BEPO, THE SQUARE, LA LIGA DE LA JUSTICIA, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 16 DE NOVIEMBRE DEL 2017

JUEVES 16 DE NOVIEMBRE DEL 2017.-

Hay varios estrenos interesantes sin ser un montón (se esperan para la semana que viene).

Cauce, de Agustín Falco. Con Alberto Ajaka, Luis Machín, Juan Nemirovsky, Martín Slipak. Primer largometraje de Falco, reconocido docente y realizador de audiovisuales. Cuenta la vida de un padre de familia que pierde el trabajo en una ola de despidos y acepta el menos recomendable: la venta de drogas, un secreto que no puedo compartir con su familia.

Bienvenido a Alemania, de Simon Verhoeven. Con Senta Berger, Palina Rojinski, entre otros. El tema de los refugiados es el eje de esta historia. Una familia afincada en Munich recibe al nigeriano Diallo. A partir de este hecho, Verhoeven traza un retrato de la sociedad alemana y los conflictos que vive para aceptar a los “nuevos”, o sea la hipocresía de ser “buenos” por tratar de serlo. Recordemos que Alemania tiene muchísimos ciudadanos turcos por la proximidad de las fronteras, existiendo casamientos entre ambas nacionalidades, a pesar de los conflictos sociales generados y que no se han resuelto aún.

Eva, de Ricardo Von Muhlenbrock, documental sobre la preparación de la puesta en escena de la obra teatral homónima del escritor y periodista Vicente Zito Lema. Toma como “pivot” la figura de Eva Perón para demostrar que el rencor nos ha dañado irremediablemente. Se ofrece en el cine Gaumont y fue presentada en General Roca.

“BEPO”

De Marcelo Gálvez. Con Edgardo Desimone, Luciano Gugliemino, entre otros. Música de Juan Falú. Duración: 72 minutos.

XXXXX-EL “CROTO” MÁS FAMOSO

Con excelente manejo narrativo, Marcelo Gálvez nos relata la vida de Bepo, basado en el libro “Bepo, vida secreta de un linyera”, de Hugo Nario, hombre prominente de la ciudad de Tandil (croto es un argentinismo. Proviene del apellido “Crotto”, reconocido Radical, quien permitió que los linyeras subieran a los trenes de carga para trasladarse). Los paisajes son los mejores telones de fondo para este hombre, llamado “José Américo Ghezzi” quien, en 1935, recorría el país como podía. La década es importante: aunque fuese por reflejar la realidad escrita por Nario, tiene que ver con nuestra historia y la inmigración, los rechazos de los gauchos a los gringos, y la vida sin futuro, sin trabajo ni techo. Viviendo de la caridad y durmiendo bajo las estrellas.

La actuación de Luciano Gugliemino conmueve por su impasible mirada hacia algún lugar, y retrata fielmente el sentimiento de los sin techo: la nada como forma de vida por segregación o por elección.  En esa década, tener trabajo y un lugar donde pasar la noche era la principal búsqueda. Las diferencias sociales estaban muy marcadas, algo que no desapareció y que sobreviven a los sistemas dictatoriales y democráticos. Por aquel entonces, la llegada de los europeos con ideas políticas revolucionarias –el anarquismo- conmovió a la sociedad argentina, especialmente a la masa trabajadora. Los crotos fueron tan comunes como ahora: no había leyes que ampararan al trabajador (“I compagni”, de Monicelli, si bien enfoca los comienzos del siglo XX, es un buen ejemplo).

Los personajes que se le cruzan en su andar a Bepo son circunstanciales, como el paso de él mismo por cada lugar. Filmada en 12 locaciones de la provincia de Buenos Aires, Marcelo Gálvez logra una historia diferente, atractiva, precisa, y obliga a pensar en el sufrimiento no dicho de los sin techo, los de entonces y los de actuales. “Bepo” dice mucho más que lo que nos muestra y habla.

Elsa Bragato

A LA GUERRA POR AMOR

Guión, protagónico y dirección de Pierfrancesco Diliberto (PIF). Con Pif, Miriam Leone, Andrea Di Stefano, Maximo Bologna, entre otros. Música de Santi Pulvirenti. Duración: 99 minutos.

