben Affleck. La llegada al Irán de Méndez, la preparación de los seis asilados, varios de ellos con serias reservas a asumir el papel que se les daba en la ficticia producción, los nervios porque las fuerzas revolucionarias se acercaban a la embajada de Canadá, la situación caótica del país sumido en una lucha cruenta contra los extranjeros y contra quienes podían ayudarlos, agregan un nerviosismo poco común en este tipo de films, históricos y thrillers al mismo tiempo, siendo además hechos reales. No hay fisuras en este relato, la angustia de los seis rehenes se contagia inmediatamente al espectador, y aumenta cuando se da la orden de que el proyecto no siga adelante por lo que la muerte de los rehenes es más que segura. Solo la visión del jefe de Méndez consigue que el proyecto siga adelante, aún a costa de perder su puesto.

Tony Méndez fue reconocido públicamente por Bill Clinton en 1997, y John Chambers vivió hasta el 2001, siendo el artífice desde Hollywood de un salvataje increíble pero absolutamente real. Como curiosidad, este hecho es hoy ejemplo para salvar a rehenes y dio origen a las señales de 24 horas de noticias.

Además, Affleck, y en esto debemos reconocer la ideología política de George Clooney también, no ahorra una dura y ácida crítica hacia la política exterior de su país, contándonos la estrecha relación del Sha Reza Pahlevi con la CIA, sus atrocidades contra su propio pueblo, y la actuación de los Estados Unidos en tierras ajenas. Siempre llama la atención la libertad que tienen los norteamericanos para hacer críticas no solapadas sino directas hacia los gobiernos más conservadores de su país y hacia las políticas de invasión que el propio pueblo rechaza. En cada invasión, en casa asalto fuera de sus fronteras, mueren jóvenes norteamericanos y, luego de Vietnam, no hay consenso mayoritario sobre la participación de tropas en el exterior.

La participación de Hollywood en estos hechos también nos muestra la otra parte de una industria caracterizada por una fachada de intereses, influencias, opulencia y estilo. A la hora de servir a sus compatriotas, la “Meca” del cine tiene corazón.

La recomendamos fervorosamente para quienes amen los thrillers basados en los hechos reales. Y con claras connotaciones políticas. Ben Affleck es mucho más que un galán de Hollywood y su postura sobre la intervención de ejércitos en tierras extranjeras es para aplaudir: no a la guerra, no a la intromisión, no a los ejércitos invasores. En cuanto al film, excelente ambientación de los 70 a través de un detallado diseño de arte, excelente banda sonora, y actuaciones impecables. Aquí hay historia y reflexión, hay cine y excelencia narrativa.

Elsa Bragato

LAS MUJERES LLEGAN TARDE

De Marcela Balza. Con Marilú Marini, Erica Rivas, Rafael Spregelburd, Andrea Pietra, Martina Gusmán, Mike Amigorena, entre otros. Música de Gonzalo Córdoba y Christian Basso. Duración: 88 minutos.

BUENA. BUENA IDEA CON ALGUNOS ALTIBAJOS EN LA REALIZACIÓN

El título del film no alude al folklore social que tacha a las mujeres de llegar tarde siempre a sus citas cotidianas. En este drama con el que Marcela Balza incursiona en el largometraje, las razones son mucho más serias y existenciales. Aquí surge un giro tremendo en la vida de estas mujeres, que son el eje del thriller, ambientado en un hotel de la provincia de Buenos Aires, unas décadas atrás.

Balza plasmó su propio guión con una impronta muy clásica, muy formal, y marca la diferencia con el estilo de narración actual. Se ciñe a rajatablas al guión, o a una idea general de la trama que sigue hasta las últimas consecuencias. En esto, el problema que surge es cierto leve descuido en el desarrollo de los personajes y una resolución un tanto ligera y convencional por momentos del film, como el asesinato del pasajero del hotel (Rafael Spregelburd), las dueñas complicadas en la muerte (Marilú Marino y Erica Rivas), que viven agobiadas por la hipoteca del inmueble y tienen el objetivo de robar al huésped hasta el último centavo. Sin embargo, no son éstas las mujeres que “llegan tarde” sino su amor pasajero, que encarna Andrea Pietra, y su novia, protagonizada por Martina Gusmán.

La trama resulta atractiva, aún con las pequeñas objeciones que hicimos a su realización. El tratamiento es convincente, atrapa al espectador. No olvidamos que estamos ante una ópera prima, donde siempre es difícil conjugar un buen desarrollo narrativo con un acorde desarrollo de personajes. Hay una idea provocadora e inquietante que, con sus más y sus menos, resulta convincente.

Carlos Pierre

EL NOTIFICADOR

De Blas Eloy Martínez. Con Ignacio Toselli, Edda Díaz, Mario Alarcón, Ignacio Rogers, entre otros. Música de Daniel Drexler. Duración: 76 minutos.

BUENA. PEQUEÑA HISTORIA CON GRAN MENSAJE

Blas Eloy Martínez toma la vida de un oficial notificador del Poder Judicial (Ignacio Toselli) quien tiene la rutinaria y monótona tarea de repartir unas 100 notificaciones por día. Y aquí viene la premisa del film en torno a la alienación del hombre por el trabajo, aunque éste sea el más simple, y cómo esta rutina puede carcomer su propio espíritu.

El trabajo del realizador se centra en mostrarnos unas 100 historias que el notificador debe enfrentar cada día, siempre rozando la marginalidad y una telaraña de malentendidos y ausencias, que no se condicen con su tarea: entregar sí o sí un simple papel que puede ser un puñal en el corazón de quien lo recibe. Martinez va más allá del personaje del notificador y nos muestra a un joven atascado en un presente, casi kafkiano, que debe moverse entre las exigencias del poder público y los “notificados” que padecen estas resoluciones. Sin embargo, el hoy confuso y apático notificador era un joven promisorio, que solía enfrentar la vida de otra manera. Antes vivía, hoy es un mero espectador.

Se muestran muy bien las consecuencias de un trabajo en este personaje del notificador, que se ha tornado insensible a las emociones, a su novia, al futuro, al mañana. Incluso el diseño de arte contempla esta situación y lo muestra con la misma ropa y hasta con un deterioro en sus funciones. Surgen personajes que quiebran, y muy bien, la monotonía: un jefe exigente (Mario Alarcón) y una vidente que le anuncia la muerte. Sobresale una escena donde Edda Diaz personifica a una anciana postrada, sin reflejo alguno para firmar la notificación que le llega de manera impiadosa.

Es una historia pequeña pero engrandecida por la búsqueda de Blas Eloy Martínez de ir más allá del guión en sí y bucear en el alma de los personajes. El trabajo dignifica, es cierto, pero muchas veces puede destruir nuestra integridad. La cuestión está en saber cuándo comienza esta destrucción propia. Un personaje muy bien logrado por Ignacio Toselli, una buena cámara, un buen desarrollo narrativo y de situaciones, nos van mostrando la pérdida de los ideales cuando nos dejamos ganar por la inercia del presente o la comodidad inconciente de lo que ya se logró. Muy interesante planteo.

