GÜELCOM, LOS PITUFOS, SUPER 8, BARNEY'S VERSION, EMPLEADAS Y PATRONES, UN MUNDO MISTERIOSO, ESTRENOS JUEVES 4, BAIRES

JUEVES 4 DE AGOSTO DEL 2011.-

Hay cinco estrenos en fílmico, que incluyen un par de “tanks”.

SUPER 8

De JJ Abrams. Con Joel Courtney, Kyle Chandler, Elle Fanning, entre otros. Producción de Steven Spielberg.  Música de Michael Giacchino. Duración: 112 minutos.

MUY BUENA. ENTRETENIDO FILM CON REMINISCENCIAS DE ET Y OTROS DE

SPIELBERG

La idea es original. Cuenta con la producción de Steven Spielberg que se da el gusto de recordarnos muchos de sus grandes éxitos, incluyendo el ya mítico ET. Un grupo de chicos de un pueblo cercano a Öhio deciden filmar su “super 8” en la estación de tren del lugar., ubicándose la acción en 1979. Y para ello se preparan, se maquillan, se visten. Mientras inician la tarea, un tren viene a gran velocidad y descarrila, provocando un desastre de explosiones y destrozos inimaginables en esa localidad. El hecho queda registrado en la cámara, testigo valioso para cumplimentar el argumento. Luego aparecerá el Ejército de USA buscando “algo” que venía en los vagones relacionado con una sección de la llamada área 51. Un experimento que no debe ver la luz pero que los habitantes del lugar vivirán con temor y sin saber qué ha pasado.

El film resulta muy entretenido, de alguna manera es “más de lo mismo”, como solemos decir, pero esto no incomoda sino que encontramos guiños de las grandes producciones de Steven Spielberg que emocionan. Hay que destacar la originalidad de la idea, - el super 8 de los chicos del pueblo – y el transcurrir previsible y simpático a la vez del argumento.

El guión pertenece al director J. J Abrams y, que nos da un film bien realizado, efectista, familiar, y atrapante. No hay mucho para agregar salvo que es un film para toda la familia, con muchos efectos, con muchos sustos y la fórmula casi exacta, si la hay, para entretener a todo tipo de audiencia que busque un buen momento de esparcimiento cinematográfico. Nos gustó mucho dentro de su género.

Elsa Bragato

LOS PITUFOS

De Raja Gosnell. Con Neil Patrick Harris, Hank Azaria, Sofía Vergara, Tim Gunn, Anton Helchin, entre otros. Música de Heitor Pereira. Duración: 90 minutos.

BUENA. LOS “PEQUEÑOS AZULES” SE METEN EN NEW YORK

Como se sabe, Los Pitufos tienen un origen europeo: Pierre Culliford nació en Bruselas en 1921 y estuvo en la industria del cine animado. De él surgieron estos seres azules, concretamente en 1958 cuando varios personajes de una historieta encuentran a un personaje azul al que llamó “schtroumpf”, palabra difícil que un buen día el dibujante exclamó cuando no recordó “sal” y dijo cualquier cosa. En 1959 estos seres azules tuvieron su propia tira gráfica, y en 1965 llegó el primer largometraje en blanco y negro y recién en 1976 se filmó el primer largometraje a color de La Flauta de los seis schtroumpfs. Llegaron a América en 1983 y estuvieron acompañados por el lanzamiento de la serie televisiva realizada por Hanna-Barbera, los mismos del Oso Yogi.

La historia es simpática, viene doblada al castellano y nos mete en la aldea de los pitufos que se ven amenazados por el malvado Gargamel y su gato “caza pitufos”: está papá con barba blanca y conoce alquimia, pitufina que recrea la famosa escena de Marilyn Monroe sobre una boca de subte en New York, el torpe pitufo y varios personajes más muy conocidos por los chiquilines de la década del 80, seguidores de la tira.  Por supuesto encontramos muchos puntos de contacto con los cuentos tradicionales, la bruja de la Bella Durmiente, los siete enanitos de BlancaNieves, pero no está el príncipe y sí en cambio un “agujero” que los transporta al Central Park como novedad. Y de allí a la casa de un publicista de cosméticos. Las aventuras se sucederán así como los sustos de los humanos al ver a los seres pequeñitos azules. Se producirá empatía, amor por ellos y ganas de cuidarlos de las garras del malvado Gargamel.

La historia es entretenida y está destinada a los más chiquitos porque no tiene complicaciones argumentales, los pitufos se tienen que salvar y a eso apunta la trama, siguiendo las instrucciones de papá pitufo. Simple, directa, para la platea menuda. No está mal.

Elsa Bragato

GÜELCOM

De Yago Blanco. Con Mariano Martínez, Eugenia Tobal, Peto Menahem, Maju Lozano, Gustavo Garzón, entre otros.  Duración: 100 minutos.

BUENA. COMEDIA ROMÁNTICA SOBRE LAS SEGUNDAS OPORTUNIDADES

Estamos en presencia de una buena comedia romántica nacional con dos protagonistas probados ampliamente en la pantalla chica: Mariano Martínez y Eugenia Tobal (Leo y Ana respectivamente) sólidos y eficientes, creíbles en sus respectivos papeles. El es un psicólogo y ella decide probar suerte en España donde cocinará y hará tareas diversas para subsistir. Su regreso junto a un novio hispano complicará la situación de Martínez que ha intentado olvidarla pero los amigos en común parecen querer lo contrario.

La comedia transcurre en forma amable, tiene buenos climas, está bien ambientada y la presencia de buenos actores secundarios le dan aire y agilidad a la trama que no deja de ser convencional pero escefectiva. El hilo conductor lo dan las frases de los argentinos que vivieron o viven en el exterior. Si bien la estructura del film no está dividida por estas frases, le dan una estructura menos rígida y aportan datos que, a veces, no surgen claramente de las secuencias. Gustavo Garzón es el maestro psicólogo que aconseja a Martínez en momentos claves y está más cerca de lo pragmático que de las teorías freudianas. Peto Menahem vuelve a lucirse con su desparpajo (lo conocimos muy bien en tiras de Telefé). ¿Es posible olvidar de los rencores, de lo que no nos gustó del ser amado, y darse una segunda oportunidad? Éste es el motor argumental que está bien resuelto, aunque no se haya buscado la originalidad a ultranza ni cambiar la historia del género romántico. Hay ciertas secuencias que resultan abruptas en su terminación o bien no aportan nada. Y se nota una fotografía muy televisiva para nuestro gusto. No obstante, es una buena comedia romántica nacional, que se disfruta y no hace mal. Deja una sonrisa y no es poco.

