"GRAVEDAD", "BLUE JASMINE" Y "ABRIL EN NEW YORK", LO MEJOR DE LA SEMANA

JUEVES 10 DE OCTUBRE DEL 2013.-

Hay seis estrenos entre los que se incluyen dos nacionales: el documental “La guerra del fracking”, de Fernando Pino Solanas, que circula fuera del circuito comercial. Es el séptimo documental del político y cineasta sobre temas nacionales, ahora enfocado al perjuicio ambiental, desde su óptica, con algunas charlas con habitantes del lugar, que se producirá con la explotación del yacimiento Vaca Muerta. El film cuenta con la voz en off de Solanas y con un bien marcado fin político habida cuenta la proximidad de las elecciones legislativas. Está muy lejos de sus primeros documentales y nos muestra el cambio ideológico de Solanas, ubicado hoy en los grupos mediáticos, muy lejos de los intereses de los argentinos. Es un informe televisivo y no cinematográfico.

1)       LA MEJOR PELÍCULA DE LA SEMANA

GRAVEDAD

De Alfonso Cuarón. Con Sandra Bullock, George Clooney, Ed Harris, entre otros. Música de Steven Pric. Duración: 90 minutos.

EXCELENTE. UN FILM PARA “VIVIRLO”

Alfonso Cuarón expresó que deseaba que el espectador sintiera el efecto de la no gravedad, que se metiera en el cosmos junto con los protagonistas y viviera física y emocionalmente las dificultades de respirar, la desesperación por volver a la Tierra y las condiciones inhumanas del espacio. Lo logró. Muy poco se puede contar de un guión que se limita a tres personajes y a la desesperante situación que viven. El resto lo pusieron las actuaciones, notable en el caso de Sandra Bullock (ya se habla de que podría ser la ganadora del Oscar 2014) por ser el eje del desgraciado suceso cósmico, y el centenar de computadoras que ocuparon un set diferente, inusual. Para Cuarón, y por lo visto es así, el espacio es un lugar inhabitable para el ser humano y, en definitiva, es la Tierra y su gravedad la que nos permiten vivir.

La doctora Ryan Stone (Sandra Bullock) y el comandante Matt Kowalsky (George Clooney) enfrentan la imposibilidad de “hacer pie” en el espacio cuando la astronauta se desprende del cordón que la ata a la estación espacial. Un cordón que nos hace pensar en el umbilical: la gravedad nos ata a la Tierra, nos permite vivir como en un gigantesco vientre materno. El comandante Matt intentará ayudarla, mientras desde Houston, hay indicaciones precisas que no siempre se pueden llevar a cabo. Esa voz es la del gran actor Ed Harris, que no aparece pero se oye.

Alfonso Cuarón tuvo que esperar dos años para realizar el film hasta que se crearan los efectos especiales que necesitaba y surgiera la nueva generación de genios de la computación que trabajaron con él y los actores en el extraño set cinematográfico (ubicado en Londres). Así pudo recrear la tragedia de esta mujer astronauta que emprende su primer viaje espacial, sin saber que la esperan la falta de oxígeno y los residuos satelitales, además del Hubble y la compañía cercana de una estación rusa.

La película se inscribe en la historia de los films espaciales que son hitos como “2001, Odisea del espacio”, los “Alien”, “Apolo XIII” (aquí actuó Ed Harris, papel por el que obtuvo un premio SAG como mejor actor de reparto), o bien “Solaris”. Con el añadido de la tecnología de punta que hoy ofrece la informática. Sin duda alguna, Cuarón ha desafiado las leyes físicas con ingenio, y ha nutrido a un film, donde el silencio cósmico es otro protagonista, de un notable nervio y dramatismo como pocas veces hemos experimentado. Los planos secuencias, los planos cortos, demuestran la maestría alcanzada por Cuarón y su equipo aún manejándose en situaciones cinematográficas no convencionales. Una aventura que solo el cine actual nos puede ofrecer.

Elsa Bragato

2)       LA MEJOR PELÍCULA DE LA SEMANA

BLUE JASMINE

De Woody Allen. Con Cate Blanchett, Alec Baldwin, Sally Hawkins, Bobby Cannavale, Peter Saragaard, entre otros. Música: jazz tradicional. Duración: 98 minutos.