XXXXX- TRAGICOMEDIA A LO “TANO”

El amor de Arturo, que vive en New York, por Flora supera los límites de lo razonable. Ambos se aman pero no pueden casarse. Un pacto del futuro suegro complica con la mafia el amor de la pareja. Arturo decide enrolarse para viajar a Sicilia y solucionar el conflicto. La historia se ubica en 1943, plena segunda guerra mundial. Pierfrancesco Diliberto, o PIF, escribió el guion, lo dirigió y protagonizó en este film donde ensaya un humor a lo Lando Buzzanca (buen amigo de la Argentina) con el pintoresquismo de la simpatía italiana.

Es una tierna historia de amor que mezcla a la mafia y al desembarco de las tropas norteamericanas en Sicilia. Una alianza secreta de la mafia que, en USA, lideraba “Lucky” Luciano, con el gobierno de los Estados Unidos mantuvo a raya a los habitantes y los mafiosos que aún subsistían luego de la razzia organizada por Mussolini. Tienen gran valor el diseño de arte y de producción en general por la reconstrucción histórica, que choca con la comicidad de PIF, insulta y fuera de “tempo”. Es que la caricatura resulta forzada frente a la tragedia de la guerra como fuerte telón de fondo. Hay secuencias loables pero PIF no logra la altura de un Roberto Begnini.

Entre los momentos insólitos está el “desembarco” de Arturo desde un helicóptero en la isla italiana. Entonces lo normal fueron los paracaidistas y recién sobre el final de la guerra los alemanes usaron algunos. El amor, el pedido de mano de Flora y hasta la inclusión de un informe sobre la mafia en Sicilia son elementos interesantes que, si bien están, no logran que el film supere cierta mediocridad. Exageraciones y caos, con tinte “tano”.

Carlos Pierre

THE SQUARE

De Ruben Ostlund. Con Clars Bang, Elizabeth Moss, Dominic West, Terry Notary, entre otros. Cinematografía de Fredik Wenzel. Duración: 151 minutos.

XXXXX- SER Y PARECER EN COMPLEJA TRAMA

Luego de “Fuerza mayor” (2014), Ruben Ostlund, director sueco, regresa con “The square”, ganadora de la Palma de Oro en Cannes 2017. Si bien hay muchos planteos interesantes, no es una película compacta como la primera mencionada, aquel padre que, en el momento en que se produce un alud, abandona a su mujer y sus hijos a merced de la catástrofe para reaparecer después. En este caso, se basa en la vida de “Christian” quien es director de un museo de arte al que no le va muy bien y para colmo pierde su celular, disparador de una generosa historia sin “peinar”. No obstante este personaje envuelto en una profunda crisis existencial organiza una muestra de arte moderno, “The Square”, nucleo de las inquietudes de Ostlund. A decir verdad, “aprehender” el sentido de una obra de arte moderno no es fácil ni de dominio general. ¿Qué sentido tiene para nuestra vida ese tipo de comprensión? He aquí el quid de “The Square” que delinea ideas muy reveladoras que hacen a la vida social, a la hipocresía, a ser políticamente correctos, a parecer lo que no somos, pero que no hinca el diente. Es una narración eficiente, con una fotografía clásica, y un cúmulo de ideas buenas esbozadas. Quedan ahí. Las hijas de Christian serán quienes develen el verdadero significado que para Ostlund o bien “Christian” tiene la vida.

El supuesto “ataque” de Ostlund al Arte Contemporáneo o Moderno es tan solo una gran metáfora de la vida en las sociedades actuales. La propuesta del realizador es provocadora: las ideas golpean, acicatean y, en definitiva, hacen pensar en nuestras realidades y cómo somos funcionales a manierismos sociopolíticos y económicos aún sin querer.

Elsa Bragato

LA LIGA DE LA JUSTICIA

De Zack Snyder. Con Ben Affleck, Gal Gadot, Ezra Miller, Jason Momoa, Ray Fisher, Henry Cavill, Willem Dafore, Diane Lane, Amy Adams, entre otros. Fotografía de Fabian Wagner. Música de Danny Elfman. Duración: 121 minutos.