Elsa Bragato

EL MUNDO SEGÚN BARNEY

De Richard J Lewis. Con Paul Biamatti, Dustin Hoffman, Scott Speedman, Minnie Driver, Rosamund Pike, entre otros. Música de Pasquale Catalano. Duración: 132 minutos.

BUENA. LAS CONSECUENCIAS DEL EGOÍSMO

Este film se basa en una novela muy reconocida de Mordecai Richler, canadiense influyente que falleció en el 2001. Barney, según críticos de su país, es casi el “alter ego” de Mordecai, quien aparece como un ser egoísta, centrado en sí mismo, sin piedad hacia su entorno (desde sus tres esposas hasta sus hijos y sus amigos), alcohólico y permisivo por donde se lo mire a cualquier otra adicción, con enorme suceso en la televisión de su país. Muchos consideran que se trata de un homenaje a Richler que tuvo gran incidencia en la vida cultural de su país.

Paul Giamatti encarna a Barney Panofsky, el productor de origen judío que recurre a su padre, a cargo de Dustin Hoffman, cuando lo necesita encontrando siempre un empujoncito para seguir viviendo la vida tal como la concibe, con escasas responsabilidades sobre los compromisos que contrae. Desde su primera boda, ocurrida en los 70 en Roma con una post hippy embarazada de un amigo suyo y su posterior suicidio por el abandono de Barney hasta su segundo casamiento con una ricachona gritona que lo engaña con su mejor amigo, Barney busca con desesperación el amor definitivo que encuentra de manera ocasional en medio de su segundo matrimonio. Este personaje está a cargo de una encantadora Rosamund Pike, quien le da dos hijos, un hombre y una mujer. Éstos despreciarán a su padre cuando el inevitable divorcio llegue. Pero estarán a su lado cuando la vida lo golpee duramente en su salud.

¿Qué encontramos en la adaptación del libro? Muchos detalles, muchas secuencias demasiado extensas para el gusto argentino, y algo que no se hizo y que nos parece fundamental: estamos en presencia de un productor de TV muy exitoso con grandes problemas personales por su personalidad egoísta. Sin embargo, es lo que menos se ve, es decir, las secuencias que nos muestran a Barney en acción como productor de TV son breves, anecdóticas y no aportan elementos que debieron ser sustanciales para determinar aún más el carácter rígidamente “self-centered” del personaje.  La apoyatura en el histrionismo inigualable de Paul Giamatti (recordemos su personaje en “Entre copas”) es la herramienta que utiliza Richard J. Lewis para llevarnos  a través de una vida desordenada que se desarrolla en dos continentes, que conlleva tres matrimonios frustrados y un homicidio dudoso del mejor amigo. El tema no se resuelve, queda “colgado” y se remueve en la mente de Barney en el final de su vida. Por ahí una secuencia nos indica que ha salido a la luz en la Justicia pero es un cabo suelto, o bien adrede o bien un desafortunado error argumental dado que no tiene mayor sentido dentro de la propuesta.

Entonces, veremos el transcurrir de la vida de un hombre egoísta y adicto al alcohol con el telón de fondo de su profesión, a la que poco se recurre y donde, insistimos, debieron encontrarse muchos elementos para afianzar su personalidad. Es decir, se debió dar vuelta el libro para adaptarlo al cine dado que son artes diferentes con distintos lenguajes. La literalidad no siempre es buena consejera. Lo atrapante es la actuación de Paul GIamatti, que recibió premios por esta actuación y su combinación con Dustin Hoffman, siempre creíble, acertado, aún en sus gestos mínimos. Hay paneos de famosos directores canadienses pero esto queda para el restringido mundo canadiense del cine. Solo aportan sus respectivas popularidades en aquél medio y la curiosidad para quienes los conocen aquí a través de fotos. El espectador disfrutará de una gran actuación de Giamatti en medio de un argumento por momentos embelesado en diálogos y acciones muy extensos  e innecesarios.

Elsa Bragato

EMPLEADAS Y PATRONES

De Abner Benaim. Documental. Música de Pedro Onetto. Duración: 64 minutos.

BUENA. BAJO EL MISMO TECHO EN PANAMÁ

Abner Benaim aborda el tema de las empleadas domésticas con sus empleadores en su país natal. Panamá. Muestra a ricos y pobres conviviendo bajo un mismo techo con emociones e intereses confrontados. Pocos acceden a una convivencia de dignidad y respeto. El film enfoca muchísimos casos, cada uno de ellos con matices diferentes. Y parte desde la llegada a sus lugares de trabajos de las empleadas domésticas quienes deben, casi siempre, afrontar largos y penosos aprendizajes ya que vienen de estratos sociales pobrísimos.

Abner Benaim estudió en Pennsylvania, y en Tel Aviv. Produjo documentales independientes que fueron presentados en Jerusalem, Tel Aviv, Haifa, Los Angeles, Chicago, Nueva York, Miami y Panamá, recibiendo múltiples nominaciones y premios en festivales internacionales.

Esta barrera inquebrantable que separa a empleadas y patrones está tratada con rigor, matizada con situaciones divertidas que suceden en barrios privados y en lujosos departamentos panameños. Es un documental interesante.

Carlos Pierre

UN MUNDO MISTERIOSO

De Rodrigo Moreno. Con Esteban Bigliardi, Cecilia Rainero, Rosario Blefari, Leandro Uria, entre otros. Música de Juan Ravioli. Duración: 107 minutos.

BUENO. UN VIAJE INTROSPECTIVO A TRAVÉS DE LA CIUDAD

Este segundo film de Rodrigo Moreno (el anterior fue el exitoso “El custodio”) es “un trabajo de narrativa libre y espíritu anárquico”, según propias palabras del realizador. Qué significa? Una aproximación nos la da el propio guión, desde el mismo comienzo cuando una pareja se separa a instancias de la mujer, que le pide a su compañero que le dé tiempo, un tiempo que le hará al joven una libertad desconocida para recobrar lugares de Buenos Aires que parecían extinguidos o cubiertos por la prisa de lo cotidiano. Qué es lo que redescubre? Algunos sitios, algunas cosas antiguas como el tocadiscos, la soda servida en un bar viejo que se resiste a la modernidad, el Bianchi Borgoña y, esencialmente, la compra de un viejo Renault 6 que le permite distanciarse de su pareja, conocer a otras mujeres, alternar con antiguos compañeros, vivir un tanto anárquicamente, practicar una fuga. Todo ha sido fruto del pedido de su compañera.