EXCELENTE.POTENCIA DRAMÁTICA EN UN FILM ANTOLÓGICO DEL GRAN WOODY ALLEN

Blue Jasmine significa Jasmine triste, la protagonista como un alma en pena, interpretada por una soberbia Cate Blanchett, engañada muchas veces por su esposo (Alec Baldwin), un financista con antecedentes de fraudes y estafas, que no tiene miramientos en aprovecharse aún de las finanzas de su cuñada (Sally Hawkins) y de la buena fe de su mujer.

Woody Allen nos cuenta su nueva historia en dos tiempos, la doliente historia de la “triste Jasmine”, dama elegante, de la alta sociedad neoyorquina, narrando en forma alternada su esplendor y su ocaso, primero en New York y luego en San Francisco, en la modesta casa de su hermanastra. El día y la noche unidos.

Woody Allen le ha dado un vuelco sorprendente a su carrera regresando a su hogar, New York (vive en la 5ta Ave con vista al Central Park), y dejando atrás su paso europeo por Londres, España, París y Roma. Reingenia su talento intacto y profundo, se reinventa a sus casi 80 años, regalándonos una historia conmovedora.

Cate Blanchett (una seria candidata al Oscar) le da una carnadura a su rol que toca el alma del espectador, desde la dama refinada a la alcohólica y adicta a los antidepresivos. Es la típica mujer que no quiere ver la realidad. Refugiada en la casa de su pariente en San Francisco, sin dinero, aparece la otra Jasmine, la que vive una pesadilla entre la mediocridad y la indigencia.

Es un personaje que descubrimos en la realidad, que también nos lleva a pensar en las vivencias de Woody Allen, en su ex mujer Mía Farrow quien tal vez no vio el enamoramiento de su marido de una hijastra, la adicción a la “felicidad química”. Aquí no hay humor sino una inmensa piedad sobre la condición humana.

Woody Allen crea una heroína, toma una nueva musa , y se adentra en el alma de la mujer. Jasmine es tibiamente altiva en su pobreza con pequeños destellos de un esplendor pasado en un presente que le resulta indigno.

Hay dolor en este regreso del director a New York, dolor en la historia, en las calles de la ciudad que ama y conoce tanto. Y nos hace respirar desde la energía imperativa de Manhattan hasta la vida opuesta en un barrio obrero de San Francisco.

Este contraste social así como la narración en dos tiempos diferentes le dan al film una dinámica atrapante. El jazz que ama Allen es la música incidental (ninguna novedad en el realizador) y eligió en forma especial la melodía “Blue Moon”.

Notable film de enorme madurez con grandes actuaciones y un profundo conocimiento de las miserias humanas. El maestro Allen ha vuelto con una potencia dramática que estremece. No se la pierda.

Carlos Pierre

LA NOCHE DEL DEMONIO 2

De James Wan. Con Patrick Wilson, Rose Byrne, Barbara Herskey, Ty Simpkins, entre otros. Música de Joseph Bishara. Duración: 105 minutos.

BUENA. ENTRE LA VIDA Y LA MUERTE, SUSPENSO Y CONVENCIONES

James Wan nos sorprendió este año con “El conjuro”, un film muy bueno, casi de excelencia dentro del género. En el caso de “La noche del demonio 2”, el terror que conoce tan bien el malayo Wan se instala, pero remite constantemente a personajes del primer film, por lo que no está demás verlo de nuevo. No obstante, haciendo abstracción de la primera película, resulta comprensible que el pequeño Josh se conecta con el mundo de los muertos e ingresa al mismo, poseído por un espíritu maligno que acumula cadáveres en un cuarto, sentaditos y tapados con sábanas.

El pequeño Dalton, hijo del matrimonio que intenta terminar con los espíritus que los invaden, tiene el poder de Josh. Y éste,  el padre de familia, está dominado por un espíritu asesino. Se ve una secuencia del pasado, cuando Josh mata a Elise, y aquí James Wan permite una sutil confusión entre pasado y presente que mantendrá durante todo el film manteniendo en vilo al espectador que deberá agudizar su atención.

Si bien el terror es atrapante, el guión resulta convencional, bien realizado, y mucho menor que “El conjuro”, donde hubo una gran creatividad de parte de James Wan basándose en hechos reales. No obstante, es un film que tendrá excelente taquilla. Destacamos la ausencia de lo “gore” y, en su lugar, la presencia del terror psicológico, terreno en el que James Wan es un maestro.