Carlos Pierre

MOONRISE KINGDOM/UN REINO BAJO LA LUNA

De Wes Anderson. Con Bruce Willis, Edwan Norton, Bill Murray, Frances McDormand, Tilda Swinton, Harvey Keitel, Jared Gilman, Kara Hayward, Bob Balaban, entre otros. Música de Alexandre Desplat. Duración: 94 minutos.

MUY BUENA. HISTORIA DE NIÑOS CON AGUDA CRÍTICA AL MUNDO DE LOS ADULTOS

Extraña estética la de Wes Anderson, el mismo realizador de “Los Tenembaums”, para plasmar esta historia de amor de dos niños que conmociona la insensible vida de los adultos con una crítica a normas sociales que se consideran buenas y solo perturban el normal desarrollo de los chicos. La historia se desarrolla en la década del 60 en Nueva Inglaterra Sam, donde un presentador, ubicado en planos que arrancan sonrisas, nos cuenta que el lugar está por padecer una terrible tormenta, jamás conocida, que perturbará el destino de todos.

Es primordial destacar el elenco de notables celebridades que se sumaron al proyecto de Anderson por lo que hay un plus, un extra, una calidad en las interpretaciones que nos obligan a reflexionar sobre la otra parte del film, la de los subtemas: desde el hogar tradicional con un padre ausente aunque esté y una madre dictatorial, hasta el niño que no tiene hogar y recurre a stándares adultos para ser feliz aunque, en el fondo, solo busca un papá.

Y estas celebridades protagonizan a esos adultos, retratos de tantos otros que nos rodean: desde un ridículo superjefe de los scouts interpretado por Harvey Keitel hasta un arrastrado jefe de los chicos, a cargo de Edwan Norton, quien no sabe resolver la mínima situación difícil y se atiene a la rutina. El padre ausente-presente con un Bill Murray que se adueña del personaje y una madre desorbitada, infeliz en su matrimonio, que interpreta la notable Frances McDormand, pasando por la atildada e insensible representante de un orfanato público, en la piel de Tina Swinton. Todos buscan a Sam (Jared Gilman) y Suzy (Kara Hayward), los niños que se juraron amor y se escapan a un lugar inhóspito de la isla para vivir sus vidas, un casamiento a la luz de la luna, nadar pudorosamente con sus ropas interiores, posar tomando sol como adultos. ¿Es esto lo que enseñamos, es esto lo que representamos para nuestros hijos?

Bruce Willis compone al policía de la zona, que tiene sus amoríos con la madre de Suzy, y que está por cambiar su destino ante la furia desatada por la tormenta y la soledad de Sam.

El film nos arranca sonrisas, nos mueve a la reflexión, y nos va dejando una espina en el alma, sutil, que permite razonar que este film no es una historia de chicos enamorados que se escapan sino una ácida crítica a la hipocresía de los adultos y a la insensibilidad de los adultos ante los chicos que necesitan un hogar, amor. Y en qué medida somos capaces de arruinarles el futuro de no cambiar en nuestras posturas: Hay una escena que, primero, nos arranca una sonrisa que será en segundos una mueca: cuando Sam es buscado por sus compañeros scouts, la orden de Edward Norton es que no lo lastimen, ante la pregunta de un niño sobre si lo pueden herir o matar.

De todas maneras, no es una película cuya estética nos complazca de entrada (planos duros, enfoques poco habituales, cierta teatralidad en las secuencias). Nos va ganando el corazón el tema, su desarrollo, la convergencia de tantas estrellas al servicio de una idea.

Elsa Bragato

ALUMBRANDO EN LA OSCURIDAD

De Mónica Gazpio y Fermín Rivera. Documental sobre la adopción.

MUY BUENA, DOCUMENTAL SOBRE LA ADOPCIÓN CON AMPLIA INFORMACIÓN

Este documental debiera ser obligatorio en escuelas secundarias. Es especial para las mujeres que quieren tener hijos, o que ya los tienen. Siempre es una mirada más sobre un tema. Hay incluso representaciones muy bien adecuadas al tema como las de Laura Azcurra, Celina Font, Osvaldo Laport, Cecilia Rossetto y Mariana Richaudeau, analizándose todas las posibilidades, desde la madre que quiere dar su hijo hasta aquélla que no puede tener, una cámara inquieta que se posa en manos, en pies, que toma mínimos gestos de nerviosismo.

A esto se le suma el aporte de profesionales y también el de hijos adoptivos ya adultos que iniciaron la búsqueda de sus madres. Cada uno con una reflexión y aportando luz, sin duda, como el título del documental lo indica, a un tema espinoso. El de las madres que no quieren serlo y el de los padres que rechazan a sus hijos, el de las madres que buscan serlo y el de los hijos que buscan a sus madres. Poco a poco, el relato se transforma en conmovedor y tocante. Y nos revela otros temas que tienen que ver con la pequeñez espiritual, o con la grandeza, con la sensibilidad o con la falta de capacidad para amar.

Nos parece una muy abarcativa mirada sobre los hijos, su llegada al mundo y las actitudes de los adultos hacia su descendencia, con una narración audiovisual simple, directa, y minimalista, que incluye detalles en primeros planos que hablan más que las palabras.

Elsa Bragato

LOOPER, CAMBIO DE PLANES, LUCES ROJAS, CINE DEL JUEVES 11 DE OCTUBRE

JUEVES 11 DE OCTUBRE DEL 2012.

Hay 5 estrenos. No comentamos la pochoclera Dredd 3D y la nacional El día que cambió la historia, que se ofrece en Artecinema. Además se reestrena “Casablanca” remasterizada.

LOOPER

De Rian Johnson. Con Bruce Willis, Joseph Gordon-Levitt, Emily Blunt, entre otros. Música de Nathan Johnson. Duración: 118 minutos.

MUY BUENA. EL CRIMEN ORGANIZADO SUBSISTE COMO LOS BICHOS

Según este thriller futurista, el crimen organizado está intacto aunque hayan pasado varias décadas. Ambientado en Kansas, las armas solo son más sofisticadas que hoy, y los fenómenos de telekinesis son más comunes, así como la máquina del tiempo que permite viejar de ese presente, horrendo y despiadado, al pasado. En el 2072, los asesinatos están prohibidos, las victimas son enviadas al pasado a través de esa máquina del tiempo para que puedan ser eliminadas por los “loopers”, un grupo de asesinos a sueldo (loop significa algo circular, un circuito privado, elementos por el estilo, y el título, entonces, alude al círculo vicioso creado por el crimen organizado, que no termina ni con el paso del tiempo). El problema, el quid argumental, surge cuando Old Joe (Bruce Willis), un “looper”, recibe del futuro el encargo de… eliminarse a sí mismo. Y deberá enfrentarse a Joe joven (a cargo de Joseph Gordon-Levitt), tema central de esta narración audiovisual donde surgirán rencores del personaje, hechos del pasado que lo atormetan, y que debe dilucidar con su joven “yo”. Apuntamos que ni siquiera el maquillaje y la tecnología actual pudieron lograr un parecido entre ambos actores.