El “mundo misterioso” que da título al film es el mundo perdido por el personaje, quien recorre la ciudad de sur a norte, de este a oeste, buscando rincones antiguos, que creía perdidos. La separación inicial de la pareja le permite a uno de sus integrantes redescubrir la vida y al mismo tiempo redescubrirse. Habría que preguntarse si vivir en pareja es una suerte de “olvido” de la vida, tal como está planteado por el director.

La película fue rodada en gran parte en el barrio de Congreso que, según la actual división, pertenece a la comuna de Balvanera. Y el punto de referencia es un hotel ubicado en la esquina de Ayacucho y Mitre, barrio del realizador.La música también busca elementos del pasado: una canción cantada por Carlos Gardel, “Dejá”, cuya letra tiene que ver con algunos aspectos del argumento. Es una grabación poco conocida de 1931. Se rescata también una canción de Atahualpa Yupanqui, agregándose así otra rareza del “pasado” que apunta la decisión del personaje principal. Rodrigo Moreno recobró una joya perdida por la vida moderna, a través de la excusa del protagonista, esa libertad repentina que lo sumerge en una búsqueda personal e introspectiva aunque tenga relación con elementos externos. Interesante propuesta, especial para cinéfilos.

Carlos Pierre

CAPITÁN AMÉRICA, LOCO ESTÚPIDO AMOR, EL FIN DEL POTEMKIM, COPIA CERTIFICADA

JUEVES 28 DE JULIO DEL 2011.

Hay cuatro estrenos en Buenos Aires.

CAPITÁN AMÉRICA

De Joe Johnston. Con Chris Evans, Hugo Weaving, Stanley Tucci, entre otros. Música de Alan Silvestri. Duración: 125 minutos.

MUY BUENA. TRADICIONAL CÓMIC TRANSFORMADO

EN ATRAPANTE FILM DE EFECTOS ESPECIALES

Un alfeñique, débil, intentó sumarse a las filas del Ejército norteamericano durante la Segunda Guerra mundial. Pero su estado físico era tan calamitoso que no lo logró de manera directa. Salvo cuando aceptó someterse a un tratamiento novedoso de un singular científico que lo transformó en una suerte de Hércules. Así pudo luchar contra los Nazis, concretamente contra el plan Hydra, que superaba en poder al del mismo Hitler aunque estaba bajo su mando.

El film está basado en un personaje que apareció en Timely Comics, el precursor de Marvel, en los 40, la era de Batman y otros superhéroes todavía vivitos y coleando gracias a la magia insuperable del cine.

La película está filmada en un color sepia que le otorga una pátina de realidad al ubicarse el argumento en la década del 40 en plena Segunda Guerra Mundial. Se puede pensar que se verá más de lo mismo. Sin embargo, el enfoque de Johnston resulta refrescante y atrapante, esto último por las secuencias de luchas y efectos especiales que se encadenan de manera tal que el espectador se siente atrapado y con gran empatía por el personaje. Chris Evans logró darle a su Captain América el rictus preciso, la gestualidad necesaria para que no deje de ser un cómic pero no pierda humanidad al mismo tiempo.

Hay momentos de cierta ingenuidad, que vienen bien porque la historia es de los 40 y no del siglo XXI. Se hacen guiños a la tradición del cine norteamericano de la época, el beso del héroe con la joven y bonita heroína, en medio de una batahola infernal de tiros y explosiones, por ejemplo. Y se añaden elementos poderosos como un extraño cubo de hielo, tal vez lo sea…, que tiene una poderosa energía. Quien lo posea hará posible cualquier desmán. He aquí la misión de Capitán América.

Energía, imaginación, potencian a este héroe del cómic que tiene un agregado muy importante al final de todos los créditos: no hay que levantarse de la butaca sino esperar que termine el “copyright” para ver una escena que anuncia el comienzo de la saga, ya como Los Vengadores, junto a Samuel L. Jackson, en el 2012. Un film para entretenerse con todas las ganas.

Elsa Bragato

LOCO, ESTÚPIDO, AMOR

De Glenn Ficarra y John Requa. Con Julianne Moore, Steve Carell, Ryan Gosling, Kevin Bacon, entre otros. Música de C. Beck y Nick URata. Duración: 118 minutos.

MUY BUENA. INTERESANTE COMEDIA QUE, SIN PERDER EL RITMO,

NOS HACE PENSAR SOBRE EL MATRIMONIO

No es una comedia más de ésas que son para pasar el tiempo. Aquí el título responde tanto en inglés como en su traducción al castellano a la diversidad de emociones que puede generar el amor, el primer amor, el único, la infidelidad, el tercero en discordia, la familia, el divorcio, y la diferencia generacional hasta que… el amor golpea las puertas de jóvenes y adultos.

Steve Carrell compone a Carl, un hombre a quien su mujer le confiesa su infidelidad momentánea con un compañero de trabajo y decide divorciarse. Por momentos, patético, en otros, con madurez. El alcohol como método de olvido, la aparición de un joven que le enseña cómo ser un “ganador” y la vida con sus tejes y manejes que lo complica y lo resuelve todo.

Luego de 25 años de casamiento, el matrimonio de Carl sucumbe. Nadie perdona al otro. Pero hay hijos, una adolescente con carrera universitaria y un jovencito que no terminó la primaria y que tiene respuestas propias de los chicos actuales con los que desubica a sus padres: el niño sueña con un amor para toda la vida y con pelear por conseguirlo, y lo demuestra con su enamoramiento absoluto, pero maduro a la vez, de la niñera, una compañera de escuela mayor que él. Un ejemplo que no tardará en dejar secuelas en sus adultos papás.

Se trata de una comedia romántica, pero adulta a la vez, especial para parejas con 40 años de edad, o sea con varios años de matrimonio a cuestas y con hijos. Qué nos puede sacar del hogar, quién puede lograrlo? Realmente existe el amor para toda la vida? Es un sueño, se lo pelea, se lo consigue, se lo mantiene? Cómo?