XXXXX- LIO EN EL PARNASO

A Zack Snyder se le volaron algunas hojas del guion porque en “La liga de la justicia”, basada en la reunión de los superhéroes de DC Comics/Warner, los personajes se presentan sin cohesión narrativa entre sí en un menjunje que aturde. El mal ahora se llama SteppenWolf (Ciaran Hinds), tiene un complejo edípico notable y esta secundado por unos horribles hombres-mosquitos que constituyen el ejército de Parademons. “Batman” (Ben Affleck) anuncia los días aciagos por venir y participa de un homenaje cuanto menos macabro a Superman (Henry Cavill) junto a los superhéroes que se reúnen para desenterrarlo. La lucha contra el Mal es el único sentido que tiene el guión porque las secuencias, si bien guardan un orden temporal, parecen agrupadas sin el mínimo sentido común.

Solo quienes siguen la historia de los superhéroes de DC Cómicas conocen a “SteppenWolf”: pertenece a los “NewGods” y su arma es el hacha. A decir verdad, fue creado por Jack Kirby en 1972… Los fanáticos preferían a Darkseid. Pero no pudo ser. Para el espectador común, el personaje malvado surge de la “nada” sin que haya conexión argumental que lo justifique con los meta-humanos, salvo la lucha del bien contra el mal, al que representa.

Componen este “parnaso” de superhéroes un hombre mitad humano y mitad computadora “Cyborg” (Ray Fisher), el moderno Neptuno llamado “Aquaman” (Jason Mamoa), la “Mujer Maravilla” (Gal Gador, quien hizo su primera aparición en la fallida Batman Vs. Superman) y hasta “Superman”!!!!!! Así como mencionamos el orden temporal, Zack Snyder se olvidó por completo del orden espacial. No se sabe dónde se pelea fuera de los límites de Ciudad Gótica, los lugares aparecen como por arte de magia. Y esto hay que decirlo: los actores no actúan. Masacote de efectos especiales, Zack Snider solo desarrolló un personaje con futuro: “Flash” y se olvidó del resto. Añadimos que con este film el director terminaba su trilogía para Warner: Hombre de acero, Batman vs Superman y La liga de la justicia. Pero habría más…

Elsa Bragato

PATERSON, AL CENTRO DE LA TIERRA, PAULA, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 9 DE NOVIEMBRE DEL 2017

JUEVES 9 DE NOVIEMBRE DEL 2017.-

Diez estrenos de los cuales cinco son películas nacionales de buena factura, en general, que incluyen el debut de Nicolás Puenzo, heredero de una excelente dinastía cinematográfica argentina. Las tres mejores películas de la semana son: “Al centro de la Tierra”; “Paterson” y “Paula”.

Entre los internacionales está la animación “La familia monster”(XXX), de Holger Trappe, realizada en Alemania, en la que se cuenta la historia de la familia Wunschmann, sus pesares y cómo la bruja Babayaga los embruja convirtiéndolos en monstruos. Es más de lo mismo pero siempre entretienen estos cuentos animados.

XXX“Personas que no son yo”, de Hadas Ben Aroya, es de origen Israelí, que ganó el premio Astor en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata en el 2016. Se narra la historia de “Joy”, una redactora de una agencia de publicidad, quien sufre un fuerte desengaño amoroso y empezará un difícil derrotero de amistades sexuales que la llevarán del llanto a la risa. Es un atractivo film de Ben Aroya, quien debuta en el cine internacional con este largometraje. Escenas fuertes.

XXX“Liebig, un pueblo en busca de su identidad”, de Christian Ercolano. Documental sobre el pueblo Liebig, Entre Ríos, que surgió alrededor de la fábrica de extracto de carne del mismo nombre de origen británico. Tuvo su época de esplendor hasta los años 70. Ercolano recoge valiosos testimonios de sus ex empleados y de los vecinos de la fábrica, construyendo una historia sensible y rigurosa. Ahora Liebig busca una nueva razón de ser para redefinirse como pueblo. Fue presentado el año pasado en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata y en festivales internacionales teniendo muy buenas críticas.