El film transita por lugares bastante poco aptos para los espíritus sensibles: los asesinatos deben realizarse en un descampado, lindero a las plantaciones de maíz, tan características del suelo norteamericano. Las víctimas llevan en su espalda una placa de plata a modo de recompensa por el trabajo. Y, volviendo a ese futuro, que es el presente planteado por “Looper”, la civilización no es gratificante. El realizador Rian Johnson supo impregnar ese ámbito con desolación y una crueldad al extremo gélida y deshumanizada.

A primera vista, no es un film de fácil interpretación. El espectador debe estar atento durante las dos horas de duración para armar el puzzle que hábilmente se le presenta. En estos casos, siempre hay subtemas y el que surge en forma inmediata es el de la crueldad humana, la falta de piedad, y la subsistencia del mal. Como para pensar. Por otra parte, Bruce Willis aporta su enorme magnetismo y se constituye una vez más en la espina dorsal del film. Y, finalmente, hay que añadir que, como en casi todos los films de Hollywood, existe la brecha salvadora y reconfortante.

Carlos Pierre

CAMBIO DE PLANES (MAKTUB)

De Paco Arango. Con Diego Peretti, Aitana Sánchez-Gijón, Andoni Hernández, Laura Esquivel, Goya Toledo, entre otros. Música de Nathan Wang. Duración: 115 millones.

BUENA. UN FILM FAMILIAR Y CONMOVEDOR A MANERA DE CUENTO NAVIDEÑO

Las dos horas de duración de Cambio de Planes, un film de tono familiar, con moraleja y, en el fondo, movilizador, atentan en cierto modo con la trama que no es complicada y sí previsible. Sin embargo, esta previsibilidad no le resta emoción genuina y, en definitiva, nos enfrenta a los ángeles y demonios cotidianos. Y la Navidad, período en el que se ubica el guión, es la época ideal para que seamos capaces de creer en algo más. Así parece ser.

Diego Peretti, siempre eficiente y verosímil, (“Manolo”) es un argentino afincado en Madrid, casado, padre de dos niños, con un matrimonio que se cae, una esposa aburrida, y un trabajo que lo agobia. Por diferentes circunstancias insólitas, conoce a Antonio, un chico de 15 años que enfrenta su cáncer medular de manera adulta y desea regresar a sus Islas Canarias para morir en paz. Las idas y venidas del matrimonio de “Manolo”-Peretti y la repentina y espontánea inclusión en sus vidas de Antonio (Andoni Hernández) provocan un cóctel explosivo que hará eclosión, como no podía ser de otra manera, en la Nochebuena. Por allí aparece Laura Esquivel, ex Patito Feo, otra argentina muy joven triunfadora en el mundo, que le hace un pequeño y sugestivo regalo a “Antonio”.

El film muestra otro costado que resulta útil destacar y es el realmente interesante: los niños suelen ser nuestros retratos y también tienen opinión propia y decisiones que nos hacen recapacitar o volver sobre nuestros pasos. El perdón debe ser una actitud para sobrevivir a lo cotidiano y sus trampas, así como la solidaridad y la piedad son sentimientos que no debemos olvidar. El realizador Arango nos muestra no solo la cena de Nochebuena y la familia constituida alrededor de la mesa sí o sí sino todos los sentimientos de los que somos capaces de tener, de modificar y de aplicar. Es cierto que es una película extensa, es cierto que tiene varios golpes bajos, es cierto que une el cáncer de un niño con la problemática conyugal de los adultos, es cierto que hay hijos que sufren. Pero tampoco está mal cumplir lo que el título original del film indica: Maktub, lo que está escrito y ex inexorable. El objetivo del film está cumplido: emocionarnos y enfrentarnos a los sentimientos sencillos y humanos. El formato tal vez es un tanto televisivo, de “caja chica”, pero el noble propósito y la segunda lectura que nos regala Arango son suficientes para ponerle una buena calificación.

Elsa Bragato

LUCES ROJAS

De Rodrigo Cortés. Con Cillian Murphy, Sigourney Weaver, Robert De Niro, Leonardo Sbaraglia, Elizabeth Olsen, entre otros. Música de Víctor Reyes. Duración: 113 minutos.

BUENA. LOS “MANOCHANTAS” Y LO IMPREVISIBLE

Conocimos a Rodrigo Cortés masivamente por “Enterrado”, donde necesitó poca producción, un solo actor y mucha imaginación. En éste, su tercer film, todo cambió: 4000 extras, un elenco de primeras figuras y un buen presupuesto. Explicar lo sobrenatural es el quid argumental que cae irremediablemente en lo previsible. Pero mucho antes nos va entreteniendo con un clima muy logrado que oscila entre la cámara en mano, nerviosa y ágil, y los planos cortos, los primerísimos planos y los diálogos extensos entre dos protagonistas por ejemplo. Si pensamos que la narración se cae, es solo unos minutos. Cortés retoma el nerviosismo en forma rápida. Al rubio Cillian Murphy lo conocemos y mucho y, por supuesto, a Sigourney Weaver y al impagable Robert De Niro que nos regala el papel de un “manochanta” presuntamente ciego y el serio cuestionamiento de una científica que encarna Weaver, junto con su ayudante (Murphy). Entre los manosantas está Leonardo Sbaraglia, componiendo a un “italiano” (si ve el film, entenderá las comillas!) que reúne a mucha gente en sus charlas y sus fraudes. La reaparición de Simon Silver, personaje de De Niro, luego de 30 años, obliga a la científica a rehacer sus investigaciones con mayor ahínco, ayudada por su segundo. Su muerte no aporta nada al argumento y sí un cuestionamiento posterior porque uno supone quién fue, pero nada más. Y en esta suposición caen varios de los personajes.

Con agilidad, Cortés, nos mete en un mundo donde doblar cucharitas, remitiéndose a los famosos mentalistas rusos de la década del 60, hacer explotar lámparas o reventar paredes, es normal. Asombra que el público presente en estas demostraciones no haya salido huyendo de las salas… aunque sea ficción, no? La maldad de Simon Silver y sus secuaces, aún prestándose a todo tipo de controles filmados, también es para tener en cuenta más que en el film en la vida real, por si uno se topa con uno de estos individuos. Y la resolución de Cortés a tanta paranormalidad no es la mejor, es la previsible. Con respecto al título, la única que explica el sentido del mismo es Sigourney Weaver en una secuencia a la que hay que estar atenta.

No obstante, el film tiene mucho clima y agilidad y entretiene de principio a fin. No pasan desapercibidas las actuaciones que se transforman en trascendentales para salir de lo convencional. Y el tratamiento fotográfico también es muy interesante, marcando el estilo de Cortés para atreverse a un tema muy conocido pero esta vez con grandes estrellas que dejan su huella en la narración. Si el tema no nos interesa, la parafernalia de los hechos paranormales merecen un regular. Pero si entendemos que la película cumple con su objetivo, vale un “bueno”. Claro está, a Robert De Niro lo queremos en papeles de otra envergadura. Para fanáticos.

Elsa Bragato

HOTEL TRANSILVANIA, SHAFHAUS CASA DE OVEJAS, BÚSQUEDA IMPLACABLE, CORNELIA FRENTE AL ESPEJO, ALGUNOS ESTRENOS JUEVES 4

JUEVES 4 DE OCTUBRE DEL 2012.-

Hay ocho estrenos, seis nacionales. De éstos, dos van a salas no comerciales: Los salvajes y Montenegro, por lo que no los comentamos. Y otros dos lamentamos no tener las críticas, El amigo alemán y La araña vampiro.