Hay secuencias hilarantes, no se cae en excesos, hay secuencias que nos dejan una sonrisa emotiva, otras que nos hacen pensar, en algunos momentos podremos creer que se cae en lo mismo, pero… el amor tiene las mismas aristas siempre aunque lo neguemos.  Todo esto sin perder el ritmo de comedia brillante. No es poco. No se la pierdan.

Elsa Bragato

COPIA CERTIFICADA

DE Abbas kiarostami. Copn Juliette Binoche, William Shimell, entre otros. Duración: 105 minutos

MUY BUENA. LA REALIDAD Y LA FICCIÓN EN LA VIDA Y EN EL AMOR

Este film de Abbas Kiarostami nos trae al gran realizador iraní a la pantalla nacional con una historia diferente y con matices distintos: es la primera vez que filma fuera de su país, en este caso en Arezzo y Lucignano. El nudo argumental es un caso de su propia vida: el encuentro con una mujer en una ciudad europea durante un día, a la que nunca volvió a ver. Y su encuentro con la actriz francesa Juliette Binoche que se enamoró de la anécdota y lo invitó a filmarla con ella como protagonista.

En el relato, Juliette no tiene nombre específico sino que es “Ella”, y Kiarostami está interpretado por el barítono William Shimell, a cargo del protagónico James Miller. La presentación de un libro del personaje titulado Copia Certificada permite el encuentro de “Elle” con el escritor. Copia certificada se refiere a las copias que se hacen de las grandes obras de arte en todos los museos del mundo y que, como seguridad, tienen la etiqueta de un renombrado “copista”. Pero, a partir de esta premisa, se abren muchas otras posibilidades de “copias”, desde la fundamental idea de Platón de que somos sombras de las verdades absolutas o sea meras copias hasta la verdad relativizada de cada uno de nosotros y el planteo esencial de dónde está lo verdadero y lo falso. El encuentro de la galerista, madre de un niño de 11 años, y el escritor que presenta su libro es inmediato y ambos se embarcan en una recorrida por la zona analizando estos temas de manera adulta, simple, profunda.

Se encuentra gran semejanza con Antes del Atardecer, aunque aquí el manejo fotográfico y secuencial es diferente y, por supuesto, las edades de los protagonistas también: Kiarostami deja en escasas oportunidades la cámara fija sobre una ventana, paisajes distintos, un recorte de la realidad que tiene estrecha relación con el mensaje del film.

Es ambiguo también el relato: es copia o es realidad esta relación entre el escritor y la galerista? Se conocieron hace 15 años y se reencontraron? Simulan y juegan con este anterior encuentro? “Elle” no deja de comportarse como una mujer interesada en el amor de ese hombre, se pinta los labios, lo enoja, bebe un poco más de vino, se pone un traje de novia,  lo invita a un cuarto de hotel, pero él, James, tiene que dejar la ciudad a la noche, cuando las campanas de la ciudad marquen la hora. La ambigüedad tiene que ver con la relatividad de la verdad para el ser humano, y con el planteo de Abbas Kiarostami que no abandona sus premisas intelectuales sino que las carga de preciosismo en todos sus aspectos. Agregamos que están muy bien definidos los roles femenino y masculino respectivamente como pareja.

Nunca sabremos si la galerista y el escritor se habían conocido antes o si solo quisieron jugar esos roles para desarrollar sus diálogos, empáticos, humanos, cálidos. Juliette Binoche ganó el premio a la mejor actriz en el Festival de Cannes por este rol al que ha dotado de enorme calidez, credibilidad, potencia y frescura, femineidad y riqueza interpretativa, manejándose en francés, italiano e inglés con absoluta fluidez. Un bello film con una historia romántica que atrapa aún teniendo matices muy intelectuales, que nos deja un sabor agridulce. Si es, si fue, si es posible…

Carlos Pierre

EL FIN DEL POTEMKIM

De Misael Bustos. Documental.  Música de Guillermo Pesoa. Duración: 79 minutos.

BUENO. BUEN COMIENZO PARA UN NOVEL DIRECTOR

Misael Bustos es oriundo de Mar del Plata y el productor de este film, su ópera prima, junto con Luis Puenzo. Entre ambos hay una gran unión profesional que merece destacarse: Bustos es coordinador de postproducción de cine publicitario en la productora Puenzo Hnos, e Historias Cinematográficas. También estuvo a cargo de la postproducción de XXY, de Lucía Puenzo.

Según cuenta el director, escuchó la historia del documental de la boca de un marino marplatense: es la de los marinos soviéticos varados a fines de 1991 cuando la Unión Soviética cayó luego de la Perestroika.

Viktor Yasinskiy y, a través suyo, Anatoli Atankievich, son los dos marineros rusos con quienes se relacionó Misael Bustos para relatar el desarraigo que sufrieron a causa del barco factoría que quedó abandonado en Mar del Plata por el suceso político indicado antes.

El tema vital era sobrevivir en un país tan distante, sin conocer el idioma, sin documentación para regresar a sus hogares, abandonando sin querer a familiares, mujeres, hijos. El nombre del barco era Latar II, del que ahora quedan sus restos herrumbrados en Mar del Plata. El título del film hace alusión a la película antológica de Sergei Eisenstein, inspirada en la sublevación de los marineros del puerto de Odessa, en Ucrania, hecho ocurrido en 1905, siendo la película de 1925.

La producción de Bustos es inusual para un documental nacional: filmó en Moscú, Bielorrusia, Letonia, además de Mar del Plata y la Patagonia, apuntalando el relato con los recuerdos de estos dos marineros en especial, pues otros emigraron a otras ciudades y se les perdió el rastro.

Es un producto de gran factura por la laboriosidad e investigación de aquel suceso que muchos recordamos. Hay muchos sentimientos en juego a partir de do s historias de vida cargadas de frustraciones y tristezas, todos elementos emotivos que atrapan. Y estamos en presencia de un prometedor trabajo de Misael Bustos como realizador. El documental no pasa desapercibido para los sentimientos de los espectadores.

Carlos Pierre

LOS PINGÜINOS DE PAPÁ, LA REENCARNACIÓN DE LOS MUERTOS, ATRAPADA, LAS AVENTURAS DE NAHUEL, ESTRENOS DE CINE EN BUENOS AIRES

JUEVES 21 DE JULIO DEL 2011.

