"GRAN HOTEL DE BUDAPEST", "EL SOBREVIVIENTE", "NACIDOS VIVOS" E "INEVITABLE", RECOMENDADAS DE ESTE JUEVES 20

JUEVES 20 DE MARZO DEL 2013.-

Hay 9 estrenos de cine. Entre ellas, “Tarzán 3D”, de Reinhard Looss y Holger Tappe, retomando la tradicional historia de Tarzán; “El pasado”, de Asghar Farhadi, con Berenice Bejo, sobre las familias disfuncionales; y “Motín en Sierra Chica”, de Jaime Lozano, ficcionando los sucesos de 1996 en versión libre.

LA NOVEDAD DE LA SEMANA

El GRAN HOTEL BUDAPEST

De Wes Anderson, octavo film del realizador. Con Ralph Fiennes, Tony Revolori, Adrien Brody, Bill Murray, Tilda Swinton, Owen Wilson, bob Balaban, Jude Law, entre otros. Música de Alexandre Desplat. Duración:

MUY BUENA. REGRESO DE ANDERSON CON NOSTALGIOSO Y FASCINANTE RELATO

Un hotel en un país inexistente, Zabrowka, llamado Budapest, ubicado en una escarpada colina a la que se accede con funicular, es el centro de esta historia exótica, hilarante aunque flemática y nostalgiosa del realizador Wes Anderson, el mismo de Moonrise Kingdom y Los excéntricos Tenenbaum, entre otros 7 films anteriores.

Wes Anderson tiene fans seguidores de su peculiar estilo con el que desgrana historias en las que destila un humor negro solapado, una burla a determinado estilo de vida o bien de concepción de la vida, rodeada de dramas que no afectan a quienes ostentan el poder del dinero. Puede sonar a “mucho” esta definición pero, en definitiva, el conserje Gustave y su joven discípulo Zero desgranan este tipo de historias en un hotel otrora lujoso, en el que desfilaron las mujeres más bellas, los momentos más voluptuosos, mientras el mundo se acercaba a la primera guerra. Anderson ha reconocido una empatía profunda con Stefan Zweig (reconocido escritor nacido en el imperio austrohúngaro) y Ernst Lubitsch, realizador nacido en Alemania que emigró a los Estados Unidos, comenzando a filmar en su país natal en 1914. Tenía una particular visión del nazismo que influyó en Anderson, según sus palabras. De ellos ha tomado muchos conceptos cinematográficos y los ha volcado en el film.

Diferentes enfoques, variedad de planos, riqueza visual, escenografías espectaculares, conforman una narración que es lenta por momentos pero no menos atrapante por las historias que va descubriendo como una gran caja de sorpresas, muchas veces ayudada con un relato en off. Un gran diseño de arte y una estupenda dirección actoral son las características sobresalientes de esta película.

Solo un realizador de gran renombre pudo congregar tamaño elenco, a veces para performances breves pero siempre gratas para el espectador. Law, Murray, Swinton, desfilan engalanando una narración muy diferente, con un toque snob, alrededor de Ralph Fiennes, quien ya demostró que el drama como la comedia le caen a la perfección. Por detrás, se advierte un tinte de crítica social “a lo Anderson”. No es puro oropel…

Elsa Bragato

EL POLICIAL DE LA SEMANA

AIRES DE ESPERANZA

De Jason Reitman. Con Kate Winslet, Josh Brolin, Gattlin Griffith, Tobey Maguire. Música de Rolfe Kent. Duración: 111 minutos.

BUENA. POLICIAL ROMÁNTICO CLÁSICO

Jason Reitman es el realizador de la fantástica “Juno” y también, entre otros films, de “Gracias por fumar”. En “Aires de esperanza” o “Labor day” –título original- despliega un matiz distinto: un policial previsible aunque de gran intensidad, con romance incluido.  La historia se sitúa en 1987 y está basada en la novela “Aires de esperanza” de Joyce Maynard.

Es muy interesante el “tempo” del film, sin duda el mayor logro de esta historia, donde un prisionero se escapa y recala en la casa de una mujer divorciada con un hijo preadolescente, con conflictos con su padre por el abandono familiar, si bien mantiene buena relación.

Josh Brolin está un tanto desconocido: atlético, barbado y muy delgado, este actor que ganó un premio SAG por su trabajo en “Sin lugar para los débiles” (Hnos Coen), compone a un delincuente que no quiso serlo siendo perseguido por la policía.

