INFANCIA CLANDESTINA, MARADONA MÉDICO DE LA SELVA, TOURNÉE, EL CIELO ELEGIDO, LA CASA DEL MIEDO, JUEVES 20

JUEVES 20 DE SETIEMBRE DEL 2012.-

Hay ocho estrenos, cuatro de ellos son nacionales. No comentamos “Mensajero”, documental de Martín Solá, ni “Ruby, la chica de mis sueños”, de los Estados Unidos.

INFANCIA CLANDESTINA

De Benjamín Ávila. Producción de Luis Puenzo. Con Natalia Oreiro, Ernesto Alterio, César Troncoso, Teo Gutiérrez Moreno, Cristina Banegas, Violeta Palukas, entre otros.Música de Pedro Onetto y Marca Roca. Coproducción de Argentina, Brasil y España. Duración: 110 minutos.

MUY BUENA. UN NIÑO RELATA SU DESGARRADORA VISIÓN SOBRE LA DICTADURA DE LOS 70

Benjamín Ávila, director y guionista de Infancia Clandestina, relata sus propias experiencias, por demás dolorosas, sobre su infancia, es decir, lo que vivió en 1979. Fue el año en que los Montoneros regresaron al país e iniciaron la llamada “contraofensiva” contra el ejército de la dictadura militar. Reunió en Juan (Teo Gutiérrez Moreno), el personaje central, todas sus vivencias y las de su hermano mayor. Su mamá desapareció en octubre del 79 y su hermano, Santiago, es uno de los nietos restituidos por Abuelas.

El film transcurre a partir de la mirada de este niño de 12 años, Juan quien, clandestinamente se hace llamar Ernesto. El vuelve a encontrarse con sus padres luego de llegar al país simulando ser hijo de una pareja brasileña. Recluido en un lugar de la provincia de Buenos Aires, vive en una casa camuflada con cajas que llevan el rótulo de maní con chocolate. Su madre (Natalia Oreiro), su padre (César Troncoso) y su tío (Ernesto Alterio), conforman el pequeño mundo familiar donde transcurre la vida de Juan. El colegio es otro nexo con el mundo exterior donde conoce a María (Violeta Palukas), de quien se enamora.

En todo el film, profundo y desgarrador, está presente la mirada del niño Juan, en medio de la lucha armada entre los montoneros y el ejército. Uno de los hallazgos del film, partiendo de esta particular mirada de un niño sobre la última sangrienta dictadura argentina, es que los enfrentamientos armados son mostrados con animaciones, confiriéndole dramatismo y agilidad a la narración. En ésta, encontramos una secuencia especial que destacamos: cuando su mamá se enfrenta con su abuela (Cristina Banegas), a raíz de la lucha armada, sus riegos y la actitud más conservadora que traen los años. Hay un duelo actoral de madre e hija donde ambas actrices, Oreiro y Banegas, se lucen. A Banegas la conocemos y a Oreiro la redescubrimos con enorme placer por su trabajo.

Sin duda, Infancia Clandestina es una visión diferente sobre el horror de la dictadura militar y su lucha contra, entre otros, los montoneros. Juan, o sea Benjamín Ávila, está inmerso en una vida dura, difícil, hasta incomprensible para un chico, el horror que lo circunda y el miedo en la sangre. Un período de horror que nos sigue hiriendo y que, en esta muy buena realización nacional, encuentra en Benjamín Ávila a un lúcido exponente de primera mano como testigo y como realizador.

Carlos Pierre

EL CIELO ELEGIDO

De Víctor González. Con Juan Minujín, Osmar Núñez, Osvaldo Bonet, Jimena Anganuzzi, entre otros. Música de José del Fabbro. Duración: 123 minutos.

BUENA. THRILLER SOBRE LAS MISERIAS HUMANAS EN EL MUNDO RELIGIOSO

En cada uno de nosotros anida la peligrosa parábola del cielo y del infierno. Nadie está exento de esta tribulación tan humana que se remonta a nuestra propia génesis. En el caso del film de Víctor González, un joven sacerdote, Pablo (Juan Minujìn), trata de mantenerse al margen de la corrupción de dos de sus superiores, el padre Orbe (Osmar Núñez) y el padre Claudio (Osvaldo Bonet). Este último, ya anciano y descreído de la fe en los hombres, le propone al joven cura, quien también atraviesa por una crisis similar, cometer un crimen a cambio de una recompensa.

El comienzo del film está impregnado de devoción religiosa, con todos los cánones de la misma y los ceremoniales de la Iglesia Católica. Pero, luego, una serie de sucesos violentos, además de la irrupción de Ceci (Jimena Anganuzzi) en la vida de Pablo, tuercen el camino dentro del convento. Surgen elementos del “film noir” y lo que hasta ese momento es una ortodoxa actitud religiosa, deviene en una orgía de sangre.

Destacamos una muy acabada dirección de arte (Valentina Llorens) así como el aporte de locaciones reales que ilustran con verosimilitud los ámbitos monacales, incluyéndose además al afamado Instituto Bernasconi, de Parque Patricios, que sirvió de marco con su gran porte. Una mención especial merecen los actores Juan Minujín, Osmar Núñez y Osvaldo Bonet por sus actuaciones, plenas de talento y credibilidad, verdaderos soportes de esta buena realización aún a pesar de una historia que puede resultar, en algunos momentos, un tanto insólita.

Carlos Pierre

MARADONA, MÉDICO DE LA SELVA

De Martín Serra. Documental. Guión de Rodolfo Martínez Mendoza y Martín Serra. Música de Manuel Rodríguez y Rodolfo Martínez Mendoza. Duración: 90 minutos.

MUY BUENA. MERECIDO HOMENAJE AL MÉDICO ESTEBAN MARADONA

El médico Esteban Maradona es uno de los personajes enigmáticos de nuestra historia, reconocido ampliamente en muchos lugares del mundo antes que en nuestro país. Hoy fallecido, el doctor Maradona contribuyó a su propio enigma, aún con su casi centenaria vida, inmerso en el norte del país, recluido en la selva como un médico rural más, siempre reacio a la prensa.

El director Martín Serra buceó generosamente en la labor del médico santafesino, que nació en un campo de Barrancas en el seno de una familia acaudalada. Estudió en Santa Fe y se recibió de médico en Buenos Aires.

Un gran mérito de este documental es el enorme material expuesto tratando de sintetizar la titánica obra del doctor Maradona. De esta manera, sabemos que estuvo en la guerra del Chaco Boreal, librada entre Bolivia y Paraguay. Y, al terminar, por la atención que hizo de un parto en un pueblo de Formosa llamado Guaycurú, hoy Estanislao del Campo, se radicó en ese lugar durante casi cincuenta años, estudiando la naturaleza, atendiendo a gente de la zona y manteniendo una estrecha relación con los aborígenes “piguá”.

Es también muy interesante cómo Serra aborda los hechos humanitarios de este médico con una visión amplia, dejando al descubierto su obstinado hermetismo en medio de la intrincada soledad de la selva, pero su labor sin descanso con una entrega personal más que generosa.

Estamos frente a un documental muy interesante, muy atractivo, que da luz sobre una de las personalidades relevantes de nuestra historia, similar a la del médico y músico Albert Schweitzer en Lambarené, Gabón, Africa. El doctor Maradona merecía este lúcido documental. No se lo pierda.

Carlos Pierre

BUSCANDO UN AMIGO PARA EL FIN DEL MUNDO

De Lorene Scafaria, su guionista también. Con Steve Carell, Keira Knightley, Martín Sheen, entre otros. Música de John Sadoff y Rob Simonsen. Duración: 101 minutos.

MUY BUENA. COMEDIA DIFERENTE SOBRE EL AMOR EN SITUACIÓN LÍMITE

En tres semanas, toda la Humanidad desaparecerá a causa del impacto del asteroide “Matilda” de 140 km de diámetro porque ha fracasado el intento de desviarlo. Entre el pánico y el desborde de las poblaciones con saqueos de toda índole, dos seres, Dodge (Steve Carell), vendedor de seguros quien acaba de ser abandonado por su esposa, Linda (Nancy Carell, su esposa en la vida real), y su vecina Penny (Keira Knightley), de vida alocada entre una pareja ególatra y displicente y su propia adicción a la marihuana, se encuentran. La situación es casi hilarante: Penny entra por la ventana a raíz del efecto de la droga. Así comienzan una relación alejada del caos de la humanidad. Dodge se propone huir de su hogar que es invadido por las hordas humanas y lo hace con Penny, comenzando un “road trip” o película de viaje. Cada uno tiene un objetivo que cumplir antes del fin del mundo: él, volver a su antiguo amor del secundario y ella, ver a sus padres en Inglaterra.

Un perrito aparece en la vida de Dodge con un cartelito que dice “Im sorry”, y él lo bautiza “Sorry”. Se trata de uno de los animalitos que trabajan en Hollywood y que es llamado “Aleister”. Será otra de las compañíás hasta el fin del mundo. Destacamos la aparición de Martín Sheen como el papá de Dodge, qie irrumpe casi sorpresivamente en la narración. Este encuentro permitirá que padre e hijo expíen sus culpas y cargos antes de morir.

En este apocalipsis ideado por la realizadora Lorene Scafaria no se declara el final, el cielo no se enrojece ni los mares se desbordan. Se aleja de la fatalidad, que da idea al guión, para centrarse en la amistad de Dodge y Penny quienes comienzan a transitar por paisajes solitarios, bucólicos. No hay futuro, hablan del presente. Cada uno se reencuentra con su verdadero ser y con sus propias vivencias.