XXX“Los decentes”, de Lukas Valenta Rinner. Con Iride Mockert, Martín Shanly, entre otros. Coproducción de Argentina, Austria y Corea del Sur. Valenta Rinner es un austríaco radicado en nuestro país con una visión especial de la sociedad, más sajona que latina por obvias razones. En este caso utiliza la metáfora de dos grupos sociales: el de un country y el de un grupo nudista. En el country la mucama Belén (Iride Mockert) siente curiosidad por saber quiénes están del otro lado del cerco (escucha ruidos, voces), y se encuentra con un grupo nudista integrado por personas de diversas edades, quienes conviven a la manera de una secta. De a poco se integra por curiosidad. Las escenas que retrata Valenta Rinner son sin vueltas, desnudos de todo tipo y “grosor” que le dan aire de tosquedad aunque no menos verídico. Quién es decente y quién es indecente es la pregunta que surge espontáneamente. ¿Los que miran a la sociedad desde un sitio supuestamente superior por tener dinero o aquéllos que son capaces de desnudarse compartiendo todo tipo de momentos? Considerando al “desnudo” como indecente per se. Es una propuesta con cabeza europea que analiza, desde un ángulo personal, la moral hipócrita de las sociedades, vestidas con diferentes ropajes morales. EB

XX“Más que hermanos”, de Arienne Benedetti. Con Drew Fuller, Valerie Domínguez, Robin Durán, entre otros. Es una coproducción de Panamá-Estados Unidos-Argentina. Arienne Benedetti es una gran difusora del cine panameño, siendo creadora de festivales y leyes de fomento para la industria cinematográfica de su país. En el 2006 publicó una primera novela, “Más que hermanos”, cuyos textos convirtió en guion para este film, luego de pasar por la televisión de su país y por estudios superiores audiovisuales en España. La película se basa en la historia de dos hermanos, Josuá (Robin Duran) y Mia (Valerie Domínguez) quienes se quedan huérfanos y pierden todo siendo pequeños. Viene la lucha por la sobrevivencia, adversidades y logros, que jalonan dos vidas que no son fáciles. Sin embargo, la picardía centroamericana, esas chispas de humor, las tonadas simpáticas caribeñas, le dan un tinte agradable. Benedetti se reservó un rol muy especial, el de “Mani”, amiga de “Mía”.A pesar de todo, el toque televisivo es muy fuerte y la película cae en un melodrama común. CP

XXXX“Al centro de la tierra”, de Daniel Rosenfeld. Docuficción, con Antonio Zuleta, y José y R. Cachi. Música de Jorge Ariagada. Fotografía de Ramiro Civita. Daniel Rosenfeld es el mismo realizador de “Cornelia frente al espejo”, una película que subyugó a la crítica y al público, entre otras producciones suyas. En este caso, viajó a Salta para un casting en Cachi y allí tuvo la oportunidad de conocer a Antonio Zuleta y sus dos hijos, así como su pasión por los OVNIS, teniendo mucho material filmado que, hasta el momento, no fue difundido de manera oficial u oficiosa. En esos fragmentos de amor padre e hijo, como en su visita a Buenos Aires para conocer a Fabio Zerpa, quien se asombra por el material logrado por Antonio aunque no le cree mucho (Fabio Zerpa es hoy en día un referente obligado como ovnílogo, si bien en sus comienzos fue pianista y luego galán de televisión), Rosenfeld retrata la vida de un hombre que vive muy modestamente y que tiene una profunda fe, creencia, en la existencia de los OVNIs, a los que, según sus documentos, fotografía y filma. El clima generado por Rosenfeld es estupendo y el tema del film no escapa a uno de los ítems que todo ovnílogo que se precie de tal pueda desconocer: la creencia a rajatabla de que los extraterrestres existen dentro de la Tierra. Hay quienes han descripto a la Tierra como “hueca”, y allí vivirían los “aliens”. Otros afirman que están en océano Atlántico, frente a las costas argentinas del sur desde donde se ven surgir extraños “objetos no identificados” u Ovnis. Antonio Zuleta tiene su propio objetivo: la confirmación de que los Ovnis y los seres extraterrestres ya habitan la Tierra y en ese camino está. Un docuficción diferente, muy atractivo por la narración de Rosenfeld, con muy buena banda sonora, y una fotografía estupenda. EB

PATERSON

Guion y dirección de Jim Jarmusch. Con Adam Driver, Golshifteh Farahani, Barry Shabaka Henley, Cliff Smith, entre otros. Música del Grupo Squrl. Duración: 113 minutos.