Kate Winslet, inolvidable heroína de “Titanic” o de la menos mencionada “Revolutionary Road”, ambas con Leonardo Di Caprio, ensaya gestos de terror sin una gran convicción, aunque su mirada habla más que alguno de sus gestos. Sin embargo, no resulta tan convincente como este malvado-que-no-lo-es de Brolin. El hijo es el espectador de tensas situaciones generadas por vecinos y policías que husmean el hogar y los alrededores. Tobey Maguire compone al niño ya adulto.

Hemos perdido la sana costumbre del romance y del policial, dos géneros que han sabido combinarse con maestría desde los tiempos del blanco y negro. Por lo que suponemos lo que va a suceder, acontece, y desilusiona. Analizando con otros ojos, más benevolentes, es un buen policial, clásico, que desconcierta por quien la dirigió. Pero resulta entretenido y, como dijimos, tiene intensidad dramática.

Elsa Bragato

EL HECHO REAL DE LA SEMANA

EL SOBREVIVIENTE

De Peter  Berg. Con Mark Wahlberg, Emile Hirsch, Taylor Kitsch, BenFoster, Bric Bana, entre otros. Música de Steve Jablonsky. Duración: 120 minutos.

MUY BUENA. VIBRANTE FILM BÉLICO

Mark Wahlberg, el mismo de “El luchador”, personifica a Marcus Luttrell, único sobreviviente del grupo comando de fuerzas de operaciones especiales enviado a Afganistán en el 2005 bajo el nombre de “Operación Red Wing”, para matar a un líder talibán. Junto a sus tres compañeros, en las escarpadas montañas de ese país, se toparon con pastores de cabras por lo que debieron tomar la decisión de matarlos o no, corriendo el riego de ser delatados, que es lo que ocurrió. Es así como se entabla una batalla feroz y desigual entre los guerrilleros talibanes y los “seals” norteamericanos.

El film está basado en esta historia real, escrita por el propio Marcus Luttrell en un libro que fue best-seller del The New York Times. Fue el propio Luttrell quien asesoró en las secuencias de guerra al director Peter Berg. Y, aunque tentado por Hollywood, optó por vivir con su familia en su Texas natal.

Las escenas bélicas son impactantes, aunque sepamos de antemano el poderío de las tropas norteamericanas, el entrenamiento que tienen y la resistencia al dolor que lograron. El despliegue fotográfico y los efectos especiales se conjugan para hacer vibrar al espectador.

La guerra lleva muchos años en Afganistán y en Irak, motivadas luego del ataque a las Torres Gemelas el 11 de setiembre del 2001. Sin embargo, se atribuye esta intervención en especial a estrategia política por el petróleo de la zona. Aún hoy la guerra tiende a convertirse en una guerra sinfin. Recordemos que de estas tierras tuvieron que retirarse las tropas soviéticas.

Marcus Luttrell fue el único sobreviviente de la feroz lucha contra los talibanes a partir de la delación de los pastores. Pudo sobrevivir gracias a los habitantes de una aldea. Se puede desconfiar del relato, similar a tantos otros que nos contaron en el cine, pero tengamos en cuenta que en la guerra hay motivos que desconocemos.

El film es demoledor por su potencia visuales desgarrador al mismo tiempo por la resistencia al límite de los “seals”, más allá de cualquier consideración política, y la ferocidad de los talibanes. Puestos en la guerra cuerpo a cuerpo, hay soldados más preparados que otros para semejante lucha. Para fanáticos del cine bélico.

Carlos Pierre

UN BUEN DOCUMENTAL

NACIDOS VIVOS

Documental guionado y dirigido por Alejandra Perdomo. Música de Manuel García. Duración: 78 minutos.

MUY BUENO. EL DERECHO A CONOCER EL ORIGEN

Alejandra Perdomo es una documentalista de vasta trayectoria que, en este caso, transita por un guión muy bien estructurado. Expone con rigurosidad cinematográfica la lucha de todos aquellos cuya identidad fue sustituida que tomaron y toman la decisión de conocer su verdadero origen.                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                      

En la Argentina se reconocen alrededor de 3 millones de personas que buscan su identidad, hecho similar a lo que ocurre en Valencia y Cataluña, España, que también muestra el film.