Estamos frente a una historia de amor de dos seres que vuelcan sus energías a lo que es realmente importante: integrarse uno al otro, complementarse, ser uno solo en un plácido enamoramiento, sin reparar en el escaso tiempo que les queda para vivir.

Hay un subtema muy interesante y es el abocarse, día a día, a lo que realmente nos debe importar, dejando el caos al margen de nuestras vidas. No es poca cosa el tema abordado por Lorene Scafaria con una narración agradable que nos permite disfrutar de una bella historia.

Carlos Pierre

TOURNÉE

Dirección y guión de Mathieu Amalric. Con Mathieu Amalric, Miranda Colclasure, Suzanne Ramsery, entre otros. Música de The Sonics. Duración: 111 minutos.

MUY BUENA. AGRADABLE COMEDIA SOBRE UN GRUPO DE ARTISTAS. BUEN MENSAJE

Mathieu Amalric realiza, con esta película, un homenaje al New Burlesque, un género de vasta tradición, con raigambre en Francia, país de música y escenarios por excelencia. Joachim Zand (el mismo Amalric) abadnoa a los 40 años la producción de la televisión en París y se marcha a los Estados Unidos. Al regresasr a Francia lo hace por Las New Burlesque, una compañía de mujeres voluptuoss que hacen shows de striptease.

Este productor no es un triunfador. Y comienza con una serie de actuaciones en localidades de diferentes provincias, aunque con la firme promesa a las chicas de terminar el periplo, la tournée, en París. Por eso debe ajustar cuentas pendientes y dolorosas en la capital francesa, donde recibe agresiones frente a las que, en definitiva, no puede hacer nada debido a su mediocre espíritu.

La idea del film es, en buena medida, mostrarnos cómo el burlesque, en esta nueva expresión, queda reducido a escenarios no comerciales o alejados de los grandes centros, a pesar del esfuerzo y del talento de muchos artistas. Es, en definitiva, la suerte de muchos grupos de teatro de diversa índole, musical o estrictamente teatral. En esta ficción, las artistas de Tournée siguen con su show a lo largo de la costa marítima francesa, las chicas siempre sonrientes, aunque guardando una melancolía por lo que no lograron ser en sus vidas artísticas. Avanzan a pesar de las frustraciones del productor.

Sin embargo, el film es alentador porque, aún en medio de los grises de la rutina, estas mujeres del burlesque se sobreponen al desánimo y logran llegar a una meta en Burdeos que las redime de nostalgias por hechos inconclusos.

Amalric supo impregnar a este film del vértigo y la laxitud de toda tournée, o gira, así como de un tesón notable dentro y fuera del escenario donde la ficción plantea los shows. Esta película ha sido muy apreciada en diferentes festivales del mundo, tiene mucha calidad en fondo y forma, por lo que ha logrado siete nominaciones a los premios César así como galardones en Cannes y de Fipresci. Para ver.

Carlos Pierre

LA CASA DEL MIEDO

De Chris Kentis y Laura Lau. Con Elizabeth Olsen, Adam Trese, entre otros. Música de Nathan Larson. Duración: 80 minutos.

REGULAR. FANTASMAS EN UNA CASA ENDEMONIADA. BUENA REALIZACIÓN, POBRE GUIÓN

Una buena realización nunca suple a un buen guión. Si éste es endeble, los climas generados por el director, el diseño de arte, el compositor, el sonidista y el fotógrafo, quedan en la nada aunque puedan sostenerse en algo por las actuaciones. Es el caso de esta remake de “La casa muda”, película uruguaya del 2010, basada en hechos reales ocurridos en el Uruguay en 1940.

En “La casa del miedo” una joven acompaña a su padre y su tío a reacondicionar una casa de campo. Muchas velas encendidas, una suerte de “floating cam” que trabaja muy bien los primeros planos y, a partir de éstos, los planos secuencias, nos dan idea de que no todo estará tan plácido. Hay un largo preámbulo para meternos en la acción, si bien lo que vemos después es más de lo mismo aunque bien filmado; la narración es muy atractiva y los climas generados son atrapantes. Entre pequeños hallazgos está el haber filmado algunas breves secuencias a través de las hendijas de las puertas. Y con una cámara movediza que confiere una atmósfera casi escalofriante.

No obstante estos ítems tan bien logrados, así como la actuación de Elizabeth Olsen, en quien recae el peso del film, no logran superar unos flancos muy débiles del guión. Se sabe que habrá ruidos, puertas que se cierran extrañamente, sombras que aparecen cuchillos, tijeras tenebrosas, que hacen al género. Pero cargar las tintas con el abuso sexual y transformar a uno de los dos actores en un violento no ayuda a explicar lo que ocurre en esa casa, al parecer pobladas por fantasmas, especialmente el de una niña. Hay demasiado morbo en este planteo. Por otra parte, es poco creíble que uno adquiera una suerte de mansión deteriorada, sin recorrer sus cuartos, sin saber de antemano qué tiene y qué le falta. Tampoco hay explicación para algún personaje que toca el timbre y se le aparece a la protagonista. Una argucia del género, pero demasiado explícito o traído de los pelos. Ni hablar de las conclusiones a las que se va arribando.

Sabemos que estas películas atraen, tienen su público. Y que va a estar entre los primeros puestos de taquilla, dejándose de lado a alguna buena realización. Este atractivo que genera el género del terror no es suficiente, en nuestra modesta opinión, para calificarla como buena.

Elsa Bragato

QUÉ VOY A HACER CON MI MARIDO, SALVAJES, LA COLA, TOPOS, LA APARICIÓN, ESTRENOS JUEVES 13

JUEVES 13 DE SETIEMBRE DEL 2012.-

Hay seis estrenos. No comentamos “El periodista”, de Diego Recalde.

QUÉ VOY A HACER CON MI MARIDO?

De David Frankel. Con Meryl Streep, Tommy Lee Jones, Steve Carrell, entre otros. Música de Theodore Shapiro. Duración: 100 minutos.

MUY BUENA. MERYL STREEP Y TOMMY LEE JONES EN UNA EMOTIVA Y REALISTA COMEDIA

Estamos frente a una comedia con una alta dosis de realismo entre dos personajes comunes y corrientes. Se trata de una pareja que lleva tres décadas de casada y durante este tiempo se han ido anquilosando sus fibras amatorias. Kay (Meryl Streep) vive en un hogar monótono junto a Arnold (Tommy Lee Jones), un marido que es cascarrabias y cuya rutina se desliza entre el trabajo y el deporte por televisión. Kay quiere romper el tedio de conyugal y busca a un renombrado especialista en terapia de parejas (Steve Carell), quien ejerce su profesión en un pequeño pueblo de Maine, llamado Hope Springs. Esta locación da título original en inglés al film.

En las idas y venidas de la pareja encontramos una lúcida mirada y muy divertida además del paso inexorable del tiempo que suele cubrir con una pátina de rutina fastidiosa la vida de las parejas. La incitación al cambio y el ir hacia un resurgir del apetito sexual están encarados por la esposa que no se resigna a ver cómo se marchitan tantos años de vida en común.

David Frankel ha recurrido a un sinnúmero de situaciones en el transcurso del film para “ayudar” argumentalmente a la pareja a encontrar el cambio que anhela la esposa, de modo tal que el espectador solo debe dejarse llevar por la narración y disfrutarla. Por otra parte, la belleza de Maine, que parece detenido en el tiempo, ayuda a crear un clima favorable tanto para el espectador como para la historia, con dos soberbios protagonistas que nos hacen emocionar con sus cuitas, sus vaivenes y sus esfuerzos por salvar un gran amor.

Con fracasos, compartiendo culpas y olvidos, la pareja de Kay y Arnold empieza a subir una empinada cuesta que no es más que el reflejo de muchos matrimonios en cualquier parte del mundo. En esto hay que reconocer un gran acierto en el guión de Vanessa Taylor quien sabe llevar con pluma avezada la situación de una pareja, a punto de sucumbir por el aburrimiento, hacia caminos salvadores.

De principio a fin disfrutamos de una buena comedia, realista y, también, mágica, con dos actores de raza que no dejan de asombrarnos por su madurez interpretativa y nos deleitan con una química poco usual. En otros aspectos, la comedia transita por los carriles normales de este tipo de realización. El hallazgo reside en las figuras elegidas para interpretar a este matrimonio semigastado y cómo Meryl Streep y Tommy Lee Jones hacen suyos tantos vaivenes a través de una comedia muy agradable y con algo de moraleja: siempre se puede estar mejor.

Carlos Pierre

TOPOS

De Emiliano Romero. Con Lautaro Delgado, Leonor Manso, Gabriel Goity, Pompeyo Audivert, Ludovico Di santo, Mauricio Dayub, entre otros. Música de Germán Suane. Duración: 100 minutos.

BUENA. ALEGORÍA SOBRE LA INJUSTICIA SOCIAL

Con una estética diferente, Emiliano Romero se mete en una historia tragicómica, por momentos grotesca, dándole una materialidad barroca a su propio guión. Hay un gran despliegue de recursos escenográficos y de vestuario, así como la música y la participación de numerosos actores de primer nivel resultan armas contundentes para llevar a cabo el objetivo del film que es mostrarnos quiénes son los “topos” sociales, según su visión. La utilización de la cámara Red One 4 K es de gran ayuda por su ductilidad en las secuencias subterráneas, por lo que destacamos este aspecto técnico.