Elsa Bragato

ABRIL EN NUEVA YORK

De Martín Piroyansky. Con Carla Quevedo, Abril Sosa, Matt Burns, entre otros. Música de Fernando Salamea. Duración: 77 minutos.

BUENA. COMEDIA ROMÁNTICA EFECTIVA

Martín Piroyansky hace su debut en el largometraje “Abril en Nueva York” con 26 años. Con mucha técnica en el manejo de la cámara, al estilo del video clip, nos introduce en la historia de Valeria y Pablo quienes intentan sobrevivir en New York, ella como mesera (como anécdota, Matt Damond se enamoró de una mesera argentina, hoy su esposa y madre de sus dos hijos) y él como músico callejero, si bien esto último no está muy definido. Las borracheras de Pablo y su ineptitud para un trabajo convencional hacen tambalear a la pareja, mientras aparece un yorker atildado, Ben (Matt Burns), que se enamora de la argentina.

El comienzo del film es auspicioso, la cámara nerviosa y ágil de Piroyansky hace un collage de New York muy interesante. Luego se maneja con primeros planos, no cae en ningún exceso como es habitual en el cine nacional, y nos relata la relación de los jóvenes con sus idas y venidas. Y he aquí donde aparecen algunas debilidades que están dadas por la linealidad del guión. La historia transcurre con las vicisitudes de la pareja sin ahondar como ocurre en “My blueberry nights” (2007) de Wong Kar Wai. Teniendo a este film como referencia de una simple historia de amor, la comparación odiosa surge. No obstante, no le restamos mérito a Piroyansky porque su historia, aún sin honduras, está bien narrada. El personaje de Pablo es el que menos consistencia tiene, aunque resulta atractivo y empático. Un muy buen comienzo para Martín Piroyansky que se nos muestra con una vena especial para la comedia romántica pura, sin comicidad barata o personajes televisivos.

Elsa Bragato

LOS QUIERO A TODOS

Guión y dirección de Luciano Quilici. Con Leticia Mazur, Ramiro Agüero, Margarit Molfino, Valeria Lois, Alan Sabbagh, entre otros. Música de Martín Boss y Tomás Carnelli. Duración: 75 minutos.

MALA.FILM CORAL QUE NO APORTA NADA

Es difícil analizar, dar a conocer, los elementos de un film que no trasuntó nada, que, en todo caso, nos dejó una amarga sensación de pérdida de tiempo, tratando de analizar personajes y narración o bien urdimbre narrativa. Y tampoco es grato calificar de “mala” a una producción nacional. Pero es así en nuestra modesta opinión.

Seis amigos treinteañeros salen a pasar un día fuera de la ciudad, sienten que ya no tienen el fuego de la adolescencia, y están con desencanto y a la irónica mirada de sus relacionadas gastadas. Ya no sienten pasión por la literatura, la política, el cine. El presente es menos intelectual y más práctico: sexo cargado de cinismo y desesperanza.

Si los protagonistas sienten en sus roles desencanto, ni qué hablar del espectador que intenta aferrarse a algún rol, encontrar el sabor agridulce que el director intenta imprimirle a la historia, o peor todavía, ponerle atención al día de campo, tan estereotipado que no provoca nada. Se hace muy difícil central la mirada en un personaje dentro del fluir aburrido de la propuesta, con atisbos de un nihilismo que existió en los 60 pero que, en los últimos 30 años, es producto de una subordinación al consumo, del tener todo a mano y del no tener voluntad para recrear la vida desde otro plano espiritual. Lo lamentamos. Esta primera obra de Quilici no nos convenció para nada. Y solo estamos hablando del guión.