SCHAFHAUS, CASA DE OVEJAS

De Alberto Masliah. Con Sergio Surraco, María Lía Bagnoli, Bernarda Pages, Aldo Barbero, María Fiorentino, entre otros. Música de Mariano Fernández. Duración: 113 minutos.

BUENA. LAS CONSECUENCIAS DE LOS AÑOS DE PLOMO EN UN EMOTIVO VIAJE ESPIRITUAL

Estamos frente a una historia relacionada con la dictadura militar del 76. Y narra desde otro ángulo el sufrimiento que provocó tamaña desgracia institucional del país. Es que todos los pueblos que vivieron guerras y regímenes totalitarios no olvidan ni sanan prontamente semejantes heridas en el tejido social e individual.

En este drama, que tiene cierto viso de reconciliación con el pasado, se muestran la belleza y la inmensidad de la Patagonia, que es el marco del viaje hacia una búsqueda individual. Se sitúa en Trelew, Chubut, donde Ernesto (Sergio Surraco), de 36 años, llega al país desde Alemania. Sus padres fueron asesinados por la dictadura y, con 3 años, los abuelos se lo llevaron a Europa. A fin de reactivar las negociaciones en la empresa de lana de su abuelo, ya fallecido, Ernesto va al sur y, en definitiva, también está buscando su identidad.

Quiroga (Aldo Barbero), un viejo amigo de su abuelo, le obsequia una foto de su familia donde aparece una casa (Schafhaus) que es el objetivo de Ernesto. Alternan en su conciencia el dolor y la ignorancia propia de su niñez cuando ocurrieron los asesinatos de sus padres. Un libro de cuentos infantiles acerca de la oveja Anita, que encuentra en un coche alquilado, lo acerca a Georgina (María Fiorentino), quien vive en la casa de la foto y es donde enseña y lee ese cuento. Ernesto empieza a conocer a sus padres que ya no están. Es en esa casa, Schafhaus, donde había vivido sus primeros tres años en el país.

Como en otros films nacionales que abordan el tema de las consecuencias de la dictadura militar de los 70, los dramas personales son el eje de la narración y nos ayudan a comprender el largo camino hacia la verdad de miles de argentinos. Además, en este caso, el film aúna tanto la historia individual como la especial belleza natural del sur, engarzando en una metáfora existencial la inmensidad con nuestra pequeñez, la naturaleza y la condición humana, el dolor y la expiación. Nos parece un relato muy bien contado e interesante.

Carlos Pierre

CORNELIA FRENTE AL ESPEJO

De Daniel Rosenfeld. Con Eugenia Capizzano, Eugenia Alonso, Rafael Spregelburd, Leonardo Sbaraglia, entre otros. Basado en un cuento homónimo de Silvina Ocampo. Música de Jorge Arriagada. Duración: 100 minutos.

MUY BUENA. REALIZACIÓN EXQUISITA DE UNA AVENTURA POÉTICA

Basado en el cuento homónimo de Silvina Ocampo, esta narración es un drama fantástico que Capizzano y Spregelburd, en la adaptación y respetando los diálogos originales de la escritora, fueron alternando con la fantasía y lo cotidiano, ambas características que Ocampo imprimía a sus obras.

Hay un regodeo con la crueldad pero, al mismo tiempo, con la inocencia de Cornelia, la protagonista que llega a la antigua casa paterna para suicidarse. Imprevistas apariciones van impidiéndole concretar su determinación. Así vemos, en forma sucesiva, a una mujer (Eugenia Alonso), una misteriosa niña, un ladrón (Rafael Spregelburd) y un amante (Leonardo Sbaraglia). Cornelia se mira en el espejo que se apodera de su alma, un truco ya conocido en algunos films de terror. Hay un veneno misterioso también y seres que la visitan como reflejos de su propia historia, real o reinventada. El meollo fantástico de Silvina Ocampo resulta, entonces, retratado con pulcritud y con maestría también narrativa audiovisual.

Elementos como la música son de destacar: por ejemplo, El cisne, de Saint-Saens, de El Carnaval de los animales, una pieza fundamental en la literatura violoncellística, agregan emotividad a la fotografía envolvente y a las actuaciones del excelente elenco con el que cuenta el film. Se logra también un clima onírico poblado de ensoñaciones que Cornelia vive, aunque busque la muerte, entre fantasmas o realidades ante el espejo que reúne todas las vicisitudes de su atormentada alma con destino fatal.

Ver el film es participar de una aventura poética y, a su vez, prosaica, en un ámbito teñido de claroscuros que sobresaltan y, también, llenan de asombro. Un cine diferente nacional, exquisito. Desde ya, no es un film que pueda meterse en el alma de todos los lectores. La búsqueda de elementos surreales y la inclusión de determinadas partituras musicales la tornan ligeramente críptica.

Carlos Pierre

BÚSQUEDA IMPLACABLE 2

De Olivier Megaton. Con Liam Nesson, Maggie Grace, Famke Jennsen, entre otros. Música de Nathaniel Michaly. Duración: 120 minutos.

BUENA. DESENFRENO DE TIROS POR LOS TECHOS DE ESTAMBUL

Hace 4 años conocimos a Bryan Mills, un ex miembro de la CIA interpretado por Liam Neeson, quien debe salvar a su hija de la mafia albanesa. La joven viajó entonces a París sin el acuerdo del padre, separado de su mujer, y allí es raptada.

Liam Neeson regresa con este personaje en otra de tiros, secuestros y mafias que ponen en peligro su vida y la de su ex esposa. Será su hija la encargada de salvar a sus padres quienes tienen un cierto acercamiento amoroso en Estambul, hacia donde viajan invitadas por Mills a pasar unas vacaciones que serán todo menos agradables.

Sin lugar a dudas, la saga Bourne marcó una forma de hacer policiales y de densificar la adrenalina en la pantalla y en la platea: las persecuciones por terrazas y techos antiguos es uno de los motores de estas búsquedas implacables de unos y otros y de unos contra otros. El guión es muy elemental, básico, pero entretiene de principio a fin. Y hay una coordinación en las luchas, especialmente la final entre el ex agente Bryan Mills y uno de los más fieros secuestradores de su mujer, que dejan sin palabras por lo efectivas que son y por la eficiencia en la realización.

Los secuestradores quieren literalmente matar a Mills porque éste ha dado muerte a varios descendientes de los “capos” en la película anterior y ahora se las quieren cobrar. Ese meollo le permite al director Megaton organizar un esquema narrativo básico donde se sabe quiénes van a ser capturados, se ven algunas escenas que pudieron caer en lo “gore” y cruel pero finalmente se diluyen en intimidaciones. Solo una estremece: cuando encapuchan a la mujer de Mills, le cortan el cuello y esperan que se desangre… Es la única escena más violenta en cuanto a torturas. La contamos por si hay lectores impresionables, pero es justo decir que no van más allá del truco propuesto.