En realidad, es una alegoría movilizadora sobre los “desplazados” en una academia de baile donde sus directores, a cargo de Leonor Manso y El Puma Goity, secundados por el preceptor que encarna el circunspecto Pompeyo Audivert, conforman un terceto perverso y manipulador.

A estos “desplazados” que están en la superficie, a los que no lograron aprobar sus audiciones como bailarines, se los ha aislado y condenado a vivir bajo tierra. Son los “topos” del título del film, que se arrastran por túneles donde los techos son tan bajos que nadie puede estar de pie, jamás están erguidos, y solo tienen las sobras de la sociedad de la superficie para alimentarse. Mientras tanto, en la academia de baile, “arriba”, los alumnos inscriptos son obligados a permanecer encerrados y bajo condiciones nada agradables. Esta situación se ve alterada cuando un nuevo alumno (Ludovico Di Santo) es secuestrado por el hijo del líder de los “topos” (Lautaro Delgado), quien asciende a la superficie y lo “reemplaza”. Maltrecho por estar tanto tiempo en el subsuelo y agachado, inicia su transformación, erguirse por ejemplo, para tratar de convertirse en un gran bailarín.

Si vemos al film en forma lineal, la estética de Romero resulta innovadora y el tema puede resultarnos críptico. Si, en cambio, vemos más allá de las imágenes, estamos frente a una alegoría social con fuerte crítica hacia los desplazados de cualquier índole. La danza, la escuela, son solo metáforas de una sociedad que condena sin miramientos a una gran mayoría de ciudadanos sin importarle sus capacidades ni siquiera su condición de ser humano “prima facie”. Es un film interesante pero, por otra parte, es una película para cinéfilos por su estética, por su forma de contarnos una historia que nos toca a todos en algún punto.

Carlos Pierre

LA APARICIÓN

De Todd Lincoln. Con Ashley Greene, Sebastian Stan, Tom Felton, Julianna Guill, entre otros. Música de Toman Dandy. Duración: 82 minutos.

MALA. FANTASMAS INSISTENTES EN DESPROLIJA VERSIÓN

Jugar con la copa, llamar a los espíritus más “bajos”, no suele ser aconsejable. Al parecer, pueden regresar y no irse más. Más o menos éste es el quid del argumento de este film de Todd Lincoln, quien se basa en un experimento realizado por jóvenes universitarios hace un par de décadas (concretamente, década del 70). Y, ya en el presente, una pareja de ellos no tiene en cuenta que el pasado vuelve si no se cerró bien la puerta.

Ben y Kelly (Stan y Green) arman su vida en común aunque ella desconoce qué hizo su pareja en el pasado, si bien comparte su afición por lo sobrenatural. Lo curioso es que Ben está tan joven como hace más de 30 años… Aquí el guión empieza a mostrarnos ciertos desniveles de producción, además, que nos advierten sobre lo que vendrá: un desaguisado de ruidos, un moho bastante desagradable que sería “otra cosa”. Este moho crece, inunda la base de la casa, se mete en la cocina, y el ambiente se torna tontamente peligroso. Todo lo que viene lo sabemos, con computación y algo más de tecnología que en los 70. Aunque estas películas de terror no nos ofrecen nada nuevo, por lo menos hay que cuidar detalles de producción que no las hagan tan poco creíbles y tan desprolijas. Los personajes sin el paso del tiempo, un guión que hace agua por todos lados por sus diálogos elementales, sustos ya conocidos y efectos pobres, sintetizan esta película de terror que puede entretener y, al mismo tiempo, hacernos reir, un hecho positivo para liberarnos de la adrenalina laboral. Nada más, y es poco.

Elsa Bragato

SALVAJES

De Oliver Stone. Con Taylor Kitsch, Blake Lively, Aaron Johnson, John Travolta, Benicio del Toro,Salma Hayek, Demián Bichir, entre otros. Música de Adam Peters. Duración: 131 minutos.

BUENA. STONE EN SU SALSA: SÁTIRA IMPIADOSA SOBRE LA DROGA Y LA MUERTE

Oliver Stone regresa con un film muy afín a toda la carga de ser un ex soldado de la guerra de Vietnam: la frialdad de los ex marines, la adicción a las drogas y un rencor y hastío por la vida a ultranza, temas que el realizador de JFK siempre mencionó en casi todos sus reportajes. “Salvajes” nos muestra el mundo de jóvenes productores de marihuana de gran calidad en el sur de California, en la zona de Laguna Beach, donde las mansiones sobre los acantilados son el “hábitat” común de sus habitantes, enfrentados a los dealers mexicanos de la cercana Tijuana, comandados por Salma Hayek, exagerada y poco creíble como casi siempre. Se trata de un trío, compuesto por Chon y Ben que comparten el amor de la aburguesada “O”. O bien un Oliver Stone que está presente por la primera vocal del nombre de la joven. ¿Un hombre atravesado por un amor indeciso como su personaje femenino? Todo puede ser.

Malos y buenos a ambos lados de la frontera, que no parece ser tan segura como el ex presidente Bush imaginó y construyó. Los mexicanos ven a los americanos como débiles, venales y traidores, mientras que los americanos ven a los mexicanos como salvajes, cruentos, sangrientos, brutales. Sin embargo, tienen conexiones entre ambos y la principal está dada por un agente de la CIA que compone John Travolta, gordo y pelado y afeado, suponemos que para la ocasión. Lejos de ser el “más malo”, como en Pulp Fiction, aquí es un venal, corrupto empleado de los servicios de inteligencia de su país que juega para los unos y los otros.

Salma Hayek es la “patrona” de tantos hombres feos y malos del lado mexicano, con un Benicio del Toro que espanta, y que realmente realiza un gran papel. Desagradable por donde se lo mire pero con destreza actoral innegable. Y aquí empieza la fábula: no es creíble que una mujer pueda dominar a tantos “malotes” y fieros hombres, no se sabe por qué, cuàl es el don con que los domina. No parece ser el dinero, no parece ser el sexo, no parecen ser nada más que ella y su tonito de voz. Y no es creíble.

Los dos jóvenes americanos son contratados casi a la fuerza por los malos que comanda Hayek bajo la presión que les ejerce el personaje de Travolta. El rapto de la joven O complica las cosas hasta límites insospechados y comienzan las venganzas, las torturas, los latigazos, las vejaciones, que se comprenden dentro del mundo propuesto por Stone, pero no la presencia de Hayek como “mandamás” de los mexicanos. Hay otro talón de Aquiles en la ficción para esta diminuta actriz millonaria (también en la vida real): su hija Magda, que será raptada por los americanos. Así es la cuestión: ojo por ojo, diente por diente.

El film está narrado por la joven O que nos explica, de entrada, que no sabe si al final estará viva o no. Y va contando su vida con los dos jóvenes, uno de ellos terriblemente calculador Chon), sin alma, porque ha estado en las guerras de Irak y Afganistán y solo el sexo le saca la ira del alma. Pero no sus malos hábitos que se resumen a consumir droga, a fabricarla y a matar a quien se le pone en el camino. Ya no es “marine”. Ahora es SEAL (es la unión de Air y Land, y corresponde a las fuerzas de operaciones especiales de la Armada de los Estados Unidos que intervinieron en Irak y Afganistán, los Navy Seals). “Ben” (Aaron Johnson) es su opuesto, pero ambos la comparten y los tres viven un período de estabilidad emocional y de placer.

La historia atrapa, es cierto, pero intuimos desde el vamos que es una sátira impiadosa sobre los dealers, la ingenuidad y el alma salvaje de los ex soldados americanos, la sanguinaria fuerza de los narcos mexicanos, y la corrupción de funcionarios americanos que solo aspiran a vivir bien, aunque en el camino queden muchos decapitados, literalmente. Y esta intuición temprana le hace perder bastante atractivo a la historia, aunque la narración nos mantendrá en vilo.

¿Quién es el salvaje aquí, quién es el civilizado? Ésta es una de las preguntas que nos deja Stone. Y no se nos puede escapar su crítica a la política militar norteamericana y las consecuencias en sus jóvenes soldados, se llamen marines o seals.

A nivel técnico, la narración de Oliver Stone recurre a los recursos de la narrativa audiovisual tradicional: algo de blanco y negro, algo de sepia, montajes abruptos que muestran sin mostrar una decapitación, por ejemplo, y genera un constante clima de sobresalto, un logro por cierto. Hacia el final no todo está dicho. O nos acercamos a Romeo y Julieta en medio de tiroteos y sangre por doquier o la resolución es la que esperamos. Todo está contado, explicado, detallado por Stone a través de su “alter ego”, O. Atrapante, sanguinaria, con algunas flaquezas, pero un film fuerte dentro de la sátira sanguinaria. Finalmente, a Oliver Stone, en este tipo de films que lo definen, hay que “leerlo” en sus entrelíneas.

Elsa Bragato

LA COLA

DE Enrique Liporace y Ezequiel Inzaghi. Con Alejandro Awada, Ana María Picchio, Lucrecia Oviedo, Antonio Gasalla, Alberto Anchart, Aldo Barbero, Enrique Liporace, entre otros. Duración: 104 minutos.