Hay cuatro estrenos de cine en la ciudad de Buenos Aires. No comentamos “Las aventuras de Nahuel”, film indicado para los más pequeños. Esta semana hay un “combo” de thrillers entre la reaparición de G. Romero y de J. Carpenter.

LOS PINGÜINOS DE PAPÁ

De Mark Waters. Con Jim Carrey, Carla Cugino, Angela Lansbury, entre otros, y los pingüinos. Música de Rolfe Kent. Editor musical: Nick South. Duración: 94 minutos.

BUENA. DIVERTIDO ENREDO DE UN EMPRESARIO CON PINGÜINOS, MENSAJE ECOLÓGICO Y FAMILIAR

Jim Carrey nos tiene acostumbrados a sus “carotas” y gestualidades exageradas. En este film se atiene al personaje, un padre empresario que debe concretar, en el frío invierno neoyorquino, una transacción con una dueña difícil, a cargo de la carismática y creíble Angela Lansbury. Su padre, abandónico, muere y le deja el legado de seis pingüinos que le cambiarán la vida.

El film tiene un mensaje positivo: cómo, desde el cuidado a animalitos uno puede aprender a cuidar a sus seres queridos, sus hijos, recomponer un matrimonio. Parece mucho pero no lo es, especialmente para quienes hemos experimentado el cariño de una mascota. En este caso, son exóticas, como los pingüinos, y deben tener un hábitat que no es un departamento en la Quinta Ave de New York.

El pressbook indica que hay un libro que fue adaptado al servicio de Jim Carrey. Se trata de “Mr Popper’s Penguins” que escribieron Richard y Florence Atwater, inspirados por el documental sobre la Antártida de Richard Byrd. Y sinceramente nos parece más que bien esta adaptación porque el resultado es un film simpático, entretenido, previsible pero no por eso malo, y cumple con todos los objetivos de un film ideal para la familia.

No vamos a entrar en detalles argumentales, solo decirles que el coqueto departamento neoyorquino, casi enfrente del Zoo que fuese una donación de Jacqueline Kennedy hace años a la ciudad, tendrá una fuerte transformación solo por amor a los animales y unión familiar.

No saldrá defraudado. Eso sí, no le pida peras a los olmos, es para entretenerse y pasarla muy bien con su familia con un buen mensaje, necesario en estos tiempos.

Elsa Bragato

LA REENCARNACIÓN DE LOS MUERTOS

De George Romero. Con Alan Van Sprane, Kenneth Welsh, entre otros. Música de Robert Carli. Duración: 90 minutos.

BUENA. LOS ZOMBIES REGRESAN ENTRE LA COMEDIA Y EL WESTERN, UN RENOVADO TERROR BURLÓN

El gran maestro del terror moderno, creador del género de los “zombies” en 1968, George Romero, se reinventa, sus zombies no mueren nunca, y terminan por asustarnos una vez más.

Entre la comedia y el western de terror, La reencarnación de los muertos, sexto título de esta serie (nació con El regreso de los Muertos Vivos, 1968), se sitúa en una isla remota donde soldados por la guerra eterna entre los humanos creen haber encontrado un remanso de paz. Aquí añadimos que el film se dio hace dos años en Venecia, o sea nos llega con atraso. A modo de western, y he aquí uno de las renovaciones e reinvenciones de George Romero, se enfrentan dos familias, una protegiendo a los muertos vivos que mantienen encadenados, y la otra tratando de darles caza. Una excusa para darle un giro al guión.

Este enfrentamiento desatará una interminable orgía de sangre, de despojos humanos que vuelan por al aire y dan la sensación de caerle al espectador!

Hay otros elementos que destacamos de este nuevo film de zombies: es visualmente más claro, no hay una recurrencia a la nocturnidad para dar énfasis al pánico que igual sobrevendrá. Y este giro sorprende en la filmografía de género de George Romero. Las muertes ocurren de día, a la vista de todos en medio de un paisaje bucólico, pleno de vegetación y con bellos lagos.

George Romero no se rinde, tiene un público cautivo y va por su 13 película con una legión de fanáticos increíble en todo el mundo. Romero ha descubierto sus propios atajos argumentales y va por ellos para que la saga de los zombies no muera nunca.

Nadie se va a aburrir y también se van a sonreir. El paisaje del western clásico ahora se puebla de estos maltrechos muertos vivientes que cuentan con una cuidada fotografía.

Terror burlón que busca indicarnos que ni siquiera en la isla más remota y solitaria estaremos en paz si habitan hombres. Por el contrario, se desatará alguna lucha feroz por la índole misma del ser humano, egoísta y creído de sus propios razonamientos. Para fans de  Romero!

Carlos Pierre

ATRAPADA (THE WARD)

De John Carpenter. Con Amber Hear, Lindsy Fonseca, entre otros. Música de John Carpenter y Mark Kilian. Duración: 88 minutos        

BUENA. ESPANTO EN DOSIS CONOCIDAS Y AMBIGUAS 

El regreso de John Carpenter, maestro del terror, después de siete años de inactividad, pareciera que ha humedecido el fuego terrorífico de aquellos hitos como La niebla, Halloween o Asalto al precinto 13. Con “Atrapada”, un thriller psicológico ubicado en un neuropsiquiàtrico público, cercano a Oregón, nos muestra más de lo mismo, habida cuenta la enorme cantidad de thrillers psicológicos que han inundado la pantalla durante estos años, muchos muy buenos (recordamos Isla Siniestra, de Scorsese, con Di Caprio, por ejemplo).

El argumento gira sobre varias jóvenes que son encerradas en este centro médico. La protagonista, una bella joven, es la última en ser atrapada. El comienzo del terror se da al dìa siguiente, cuando amanece cubierta de cortes y moretones. De ahí en más se verán atrocidades, horrorosas sesiones de electroshocks, y la desaparición de las internadas. Como es de suponer, la protagonista tratará de escapar. Pero entra a tallar el manejo del horror y el suspenso de Carpenter y la ambigüedad de la trama. Llega un punto en el que el espectador deberá afinar su atención para tratar de comprender si todo es producto de mentes enfermas o todo es una realidad sin vueltas.

Sin ser un dechado de innovación, está vigente esa impronta de tinieblas con que Carpenter mueve sus personajes. A medida que avanza la narración, resulta imposible hallar un cabo, una luz, en los oscuros pasillos del hospital, sacudidos por espantosos quejidos. Es una pesadilla la permanencia forzada de la protagonista en ese lugar, donde van desapareciendo las otras mujeres, o tal vez, nunca existieron realmente, salvo en la mente de la joven.