Desde la platea uno está con los ojos bien abiertos y de sobresalto en sobresalto por lo que la elementalidad de los diálogos se olvida rápidamente y uno entra en el desenfreno de las corridas por los techos y a sentir empatía con los personajes para que todo llegue a buen puerto. ¡Para estar con el corazón en la boca!

Elsa Bragato

HOTEL TRANSILVANIA

De Genndy Tartakovsky. Con las voces de Adam Sandler, Selena Gómez, Steve Buscemi, entre otros. Música de Mark Mothersbaugh. Duración: 91 minutos.

EXCELENTE. DRÁCULA, ANFITRIÓN DE MONSTRUOS, DIVERTIDÍSIMA ANIMACIÓN

Uno de los hallazgos de esta creativa película animada de Sony es que Drácula se ha convertido en un padre amante de su hija Mavis. Además es un constructor avezado que tiene un hotel cinco estrellas solo para monstruos, a fin de que se deleiten con grandes fiestas lejos de la mirada de los humanos. Viudo, educa a su pequeña de manera estricta, sobre todo para que no se exponga a la luz, uno de los temas a resolver en el film e importante subtema. Cuando Mavis ya es adolescente, el hotel cobra importancia a fin de que no salga al mundo. Drácula quiere proteger a su niña de todo lo que él mismo ha hecho y es capaz de hacer. Resulta muy divertido cómo muestra su cara de padre calmo a su hija y de pronto, y en primerísimo plano, surge su otro yo, el diabólico, en cuestión de segundos, que realmente resulta muy divertido.

Pensar que Frankestein puede viajar en cajas, bien trozado, es otra originalidad dado que así fue armado según la tradición, con “parches humanos”. Luego hay que armarlo para que disfrute de la gran fiesta. La Momia está así como otros bichos simpáticos y no siempre muy elegantes.

La cuestión empieza cuando un joven llega al hotel y se enamora de Mavis, haciendo peligrar la vida de la joven por su condición de vampiro. Sin embargo, no todo es lo que parece y también hay lugar para la reflexión sobre los dichos que dejamos correr y no investigamos. ¿Será tan cierto que un vampiro ve la luz y muere? ¿Será cierto que siempre necesitan sangre humana? Es decir, el director y realizador Tartakovsky nos propone una mirada alentadora a través de una animación muy creativa, diferente y que, tangencialmente, roza tantos prejuicios sociales, en este caso, dentro del mundo de los monstruos. ¿Serán tan así o los supuestamente humanos también generamos prejuicios monstruosos? Encantadora, no se la pierda.

Elsa Bragato

DIAS DE VINILO, LA CASA DE AL L ADO, RESIDENT EVIL 5, CACERÍA IMPLACABLE, JUEVES 27

JUEVES 27 DE SETIEMBRE DEL 2012.

Hay cuatro estrenos en fílmico.

LA CASA DE AL LADO

De Mark Tonderai. Con Jennifer Lawrence, Max Thieriot, Elisabeth Shue, entre otros. Música: Theo Green. Duración: 95 minutos.

REGULAR. TERROR EN EL BOSQUE CON LOS CLISHÉS DEL GÉNERO

Esta película oscila entre el thriller y el terror convencionales, géneros que suelen ir de la mano: cualquier irrupción del espanto y la apariencia repentina dentro y fuera de “esa casa de al lado” no es más que la permanencia oculta de un legado tortuoso de una familia, que desencadena sucesos inesperados. Una madre e hija que se mudaron a una nueva ciudad, al lado (separado por un pequeño bosque) de esa casa atormentada por un pasado luctuoso, padecen los coletazos, bien estructurados en la narración, que resultan efectistas e ingeniosos.

Precisamente, la trama gira entre el hijo de esa familia que aún habita la casa y la joven recién llegada (Jennifer Lawrence) que, en este film, deambula por un bosque, semejante al de “Los juegos del hambre”, pero sin arco ni flechas y con un breve affaire incluido. El trabajo de esta gran actriz, nominada al Oscar, se desluce notoriamente.

Orientado a despertar el sobresalto de ese público adicto a estas entregas truculentas, de persecuciones y apariciones, se vale acertadamente de la utilización de variados planos y efectos sonoros estridentes, sumados a una música incidental machacona entre el crujido de puertas y el viento en el bosque canadiense, que es donde se filmó, entre sombras y escenarios grandilocuentes de esa región boreal.

El guión está bien planteado, con una suerte de artilugios en el comportamiento de una familia signada por la tragedia, el efecto de entretener, asombrar y desorientar al espectador está alcanzado con creces donde se conjugan misterio, maquinaciones familiares y aún psicológicas, tejiendo y destejiendo una historia dramática con insólito final. Para amantes de los clishés del género.

Carlos Pierre

CACERÍA IMPLACABLE (HEADHUNTERS)

De Morten Tyldum. Con Aksel Hennie, Nikolaj Coster-Walday, Synnove Macody Lund, entre otros. Noruega 2011. Música de Trond Bjerknes y Jeppe Kaas. Duración: 100 minutos.

MUY BUENA. POLICIAL NORUEGO CON ALTÍSIMA DOSIS DE ADRENALINA

Basado en el best seller de Jo Nesbo, tal vez el número uno entre los escritores de la moderna novela de crimen en Europa, llevando más de 8 millones de libros vendidos, este film noruego de Morten Tyldum, uno de los productores de Millenium, es un intenso thriller sobre la traición, la venganza y la ambición.

Llevar al cine una novela con semejante carta de sentimientos y muertes, significó un derroche de acción superlativa, en el marco del paisaje noruego, de por sí bello y agreste. Las secuencias protagonizadas por Akse Hennie, como un bribón y elegante ladrón de cuadros (en este caso, uno del gran pintor Rubens) para complacer las exigencias de su bella esposa (Synnove Macody Lund), son fuertes, bien actuadas y realizadas. Este personaje se enfrenta a un ex mercenario (Nicolaj Coster-Waldao, el actor de Game of Throness) a quien le roba un afamado cuadro. A partir de esa secuencia se produce una cacería implacable, se verán los medios más violentos y sanguinarios dentro del género. Hay un doble juego psicológico: Akse Hennie es un hombre de 1,68 m de estatura y el personaje lo obliga a mostrar una gran fortaleza interior que la audiencia percibe claramente.

Molten Tyldum es dueño de un nuevo lenguaje visual. Graduado en la School of Visual Arts de New York, consolidó sus estudios con las técnicas de la cinematografía noruega actual, de quien es considerado un hijo dilecto. Y es para tener en cuenta por su excelente narración, aún con sus más y sus menos.

Como en una despiadada caza del gato y el ratón, surgen escenas impactantes, algunas nos mueven a una risa nerviosa, por ejemplo, cuando el pequeño bribón sobrevive a las persecuciones del ex mercenario, herido en su más profundo orgullo. Estamos frente a una alta dosis de adrenalina que le va a gustar a los amantes de estos policiales fuertes y sangrientos. Y a una muy buena realización.

Carlos Pierre

RESIDENT EVIL 5, LA VENGANZA

De Paul W.S. Anderson. Con Milla Jovovich, Sienna Guillory, Michelle Rodríguez,Kevin Shand, entre otros. Música de Tomandandy. Duracion: 96 minutos.