BUENA. UNA COMEDIA SIN VUELTAS, SINCERA Y MUY PORTEÑA

Un “oficio” enraizado en nuestro folklore urbano es el del “colero”, o sea aquella persona que pasa largas horas haciendo cola para un evento a cambio de dinero por parte del usuario que debe ir a trabajar, por ejemplo. Sobre este “trabajo” se basa la historia de Félix Cayetano Gómez, a cargo de Alejandro Awada, un hombre que nace un 7 de agosto, día del patrono del trabajo San Cayetano en nuestro país en medio de una peregrinación.

Su primer nombre, Félix (feliz) no representa su situación económica y espiritual actual ya que vive con su esposa (Ana María Picchio) en una humilde pensión y se dedica a ser “colero” como único modo de vida para subsistir o soñar con visitar a su hija Yanina (Lucrecia Oviedo) a quien él cree viviendo en París como actriz. Desconoce la realidad y ésta es que la chica jamás salió de Buenos Aires y lucha por eludir la miseria de sus papás.

El guión de Liporace e Inzaghi está basado en un cuento del propio actor y director, Enrique Liporace, referido a un “colero”, a sus precariedades y a su anhelo de formar un sindicato que los agrupe y los proteja.

Conocedor de la urdimbre porteña, Liporace sabe impregnar al film de nuestros usos y costumbres ciudadanos de una manera directa y realista. Recorre con su cámara las largas colas de devotos del 7 de agosto frente a la iglesia de Liniers para pedir pan y trabajo a San Cayetano, por ejemplo, el del espigado trigo. Antonio Gasalla aparece como el cura de la iglesia y estuvo gustoso de participar gratuitamente del film de su colega Liporace (comparten el escenario de Más respeto que soy tu madre). También aparece el recordado Alberto Anchart por el mismo motivo.

Las desventuras del protagonista están lejos de ser un grotesco sino que nos muestran de una manera fiel esa nueva forma de ganarse la vida que existe en esta ciudad, ser “coleros”. Y hay porteñidad y hay autenticidad en este relato sencillo pero bien realizado que nos regala Enrique Liporace, un reconocido actor de teatro, televisión y cine que ahora llega a la pantalla grande con un largometraje. Es una comedia sin vueltas y agradable.

Carlos Pierre

360, MIENTRAS DUERMES, TED, SAL, ENTRE LOS ESTRENOS DE CINE JUEVES 6

JUEVES 6 DE SETIEMBRE DELL 2012.

Hay ocho estrenos, entre ellos, cuatro nacionales incluyendo una coproducción con Chile. Comentamos cuatro films.

360

De Fernando Meirelles. Con Anthony Hopkins, Jude Law, Rachel Weisz, Ben Forster. Basado en “La Ronde”, del médico Arthur Schnitzler. Duración: 110 minutos.

REGULAR. EL EROTISMO EN 360 GRADOS

La reunión del destino de varios personajes en una esfera de 360 grados, dramática, a través de diferentes ciudades (Viena, París, Londres, Bratislava, Río de Janeiro, Denver y Phoenix), es posible por la ficción pero no siempre resulta válida, como ocurre en este caso, una nueva película del afamado Fernando Meirelles, director nada menos que de “El jardinero fiel”, entre otros films. Se nota un búsqueda forzada de las situaciones que viven los personajes para poder encontrar un punto de unión entre las historias.

El guión de Peter Morgan se desarrolla a partir de “La Ronde” del médico y dramaturgo vienés Arthur Schnitzler, titulada en su idioma original “Der Reigen”, adpatada por Max Phuls como “La ronde”. El casting no puede ser más prometedor: una pleyáde de actores que pocos realizadores logran convocar y que Meirelles logró. Un acierto.

La vuelta a esta circunferencia dramática se inicia en Viena cuando Jude Law trata de relacionarse con una prostituta, a cargo de Lucía Siposova, aprovechando que su esposa (Rachel Weisz) está lejos del lugar y entre ambos existe una deteriorada relación conyugal. Anthony Hopkins aparece en otra historia, en un aeropuerto, donde se relaciona con una brasileña muy joven (María Flor) terciando el personaje de Ben Foster, un delincuente sexual que pasó varios años en la cárcel y está a punto de reiniciar su vida en libertad. Se destaca también la presencia del afamado actor ruso Vladimir Vdovichenkov, quien encarna a un duro personaje que le da vértigo y acción al film.

Sin embargo, es difícil sentir que existe una conexión casual en personajes que podrán tener sentimientos en común aunque vivan en las antípodas pero que, en esta ficción, no transcurre de manera fluida tal como la narración de Meirelles lo presenta o bien lo logra plasmar. Cuesta creer en ciertos encuentros de estos seres que se debaten entre el erotismo y situaciones límites (temas propios del médico, psicólogo y dramaturgo Schnitzler), y no ayudan en la confección de la trama el abuso de los “wipers”, o sea la pantalla dividida, restándole intensidad a muchas secuencias. Lograr un elenco de probados actores es un logro y sus actuaciones son inobjetables. El tema pasa por la necesidad de Fernando Meirelles de que todos ellos tengan una conexión más estrecha aún viviendo en ciudades muy alejadas unas de otras. No resulta convincente.

Carlos Pierre

MIENTRAS DUERMES (SLEEP TIGHT)

De Jaume Balagueró. Con Luis Tosar, Marta Etura, Amparo Fernández, entre otros. Duración l08 minutos.

MUY BUENA. ATRAPANTE THRILLER CON RIBETES DIABÓLICOS

César (Luis Tosar) es el encargado en un edificio de departamentos en Barcelona, conoce a fondo a todos los inquilinos, pero tiene un defecto o mejor una perversión, como él no es ni ha sido nunca feliz, ni está satisfecho por el trabajo que desempeña, es el villano más odiable que podamos suponer.

Odia a la gente y una nueva vecina del 5to. B, Clara (Marta Etura) despierta aún más su exacerbada perversidad. Esta joven es espontánea, no deja nunca de sonreír, de mostrar toda la felicidad en su rostro. Y a ella dirige, entonces, como una obsesión cruenta, todas sus maldades, enviándole anónimamente cartas amatorias, sembrando su alacena con repugnantes insectos, pero todo esto no le basta. Ha decidido llegar al límite, dormir cada noche debajo de la cama de esta señorita ya dormida por los efectos de los tranquilizantes dejados en el vaso de agua. Y va para más, tiene la osadía de subir hasta ella, tenerla entre sus brazos y poseerla.

El director Jaume Balagueró, basado en un guión de Alberto Marini, ha compuesto un verdadero thriller, pero muy particular, ya que el encargado no ejerce tortura ni secuestro sobre su víctima, como una araña psicópata la va enredando hasta devorarla con sus aterradores métodos que utiliza en la noche de ese edificio de departamentos, sin que nadie sospeche algo, salvo una niña que pareciera haber descubierto el nudo de esa madeja urdida por este César perturbado, con un único propósito de infligir el mal a los demás.

Film que atrapa desde el comienzo por la conducta manipuladora de este encargado que se vale de todos los recodos que le ofrece la realidad más cotidiana, para ir asestando trampas y equívocos en la presa más indefensa. Con un desenlace a toda orquesta, que nos cuesta creer y aceptar, Balagueró cierra este suspenso diabólico con una suerte de fuegos de artificio que no celebran más que el mal desatado por este personaje siniestro y al que no quisiéramos tener en nuestro edificio de ningún modo. Un Luis Tosar formidable en un film diferente en el tratamiento del thriller que estamos acostumbrados a ver.

Carlos Pierre

SAL

De Diego Rougier. Con Patricio Contreras, Fele Martínez, FavieraContador, Gonzalo Valenzuela, entre otros. Música de Nicolás Torres. Duración: 114 minutos. Coproducción argentino-chilena.

BUENA. ATRACTIVO WESTERN CARICATURESCO FILMADO EN EL DESIERTO DE ATACAMA

Autor del guión y realizador del film, Diego Rougier (de basta trayectoria como director de videoclips y uno de los gestores del canal Much Music) se lanza con su ópera prima, un western caricaturesco, ambientado en el norte de Chile, en el desierto de Atacama, páramo yerto e inhóspito que le da título al film: Sal.

El tema es ingenioso: un director español de cine obsesionado por hacer un western viaja al país trasandino en busca de su historia. Instalado, es confundido por otro dando lugar a la historia que nunca escribió de la que será involuntario protagonista. O sea el autor se convierte en forzado personaje del que no podrá salir y que lo envolverá en una verdadera penuria de equívocos.

El fantasmal paisaje chileno de Atacama es retratado por una fotografía deslumbrante, apoyada aún más por un diseño de producción de excelencia, aunque la música incidental es chillona con excesiva presencia, tratando de imitar los buenos temas originales de los westerns americanos.

No es el primer western de este continente: el anterior fue Aballay, de Fernando Spiner, un argentino consagrado en la dirección. En este caso, estamos frente a una coproducción argentino-chilena que pone otro mojón en un género que parecía pertenecer solo a Hollywood (con excepción de los “spaghetti”). “Sal” ha ganado numerosos premios en diferentes festivales como el de Huston, México, Milán, Almería, Corea del Sur, Australia, Chicago y Friburgo, y le dan buen respaldo a este inicio de Diego Rougier en el largometraje. Es un film diferente por lo creativo.

Carlos Pierre

TED

De Seth MacFarlane. Con Mark Wahlberg, Mila Kunis, Joel Mchale, Sam J. Jones, Norah Jones, entre otros. Música de Walter Murphy. Duración: 106 minutos.