La exposición se sustenta en la labor de la Mercedes Yáñez, creadora de la Oficina de Derechos Humanos del Registro Civil de la Ciudad de Buenos Aires, ubicada en el conocido edificio de la calle Uruguay. Yáñez lucha incansablemente para arribar al origen biológico de quienes lo solicitan. También brinda su aporte científico la prestigiosa doctora Eva Giberti, de amplia experiencia en el ámbito de las adopciones.

El documental ha sido declarado de interés por el INCAA y es un reconocimiento más que justo. Agregamos que hoy en día existe en nuestra televisión un ciclo dedicado a estas búsquedas, “Los unos y los otros” por América, sucedáneo del que condujese Franco Bagnato. A su vez, hace unos 10 años la televisión española puso en el aire “Quién sabe donde”, ciclo que se destinó a la búsqueda de niños dados en adopción durante la Guerra Civil Española. Esto significa que la búsqueda del origen biológico es una necesidad que no conoce fronteras ni épocas. Y el trabajo de Perdomo es una mirada esclarecedora y necesaria sobre el tema. Más que interesante.

Carlos Pierre

UN BUEN FILM NACIONAL

INEVITABLE

Guión y dirección de Jorge Algora sobre la obra original de Mario Diament. Con Darío Grandinetti, Federico Luppi, Carolina Peleritti, Mabel Rivera, Antonella Costa, entre otros. Música de Berrogüetto. Duración: 97 minutos.

BUENA. HISTORIA DE PASIONES EN UN RELATO SINCERO Y EFICAZ

Drama romántico de tono severo y pasional, que trata el cambio inevitable que se produce en las relaciones y en las sensaciones amorosas a lo largo de la vida, incluyendo la propensión a cambios radicales en el comportamiento cotidiano y la rutina matrimonial.

Es el caso de un adusto ejecutivo que trabaja en una sucursal bancaria (Darío Grandinetti). Al morir un compañero, siente un sacudón emocional que hace trastabillar su estilo de vida. Su esposa está encarnada por Carolina Peleritti, psicóloga abocada a su profesión que no tiene tiempo para el hogar. Una de sus pacientes, a cargo de Mabel Rivera, tiene un particular resentimiento por lo que se entabla una conflictiva relación entre ambas.

Un encuentro casual con un no vidente, que personifica Federico Luppi, lo arroja a los brazos de un amor clandestino (Antonella Costa), amorío descontrolado que pone sobre el tapete la complejidad de los vaivenes de la vida y la pérdida de la estabilidad emocional por razones que a veces no comprendemos.

Atraen las actuaciones del elenco, fuertes y de gran magnetismo, dentro de esta historia de amor donde surgen subtemas interesantes como el desgaste de un matrimonio y la corrosión fría e inconciente de las relaciones humanas. El realizador Jorge Algora imprimió una credibilidad sincera y eficaz, que deja un sabor agridulce: la vida, sus caminos y las diferentes etapas del amor. Muy interesante.

Carlos Pierre

NOVEDAD ERÓTICA FRANCESA

EL DESCONOCIDO DEL LAGO

Guión y dirección de Alain Guiraudie. Con Pierre Deladonchamps, Christophe Paou, Patrick D’Assumsao, Jérome Chappatte, Mathieu Vervisch, entre otros.

REGULAR. HOMBRES ENARDECIDOS ALREDEDOR DE UN LAGO

Una muy poco creíble trama que se diluye sin misterio y con la quietud lacustre del título hacen de “El desconocido del lago” una sesión de voyeurismo de sexo entre hombres que puede incomodar al espectador desprevenido. Es sexo explícito, con el que Alain Guiraudie ha logrado un paseo más que exitoso por diferentes festivales. Único mérito porque la trama hace agua, acorde con el lago. El aparente thriller sucede en un lago francés y sus alrededores, durante un verano, frecuentado por hombres que gustan de hombres y que buscan un fin sexual, carnal, para cada día. Es decir, la compañía ocasional que les proporcione satisfacción a la obsesiva compulsión de sus impulsos. Éstos se verán en todos sus aspectos, en solitario y en pareja. Dos personajes se enamoran, tornándose peligrosamente mortal el flechazo, especialmente porque en uno anida un asesino. Aquel que intercepte su itinerario, caerá. El thriller no es más que esto luego de un largo paseo, involuntario para el espectador, por diversas “sábanas”, si es que pueden llamarse así… En síntesis, muy pobre trama con exceso de impulsos sexuales explícitos.