MALA. INDECOROSA SERIE DE MUERTES, IMPUNIDAD Y SANGRE

Nada nuevo y sí mucha sangre, muerte, violencia de principio a fin. El film de Anderson, cuyo guión le pertenece, está basado en los videogames japoneses y, en este caso, retoma el final de la 4 para que el nuevo espectador entienda por qué la nueva batalla comienza en una nave de guerra. Con un hábil recurso de ir hacia atrás en la narración, se nos enfrenta al final de la número 4 para meternos en una historia más vacía de contenido de esta saga 5, prácticamente con parlamentos nulos, y sí con una notable habilidad de la bella Milla Jovovich, para mover una de sus manos con un pesado revólver de última generación, con la otra un lazo de cadenas, y con cada pie una patada mortal. Increíble coreografía que Jovovich danza con certeza.

El virus T de la corporación Umbrella sigue provocando estragos en toda la Humanidad y ha transformado a millones de infectados en zombies. Milla Jovovich, en el papel primero de una madre abnegada, recibe a este virus en su cuerpo y se transforma en una mujer de fortaleza superior a cualquier hombre. Es mitad mujer, mitad virus, mitad robot. Y se enfrenta a la corporación que la persigue para destruirla primero y luego para recuperarla. La inoculación de bichos espeluznantes en la sangre será una de las causas de esta transformación en supermujer. Bichos que recorren los brazos, por ejemplo, y hacen explotar los dedos para saltar a la tierra y… reproducirse. He aquí el comienzo de la confusión argumental que nos lleva hasta la península de Kamtchatka en Rusia.

Debajo de los hielos hay ciudades que los humanos desconocen, pero tampoco se sabe muy bien porque se habla de un “techo” inventado por la corporación, de una ciudad de New York que es o no es. Si para entender esta saga hay que recurrir a los videogames, salvo en sus datos técnicos esenciales, significa que el film no cumple con las expectativas como tal y se reduce a un mero traslado de un medio a otro. La computación ayuda y mucho con efectos especiales que, en la primera parte del film, aburren.

Resulta realmente desagradable el film de pe a pa porque no es más que una larga serie de asesinatos, de monstruos ya conocidos que no sabe bien por qué surgen o resurgen (el “famoso” feto gigante con dientes de tiburón), ya hay bastantes con los sangrientos zombies, y asesinatos a mansalva con la recuperación de muchos que uno hacía muerto o bien uno se confunde y termina creyendo que los muertos estaban muertos y luego resucitaron para seguir siendo asesinados.

Si vamos a analizar esta película basada en un videogame, hay que pensar en los subtemas que surgen de éstos. Para algunos críticos norteamericanos, se debe a la inveterada competencia entre japoneses y chinos y a una discriminación notable. Para nosotros, muy modestos ante tantos críticos afamados, es un mensaje directo, aunque parezca subliminal, de cómo se pueden aniquilar los pueblos, de cómo se puede seguir matándolos/nos con impunidad, de cuán poderosas son las multinacionales y de cómo manejan naciones y culturas. Es un film “desculturalizador”, intimidante por su mensaje, aunque los más jóvenes solo vean una forma de descargar adrenalina. No en vano el fin del mundo se va a resolver sobre una Casa Blanca semidestruida y amurallada como en la edad media para impedir que millones de zombies se fagociten a Alice y los que quedan en pie de Umbrella, representante de una multinacional, espionaje incluido. Si le gusta pensar, no pierda ni dinero ni tiempo. Si siente que “quiere matar” pero, claro, no se debe ni se puede, largue ese veneno viendo este film!

Elsa Bragato

DÍAS DE VINILO

De Gabriel Nesci. Con Gastón Pauls, Fernán Mirás, Leonardo Sbaraglia, Ignacio Toselli, Rafael Spregelburd, Emilia Attías, Inés Efrón, Carolina Peleritti, entre otros. Música de Guillermo Guareschi. Duración: 105 minutos.

MUY BUENA. COMEDIA CORAL CON CHISPAZOS NOSTÁLGICOS Y MUY BUENAS ACTUACIONES

Una nostalgia amable y despreocupada es el leit motiv de este film de Nesci, no hay grises ni pesadumbre que nos rompan el corazón sino recuerdos gratos. Esta ópera prima de Gabriel Nesci, quien se declara un “músico irrealizado”, tiene una gran empatía con la música popular de los 80 (como vemos en “Graduados” tanto en personajes como en el audio), hecho que ha inundado sus vidas. Nesci tiene 33 años y, por lógica, fue bautizado con aquella generación tan prolífica. Y éste, su primer film, deliberadamente comienza con un “bautismo de vinilo” que reciben los cuatro protagonistas desde un balcón. “You’re my best friend” de Queen (Una noche en la òpera) es el primer tema y, como un agua bendita especial, signará la vida de los protagonistas. Las secuencias nos mostrarán cómo el destino de cada uno de ellos seguirá ligado, de una u otra manera, a este hecho inicial.

Gastón Pauls es el escritor y guionista, Fernán Mirás conduce un programa de radio, Rafael Spregelburd es vendedor de parcelas de un cementerio privado, e Ignacio Toselli es el líder de una banda-tributo a Los Beatles. Emilia Attías, Carolina Peleritti e Inés Efrón son algunas de las mujeres que irrumpen en sus corazones. Alusiones a las canciones que edificaron los sentimientos de los cuarentones, la magia del vinilo, las disquerías con sus bateas repletas, todo aquello de la primera juventud que perdura, son las gratificaciones que los une en una amistad que lucha contra la erosión del tiempo y la adusta seriedad que traen aparejadas las cuatro décadas de vida y el futuro aún por consolidar, con problemas afectivos, relaciones que se caen y la lucha por seguir siendo a pesar de los tropezones, apretada síntesis de las sensaciones que nos despierta “Días de vinilo”, añadiéndole los acentos sajones, tan comunes en nuestra cultura, que se les cuela en las almas porteñas.

Un buen planteo narrativo de Gabriel Nesci, coautor de “Todos contra Juan”(unitario de TV con Gastón Pauls), y un buen desarrollo de los personajes hacen que esta comedia llegue a muy buen puerto. Diferente, emotiva, nostálgica pero no triste, vale la pena acercarse a “Días de vinilo” y disfrutar de una comedia coral donde cada personaje es un poco el retrato de algo nuestro o que nos pasó o que soñamos.

Carlos Pierre

INFANCIA CLANDESTINA, MARADONA MÉDICO DE LA SELVA, TOURNÉE, EL CIELO ELEGIDO, LA CASA DEL MIEDO, JUEVES 20

JUEVES 20 DE SETIEMBRE DEL 2012.-

Hay ocho estrenos, cuatro de ellos son nacionales. No comentamos “Mensajero”, documental de Martín Solá, ni “Ruby, la chica de mis sueños”, de los Estados Unidos.

INFANCIA CLANDESTINA

De Benjamín Ávila. Producción de Luis Puenzo. Con Natalia Oreiro, Ernesto Alterio, César Troncoso, Teo Gutiérrez Moreno, Cristina Banegas, Violeta Palukas, entre otros.Música de Pedro Onetto y Marca Roca. Coproducción de Argentina, Brasil y España. Duración: 110 minutos.