BUENA. UN OSO PARLANTE QUE DESTILA VICIOS EN UN RETRATO INOPORTUNO E HILARANTE DE NUESTRAS COSTUMBRES

La imagen de un oso de peluche está unida a la niñez. ¿Quién no tuvo un osito? El caso es que, ante el pedido del niño John -27 años atrás-, ocurre el “milagro” y el oso adquiere voz y movimientos humanos. El recuerdo más cercano es el cuento de Pinocho. Pero hay diferencias notables! Ted se une para siempre a su amigo humano, John Bennett (Mark Wahlberg) y, ya en la adultez, sus costumbres bizarras y un tanto escatológicas compromete la felicidad de su amigo y la relación con su futura esposa.

A pesar de que vemos secuencias donde Ted se droga a piacere con marihuana, por ejemplo, la narración propuesta por Setch MacFarlane destila ingenuidad y no mal gusto por lo que la risa surge inevitablemente sin que uno se pueda sentir ofendido o “tocado” por las ocurrencias “non sanctas” de Ted, que incluye escenas de sexo y fuerte afición por orgías. Puede llamar la atención que estas “tendencias” del oso Ted no provoquen escozor, y es porque MacFarlane es una maestro del humor ácido y la ironía extrema. Baste como prueba la serie “Padre de familia” que es de su autoría donde retrata la vida de un padre norteamericano con sus pro y sus contra dentro de un humor a rajatabla. Si hay que encontrarle un parangón, encontramos a Peter Capusotto y sus videos como lo más cercano. Es una comicidad corrosiva, que desnuda las pequeñeces de la realidad cotidiana. En este caso, es el oso Ted a quien el mismo Seth MacFarlane le presta su voz en off, grave y con pocos matices, provocando aún más hilaridad. La aparición de Sam J. Jones que personificó a Flash Gordon así como de Norah Jones, la cantante y actriz que aquí se interpreta a sí misma, generan secuencias de fuerte impacto cómico.

Seth MacFarlane indicó que quería demostrar qué pasa cuando alguien pierde la fama. Ted se hace rápidamente famoso y concurre a los programas más importantes de la televisión norteamericana, hasta que crece y ya nadie lo recuerda. Sin embargo, nos parece que el film excede esta primera intención del realizador aportando una suerte de retrato inoportuno de muchas conductas nuestras, sin que éstas tengan que llegar necesariamente a los vicios que Ted muestra tener y con los que complace sin tapujos. Somos egoístas, acaparadores, “metiches”, e incapaces muchas veces de guardar el lugar que la vida nos va dejando. Tenemos ansias de fama, ansiamos encontrarnos con nuestros héroes de ficción, y no nos conformamos fácilmente con lo que tenemos. Humor adulto con una realización por momentos modesta pero efectiva.

Elsa Bragato

TODOS TENEMOS UN PLAN, ELLES,VACACIONES EXPLOSIVAS, POSESIÓN SATÁNICA, JUEVES 30 DE AGOSTO

JUEVES 30 DE AGOSTO DEL 2012.-

Hay seis estrenos. No comentamos “Fuera de Satán”, de Bruno Dumont, y “La máquina de hacer estrellas”, argentino-chilena, dibujos animados.

TODOS TENEMOS UN PLAN

De Ana Piterbarg. Con Viggo Mortensen, Daniel Fanego, Sofía Gala Castiglione, Soledad Villamil, entre otros. Música de Lucio Godoy y Federico Jusid. Duración: 118 minutos.

MUY BUENA. THRILLER APASIONANTE E INTENSO CON NOTABLES CLIMAS Y ACTUACIONES

Viggo Mortensen filma por primera vez en la Argentina, su país de adopción por haberse criado aquí hasta los 11 años. Y lo hizo en la película Todos tenemos un plan de la debutante Ana Piterbarg, donde compone dos personajes, hermanos gemelos con vidas opuestas. Lo secundan Sofía Gala y Daniel Fanego.

Estamos frente a un film de contrastes en los personajes y en lo narrativo. Los climas van desde un tono melancólico y suave hasta explotar, en segundos, en una conmoción que sacude al espectador. No hay una explicitación de lo que va a acontecer y esto ayuda a que cada uno de nosotros deba mantener su atención en lo que ve para comprender, a través de las secuencias, la densa historia que se desarrolla en la ciudad de Buenos Aires y en el Delta.

Agustín es un médico reconocido que está aburrido de su vida; su esposa, encarnada por Soledad Villamil, desea adoptar un niño, pero Agustín siente que ése “no es su plan” y debe cambiar. El destino lo reencuentra con su hermano Pedro, que se quedó en la vieja casa paterna del Tigre, un hombre relacionado con la delincuencia y gravemente enfermo. La muerte de Pedro, de manera trágica y brutal, le permite a Agustín adoptar su personalidad y abandonar su rutinaria vida para regresar a la casa paterna. No será sencillo hacerse pasar por su hermano y sobrevendrán no pocas complicaciones y hasta el amor con la jovencita que ayudaba a Pedro y ahora lo ayuda a él en los colmenares, tarea que debe recomenzar a esta altura de su vida.

Los climas que genera Piterbarg son excelentes. Atrapan al espectador fuera aún de las secuencias más emocionantes que, de alguna manera, nos devuelven al Mortensen de “Una historia violenta”, aquí también muy bien logradas. Es que la directora maneja con habilidad el pase de la calma a la tormenta feroz. En este sentido, cuenta con la música incidental de Jusid y Godoy, quienes han creado una banda sonora funcional a la narración y a los personajes, por lo cual se vive la densidad dramática con generosidad. Pero sin exceso.

La fotografía, esos riachos laterales del Delta y sus casas montadas en largos caballetes de madera para huir de las inundaciones, es inobjetable. Producen el escape que no solo necesitan los personajes para trasladarse sino también el espectador: un remanso de verdes y azules luego de la furia.

Viggo Mortensen compone dos notables personajes, a la altura de los filmados con el canadiense David Cronenberg, Una historia violenta (2005) Y Promesas del Este (2007). Opuestos, resueltos notablemente en sus encuentros gracias a la actual tecnología, y cada uno de ellos (Agustín y Pedro) con los tics y el lenguaje adquirido en sus mundos diferentes (uno, el porteño de ciudad; el otro, el hombre duro del Delta). Por su parte, Sofía Gala Castiglione, vuelve a mostrarnos su enorme capacidad actoral y su autenticidad. Es creíble sonriendo o amando así como llorando. Daniel Fanego es otro notable actor que es el antihéroe: siempre dota a sus trabajos de credibilidad, de carnadura, de solidez. Lo mismo puede decirse de Soledad Villamil, que pasa de la calma rutinaria al drama con perfección, siendo verosímil siempre. Su personaje, el de esta esposa que no comprende el cambio de rumbo de su marido (Agustín), está presente en algunas secuencias claves y es tan notable su performance que son suficientes para que todo el film esté impregnado de su personaje ausente, alguien que deja de estar “en el plan” de Agustín.

Podemos preguntarnos cuál es el plan de estos personajes al que alude el título de la película. Y la respuesta más sencilla es que todos tenemos in mente algo para salir de la miseria espiritual más que de la material y que además todos tenemos un plan inconciente para sobrevivir a cada golpe que nos da la vida. O que nosotros podemos dar. La consecuencia será ese plan que buscábamos y frente a esta nueva instancia de la vida hay que tener agallas y seguir adelante, aún con la muerte a cuestas. A pesar de esta abstracción que hacemos para entender el objetivo del guión, éste es concreto y contundente. No hay lugar para otra cosa que no sea la vida misma en diferentes contextos.

Nos parece un film atrapante, bien realizado, bien actuado, que logra el objetivo de atraparnos de principio a fin y al que no le encontramos “la costura” del revés aún con la complejidad del montaje que exigió. Nos atrapó.

Elsa Bragato

ELLES

De Malgorzata Szumowska. Con Juliette Binoche, Joanna Kulig, Anais Demoustier, entre otros. Música de Pawel Mykietyn. Duración: 99 minutos.

BUENA. UN RELATO ATREVIDO SOBRE LA INTIMIDAD DE LAS MUJERES

Muy apropiado es el título del film para la narración propuesta: Elles – Ellas, porque hace un juego de vocablos que tiene que ver con el quid de la trama. Elle es la afamada revista donde trabaja la periodista Anne (Juliette Binoche), quien debe escribir un artículo sobre las jóvenes universitarias que se prostituyen para poder pagarse sus carreras. En este caso, Anne encuentra a dos estudiantes, “Elles” o bien Alicja (Joanna Kulig), desenfadada y seductora, y Charlotte (Anais Demoustier), tímida y apocada, procedente del interior del país que sueña con una vida más holgada en todo sentido.

La película es netamente femenina y se detecta la mano de la directora, quien llega al centro de la cuestión en el cuerpo de estas mujeres, que tienen todo el erotismo posible por edad y se ven envueltas en secuencias de alto voltaje. Hay que preguntarse cuál es el factor detonante del drama: está en la simbiosis impensada de la periodista con las actitudes prostibularias de las chicas. Va creciendo su acercamiento y su profesionalismo deja paso a una empatía con sus conductas. Este artículo que busca para la revista será definitorio en su propia vida, muy rutinaria.

Es también interesante cómo la directora Szumowska nos muestra sin retaceos el placer sexual de algunas mujeres cumpliendo con las tareas hogareñas más cotidianas. Destacamos una secuencia particularmente exultante: Anne prepara la cena para su marido y colegas laborales y, mientras desmenuza mariscos con el fondo del vibrante Gloria de Vivaldi, un hipérbaton cinematográfico osado pero eficaz.