Carlos Pierre

"ELLA", "BALADA DE UN HOMBRE COMÚN" Y "LA TERCERA ORILLA", ESTRENOS JUEVES 13

JUEVES 13 DE MARZO DEL 2014.-

Hay siete estrenos. “Need for Speed”, de Disney, dirigida por Scott Waugh, está basada en los videojuegos de Electronic Arts. “La segunda muerte”, de Santiago Gómez Calvete, nos presenta el primer largometraje del director, dentro del género del terror. Y “El infierno”, de Luis Estrada, es un film mexicano de 2010, del género policial, que se estrenó en su país de origen antes del Bicentenario de la Independencia de México. Llega con bastante retraso a nuestra cartelera.

LOS DOS MEJORES FILMS DE LA SEMANA

1.-

BALADA DE UN HOMBRE COMÚN

Dirección, guión, producción y montaje de Ethan y Joel Coen. Con Oscar Isaac, Carey Mulligan, Justin Timbrlake, Robin Bartlett, entre otros. Música de Marcus Mumford con inclusión de música de Mozart, Beethoven y Schumann. Duración: 104 minutos.

EXCELENTE.  OTRA NARRACIÓN INSUPERABLE DE LOS COEN

Con el sello de los hermanos Coen, este film nos describe la vida de un cantante de música folk, recreando el estilo de vida previa a la eclosión de los 60 del Greenwich Village neoyorquino, y basándose en la vida real De Llewyn Davis a partir de su disco “The Mayor of Macdougal Street”. Una semana en su vida, triste y divertida a la vez, que transcurre entre ese barrio y Chicago, recorriendo con desesperación un itinerario musical en espera de la redención, bajo el rigor del invierno del Norte.

Pocos realizadores podrían haber creado a este personaje entre omnipotente y mínúsculo a la vez, que busca el reconocimiento para su ignorada música chocando con la negativa cruel de los sellos discográficos.

Oscar Isaac (portorriqueño) compone a “Llewyn Davis”, de una manera superlativa lo que nos habla de la dirección de actores de los Coen, siempre al borde de la excelencia misma. Y es el propio Isaac quien interpreta los temas musicales, poniéndose en la piel del cantautor.

Lejos de ser una biopic, la historia se presenta como un emble agrisado de aquel movimiento folk que fuera común en los clubes y bares neoyorquinos, sin trascender o alcanzar popularidad, y es también un elogiable tributo a los realizadores de ese estilo músical popular, a veces socarrón, otras tristón, sin caer nunca en el “malditismo”, ni en el melodrana, pero sacando de la galera mágica de los Coen los sueños y las querencias de esos artistas cuyos nombres ni se recuerdan.

En los 60, la modestia todavía era común en la vida de todo el mundo, no había lujos ni tecnología para la inmensa mayoría, y, en New York, se estaba a merced de un invierno rígido que atentaba contra la vida de estos menesterosos cantantes folks, a veces compartiendo un mísero cuarto, pero siempre perdidos en la indiferencia de la gran ciudad.

Contrarrestando la palidez de una vida y el brutal desamparo, los Coen le brindan a la historia una cierta gracia irónica que nos sacude la tristeza a través de algunos personajes como el gato rubión, un tibio hálito de compañerismo. No hay duda alguna de que esta generación de cantantes folks está borrada de los almanaques y solo logró consagración con Bob Dylan, el compañero de Joan Báez en aquella época, y aún vigente.

De comienzo a fin estamos frente a un film inteligente, emotivo, perfecto en su narración y en la dirección actoral. La mano de los Coen siguen siendo vectoras de una cinematografía excelsa (recordar “El hombre que nunca estuvo”, “Temple de acero” entre otros films). El disfrute está en la calidad de la realización, tarda en llegar pero se sale con el alma satisfecha.

Carlos Pierre

2.-

ELLA (HER)

De Spike Jonze. Con Joaquín Phoenix, Amy Adams, Rooney Mara, Olivia Wilde y la voz en off de Scarlett Johansson. Música de Arcade Fire. Duración: 126 minutos.