MUY BUENA. UN NIÑO RELATA SU DESGARRADORA VISIÓN SOBRE LA DICTADURA DE LOS 70

Benjamín Ávila, director y guionista de Infancia Clandestina, relata sus propias experiencias, por demás dolorosas, sobre su infancia, es decir, lo que vivió en 1979. Fue el año en que los Montoneros regresaron al país e iniciaron la llamada “contraofensiva” contra el ejército de la dictadura militar. Reunió en Juan (Teo Gutiérrez Moreno), el personaje central, todas sus vivencias y las de su hermano mayor. Su mamá desapareció en octubre del 79 y su hermano, Santiago, es uno de los nietos restituidos por Abuelas.

El film transcurre a partir de la mirada de este niño de 12 años, Juan quien, clandestinamente se hace llamar Ernesto. El vuelve a encontrarse con sus padres luego de llegar al país simulando ser hijo de una pareja brasileña. Recluido en un lugar de la provincia de Buenos Aires, vive en una casa camuflada con cajas que llevan el rótulo de maní con chocolate. Su madre (Natalia Oreiro), su padre (César Troncoso) y su tío (Ernesto Alterio), conforman el pequeño mundo familiar donde transcurre la vida de Juan. El colegio es otro nexo con el mundo exterior donde conoce a María (Violeta Palukas), de quien se enamora.

En todo el film, profundo y desgarrador, está presente la mirada del niño Juan, en medio de la lucha armada entre los montoneros y el ejército. Uno de los hallazgos del film, partiendo de esta particular mirada de un niño sobre la última sangrienta dictadura argentina, es que los enfrentamientos armados son mostrados con animaciones, confiriéndole dramatismo y agilidad a la narración. En ésta, encontramos una secuencia especial que destacamos: cuando su mamá se enfrenta con su abuela (Cristina Banegas), a raíz de la lucha armada, sus riegos y la actitud más conservadora que traen los años. Hay un duelo actoral de madre e hija donde ambas actrices, Oreiro y Banegas, se lucen. A Banegas la conocemos y a Oreiro la redescubrimos con enorme placer por su trabajo.

Sin duda, Infancia Clandestina es una visión diferente sobre el horror de la dictadura militar y su lucha contra, entre otros, los montoneros. Juan, o sea Benjamín Ávila, está inmerso en una vida dura, difícil, hasta incomprensible para un chico, el horror que lo circunda y el miedo en la sangre. Un período de horror que nos sigue hiriendo y que, en esta muy buena realización nacional, encuentra en Benjamín Ávila a un lúcido exponente de primera mano como testigo y como realizador.

Carlos Pierre

EL CIELO ELEGIDO

De Víctor González. Con Juan Minujín, Osmar Núñez, Osvaldo Bonet, Jimena Anganuzzi, entre otros. Música de José del Fabbro. Duración: 123 minutos.

BUENA. THRILLER SOBRE LAS MISERIAS HUMANAS EN EL MUNDO RELIGIOSO

En cada uno de nosotros anida la peligrosa parábola del cielo y del infierno. Nadie está exento de esta tribulación tan humana que se remonta a nuestra propia génesis. En el caso del film de Víctor González, un joven sacerdote, Pablo (Juan Minujìn), trata de mantenerse al margen de la corrupción de dos de sus superiores, el padre Orbe (Osmar Núñez) y el padre Claudio (Osvaldo Bonet). Este último, ya anciano y descreído de la fe en los hombres, le propone al joven cura, quien también atraviesa por una crisis similar, cometer un crimen a cambio de una recompensa.

El comienzo del film está impregnado de devoción religiosa, con todos los cánones de la misma y los ceremoniales de la Iglesia Católica. Pero, luego, una serie de sucesos violentos, además de la irrupción de Ceci (Jimena Anganuzzi) en la vida de Pablo, tuercen el camino dentro del convento. Surgen elementos del “film noir” y lo que hasta ese momento es una ortodoxa actitud religiosa, deviene en una orgía de sangre.

Destacamos una muy acabada dirección de arte (Valentina Llorens) así como el aporte de locaciones reales que ilustran con verosimilitud los ámbitos monacales, incluyéndose además al afamado Instituto Bernasconi, de Parque Patricios, que sirvió de marco con su gran porte. Una mención especial merecen los actores Juan Minujín, Osmar Núñez y Osvaldo Bonet por sus actuaciones, plenas de talento y credibilidad, verdaderos soportes de esta buena realización aún a pesar de una historia que puede resultar, en algunos momentos, un tanto insólita.

Carlos Pierre

MARADONA, MÉDICO DE LA SELVA

De Martín Serra. Documental. Guión de Rodolfo Martínez Mendoza y Martín Serra. Música de Manuel Rodríguez y Rodolfo Martínez Mendoza. Duración: 90 minutos.

MUY BUENA. MERECIDO HOMENAJE AL MÉDICO ESTEBAN MARADONA

El médico Esteban Maradona es uno de los personajes enigmáticos de nuestra historia, reconocido ampliamente en muchos lugares del mundo antes que en nuestro país. Hoy fallecido, el doctor Maradona contribuyó a su propio enigma, aún con su casi centenaria vida, inmerso en el norte del país, recluido en la selva como un médico rural más, siempre reacio a la prensa.

El director Martín Serra buceó generosamente en la labor del médico santafesino, que nació en un campo de Barrancas en el seno de una familia acaudalada. Estudió en Santa Fe y se recibió de médico en Buenos Aires.

Un gran mérito de este documental es el enorme material expuesto tratando de sintetizar la titánica obra del doctor Maradona. De esta manera, sabemos que estuvo en la guerra del Chaco Boreal, librada entre Bolivia y Paraguay. Y, al terminar, por la atención que hizo de un parto en un pueblo de Formosa llamado Guaycurú, hoy Estanislao del Campo, se radicó en ese lugar durante casi cincuenta años, estudiando la naturaleza, atendiendo a gente de la zona y manteniendo una estrecha relación con los aborígenes “piguá”.

Es también muy interesante cómo Serra aborda los hechos humanitarios de este médico con una visión amplia, dejando al descubierto su obstinado hermetismo en medio de la intrincada soledad de la selva, pero su labor sin descanso con una entrega personal más que generosa.

Estamos frente a un documental muy interesante, muy atractivo, que da luz sobre una de las personalidades relevantes de nuestra historia, similar a la del médico y músico Albert Schweitzer en Lambarené, Gabón, Africa. El doctor Maradona merecía este lúcido documental. No se lo pierda.

Carlos Pierre

BUSCANDO UN AMIGO PARA EL FIN DEL MUNDO

De Lorene Scafaria, su guionista también. Con Steve Carell, Keira Knightley, Martín Sheen, entre otros. Música de John Sadoff y Rob Simonsen. Duración: 101 minutos.