No es el mejor Carpenter, sin duda. No obstante, su reaparición siempre es un gesto que se agradece. Sin duda, el año que viene tendrá mayores objetivos y mejores efectos con una creatividad más afilada para sorprendernos. Por ahora, es lo que hay. Para fans del terror, este film nunca está mal. Sustos van a tener.

Carlos Pierre

HARRY POTTER Y LAS RELIQUIAS DE LA MUERTE PARTE II, APRENDER A VIVIR, HERMANITOS DEL FIN DEL MUNDO, ESTRENOS JUEVES 10 JULIO, BUENOS AIRES

JUEVES 14 DE JULIO DEL 2011.-

Hay cinco estrenos. No comentaremos Tengo algo que decirles.

HARRY POTTER Y LAS RELIQUIAS DE LA MUERTE, 2DA PARTE, EN 3D

De Daniel Yates. Con Daniel Radcliffe, Emma Watson, Ralph Fiennes, Gary Oldman, Rupert Crint, Alan Rickman, Maggie Smith, entre otros. Música de Alexandre Desplat. Duración: 130 minutos.

EXCELENTE. BRILLANTE FINAL DE LA BRILLANTE SAGA “HARRY POTTER”

La octava película de Harry Potter nos lleva al final de la saga que escribió J.L. Rowling desde hace 14 años y que llegó al cine desde el 2001 con siete antecesoras apasionantes, algunas con debilidades cinematográficas. No obstante, se creó una legión de fans de Harry Potter y de estudiosos del lenguaje creado por Rowling, que contiene tantos elementos fantasiosos como los que merece todo heredero de la cultura anglosajona. En síntesis, 10 años y 8 películas.

Si ya nos habían apasionado la intriga y las luchas de Harry Potter y las reliquias de la muerte parte 1, en esta segunda parte y final nos sentimos atrapados desde el comienzo hasta el “The End”. David Yates, director de la tV inglesa, tuvo a su cargo los tres últimos films de H.P., con algunas debilidades, como señalamos, pero logró superarlas y darle un giro a la historia de Rowling, tan bien traspuesta al cine por el guionista Steven Kloves, que nada puede reprochársele: magia, atracción, suspenso, acción, dolor, alegría, hecatombes, todo lo que usted imagine está aquí en grandes dosis pero justas, exactas, para que se atornille a la butaca.

La banda sonora de Alexandre Desplat no hace más que aumentar el brillo y la melodía iniciales que John Williams, ganador de tantos Oscars por su creatividad como compositor, le diera a las primeras películas de H.P. Aquí hay hondura musical, climas sonoros fantásticos, que apuntalan cada secuencia del film.

Y, sí, no espere más de nuestro comentario. Eso sí: la clave está en la “espada de Gryffindor” para destruir a los “horrocruxes” que quedan.  Si se dice una palabra más se descubre el misterio de este film que merece ser visto no solo por los seguidores de H.P. sino por todos los que aman un “tanque” cinematográfico bien hecho, bien actuado, con actores que comenzaron en la saga teniendo 12 años y hoy son jóvenes hombres de la industria del cine mundial.

Como paliativo a tan flaco comentario por razones obvias, les dejamos los títulos de esta supersaga, sin precedentes: Harry Potter y la piedra filosofal (2001), Harry Potter y la Cámara Secreta (2002), Harry Potter y el prisionero de Azkaban (2004), Harry Potter y el cáliz de fuego (2005), Harry Potter y la Orden del Fénix (2007), Harry Potter y el Misterio del Príncipe (2009), Harry ´Potter y las reliquias de la muerte Parte 1 (2010) y Harry Potter y las reliquias de la muerte Parte 2 (2011).

No tendrá respiro. Y saldrá satisfecho del cine, si bien con un dejo de tristeza porque no habrá más Harry Potter. Sí hay un sitio en internet para seguir disfrutando de la magia del joven hechicero y del talento de su creadora, Rowling.

Elsa Bragato

HERMANITOS DEL FIN DEL MUNDO

De Julio Midú. Con Diego Topa, Muni Seligmann, Norma Pons, Gabriel Corrado, Fabio Aste,Elizabeth Killian, la Pandilla del Sol, entre otros.Duración: 86 minutos.

BUENA. ENTRETENIDO RELATO CON DOS ESTRELLAS DE LA TELE

Topa y Muni, famosos por Disney Channel, encabezan esta aventura infantil que se desarrolla en Ushuaia, la ciudad del “fin del mundo”. La dirigió Julio Midú, que es el responsable de Cine con Vecinos, iniciativa en Saladillo, provincia de Buenos Aires, con su correlato en televisión. Un polo artístico en el país que hay que tener en cuenta y sumar a cualquier iniciativa porteña.

Midú convocó a renombrados actores para rodear a los chiquilines: Norma Pons como una especie de Gatúbela, Gabriel Corrado en el papel de un acaudalado empresario, Elizabeth Killian en calidad de directora del Hogar Comunitario de Ushuaia, Mimí Ardú como la maestra de los internados, y La Pandilla del Sol como lo que son, un conjunto musical juvenil.

La clave argumental está en la venta de la casona que ocupan los chicos por lo que la comunidad y los niños de la escuela harán lo imposible a fin de impedirla. El grupo La Pandilla del Sol y Topa (que se anima a cantar) realizan un festival musical con el entorno mágico de l a naturaleza de Ushuaia a fin de recaudar fondos.

El guión es simple, fresco, con muchas canciones, idas y vueltas propias de una historia previsible y simpática a la vez.  Es un estreno oportuno para estas vacaciones de invierno. Los chicos verán en pantalla grande a sus héroes de la televisión. También es posible, decimos, hacer un “cine blanco”, sin engorrosos argumentos, para disfrutar en familia.

Carlos Pierre

APRENDER A VIVIR

De Derick Martini. Con Alec Baldwin, Kieran Culkin, Jill Hennessy, Timothy Hutton, entre otros. Duración: 95 minutos.