EXCELENTE. MARAVILLOSA  HISTORIA SOBRE EL AMOR

Spike Jonze es el rubio director de “Being John Malcovich” donde mostró su capacidad creativa y logró un gran éxito (en su vida privada fue el esposo de Sofia Coppola). En “Her”, “Ella”, nos lleva a un mundo que algunos califican de ciencia ficción pero lo sentimos muy cercano en el tiempo porque la necesidad del amor, de mitigar la soledad, es el pan corriente de las sociedades modernas. Eligió a un gran actor que alguna vez quiso retirarse del cine y no pudo, Joaquín Phoenix, notable en la composición de personajes a los que dota de una sensibilidad que impacta en la audiencia. En el rol de Theodore, Phoenix recurre a todas sus emociones más profundas y no hay gesto en su rostro que no denote lo que siente. El personaje que interpreta responde cartas a pedido de familiares, de amigos, de esposos, de novios, en una gran oficina. Su entretenimiento son las supermodernas WI que generan hologramas en el cuarto. La “invención” de una realidad lo acerca a la realidad que no vive aún Teodoro. Separado, sin superar el divorcio, Theodore sucumbe a una moda: las relaciones sentimentales con sistemas operativos. Un programa le proporciona la voz de una mujer, Samantha, con la que comparte sus días y hasta sus relaciones íntimas. El amor que destilan sus cartas por un momento le permite vivir algo parecido. Pero en definitiva ese personaje no es real, surge de una computadora.

El film enternece, emociona, esa voz que lo acompaña a reuniones, a picnics con sus amigos de oficina, que participa de su intimidad, se vuelve algo rutinario, común incluso para el espectador.

El clima creado por Spike Jonze es un hallazgo: cálido, colores vivos, amplios ventanales, nos dan una idea de la vida en una gran ciudad y de la soledad de sus habitantes. En el caso de Theodore nos acerca a otra realidad: la falta de comunicación real, tangible, la falta de compromiso con alguien de carne y hueso por temor a otro fracaso, los sueños vividos como tales y lejos del día a día. ¿Cómo bajar a la tierra y esperar que también aquí ocurra algo similar? He aquí el “quid” del guión. Acotamos que Amy Adams es nuevamente elegida como compañera de rubro, lejos de la voluptuosa mujer que encarnó en “Escándalo americano” y que Spike Jonze tuvo participación en otro film nominado a los Oscars, “El lobo de Wall Street”.

La película obtuvo el Oscar al mejor guión original y estuvo nominada a mejor película. Le faltaron otras nominaciones, pero lo logrado nos da idea de la grandeza de esta película que nos conmueve profundamente y nos hace pensar en nosotros mismos, en nuestras soledades, en la rutina cotidiana, y en el amor que todos necesitamos. No se la pierda.

Elsa Bragato

LA NOVEDAD DE MARTÍN SCORSESE

LA TERCERA ORILLA

De Celina Murga, presentada por Martín Scorsese. Con Alián Devetac, Daniel Veronese, Gaby Ferrero, Irina Wetzel, Dylan Agostini Vandrbosch, Tomás Omacini. Duración: 92 minutos.

MUY BUENA. PADRES AUSENTES, HIJOS DESOLADOS

La entrerriana Celina Murga irrumpió en el cine con “Ana y los otros”, “Una semana solos” y “Escuela normal”, perfilándose como una de las nuevas y buenas directoras nacionales. Fue becada por la Rolex Mentor and Protege Arts Iniciative, tomando contacto con Martín Scorsese, nada menos, que auspicia este film, muy elogiado en el último festival de Berlín.

Son varios los abributos que tiene esta cuarte entrega de Murga: el manejo de cámaras, el clima creado en la narración, la ausencia de un subrayado en los caracteres de los personajes, la dirección de la trama, resaltados por Scorsese. Los dos protagonistas debutan como actores: el novel Alián Develac como el hijo mayor de 17 años, proveniente de un hogar desunido por su papá (Daniel Veronese, el conocido autor y director teatral) porque lleva una doble vida.

Este padre, médico exitoso en una pequeña ciudad entrerriana, dueño de un laboratorio y de un campo, todo lo soluciona con el dinero que le da a su ex pareja, se preocupa por solventar los gastos de la casa abandonada, sin pensar en el odio que alimenta en su hijo mayor. El “quid” del film.