MUY BUENA. COMEDIA DIFERENTE SOBRE EL AMOR EN SITUACIÓN LÍMITE

En tres semanas, toda la Humanidad desaparecerá a causa del impacto del asteroide “Matilda” de 140 km de diámetro porque ha fracasado el intento de desviarlo. Entre el pánico y el desborde de las poblaciones con saqueos de toda índole, dos seres, Dodge (Steve Carell), vendedor de seguros quien acaba de ser abandonado por su esposa, Linda (Nancy Carell, su esposa en la vida real), y su vecina Penny (Keira Knightley), de vida alocada entre una pareja ególatra y displicente y su propia adicción a la marihuana, se encuentran. La situación es casi hilarante: Penny entra por la ventana a raíz del efecto de la droga. Así comienzan una relación alejada del caos de la humanidad. Dodge se propone huir de su hogar que es invadido por las hordas humanas y lo hace con Penny, comenzando un “road trip” o película de viaje. Cada uno tiene un objetivo que cumplir antes del fin del mundo: él, volver a su antiguo amor del secundario y ella, ver a sus padres en Inglaterra.

Un perrito aparece en la vida de Dodge con un cartelito que dice “Im sorry”, y él lo bautiza “Sorry”. Se trata de uno de los animalitos que trabajan en Hollywood y que es llamado “Aleister”. Será otra de las compañíás hasta el fin del mundo. Destacamos la aparición de Martín Sheen como el papá de Dodge, qie irrumpe casi sorpresivamente en la narración. Este encuentro permitirá que padre e hijo expíen sus culpas y cargos antes de morir.

En este apocalipsis ideado por la realizadora Lorene Scafaria no se declara el final, el cielo no se enrojece ni los mares se desbordan. Se aleja de la fatalidad, que da idea al guión, para centrarse en la amistad de Dodge y Penny quienes comienzan a transitar por paisajes solitarios, bucólicos. No hay futuro, hablan del presente. Cada uno se reencuentra con su verdadero ser y con sus propias vivencias.

Estamos frente a una historia de amor de dos seres que vuelcan sus energías a lo que es realmente importante: integrarse uno al otro, complementarse, ser uno solo en un plácido enamoramiento, sin reparar en el escaso tiempo que les queda para vivir.

Hay un subtema muy interesante y es el abocarse, día a día, a lo que realmente nos debe importar, dejando el caos al margen de nuestras vidas. No es poca cosa el tema abordado por Lorene Scafaria con una narración agradable que nos permite disfrutar de una bella historia.

Carlos Pierre

TOURNÉE

Dirección y guión de Mathieu Amalric. Con Mathieu Amalric, Miranda Colclasure, Suzanne Ramsery, entre otros. Música de The Sonics. Duración: 111 minutos.

MUY BUENA. AGRADABLE COMEDIA SOBRE UN GRUPO DE ARTISTAS. BUEN MENSAJE

Mathieu Amalric realiza, con esta película, un homenaje al New Burlesque, un género de vasta tradición, con raigambre en Francia, país de música y escenarios por excelencia. Joachim Zand (el mismo Amalric) abadnoa a los 40 años la producción de la televisión en París y se marcha a los Estados Unidos. Al regresasr a Francia lo hace por Las New Burlesque, una compañía de mujeres voluptuoss que hacen shows de striptease.

Este productor no es un triunfador. Y comienza con una serie de actuaciones en localidades de diferentes provincias, aunque con la firme promesa a las chicas de terminar el periplo, la tournée, en París. Por eso debe ajustar cuentas pendientes y dolorosas en la capital francesa, donde recibe agresiones frente a las que, en definitiva, no puede hacer nada debido a su mediocre espíritu.

La idea del film es, en buena medida, mostrarnos cómo el burlesque, en esta nueva expresión, queda reducido a escenarios no comerciales o alejados de los grandes centros, a pesar del esfuerzo y del talento de muchos artistas. Es, en definitiva, la suerte de muchos grupos de teatro de diversa índole, musical o estrictamente teatral. En esta ficción, las artistas de Tournée siguen con su show a lo largo de la costa marítima francesa, las chicas siempre sonrientes, aunque guardando una melancolía por lo que no lograron ser en sus vidas artísticas. Avanzan a pesar de las frustraciones del productor.

Sin embargo, el film es alentador porque, aún en medio de los grises de la rutina, estas mujeres del burlesque se sobreponen al desánimo y logran llegar a una meta en Burdeos que las redime de nostalgias por hechos inconclusos.

Amalric supo impregnar a este film del vértigo y la laxitud de toda tournée, o gira, así como de un tesón notable dentro y fuera del escenario donde la ficción plantea los shows. Esta película ha sido muy apreciada en diferentes festivales del mundo, tiene mucha calidad en fondo y forma, por lo que ha logrado siete nominaciones a los premios César así como galardones en Cannes y de Fipresci. Para ver.

Carlos Pierre

LA CASA DEL MIEDO

De Chris Kentis y Laura Lau. Con Elizabeth Olsen, Adam Trese, entre otros. Música de Nathan Larson. Duración: 80 minutos.

REGULAR. FANTASMAS EN UNA CASA ENDEMONIADA. BUENA REALIZACIÓN, POBRE GUIÓN

Una buena realización nunca suple a un buen guión. Si éste es endeble, los climas generados por el director, el diseño de arte, el compositor, el sonidista y el fotógrafo, quedan en la nada aunque puedan sostenerse en algo por las actuaciones. Es el caso de esta remake de “La casa muda”, película uruguaya del 2010, basada en hechos reales ocurridos en el Uruguay en 1940.

En “La casa del miedo” una joven acompaña a su padre y su tío a reacondicionar una casa de campo. Muchas velas encendidas, una suerte de “floating cam” que trabaja muy bien los primeros planos y, a partir de éstos, los planos secuencias, nos dan idea de que no todo estará tan plácido. Hay un largo preámbulo para meternos en la acción, si bien lo que vemos después es más de lo mismo aunque bien filmado; la narración es muy atractiva y los climas generados son atrapantes. Entre pequeños hallazgos está el haber filmado algunas breves secuencias a través de las hendijas de las puertas. Y con una cámara movediza que confiere una atmósfera casi escalofriante.

No obstante estos ítems tan bien logrados, así como la actuación de Elizabeth Olsen, en quien recae el peso del film, no logran superar unos flancos muy débiles del guión. Se sabe que habrá ruidos, puertas que se cierran extrañamente, sombras que aparecen cuchillos, tijeras tenebrosas, que hacen al género. Pero cargar las tintas con el abuso sexual y transformar a uno de los dos actores en un violento no ayuda a explicar lo que ocurre en esa casa, al parecer pobladas por fantasmas, especialmente el de una niña. Hay demasiado morbo en este planteo. Por otra parte, es poco creíble que uno adquiera una suerte de mansión deteriorada, sin recorrer sus cuartos, sin saber de antemano qué tiene y qué le falta. Tampoco hay explicación para algún personaje que toca el timbre y se le aparece a la protagonista. Una argucia del género, pero demasiado explícito o traído de los pelos. Ni hablar de las conclusiones a las que se va arribando.

Sabemos que estas películas atraen, tienen su público. Y que va a estar entre los primeros puestos de taquilla, dejándose de lado a alguna buena realización. Este atractivo que genera el género del terror no es suficiente, en nuestra modesta opinión, para calificarla como buena.

Elsa Bragato