Carlos Pierre

"ROMPER EL HUEVO" Y "ELYSIUM", LOS MEJORES ESTRENOS DE LA SEMANA

JUEVES 3 DE OCTUBRE DEL 2013.-

Hay nueve estrenos, de los cuales cinco son films nacionales. “20.000 besos”, de Sebastián de Caro (a quien conocimos mucho por “Todos contra Juan” junto a Gastón Pauls), nos narra la vida de un treinteañero en crisis, un volver a vivir, con buenos diálogos y alguna escena de sexo. Es un relato bueno y un buen comienzo para De Caro como director. “De martes a martes”, de Gustavo Triviño, nos trae la vida del barrio y su protagonista, a cargo de Pablo Pinto (“Gigante”), bien planteadas, un joven que sueña dejar el maltrato de su jefe (Alejandro Awada) para poner un gimnasio. Ve algo que lo perturba y da la impresión de que ese mundo soñado podría desmoronarse. Sólido relato. “Starlet” es un film “indie” norteamericano, o sea independiente y de bajo presupuesto, de Sean Baker, que protagonizan Dree Hemingway, de la dinastía del gran escritor, y la octogenaria Besedka Jonson, una revelación. La vida de dos mujeres que encuentran una incipiente amistad, el mundo femenino desde los dos extremos de la vida. Buena. “Imágenes paganas” es “una ópera rock en formato documental, sobre Federico Moura, de “Virus”, de Sergio Cuyo Costantini. Un documental bien realizado que interesa especialmente a los seguidores de Moura y de Virus, buenos informes. “Cassandra” es de Inés de Oliveira Cézar, con Alan Pauls y Agustina Muñoz, un docu-ficción sobre el comienzo periodístico de una egresada en letras cuya primera nota es el Impenetrable, el Chaco. Tiene una fotografía excelente, poética, y cabalga entre el documental y la ficción, esta última gana muchas veces al documental, y luego se fusionan. Es previsible pero tiene a su favor una muy buena realización. Atrapa la historia a pesar de sus vaivenes.

LA PELÍCULA DE LA SEMANA

ELYSIUM

De Neill Blomkamp. Con Matt Damon, Jodie Foster, William Fichtner, Diego Luna, Alice Braga, Emma Tremblay, Wagner Moura, entre otros. Música de Ryan Amon. Duración: 107 minutos.

EXCELENTE. PROVOCADORA DENUNCIA CONTRA LAS CORPORACIONES

A Neill Blomkamp lo conocimos en “Distrito 9”, film de ciencia ficción que nos hizo pensar sobre las desigualdades sociales, la enorme pobreza que nos rodea y que crece, aunque allí hubiere feos extraterrestres. Ahora regresa con “Elysium”, otro film de ciencia ficción que tiene muchos visos de realidad y una aguda crítica al sistema social de los Estados Unidos, de los “ricos” del mundo y la necesidad de contar, vaya coincidencia!!!! con el Shutdown de USA, con un sistema de salud igualitario.  La tierra es una gran aldea en ruinas, el pillaje, la muerte, la falta de higiene y de medicina, producen miles de muertes. Los ricos no están: han abandonado el planeta y crearon una plataforma cósmica llamada “Elysium” que, en la mitología griega, significa algo así como “el paraíso dentro del inframundo”, el lugar donde la vida es placentera en todo sentido, donde el sistema de sanidad es especial, único, regido por una mujer sin escrúpulos a cargo de la siempre solvente Jodie Foster. En la tierra quedan los luchadores como Max, que interpreta Matt Damond, y tres latinos en diferentes personajes de envergadura: Diego Luna, de México, y los brasileños Walter Moura y Alice Braga. Los ricos tienen un nexo en la tierra, Krueger, soldado asesino a sueldo que cumple con las órdenes más deleznables. Una radiación mortal pone a Max (Damond) en una situación límite para viajar como fuere a Elysium, vedado para los terráqueos pobres, y conseguir que el sistema de salud sea para todos.

Esta anécdota es el hilo conductor de una serie de secuencias de fuerte impacto visual como la renovación del físico extenuado de Max al clavarle en sus huesos estructuras robóticas que lo harán más fuerte y colocarle en el cerebelo un disco rígido que toma información de una computadora base de Elysium. Conocer cómo se ingresa a ese paraíso es la salvación de los habitantes de la aldea global.

La importancia de este film radica en que el personaje de Max y sus seguidores (Diego Luna, Walter Moura, Alice Braga y la pequeña Emma Tremblay) sostienen hasta el final la lucha por la igualdad social, especialmente en el aspecto de la salud, a partir de la radiación que ha afectado a Max. El realizador no baja la guardia en su relato que es estremecedor de principio a fin y, a pesar del cuentito, nos obliga a pensar que, en el 2154, es probable que la tierra haya sido devastada por los poderosos y los seres humanos que queden sean rehenes de un grupo de corporaciones. Una mirada al pasado nos ubica inmediatamente en la Edad Media, en los señores feudales y en los “burgueses” que empezaban a surgir en las colinas de los castillos.