BUENA. EL FIN DE LA ADOLESCENCIA EN MEDIO DE PROBLEMAS FAMILIARES

Por un lado, el film nos presenta el tema de la enfermedad “lyme”, que se contrae por la picadura de la garrapata de ciervo (relacionado con el medioambiente en el que se desarrolla la acción, presuntamente Long Island). Por el otro, la interrelación de dos matrimonios y sus respectivos hijos adolescentes. Sin embargo, el tema de la enfermedad se diluye y es el cabo bastante suelto que nos dejan el director y los guionistas, al menos no tiene gran incidencia en la vida del adolescente que se enamora, que es tímido, y que intentará superar desde las agresiones de sus compañeros de escuela hasta la separación de sus padres, pasando por el enamoramiento de la hija de amigos de sus padres, con quien comparte la  High School.

El relato zigzaguea entre las ríspidas y violentas relaciones de los adultos, la infidelidad de los padres (la madre de la joven saldrá con el padre de Scott) y este despertar a la vida de un jovencito, Scott, que se debate entre el bien, el mal y el deseo imperioso.

Hay muy buenas actuaciones de los adultos y del plantel juvenil. Se trata de un film interesante, con la salvedad de que “Lyme”, que da pie al título también, la enfermedad de la garrapata de ciervo, no tiene mucho que hacer acá. Ni siquiera sirve como motor argumental aunque así se lo plantee (pudo buscarse otra excusa para la infidelidad). Salvando esto, veremos un film sobre el despertar sexual adolescente, sin escenas demasiado escabrosas, y los adultos envueltos en similares situaciones que las de sus hijos. ¿Quién puede resolver sin herir el mandato del deseo? ¿Quién es más infeliz, el adulto que cree saber o el adolescente que debe aprender? Son subtemas muy interesantes.

Elsa Bragato

DE DIOSES Y HOMBRES, MALAS ENSEÑANZAS, CARS 2, EL RETRATO POSTERGADO, ESTRENOS JUEVES 7 DE JULIO, BUENOS AIRES

 

JUEVES 7 DE JULIO DEL 2011.-

Hay cinco estrenos esta semana. Comentamos cuatro films.

DE DIOSES Y HOMBRES

De Xavier Bauvois. Con Lambert Wilson, Michael Lonsdale, Olivier Babourdin, Philippe Laudenbach, Jacques HErlin, Loic Picho, Xavier Maly, Jean Marie Frind,  entre otros. Duración: 120 minutos.

EXCELENTE. LA FE FRENTE A LA VIOLENCIA BASADA EN LA MASACRE DE TIBHIRINE, 1996

A veces la intensidad se logra sin efectos especiales. Con narración y con diálogos unidos a grandes actuaciones. Es el caso del film De Dioses y Hombres, que nos cuenta la masacre de los siete monjes trapenses ocurrida el 26 de marzo de 1996 en Argelia, donde estaba el monasterio Notre Dame fundado en 1936, exactamente en el Monte Atlas. Un dominio francés, una independencia alcanzada en 1962, los bereberes pacíficos y los religiosos fanáticos (el GAI (grupo armado islámico) trastocando el Corán, son algunos de los puntos donde Xavier Bauvois presiona en el argumento para lograr un film con suspenso y belleza, con horror y terror, con contrastes de paisajes y sonidos. El caso llegó en su momento hasta el Vaticano y hubo dos pedidos de clemencia por parte de Juan Pablo II que no fueron escuchados.

La vida en un monasterio no es fácil de retratar. Bauvois lo consigue a través de una tarea minuciosa, de escenas enlazadas con diálogos y acciones que van in crescendo o bien la violencia que irrumpe y quiebra la paz de la oración y de los trabajos cotidianos.

La miel y las medicinas, una vida trapense real, fueron los elementos de unión entre la vida católica de los monjes bajo la conducción del padre Christian (a cargo de Lambert Wilson), la comunidad berebere femenina acudiendo a ser atendida por los trapenses, manejados por un gobierno corrupto que, sin embargo, intenta hacer regresar a los monjes a Francia.

He aquí donde se enfrenta el deber de la Fe con el deber a la Vida misma, dónde está el Cristo, si en las oraciones y la entrega del propio cuerpo a la demencia asesina o en la supervivencia para seguir siendo útiles a la causa de principios éticos irrenunciables. Cabe preguntarse si es lícito, entonces, aceptar el destino que se puede modificar en pos de postulados que no son parte del dogma religioso y, en cambio, han sido imposiciones del mismo ser humano.

Encontramos una gran habilidad para la oposición de planos paisajísticos de gran placidez con la estremecedora llegada de los terroristas y sus matanzas, que no están ahorradas en las secuencias de Bauvois. Hay momentos que nos remiten a la vida misma de Jesús narrada en los Santos Evangelios: la traición de Pedro cuando lo entrega representada aquí por el abordaje de los terroristas a uno de los padres quien no duda en dar el nombre del padre Christian. O bien en la última cena de los monjes, cuando los peores augurios están sobre ellos, con el fondo de El lago de los Cisnes, de Tchaivosky. Tanta acción tiene sus justos tiempos, y algo notable es que el film funciona en el espectador porque esos momentos de placidez religiosa captan la atención. Encierran algo especial que luego devendrá en la acción temida, aquélla que no se desea.

Los diálogos entre los sacerdotes son cotidianos, llegan al corazón rápidamente. Es que manifiestan su humanidad a través del temor, el ruego en las oraciones de no morir, las dudas sobre dónde está la Fe y dónde debieran preservarla. La vida como entrega absoluta o la vida como Fe en acción.

Esta película obtuvo el Gran Premio del Jurado en el Festival de Venecia como Mejor Película, también obtuvo varios premios César, entre ellos, a la mejor película también. El actor Michael Lonsdale conquistó el premio César al mejor actor de reparto.

La recomendamos. No estamos frente a un film complaciente. Es una película fuerte, con secuencias duras, que aporta emotividad, subtemas que movilizan, y nos muestra, con claridad, la diferencia entre el terrorismo islámico y la fe islámica, dato no menor en estos tiempos. El hecho ocurrió, es la “biopic” de un suceso real que conmocionó al mundo y que hoy nos conmociona desde la pantalla.

Elsa Bragato

MALAS ENSEÑANZAS

De Jake Kasdan. Con Cameron Díaz, Justin Timberlake, Jason Segel, Eric Sgonestreet, entre otros. Duración: 92 minutos.