Juliette Binoche apuntala el hilo de esta historia con la tácita presentación de su rostro, su sonrisa casi de Gioconda. Y las dos jóvenes son la joven belleza que brota de cada situación, tanto en un cuarto a plena luz del día como en la amplitud de un parque.

El film es atrevido y, en definitiva, es una suerte de afilado bisturí que se mete en la vida conyugal de la protagonista. Una incisión profunda en Anne y en sus actitudes como esposa y profesional que cambiará la suerte de todos. Interesante, inquietante, provoca un respingo en el alma del espectador.

Carlos Pierre

VACACIONES EXPLOSIVAS

De Adrian GRunberg. Con Mel Gibson, Dolores Heredia, Kevin Hernández, entre otros. Música de Antonio Pinto. Duración: 96 minutos.

BUENA. PARA ENTRETENERSE A LOS TIROS CON MEL GIBSON. POLICIAL FUERTE CON ESTEREOTIPOS BIEN LOGRADOS PERO NO MUCHO MÁS

Mel Gibson es autor del guión de este film de traficantes y ladrones que unen la frontera norteamericana con la mexicana, en la baja California. Una de tiros con agregados. Bien se puede pensar que la carrera de Gibson tiene un importante declive por lo que hay que echar mano a la creatividad para superar el alejamiento de los grandes estudios y de los grandes contratos, consecuencia de una desatinada vida personal.

Prófugo de la justicia de su país, Gibson encarna a un “gringo”, “Driver”, que logra salvar su vida tras una tremenda persecución en su país y atraviesa la muralla que separa ambos países, cayendo brutalmente en medio de tierra mexicana. La policía local lo traslada hasta “El pueblito”, una cárcel que alberga familias y marginales por igual, cercada por francotiradores. El ambiente es durísimo, y la ralea del mundo parece haberse reunido allí. Esta circunstancia tan poco amigable le permite, sin embargo, a este “gringo” tener la amistad de un chiquito cuya madre se prostituye y por quien será capaz de muchas cosas a lo largo de la narración. Descubre el sentido de la lealtad, de la amistad y hasta la calidez del amor adulto luego de un sinfín de penurias, muchas de ellas escenas brutales con muertes a destajo, fusilamientos, prostitución y lo que uno pueda imaginarse.

Si bien se transita por un camino ya conocido, con la voz en off de Gibson narrando sus peripecias, el film logra atrapar desde la óptima de un policial fuerte, aunque sepamos de antemano qué puede pasar. La fotografía no es edificante aunque sí certera para plantearlos todos los estereotipos posibles de los mexicanos buenos y los malos, y contribuye a crear un clima de marginalidad dolorosa por lo real. Los planteos que surgen del film entonces van por un camino diferente a la historia que vemos: la niñez desvalida, la niñez en manos de adultos sometidos, cómo salvar a tanta humanidad de tamaño submundo, ¿es justa una vida en semejante medio?, ¿Hay o no gobernantes para atender estas necesidades? ¿La delincuencia tiene el terreno ganado?¿La prostitución es el único medio para las mujeres de clase social baja?

Surgen muchas preguntas y entendemos que ése es el valor ulterior de esta película en la que Mel Gibson aparece demasiado atildado para vivir en un medio tan poco pulcro, y su mirada sobre el entorno está a medio camino entre el vivir involucrado o buscar una salida de ese lugar. El final es convencional pero, luego de muchas escenas de violencia, da la sensación de un remanso que el espectador necesita. La realización es buena, destacándose la actuación del pequeño Kevin Hernández. Gibson sabe cómo hacerse el pistolero; además hay cierta ligereza en el guión por lo que temas muy graves se toman como cotidianos. O tal vez la cotidianeidad de ese lugar sea así: lo grave de tan grave resulta liviano o sencillo, un tiro y listo. Un film con desniveles pero con mucha acción.

Elsa Bragato

POSESIÓN SATÁNICA

De Ole Bornedal. Con Jeffrey Dean Morgan, Kyra Sedgwich, Natasha Calis, Madison DavenPort, entre otros. Música de Anton Sanko y Nancy Mayor. Duración: 91 minutos.

BUENA. EL DIBBUK HEBREO EN UNA TRAMA DE TERROR

El legendario director del terror Ole Borned aborda el tema del Dibbuk, que en hebreo significa “aferrarse”, un espíritu maligno que habita en una caja de madera, difícil de abrir. Como sea, está al acecho de alguien, en este caso, una inocente criatura llamada Em (Natasha Calis) de quien irá apoderándose en una espiral horrorosa. Sus padres acaban de separarse y en un fin de semana junto a su papá (Jeffrey Dean Morgan, recordado por “300”), éste le compra la caja de madera que determinará cambios insospechados en los personajes y en la trama.

La leyenda de la caja Dibbuk se remonta a finales de la Segunda Guerra Mundial, cuando fue encontrada por un sobreviviente del Holocausto polaco en España. Al fallecer en el 2001, se vendió a sucesivos compradores, quienes padecieron la ira de un “mal inexplicable”. En este film, la historia se basa “en un caso real” y pertenece hoy en día a una tradición judía de fuerte raigambre.

Los verdaderos protagonistas de este film de terror son el padre y su hija, sometida al “apoderamiento” de un espíritu demoníaco, en una transformación gradual que amenaza con la destrucción de su personalidad en forma definitiva. Un rabino “curador” interviene y pone en práctica un exorcismo mostrándose una práctica religiosa que es muy difundida entre los católicos resultado casi una novedad para quienes no profesan la fe judía.

El film tiene vértigo y un suspenso creciente y sin pausa, claves para que una película de este género mantenga atrapado al espectador. Ole Borned logra todos sus objetivos gracias a su veteranía que le permitió el empleo de secuencias ampulosas sin escamotear escenarios que desfilan en un sinfín. El final es abierto y esto nos hace suponer que bien puede haber una segunda parte. Entretenido, para ver aferrado a la butaca con la novedad de una historia real y el descubrimiento para el gran público de la caja Dibbuk (hay algún antecedente cinematográfico pero no recurrente).

Carlos Pierre

EL LEGADO DE BOURNE Y LA DESPEDIDA, ENTRE LOS ESTRENOS DEL JUEVES 23 DE AGOSTO

 

JUEVES 23 DE AGOSTO DEL 2012.-

Hay cinco estrenos. No comentamos “Tinkerbell y el secreto de las hadas” ni “Historias que solo existen para ser recordadas” (Argentina, Brasil y Francia).

CUANDO LOS CHANCHOS VUELEN

De Sylvain Estibal. Con Sasson Gabay, Baya Belal, Myriam Tekafa, entre otros, Música del grupo argentino Aqualatica. Duración: 98 minutos.

REGULAR. UN CHANCHO COMO EMBLEMA DE LA PAZ EN UN RELATO A MITAD DEL ABSURDO Y LA RESOLUCIÓN TRAGICÓMICA

Pudo ser un film diferente de no apelar a la insólita aparición y desaparición de un chancho que bien podría cambiar el título por el de “Los chanchos vuelan”. Pudo ser un film político dado que se da en la franca de Gaza entre israelíes y palestinos. Pudo ser. Lo que tenemos es una historia novedosa con muchos cabos sin atar que son los que nos llevan a ponerle esta calificación, regular.

Un pescador palestino de Gaza, Jafaar, encuentra en sus redes de pescador un chancho de cuero negro y se ve en figurillas para ocultarlo, luego alimentarlo y hasta travestirlo como oveja para pasear con él. La comedia tragicómica estaba planteada. Pueblos que no comen la carne de cerdo pueden ser misericordiosos ante este regalo del cielo, o del mar en este caso, y tener un chancho como mascota. La resolución del planteo inicial no es creíble y las vicisitudes del personaje principal, a cargo del actor Sasson Gabay, conocido “La visita de la banda”, no tienen resolución verosímil. De esta manera se enfrenta a grupos del ejército israelí, a terroristas palestinos, y a vecinos que le dan distintas soluciones (absurdas), desde fusilar al chancho hasta travestirlo.

El film nos muestra la vida de pueblos sufridos y en esto hay que rescatar la fotografía y el planteo social: pescadores de vidas paupérrimas, miserables casas, pobreza alarmante. El problema está en el guión que busca tantas opciones para darle una salida al pescador y su chancho que no encuentra un final creíble.

Pocas veces llega tanto al público como al cronista la problemática de filmar con animales y lo que éstos sufren. Pudo o no ser el caso del chancho del film, pero no nos gustó la manipulación que, en principio, no pareció lastimar al animal. De una comedia tragicómica pasamos al absurdo total (“Jafaar” en manos de terroristas, cargado de explosivos a punta de fusiles, y las insólitas propuestas de una vecina) y nos quedamos, al final, con las manos vacías aunque se intente buscarle un sentido: el de la paz entre pueblos sometidos a luchas inadmisibles. El chancho era una bandera de paz, salvo que los pueblos en pugna tienen en común no comer cerdo. Pudo ser, pero no fue nada.

Elsa Bragato

EL LEGADO DE BOURNE

De Tony Gilroy. Con Jeremy Renner, Rachel Weisz, Edward Norton, Joan Allen, entre otros. Música de James Newton Howard. Duración: 135 minutos. Basado en la novela de Eric Van Lustbader, tomando los personajes de Robert Ludlum.