Neill Blomkamp no nos pide permiso para denunciar el acoso de las corporaciones. Nacido en Sudáfrica, radicado en Canadá, es coherente en este relato con las injusticias sociales que ha visto en Africa, donde las corporaciones médicas europeas experimentan con las poblaciones, por ejemplo. Y es coherente que se aferre a un cine de ciencia ficción, con impronta similar a la de Distrito 9, ahondando en la catástrofe de la Humanidad que no es tan lejana. El poder de los pueblos todavía debe hacerse sentir. Un cuentito que atraerá a los más jóvenes con una dosis brutal de crítica social para los adultos. Excelente combinación, con fotografía, música, trabajo de sonido, y actuaciones, impecables. Provocador y creíble.

Elsa Bragato

LA PELÍCULA ARGENTINA DE LA SEMANA

ROMPER EL HUEVO

Guión y dirección: Roberto Maiocco. Con Hugo Varela, Conrado Valenzuela, Agatha Fresco, Tony Lestingi, entre otros. Música de Martín Bianchedi. Duración: 92 minutos.

MUY BUENA. FÁBULA SOBRE LA ADOPCIÓN Y LOS EXTREMOS DE LA VIDA

Roberto Maioco no solo es médico y músico sino también sensible director de films “indie” con grandes elencos. Los problemas sociales del país están presentes en sus guiones y siempre acierta en la elección del protagonista. En este caso, le da la oportunidad del protagónico a un gran actor y músico como Hugo Varela, a quien reconocemos como notable humorista y luthier. Aquí asombra por su ductilidad y por ese humor no convencional con el que enfrenta las diferentes secuencias.

El tema medular es el de la adopción que, en la Argentina, tarda años en concretarse llenando de frustración a las parejas que desean ser padres. Coincidentemente es el caso del realizador Maiocco, quien no consiguió adoptar pero sí, luego de años de tratamientos, que su esposa tuviese a su hija Margarita, semanas antes del estreno del film.

Maiocco tiene una mirada tierna y hasta con humor sobre el círculo de la vida, que está encarnada en ese niño de 12 años que llega al hogar del protagonista en una situación límite por una enfermedad terminal. Resulta risueña y atrapante la dualidad vital que se establece entre el niño (Conrado Valenzuela) y Hugo Varela. La vida estalla, “rompe el huevo”, en ese pequeño que es la esperanza, mientras el personaje principal se prepara para una muerte digna.

Destacamos la presencia de Hugo Varela: su impronta es fantástica. Al principio, surge como un “ogro” delgado y alto, quijotesco, una “triste figura” que se torna tierna y más humana tratando de estrechar lazos con la llegada del hijo que no esperaba. La tardía adopción que tiene a casi 3000 chicos esperando un hogar.

Es una fábula real pero mágica también. Hay pasajes donde lo absurdo aparece de la mano de Maiocco en sus personajes, provoca sonrisas y una incontenible piedad por ese protagonista a quien parecen “tocarle todas”.

La música campea por todo el film, apoyando y creando ambientes, que incluye el Largo de un concierto para oboe del compositor barroco Marcello, coincidiendo con los conocimientos musicales del realizador. El milagro de la vida, al que asiste por su profesión diariamente Roberto Maiocco, se produce en este film por sobre las pérdidas y el sufrimiento. Romper el huevo, salir del cascarón y la vida que recomienza… Emotivo film con una realización clásica, sin afectaciones tecnológicas.

Carlos Pierre

LA PELÍCULA SOBRE LO PARANORMAL DE LA SEMANA

FENÓMENOS PARANORMALES 2

De John Poliquin y los Vicious Brothers. Con Richard Harmon, Jen Rogerson, Dylan Playfair, Leanne Lapp, entre otros. Música de Quynne Alana Paxa. Duración: 97 minutos.

BUENA. REALIZACIÓN ATRAPANTE SOBRE UN TEMA CONOCIDO

Inteligente y aterradora vuelta de tuerca a los fenómenos paranormales, una intensa filmación con cámara en mano, celulares, webcams, y nuevas tecnologías, que devienen en un film atrapante donde los fantasmas aparecen en la segunda y tercera parte provocando tremendos sustos.