Con ausencia de música incidental, salvo la música que cantan los jóvenes en los bailes y en el día del cumpleaños número 15 de una hermana del protagonista. Éste danza un vals, en ausencia de su padre, interpretado pr la mítica orquesta de Juan D’Arienzo.

El clima va in crescendo, es imprevisible, algo se percibe como una bomba a punto de estallar en medio de la atmósfera pueblerina.

Pocos diálogos, clima denso e intenso, muestran a una Celina Murga compenetrada en los dramas de los pequeños y de los adolescentes, un mundo tan especial que maneja con perfección. Muy buena realización.

Carlos Pierre

LO ESOTÉRICO YA VISTO

LA HERENCIA DEL DIABLO

De Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett. Con Allison Miller, Zach Gilford, Sam Anderson, entre otros. Duración: 89 minutos.

REGULAR. UN “DEJÁ VÚ” ANGUSTIANTE

“El bebé de Rosemary” fue la primera película que nos habló de la gestación de un hijo de Satanás. Había entonces una narración densa, sin fisuras. En el caso de “La herencia del diablo” se aggiornó la técnica: cámara en mano, de las supuestamente familiares, narrando todos los acontecimientos de una pareja que contrae matrimonio, Zach y Samantha. Un raro viaje de bodas, y una maldición. Todo previsible salvo algunos sustos.

Hay que destacar que la cámara en mano, a veces un tanto molesta para el espectador, retrata la vida de los recién casados en detalle y nos avisa de cada paso de los protagonistas como del mismísmo diablo. Sabemos lo que pasará.

Es la novedad del film en el que uno encuentra numerosos “dejá vú”, será aquel film, será este otro… Nada nuevo bajo el sol. Gritos, un niño que nace en condiciones sangrientas, una madre que va enloqueciendo a lo largo de la gestación. Y un joven padre que no sabe lo que le espera.

La concepción de un film con cámara en mano no es novedosa, por cierto, pero sí para la recreación de esta historia que ya vimos, si bien las anteriores tuvieron otro perfil cinematográfico. Los “anticristos” están gestándose y nadie sabe dónde nacerá el siguiente.

Más de lo mismo, solo para fans del género. No nos pareció una película significativa ni aún dentro de su género.

Elsa Bragato

"300 EL ORIGEN DEL IMPERIO 3D", "TRAS LA PUERTA", "MIKA MI GUERRA EN ESPAÑA", ESTRENOS JUEVES 6

JUEVES 6  DE MARZO

Hay siete estrenos de cine. Entre ellos, “Escuela de vampiros”, de Mark Waters, un pálido intento de imitar a los vampiros de “Crepúsculo”. Película mediocre; “En la casa”, de Francois Ozon, otra comedia negra que tiene seguidores por los notables climas que crea el gran director francés; “El verano siguiente” es el documental de la semana sobre el proceso creativo del nuevo CD de la banda “No te va a gustar”.

“300: EL ORIGEN DE UN IMPERIO” 3 D

De Noarn Murro. Con Sullivan Stapleton, Eva Green, Rodrigo Santoro, Lena Headey, Hans Mathesoon, Callan Mulvey, entre otros. Música de Junkie XL. Duración: 102 minutos.

BUENA. BUEN PACKAGING PARA DUDOSA HISTORIA

Esta segunda parte de “300” con dirección de Noarn Murro, contando con la participación en la producción de Zack Snyder que fuera el director de “300”, atenta contra la historia antigua, en especial, contra las Guerras Médicas (Persia vs Grecia, 499 AC hasta 449 AC) al ubicar a héroes y heroínas en diferentes espacios a los que tuvieron en la realidad, según los historiadores del período Helénico. Confusión adrede de personajes y hechos que no benefician el relato audiovisual.

La profusión de efectos especiales al mejor estilo cómic inaugurado por la anterior, “300”, es rítmica: cada tantos minutos, se produce una refriega donde volvemos a ver gotas de sangre sobre el lente de la cámara, un slow que fue aplaudido en la primera y que ya resulta un recurso abusivo.

La historia cuenta los hechos supuestos (dada la confusión por alteración de datos históricos) luego de la derrota de Leónidas (rey de Esparta muerto en combate en Termópilas durante la segunda guerra médica). “Temístocles” (Sullivan Stapleton), héroe de la primera guerra médica y general ateniense, se enfrenta a las fuerzas persas y a la viuda del rey de Persia (él ha sido el asesino de Darío, rey de Persia, según esta versión sobre la Primera Guerra Médica), Artemisia (Eva Green), con quien mantiene una suerte de “sexo salvaje” en una secuencia extensa, como gancho inesperado. No es que los griegos no tuviesen sexo, simplemente es una escena burda porque existe solo para darle sentido al guión. Aunque se esté en el subgénero “fantasía histórica”.