BUENA. A LA SOMBRA DE BOURNE, BUSCANDO CAMINO PROPIO. CONFUSA Y ELECTRIZANTE

Tony Gilroy fue el guionista de la saga de Bourne, que dirigió Paul Greengrass y protagonizó Matt Damon, una historia de espías preparados para asesinar de las mejores que tengamos memoria. Pero los libros originales de Robert Ludlum se terminaron. El famoso novelista norteamericano falleció en el 2001 y, entre sus 23 novelas negras, estaban El caso Bourne, de 1980; El mito de Bourne, de 1986, y El ultimátum de Bourne, de 1990. Sobre estos originales trabajó Gilroy para los films con Matt Damon. En esta oportunidad, como el director y el protagonista se negaron a continuar la saga, se lo nombró director y al mismo tiempo, junto con su hermano, guionista. Investigó en diferentes archivos todas las situaciones posibles sobre los agentes espías, los “preparados” para matar y los laboratorios afectados a la CIA, supuestamente, con sus diferentes oficinas en New York, la central de Virginia, Londres, entre otros países. En estos laboratorios, especie de “panic room” con cerrojos inviolables, se trabaja para mantener a estos soldados especiales bajo condiciones de vida fuera de lo común pero saludables. Medicación de diferente índole les deben ser suministradas a fin de no caer en convulsiones y morir. Y se plantea “el caso Bourne”: no se comprende cómo en tres años hasta su desaparición no se hizo controles ni necesitó pastilla alguna para sobrevivir.

El ingenio de Gilroy, que lo tiene y mucho, permitió unir instancias iniciales de Bourne, el ultimátum, y esta historia paralela del agente Aaron Cross, encarnado por el eficiente Jeremy Renner. Sin mostrar el rostro de Matt Damon, se recurre a un llamado que el periodista londinense, desde la terminal Waterloo, realiza a “alguien”. El personaje está a cargo de Paddy Considine como Simon Cross, que trabaja en The Guardian. Y ese llamado lo hace a una persona del equipo que intenta eliminar a Bourne. Muy hábilmente, se recurre al actor Corey Johnson quien es la mano derecha del equipo que está suprimiento a estos agentes porque los programas son “extra CIA” y hay algo que se salió de cauce. El “Blackbriar”, el “Outcome” y el temible “Treadstone”, entre otros.

El film tiene una impronta similar a las anteriores con Matt Damon: una recorrida rápida por diferentes locaciones, Alaska, Londres, New York, Manila, Virginia, Seúl, dándole notable vértigo. Y aquí nos detenemos: este vértigo, característica de la saga, pierde cierto sentido en la narración en el comienzo. Se menciona a Bourne en forma constante y, por otro lado, está Aaron Cross batallando por sus pastillas y agentes secretos que intentan ayudarlo pero que, en definitiva, quieren eliminarlo cumpliendo las directivas del “bureau” de la “extra CIA”. Es decir, si bien resulta atrapante, también el guión da algunos tumbos que confunden al espectador.

Hasta que ancla en la doctora Marta, a cargo de Rachel Weisz, quien ha quedado viva de milagro luego de una larga secuencia de tiroteos en el laboratorio donde trabaja. Hay saltos en el guión, o elipsis en todo caso, que nos permiten “elucubrar” cómo Aaron Cross llega, tras ser buscado incluso por aeronaves no tripuladas, a ese laboratorio sin ser baleado ni bien puso un pie en el lugar. En fin, licencias del cine.

Luego de este encuentro, el guión se endereza y asistimos al vértigo de la saga, a comprender que hay varios agentes como Bourne (si volvemos a ver el último film con Damon, comprendemos que ese personaje está vivo…) y que no todos tienen su mismas ansias de recuperar la memoria. Al menos, Aaron Cross la mantiene y no le pesa, solo quiere sobrevivir a la persecución. La última hora de la extensa película es a todo o nada, con una magnificencia en la filmación propia de Hollywood, un montaje que nos parece más que difícil pero logrado, y actuaciones verosímiles. Electrizante, nos mantiene con los ojos bien abiertos de principio a fin y llega a buen puerto, ése tan buscado que le permite a Tony Gilroy realizar dos películas más (La traición de Bourne, 2015, y El castigo de Bourne, 2016) con este legado de Bourne que ni el mismo creador literario, Ludlum, imaginó. El cine puede concretar la fantasía más inimaginable para entretenernos.

Elsa Bragato

LA DESPEDIDA

De Juan Manuel D’Emilio. Con Carlos Issa, Natalia Lobo, Héctor Díaz,Fernando Pandolfi, entre otros. Música de Christian Basso. Duración: 87 minutos.

BUENA.

El fútbol y su mundo vuelven a ser tema de un film y, por lo tanto, atractivo en estas latitudes. En este caso, se trata de la despedida del fútbol de un jugador amateur, un goleador cuyos goles están ya muy en el pasado. Nunca fue famoso, y solo jugó en un modesto club. Enfermo ahora y sentado en el banco de suplentes junto a dos entrañables amigos, quiere salir a jugar como titular a manera de despedida. El partido es en Mar de Ajó, Costa Atlántica, y todo el trayecto hasta allí está invadido por las confesiones de “José” (Carlos Issa) y sus amigos “Fede” (Rifle Pandolfi) y “Rossi” (Héctor Díaz), en una pequeña casa rodante. Será el último partido. Los tres llevan sus “mañas” con la intención de sacar a los titulares y ocupar sus puestos. Hay una muy válida conexión entre los viajantes y el paisaje agreste. En este caso, hay encuadres abiertos que engrandece las escenas.

En el caso de la banda sonora, por momentos abusa de la estridencia quitándole el clima necesario. No obstante, la pequeña historia personal está bien planteada por Juan Manuel D’Emilio: el último partido, la despedida de un jugador que ama el fútbol, los compañeros de siempre, y el conflicto familiar: su esposa “Andrea” (Natalia Lobo) quiere tener un hijo pero no sabe por la situación emotiva por la que pasa su esposo.

El film es agradable, emotivo, sensible. Y es un buen paso de D’Emilio. Se pasa un buen momento.

Carlos Pierre

EL MOLINO Y LA CRUZ, LOS INDESTRUCTIBLES 2, DOS MÁS DOS, LA ERA DEL ROCK, ESTRENOS DEL JUEVES 16

JUEVES 16 DE AGOSTO DEL 2012.-

Hay cuatro estrenos.

EL MOLINO Y LA CRUZ

De Lech Majewski. Con Rutger Hauer, Charlotte Rampling, Michael York, entre otros. Música de Lech Majewski y Jozef Skrzek. Polonia-Suecia. Duración: 91 minutos.

EXCELENTE. UNA JOYA DEL CINE PARA ADMIRAR BASADA EN UNA OBRA DEL GRAN BRUEGHEL

El multifacético realizador polaco Lech Majewski tardó tres años en completar este film donde recrea el cuadro “El camino al calvario” del pintor flamenco Pieter Brueghel (1528-1569). Se trata de una obra maestra del cine, una joyita, para cuya realización utilizó un método basado en la combinación digital de imágenes en tres formas diferentes. Los actores se colocaron enfrente de una pantalla azul que luego se integró con la fotografía realizada en locaciones de Polonia, República Checa, Austria y Nueva Zelanda, y, con un telón de fondo de la obra pictórica (llamada también “La cruz a cuestas”, que se encuentra en el Museo de Viena), pintado en lienzo por el propio Majewski.

Sin duda, fue una tarea titánica porque en el cuadro de Brueghel hay más de 100 figuras humanas que están desperdigadas en un extenso paisaje, acorde con los preceptos de los pintores flamencos, quienes pintaban las costumbres populares a diferencia de los pintores italianos, que preferían las figuras humanas por sobre el entorno.

Brueghel, con el acoso español, pintó el calvario de Cristo en su propia tierra, en esa Flandes de la Reforma protestante, ocupada brutalmente por España. Fue un pintor filósofo, que utilizaba la alegoría en medio de las más simples costumbres del pueblo. Ocultaba en el mismo cuadro su verdadero significado. Había que desenmascararlo con un análisis.

En el film, la gente común baila, ríe, vive su vida indiferente al dolor de Cristo quien, solo en medio de la multitud, va con su cruz a cuestas. Se ven jinetes de capa roja que son los soldados españoles, crueles y despiadados como símbolo de la Inquisición de España.

En lo alto de una montaña está emplazado un enorme molino que viene a representar a Dios, el creador de todas las cosas, y desde allí observa el calvario de su hijo, Cristo, abandonado a los hombres. Se trata de una gran metáfora de Brueghel que resistió la ocupación hispana en 1564, precisamente el año de esta realización pictórica, resaltando en esa gigantesca obra la libertad de Fe, de religión.

Rugger Hauer compone a Pieter Brueghel, llamado “El viejo” (tuvo tres hijos pintores), mientras que Charlotte Rampling es la Virgen María y Michael York, el amigo del pintor, un crítico y coleccionista de arte.

Lech Majewski es un artista notable, cabal, de vasta trayectoria en el cine (más de 10 films), así como en el arte y en el teatro. En este caso, además de la laboriosa dirección, realizó el guión, la fotografía y la música.

No nos equivocamos al afirmar que cada fotograma de esta película es un cuadro parcial del paisaje despreocupado, en apariencia, y a la vez agónica del gran Brueghel. Es un film que provoca admiración por la enorme capacidad artística de Lech Majewski. Y nos permite preguntarnos de cuánta belleza es capaz el cine cuando los objetivos superan lo comercial y se aferran a dos grandes y fundamentales valores: la ética y la estética. He aquí un gran ejemplo.