XXXXX-POESÍA, EJE DE UN ESTUPENDO FILM

Exponente del cine independiente, esta película de Jim Jarmusch limita con la utopía y es profundamente lírica. El eje de la historia es la poesía, soslayada por otros géneros literarios. Para Jarmusch es la estrella, la luz íntima de un conductor de autobús que escribe poesías cotidianamente. Surgen de lo que ve y escucha en los pasajeros, entre fantarrones y anarquistas.

La poesía ha bajado hasta Paterson, en Nueva Jersey, palpita en una cascada de esa ciudad que vio nacer a Lou Costello, está en el rostro de su amada Laura (Golshifteh Farahani), clara alusión al poeta Petrarca. Paterson (Adam Driver), en interesantes tomas cenitales, todos los días a las 6 de la mañana está abrazado a su esposa y se dispone a ir a su trabajo, una rutina que no lo aleja de su sentir poético. La narración toma siete días en la vida del protagonista, de lunes a domingo. Nuestro poeta Paterson no deja de escribir diariamente y el realizador utiliza la pantalla para mostrar los versos del protagonista. Adam Driver y Golshifteh Farahani componen un matrimonio que será difícil de olvidar. Una reunión tierna y amalgamada  entre el vuelo soñador de él y los pies en la tierra de ella. En realidad, los poemas son del septuagenario Rod Pedgett, así como el Adam alude constantemente a la obra de William Carlos William, y ordena sus libros en la modesta biblioteca. Libros que son cuadernos plagados de versos. Lo inesperado ocurre a través del bulldog blanco que la pareja tiene. Y un personaje oriental es quien le dará el viraje final que nos devuelva el aliento.

Jim Jarmusch logra una película de extraordinaria sensibilidad, fuera de todos los cánones comerciales. Músico (tuvo que ver también con la banda sonora del film) y poeta, se dio el lujo de realizar un film absolutamente diferente, emotivo y de enorme riqueza espiritual. Heroica y plausible narración.

Carlos Pierre

ASESINATO EN EL EXPRESO DE ORIENTE

De Kenneth Branagh. Con Kenneth Branagh, Penélope Cruz, Willem Defoe, Johnny Depp, Michelle Pfeiffer, Daisy Ridley, Judi Dench, entre otros. Música de Patrick Doyle. Fotografía de Haris Zambarloukos. Duración: 116 minutos.

XXXXX-DISFRUTABLE REMAKE

“Asesinato en el expreso de Oriente” es uno de los libros más leídos, más famosos, por consiguiente, de Agatha Christie. En este caso, es una remake del notable director y actor Kenneth Branagh, quien encarna al legendario detective belga Hércules Poirot. La reconstrucción de la estación de Estambul, así como de la locomotora en estudios londinenses son perfectas y asombrosas. Desde este punto de vista, el film es una superproducción. En segundo término lo es por el elenco superestelar que tiene, desde la magnífica Judi Dench hasta los principales coprotagonistas Michelle Pfeiffer (bellísima en su sesentud) y Johnny Depp. No obstante, la cantidad de personajes que surgen al comienzo hacen muy compleja y densa la trama, y hasta uno de ellos, que tiene directa relación con “Poirot”, es dejado de lado a mitad de la trama. Es decir, hay un esplendor en la realización que tiene desniveles en el resto de la narración. Es una filmación clásica sin picos de tensión, apenas los marcados por el libro original: la narración mantiene un mismo tono en forma constante. Branagh, uno de los actores más “shakespereanos” que existe, declama sus parlamentos y la postproducción fotográfica queda deslucida en algunas secuencias por un abuso de la tecnología. El resto es muy atractivo, aunque tenga tufillo de algo pasado de moda. Se disfruta.