La aparición de Rodrigo Santoro en el rol de Jerjes I, Rey de Persia es insólita: emerge de un manantial transformado física y mentalmente, y nos recuerda a Flavio Mendoza en su performance de “Waters in arts” durante el reciente verano de Villa Carlos Paz. Excesiva fantasía para la vestimenta de la época, un rey pelado vestido con traje de luces.

La reiteración de las luchas con los mismos efectos torna aburrido al film hacia la mitad de la narración. El guión ha sido escrito en función de una historia que no tuvo a esos héroes en la realidad, “Gorgo” (Lena Headey) –viuda de Leónidas- fue una importante mujer política de Esparta pero no encabezó ninguna batalla como se muestra. Podría ser lo de menos a la hora de disfrutar de este entretenimiento. Sin embargo, hoy en día la difusión de historias, que atrapan en especial a los más jóvenes, con semejantes cambios de los datos históricos es una amenaza cultural que no se puede pasar por alto. Y en esto debemos ser muy claros, precisos: no es la historia lo que se ve sino un entretenimiento, reiterativo, con personajes que atrapan pero que no tuvieron, en especial los roles femeninos, esos lugares en la historia real.

No se discute la excelencia técnica (más allá de las repeticiones para que nos quede bien grabado el trabajo de computación en postproducción), ni la presentación del film que es apabullante ni la riqueza de matices en la fotografía, como tampoco el “look” de los personajes aunque resulte extravagante. Pero ponemos en tela de juicio este tipo de guiones donde la verdad pasa a un segundo plano. Para entretenerse. Más de lo mismo en 3D estilo cómic.

Elsa Bragato

TRAS LA PUERTA

De István Szabó. Con Helen Mirren, Martina Gedeck, Károly Eperjes, entre otros. Música: Robert Shumann. Duración: 97 minutos.

REGULAR. INTRIGANTE Y OSCURO RELATO

Dos mujeres aisladas, una la patrona (la alemana Martina Gedeck), y la otra, su empleada doméstica (Helen Mirren), que entablan una relación amistosa poderosa, inefable, en contraste con sus diferencias culturales, sociales y emocionales, más allá de la relación ama-sirviente.

Situada en la Hungría de posguerra, en la mitad del siglo XX, esta novela de Magda Szabó muestra las sombras reinantes de la desconfianza, resabios de una contienda mundial sangrienta, plena de horrores.

István Szabó, realizador más que reconocido (ganador de un Oscar), imprime su estilo de innegable influencia de la Europa Central. E intenta fluir, entre el rigor del frío y la nieve, una rústica belleza a través de una Helen Mirren que barre, que aparta la nieve de la casa de los patrones, que le pone garra a su rol. Todo gira entre la patrona y su empleada doméstica. La primera es una escritora refinada que busca reconocimiento en su país. La otra, ensimismada, desconcertante, se maneja como una autómata inaccesible que oculta su pasado detrás de la puerta de su casa. Nadie ha tenido acceso a su intimidad. Salvo los privilegiados espectadores que sabemos lo que cría y a quiénes esconde. Y es allí donde se escurre su pasado. Con esta manera de ser en la que hay mucho autoritarismo implícito, la criada irrumpe en la vida del ama hasta imponer su presencia a través de una comida o un halago.

Un pequeño gran elenco, la diestra mano de un gran realizador, y un guión basado en una novela reconocida, no logran cristalizar en un film atrapante. Las causas son muchas: o faltó dirección actoral para manejar la relación entre ambas mujeres tan diferentes o bien hay una excesiva crudeza en las secuencias que obra como algo tajante dado que nadie puede acceder más allá de lo que ve. Esta lejanía impuesta por una determinada realización impide obviamente que el espectador logre empatía con alguno de los personajes. Se los intenta comprender, se los racionaliza, pero todo queda allí. Lejanas, los dos personajes se mueven en mundos que se chocan y que dejan entrever subtemas muy interesantes apenas esbozados.