Carlos Pierre

LOS INDESTRUCTIBLES 2

De Simon West. Con Sylvester Stallone, Jason Statham, Jet Li, Dolph Lundgren, Chuck Norris, Jean-Claude Van Damme, Bruce Willis, Arnold Schwarzenegger, entre otros. Música de Brian Tyler. Duración: 102 minutos.

BUENA. JUEGO MORTAL ENTRE EL BIEN Y EL MAL CON HÉROES Y VILLANOS DEL CINE DE ACCIÓN. PARA FANÁTICOS Y PARA AFERRARSE A LA BUTACA

De la vigorosa mano de Sylvester Stallone, esta segunda parte de Los indestructibles aparece con más acción y aventura que la primera. Baste como ejemplo la escena inicial a modo de abertura sorprendente por el juego mortal que desatan estos tipos formidables, como recién salidos de un cómic mitológico y sangriento, donde todo reluce con el fuego de las armas y el resplandor de los cuchillos.

Cuando Mr. Church (Bruce Willis) encomienda a Los indestructibles un trabajo en apariencia simple para estos mercenarios de la vieja escuela (a la manera de aquéllos estupendos “los doce del patíbulo), la tarea no sale bien y uno del equipo, el más joven y recién incorporado es muerto por la banda comandada por Jean-Claude Van Damme. Entonces comienza la revancha como un mandato impostergable, desmantelando una amenaza inesperada (cinco toneladas de plutono, mucho más que suficiente para cambiar el equilibrio del poder en el mundo).

Los indestructibles 2 se comenzó a filmar en Bulgaria en el 2011 y se completó en Hong Kong y Nueva Orleans a comienzos de este año. Gran parte porque NV Image/Millennium Films es, desde el 2006, el nuevo dueño de los Estudios Boyana Films, privatizados a raíz de los cambios políticos producidos en esa región europea.

Con un total de 13 estudios y la particular y variada geografía de Bulgaria, que incluyen espectaculares cavernas subterráneas, capaces albergar la entrada de un avión en sus entrañas, se ha provisto al film de una espectacularidad envidiable y atrapante.

Sarcasmo, bravuconadas, acción a la antigua, como la misma veteranía de estos héroes, se van derramando a lo largo de la película. El hidroavión es un ariete cotra los malos (en este caso, Van Damme) y logran la ayuda inesperada y solitaria de Chuck Norris.

Un verdadero juego mortal entre el bien y el mal se desata en el segundo aeropuerto más grande de Bulgaria, en Plovdiv, como juegos devastadores de artificios y gran impacto visual. Auténtico remate a tanta acción que no decae en ningún momento, para beneplácito de los seguidores de estos titanes de carne y hueso ya de todos los tiempos.

Carlos Pierre

DOS MÁS DOS

De Diego Kaplan. Con Adrián Suar, Carla Peterson, Julieta Díaz, Juan Minujín, Alfredo Casero, entre otros. Música de Iván Wyszogrod. Duración: 103 minutos.

BUENA

Estamos frente a una comedia erótica que apunta a la materialización de las fantasías de dos parejas amigas. La formada por Diego (Adrián Suar) y Emilia (Julieta Díaz) se siente conmocionada e invadida por la propuesta de la otra pareja, Betina (Carla Peterson) y Richard (Juan Minujín, sobrino de Marta Minujin. La idea es poner en práctica el cambio de parejas.

Los dos maridos son dos afamados cardiocirujanos y ambos poseen un próspero sanatorio. A pesar de la profunda amistad, Diego es más estructurado que su colega, tiene un hijo adolescente y bajo ningún modo quiere afrontar el desafío sexual. Su esposa, Emilia, está aburrida por la rutina sexual y le pide que se conviertan en “swingers amigables”. Diego se siente acorralado y solo acepta un “ensayo”. Es interesante el planteo del guión porque, jugando al límite, hay resultados insospechados y movilizadores de la sexualidad apagada aún con las reticencias de unos y la apertura mental de otros.

Diego Kaplan, quien había dirigido a Adrián Suar en “Igualita a mí”, lleva la comedia con mano segura permitiendo que los actores demuestren su oficio y también sus respectivos carismas. Se suma el director de fotografía Félix Monti (comparte los dos Oscars ganados por el cine nacional en Hollywood), mientras que la directora de Arte, Mercedes Alfonsín, le confiere un refinamiento a la ambientación, resultando elegante y prolija a la vez.

Por la temática, se necesita que los cuerpos de los actores estén desnudos pero se llega a un límite adecuado, que no molesta y jamás se cae en lo explícito y burdo. Jamás se muestra un pecho a pleno, por ejemplo, permitido en films para todo público. Ni se cae, ni de casualidad, en la procacidad del cine condicionado, lo que habla muy bien del manejo de cámaras, de la fotografía estudiada y del planteo de la filmación de las escenas.

Otro logro de esta película es el haber prescindido de la impronta televisiva, a la que es tan afecta nuestro cine, dejando de lado los tics y lugares comunes de una realización de ese tipo.

La comedia está lograda y va a tener un buen rédito en la taquilla.

Carlos Pierre

LA ERA DEL ROCK

De Adam Shankman, escrita por Justin Therous, Crhsi D’Arienzo y Allan Loeb, basada en el musical de D’Arienzo ofrecido en Broadway. Con Alec Baldwin, Tom Cruise, Paul Giamatti, Julianne Hough, Diego Boneta, entre otros. Duración: 127 minutos.

BUENA. UN MUSICAL CON INESPERADOS PROTAGONISTAS, PARA PASARLA BIEN SIN ANALIZAR MUCHO

Si no se es muy exigente en las actuaciones de la joven generación, estamos ante otro musical que se disfruta a pesar de varios clishés, de bastante previsibilidad, pero divertida y tierna al fin. Definitivamente, La era del rock entretiene y nos muestra facetas increíbles de Alec Baldwin y de Tom Cruise.

El film se ubica en 1987, justo cuando se editó “Appetite for destruction”, el primer álbum de Guns N’ Roses. No obstante, suenan canciones posteriores a ese año, especialmente “More than words” y “I remember you”. Y está dirigido por Adam Shankman, el mismo del otro musical “Hairspray”, que tanto éxito tuvo en cine y en la versión teatral de Broadway y en la nacional también.

Una joven del interior, “Sherrie”, encuentra de casualidad a un futuro astro del rock, “Drew”, surge el amor en medio de canciones y especialmente del bar Bourbon Room, en pleno Sunset Street, que regentea un ya canoso rockero, Dennis Dupree (Alec Baldwin). Hay cierto descuido en el lugar donde la liberalidad de los 80, como consecuencia directa de los “hippies” de los 60, es abierta, y el negocio roquero no pasa por su mejor momento. Pero un inquieto representante, Paul Gill (el impagable Paul Giamatti), promete la llegada el gran astro del rock, un tanto decadente, Stacee Jaxx (Tom Cruise, que muestra su torso cincuentón y no queda nada mal), mujeriego y drogón como pocos que busca el gran amor. Mientras tanto, no menos de tres hermosas chicas, diferentes cada vez, sacian su fogosidad. En medio de idas y venidas, de la necesidad de levantar el lugar, surge la figura de Alec Baldwin, diferente, con su peluca de cabello largo, y una homosexualidad reprimida, características opuestas a su personalidad por lo que hay que destacar su actuación.

Tom Cruise nos sorprende con su roquero, muy al estilo de los Guns N’ Roses, exagerado pero divertido. El Hollywood del rock de ese entonces surge entonces con paneos breves de lugares clave como el Chateau Marmont, propiedad hasta 1985 de Regina Sarlot de Bragato.

La actuación de la pareja protagónica deja mucho que desear. Se los nota titubeantes, casi sin convicción por momentos. Pero, por otro lado, están los tres monstruos de Hollywood (Baldwin, Cruise y Giamatti) que aportan solvencia actoral “todo terreno”. Como antecedente de esa década, no debemos olvidar Saturday Night Fever (1977), que tuvo no solo música y danza sino también un costado social importante. Aquí no hay costado social como moraleja, salvo la del personaje de Catherine Zeta Jones, una puritana que dará que hablar, en el papel de la moralista esposa del gobernador de California, Patricia Whitmore. Bien, demasiado delgada, con momentos musicales que presagian lo que uno ya empieza a prever.

No obstante estos bajones en el guión y en algunas actuaciones, el film entretiene y tiene cierto sabor nostálgico que no viene mal.

Elsa Bragato

GALARDÓN "PARDO" DEL FESTIVAL DE LOCARNO 2012, GANADORES

Leopardo de Oro: La fille de nulle part, de Jean-Claude Brisseau, Francia

Premio especial del jurado: Somebody Up There Likes Me, de Bob Byington, EEUU

Mejor dirección: Ying Liang por Wo Hai You Hua Yao Shuo (When Night Falls), Corea del Sur/China

Mejor interpretación femenina: An Nai por Wo Hai You Hua Yao Shuo

Mejor interpretación masculina: Walter Saabel por Der Glanz des Tages, de Tizza Covi y Rainer Frimmel, Austria

Premio del público – Piazza Grande : Lore, de Cate Shortland, Alemania/Australia/Reino Unido

Cineastas del Presente: Inori, de Pedro González-Rubio, Japón

Ptros Pardos:

Cortometrage internacional:

The Mass of Men, de Gabriel Gauchet, Reino Unido

Mención especial: Los Retratos, de Iván D. Gaona, Colombia