Un estudiante de cine (Richard Harmon) está obstinado hasta la médula en la búsqueda del paradero del actor Sean Rogerson (él mismo lo interpreta), desaparecido hace ya 10 años.

El rastreo se inicia cuando un misterioso administrador de un blog aparece con el nombre de “La muerte te espera 666”, donde puede ver a ese actor de TV todavía vivo, si bien un pantallazo lo muestra deteriorado.  Decide ir con su equipo de cine hasta el manicomio donde se indica que fue filmado lo que vio. Además, el estudiante de cine es un realizador de películas truculentas y bizarras.

El guión esgrime una suerte de realidad confrontada con una ficción que no es tal. Habrá que llegar al final de esta hora y media de narración audiovisual, nerviosa y movediza, para desgranar varias vueltas más de tuerca.

Las secuencias en este asilo abandonado, enfermizo, fatal, van in crescendo y la variedad de planos de las cámaras se entrecruzan produciendo una filmación alucinada del protagonista, intrépido hasta el final, entre sangre y apariciones. Falsas puertas, huidas, fantasmas, pueblan el film que obliga a atarse literalmente a la butaca.  ¿Alguien se salva, incluyendo a la platea? Atrapante, interesante, dentro del género.

Carlos Pierre

EL CINE ITALIANO COMO SORPRESA SEMANAL

BELLA ADDORMENTATA

De Marco Bellocchio. Con Toni Servillo, Isabelle Huppert, Alba Rohrwacher, Michele Riondino, entre otros. Música de Carlos Crivelli. Duración: 116 minutos.

BUENA. UN CASO REAL QUE ESTREMECE

Con guión del propio Bellocchio, se estampa en la ciudad de Udine, en el frío invierno del 2009 (zona histórica del “Friuli italiano”, bien al Norteste de la península itálica) el caso real de Eluana Englaro, fallecida después de 17 años de permanecer en estado vegetativo.

El caso conmovió a toda Italia, con la pasión y la antinomia de religiosidad y ateísmo que tienen los peninsulares, y puso sobre el tapete el tema de la eutanasia y la necesidad o no de mantener con vida artificial a pacientes que no superarán su estado comatoso.

En primer término, la imagen captada por Bellocchio de los enfermos en coma, concretamente esta “bella addormentata”, una mujer postrada de aspecto marmóleo, es de una belleza y un impacto visual que emociona y subyuga.

En otro aspecto, cabe cuestionar la ambivalencia de la propuesta, ya que conviven en el film varias historias conmovedoras y ligadas al valor de la vida y, en contraste, la depresión y el coqueteo existencial con el suicidio. Todas ficciones elaboradas con la maestría de Bellocchio pero que le restan fuerza al caso emblemático de Eluana Englaro. Al abrir como en abanico tantas historias, la trama principal decae en vigor y el resultado es más frágil y menos contundente.

Isabelle Huppert, musa de Bresson, interprea a una actriz francesa (ella misma) como una madre devota que sacrifica su vida y su destino para cuidar a su hija en estado de coma. Sin embargo, los galardones de los festivales recayeron para Toni Servillo y Maya Sansa.

Comentario aparte merece la fotografía de Daniele Cipri y el sonido también, por demás elocuente en las duras escenas tanto en estrados políticos como en manifestaciones de fe en las calles de Udine. El sello “Bellocchio” está, si bien en este caso con menor intensidad.

Carlos Pierre

"LA NOCHE DE LA EXPIACIÓN", "CHICAS ARMADAS...." Y "HANNAH ARENDT..." ENTRE LOS ESTRENOS DE ESTE JUEVES 26

JUEVES 26 DE SETIEMBRE DEL 2013.-

Hay 8 estrenos de los cuales cuatro son nacionales. “Historias breves 8”, antología de cortos nacionales de Rivera, Rubio, Santa Ana, Duarte, Arduin, Aliala, Rostein, Torres y Monserrat Echevarría, es un compendio muy bien realizado de breves relatos, algunos más logrados que otros. Pero, en definitiva, una buena antología. “Nos habíamos ratoneado tanto”, de Marcelo Raimon, es un documental sobre el “destape argentino”, bien realizado, que rescata incluso a Jorge Guinzburg entre los entrevistados. El “destape” nacional se dio luego de los años de dictadura y sumó a muchas bellas mujeres en diversos medios gráficos. Resulta muy interesante. “Dragon Ball Z, La batalla de los dioses”, de Masahiro Hosoda, rescata el animé japonés en una animación que no aporta nada a ese género, aunque haya aventuras nuevas. Es el film de la semana para los amantes del género.