BUENA. UNA MAESTRA SIN ESCRÚPULOS, DROGADICTA, SEDUCIDA POR EL BUEN AMOR

Uno puede pensar que se trata de un film para adolescentes. Sin embargo, la potencia de algunas secuencias de “Malas enseñanzas” o “Bad teacher” nos indican que no es así. Esta película de Jake Kasdan tiene a Cameron Díaz como protagonista, una mujer que da clases no se sabe bien por qué, no está claro si tiene título de maestra, si enseña porque sí, pero igual sirve a los efectos del guión. La abandona su novio y decide buscar a un millonario para vivir de arriba. No tiene escrúpulos, eso está claro desde la primera toma. Y su objetivo es juntar 6500 dólares para tener “lolas” nuevas, convencida de que solo así podrá gustarle a un hombre rico.

El cuerpo curvilíneo y delgado hacen de Cameron Díaz la maestra ideal que enloquece a los padres de los alumnos, a los nuevos profesores, sin caer en la cuenta de que hay un hombre que la espera con paciencia y tesón. El amor se debatirá entre la obtención de ese dinero o los brazos del profesor amante.

El argumento no tiene caídas pero sí escenas escatológicas como la visita de la maestra celosa de Cameron al baño donde está el rector y la secuencia de relación sexual entre Cameron Díaz  y Justin Timberlake, ambos vestidos. La sorpresa para el espectador no será agradable.

No obstante la escatología está dosificada, hay que reconocer!, los diálogos contienen gran picardía, otros mucha osadía y hay escenas de histeria de una maestra de grado que hoy no se admitirían: tirar los escritos de los alumnos por el aire, ponerles películas en vez de dar clases, dormirse sobre el escritorio y una irreverencia inusual para el rol de una enseñante.

Todo en dosis: escatología, sexo, insinuación, picardía.  Sí hay un exceso de escenas de drogadicción. Esta maestra cura su espíritu con marihuana y, en verdad, ni la protagonista ni el director le hicieron asco a las escenas, por lo cual no está aconsejada para los adolescentes.

Es interesante destacar el ritmo del film porque es lo que mantiene en vilo al espectador, por momentos le saca o sonrisas o risas, y en otras circunstancias lo hace fruncir la nariz. Pero tiene el raro valor de distraer, divertir, o hacer pasar un insólito buen momento. No es poco.

Elsa Bragato

EL RETRATO POSTERGADO

Documental sobre Haroldo Conti, de Andrés Cuervo. Duración: 64 minutos.

MUY BUENA. UN RETRATO QUE HACÍA FALTA

Este documental sobre Haroldo Conti fue realizado por Andrés Cuervo. Conti fue secuestrado y asesinado por el Proceso de los 70 sin conocerse aún datos sobre su destino ni dónde están sus restos.

El itinerario de este film fue azaroso. En la década del 70 un joven realizador cinematográfico, Roberto Cuervo, entabló amistad con el escritor y periodista Haroldo Conti y comenzó a componer un trabajo titulado “Retrato Humano”. Roberto Cuervo falleció poco después en un trágico accidente, dejando una viuda y un único hijo, Andrés. Tres décadas después, Andrés Cuervo recuperó el material filmado por su padre y completó la película.

Se trata de un film muy interesante porque Cuervo padre había filmado a Conti en situaciones cotidianas, personales, que incluye filmación de sus testimonios literarios, los paisajes de su Chacabuco natal, la pesca y el entorno fluvial del Tigre, la elaboración del pan casero, el arreglo de la licuadora, una charla de sobremesa con Rodolfo Walsh, los testimonios de Eduardo Galeano y Marta Lynch, la evolución literaria y política de Haroldo Conti, desde una postura más natural y sencilla hasta la militancia con el PRT.

También hay un archivo de fotos que Andrés Cuervo utilizó en fotogramas aislados en una misma toma. Estamos frente a un testimonio de gran valor porque es el mismo Haroldo Conti quien nos cuenta cómo era así como prestigiosas personalidades de la época nos dan testimonio del escritor. Pasaron 30 años pero el trabajo de Cuervo padre ha tenido un dignísimo epílogo que recomendamos.

Carlos Pierre

CARS 2 EN 3D

De John Lasseter y Brad Leewis. Con Owen Wilison, Michael Caine, Joe Mantegna, Bonnie Hunt, Vanessa Redgrave, Franco Nero, Sophia Loren, hasta Gonzalo Bonadeo, entre otros.

BUENA. ESPIONAJE Y OTRAS YERBAS ENVUELVEN A “MATE” Y “RAYO” EN UNA NUEVA AVENTURA ANIMADA

Para muchos críticos norteamericanos, el film Cars fue el peor de la exitosa carrera de Pixar, que fue nominado al Oscar y ganó también un Globo de Oro. Y en esta segunda parte no son pocos los que siguen opinando lo mismo. En este caso, se retoma la vida de Rayo McQueen y la Grúa Mate que se animan a dejar la famosa ruta 66 para cruzar el océano y competir en el Gran PRix Mundial. Un nuevo grupo de villanos, autos súper veloces, agentes secretos y locaciones en Japón, París, Londres y la ficticia Porto Corsa (enclave mediterráneo de Italia) son un giro acertado para la ampliación argumental propuesta por John Lasseter.

Mate es el eje de la historia mientras que la competencia internacional es el objetivo a cumplir que permite la realización de subhistorias adecuadas a los personajes. El espionaje está presente cuando Mate queda atrapado en una extraña red que lo obligará a decidir entre la solución de un caso o la ayuda a McQueen en el Gran Prix. Salir de California y enfrentar el Viejo Mundo con personajes raros como el que vende armas o el que es espía profesional le otorgó a la historia inicial un mayor campo de acción, a pesar de las reticencias de muchos críticos. Pero son más que prejuicios de los adultos que elementos que puedan ser determinantes en la vida de la platea infantil.

Rayo McQueen mantiene su color rojo y el número 95, y se incorporan otros autos como Finn McMissile (agente de espionaje británico, con la voz de Michael Caine), Francesco Bernoulli (John Turturro), Mamá Topolino (Sophia Loren le pone la voz a este personaje en italiano y Redgrave en inglés), Tío Topolino (pequeño Fiat 600 con la voz de Franco Nero), Holley Shiftwell (espía a cargo de Emily Mortimer), entre otros famosos como el piloto colombiano Juan Pablo Montoya y nuestro Gonzalo Bonadeo.

Los chicos no se resistirán a esta segunda propuesta de Cars que se lanza en 140 salas en 2D y otras 80 digitales que incluyen 3D. Y los adultos no la pasarán para nada mal.

Carlos Pierre