Aunque así fuse concebida la ficción cinematográfica, el hecho de que el espectador no logre traspasar esa invisible muralla destruye cualquier tipo de relación. Lejana, fría, The door obra de la misma manera con la audiencia. Podemos decir que detrás de cualquier puerta se cuecen habas. La cuestión es llegar a saber de qué tipo. No es el caso de este film, intrigante y sin sabor definido.

Carlos Pierre

LUNA EN LEO

De Juan Pablo Martínez. Con Ismael Serrano y Carla Pandolfi. Música de Federico Travi. Duración: 71 minutos.

REGULAR. DOS A QUERERSE

Juan Pablo Martínez dirigió este film, “Luna en Leo” (los anteriores fueron el documental sobre Aníbal Troilo “Los guardianes del Angel”, “Desmadre”) siendo el segundo con Ismael Serrano, cantautor español, protagonista de su anterior trabajo “El hombre que corría tras el viento”.

La idea es buena aunque se ha visto en el cine hasta hace muy poco (“Antes de la madrugada” y la insuperable “Interview” de Steve Buscemi). En el caso de Martínez, dos jóvenes se citan e intentan superar los escollos de la timidez a lo largo de una noche. Para bien o para mal, se gustan, no se lo dicen, charlan animadamente, visitan a amigos, una larga madrugada que tiene relación con el horóscopo (Leo consigue trabajo para hacer el horóscopo en un diario) dado sus nombres, Luna y Leo. Según los astrólogos, la luna en leo produce una emotividad a flor de piel, los nativos con luna en Leo difícilmente oculten lo que sienten y lo expresan vivamente.

No es lo que ocurre en el film. Los dos protagonistas se entregan a charlas, trabajadas con medios planos, durante los 71 minutos de la película. Con las palabras ocultan las ganas de besarse, de abrazarse, se estudian como dos rivales (aunque sin violencia) en un ring-side. Del futuro trabajo de él nadie volverá a hablar y tiene estrecha relación con el título, bien buscado. Falta la empatía de “Antes de la medianoche”, por ejemplo, o la profundidad de “Interview”. El desarrollo de los diálogos es absolutamente trivial.

El trabajo en medio plano de principio a fin le quita fuerza a la historia haciéndola televisiva, si bien tanto Ismael Serrano (debutó como actor en un film boliviano en el 2003 y luego trabajó, como indicamos al comienzo, con Juan Pablo Martínez) como Carla Pandolfi tienen frescura, la falta de una historia que los enmarque y que les dé carnadura es tal que el film termina por aburrir. Es un ensayo llevado al cine sobre un diálogo entre “dos a quererse” en esta parte del mundo. Debió superarse lo ya conocido.

Elsa Bragato

MIKA, MI GUERRA DE ESPAÑA

De Fito Pochat y Javier Olivera. Música de Alfonso Herrera. Duración: 77 minutos.

MUY BUENA. INTERESANTE DOCUMENTAL SOBRE UNA ARGENTINA LUCHADORA

La historia de Mika Etchebehere, nacida en Moises Ville, Santa Fe, y su marido, Hipólito Etchebere, resulta atrapante y un verdadero descubrimiento. Se trata de los tíos abuelos de Fito Pochat quien nos comentó, en una entrevista del 2013, que se había enterado de este tema familiar, un secreto del que casi no se podía hablar, a través de parientes que están radicados en España, donde había salido un libro, hasta entonces desconocido en nuestro país.

Mika era odontóloga, y marxista junto con su marido Hipólito. Se sintieron atraídos por Europa y sus luchas pre Segunda Guerra Mundial y, luego de ahorrar dificultosamente dinero para el viaje, se trasladaron. Al poco tiempo de estar, descubrieron la lucha de la izquierda más dura en Barcelona y hasta allí se dirigieron. Hipólito formó parte, igual que Mika, de las luchas armadas contra Franco. Y murió en la primera gran batalla durante la Guerra Civil española. La férrea voluntad y el temperamento especial de Mika la transformaron en la “capitana”. Esta mujer hasta participó en el mayo francés de los 60. Hay dos entrevistas fantásticas de la época, que valen el oro del mundo. Un documental de enorme valor histórico dado que la figura de Mika se agranda a niveles como la alcanzada por el Che Guevara, sin difusión hasta ahora, en el exterior.

Elsa Bragato