Elsa Bragato

PAULA

De Christian Schwochow. Con Carla Juri, Albrecht Schuch, Roxane Duran, Joel Basman, entre otros. Música de Jean Rondeau. Fotografía de Frank Lamm. Duración: 123 minutos.

XXXXX-BIOPIC DE UNA GRAN PINTORA ALEMANA

Luego de “Loving Vincent” sobre Van Gogh llega “Paula”, biopic de la artista alemana Paula Modersohn-Becker, la primera artista del expresionismo Germán. Desde sus comienzos hasta el final, Paula se mantuvo enfrentada con la sociedad de entonces, llena de prejuicios, que intentaron coartar su libertad de acción: debía trabajar, pero ella amaba pintar. Una escuela en las afueras de su Dresde natal le permitió dar rienda suelta a su creatividad, a pesar del estupor de sus profesores. Su gran amiga Clara (Roxane Durán) sentía sus mismos aires libertarios. Pero en la escuela conoció a Rainer María Rilke (Joel Basman), con quien se casó. Paula se enamoró de uno de los profesores, Otto Modersohn (Albrecht Schuch) , viudo y con una pequeña hija y siguió los pasos de Clara. Pero su espíritu fue más poderoso que las rígidas costumbres sociales, especialmente para las mujeres. Y en 1900 se marchó a París, decidida a vivir de sus pinturas. Un bohemio pintor reconoció su arte como ni su marido ni su padre lo habían hecho. Un amor furtivo que la llevó a divorciarse aunque Otto volvió una y otra vez a su vida, hasta que los dos retomaron el matrimonio y se propusieron ser padres. Otto tenía mucho temor por el parto pero para la joven Paula nada debía ser imposible a sus 31 años.

La película de Schwochow goza de una estética fantástica, cada secuencia donde se fotografía al grupo de pintores parece un cuadro del impresionista Renoir: sombreros y vestidos blancos en las mujeres, de arrolladora belleza. El ambiente bohemio parisino también es otro hallazgo del film así como la actriz Carla Juri es perfecta para el rol de Paula con su rostro de extrema dulzura y una firme personalidad, inquebrantable. Es una biopic digna de verse con tiempo, la narración fluye, atrapa, manejándose un tempo interior calmo. Es un documento sobre la libertad de la mujer y sobre los derechos que le asisten. Los deberes ya los conocemos.

Elsa Bragato

LOS ÚLTIMOS

De Nicolás Puenzo. Con Germán Palacios, Peter Lanzani, Natalia Oreiro, Juana Burga, Alejandro Awada y Luis Machín. Guión de Nicolás y Lucía Puenzo. Música de Pedro Canale. Duración: 91 minutos.

XXXXX-DISTOPÍA FUTURISTA

Innegable el ADN de Nicolás Puenzo que contó con la coguionista Lucía, su hermana, y la producción de su padre, Luis Puenzo, y también de Lucía. La fotografía es estupenda, y la historia muestra la valentía de un joven realizador que debuta en el largometraje con un género inexplorado en el cine nacional: un mundo distópico, de desolación, de exterminio, con un grupo de sobrevivientes quienes buscarán un lugar apacible para vivir. Digamos que el “síndrome Mad Max” también surge en este novedoso film nacional, con el sello inconfundible de los Puenzo (la excelencia en la fotografía, por ejemplo): Pedro (Peter Lanzani) y Yaku (la actriz peruana Juana Burga) esperan un hijo y van hacia el Pacífico huyendo de saqueadores del Altiplano. En el camino, surgirán otros personajes: la doctora Ortega (Natalia Oreiro), y el fotógrafo Ruiz (Germán Palacios) entre otros. Se mezclan hábilmente el western y la roadmovie.

La narración es atrapante de principio a fin. El diseño de producción es uno de los mejores que hemos visto en el cine nacional en muchos años y el elenco tiene la solvencia reconocida por todos. Es de destacar a Peter Lanzani, quien tiene una carrera de niveles internacionales, tanto como Natalia Oreiro o Awada o Machín o Palacios. Hay excelencia, más allá de algunos altibajos narrativos, pero es, en definitiva, una película para tener muy en cuenta.

Elsa Bragato