“Hannah Arendt y la banalidad del mal”, de Margarette Von Trotta, es la película de la semana por su realización, sus actuaciones y por su temática. Nos habla de la famosa pensadora judío alemana que se afincó en New York cuando los nazis iniciaron la persecución a los judíos. Y se sintió atraída, como reportera del New Yorker, por la captura de Adolf Eichmann en la Argentina y su juicio, que concluyó con su muerte en 1962. Esto la llevó a escribir “ Eichmann en Jerusalén”, desatando la ira de la sociedad de entonces por esbozar cierta complicidad de los propios judíos en el asesinato masivo de 6 millones de personas de esa religión. Hay muchos aspectos que quedan sin profundizar porque el film se centra en la escritora, en su fuerte personalidad, en sus adicciones, o sea varios aspectos de la creadora de la frase “la banalidad del mal”, quien fuera además la amante de Martín Heidegger, notable pensador del siglo XX captado por Hitler. Tiene insertos documentales del juicio a Eichmann. Está interpretada por Barbara Sukowa y la directora, Von Trotta, ha sido la “musa” de los films de Fassbinder, además de reconocida guionista y directora de la trilogía “Rosa Luxemburgo” (1986), “La calle de las rosas” (2003) y ahora ésta, sobre Hannah Arendt. Es un film muy interesante más allá de cualquier cuestión narrativa.

LA NOVEDAD DE LA SEMANA

PRÍNCIPE AZUL

De Jorge Polaco. Con Ariel Bonomi y Harry Havilio, entre otros. Música de Perriot.

No lo calificamos. Es el último film del polémico realizador argentino quien, a sus 65 años, está prácticamente recluido por el Parkinson, viendo dificultado su hablar y su andar. En esta película, tal vez la menos bizarra, reúne a dos amigos que intentaron amarse hace 60 años y solo la vida permite el reencuentro. Es tómalo o déjalo y la oportunidad de ver un trabajo de un director nacional que tiene miles de fanáticos. Cine de vanguardia, experimental, creativo (E.B.).

EL TERROR SEMANAL

LA NOCHE DE LA EXPIACIÓN O LA PURGA

De James De Monaco. Con Lena Headey y Ethan Hawke, entre otros. Música de Nathan Whitehead. Duración 100 minutos.

MUY BUENA. DURA CRÍTICA A LA SOCIEDAD NORTEAMERICANA. EL MAL SE CUELA CUANDO SE LO ALIENTA

Bastan con estos 100 minutos para salir aterrorizados del cine. Es el 22 de marzo del 2022, cerquita de este 2013, y la sociedad norteamericana no puede ya hacer frente a los homicidios, a las masacres, por lo que se ha dispuesto un día al año, en realidad 12 horas que van de las 7 de la noche a las 7 de la mañana, donde todos pueden asesinar al que les plazca sin tener que rendir cuentas a la justicia. Con este sistema “Estados Unidos está salvado” y sigue siendo la tierra prometida.

Ethan Hawke ha pasado del amante, novio y marido de “Antes del anochecer”, por ejemplo, a este vendedor de sistemas de seguridad (puestos en la picota en la ácida crítica social planteada) que, por su éxito comercial, ha despertado la envidia del “county” donde vive. Una mansión junto a su mujer y sus dos hijos, estos últimos en contra de la “purga”, algo que no entienden y que representa, en esta narración, la mirada nueva, sin odios ni rencores, de las nuevas generaciones. Es el pequeño quien abre el sistema de seguridad de la casa, cuando ha sonado la alarma para que todos se resguarden y empiece la matanza sin ton ni son, para que ingrese un afroamericano al que ese barrio quiere linchar o porque es pobre o porque es marginal o porque es negro.

El film hay que verlo y no contarlo para comprender que, más allá de la sanguinaria noche con tremendas derivaciones para esta familia tan asegurada con sistemas especiales, cada secuencia es una crítica y una burla también a los sistemas de seguridad de los Estados Unidos. El mal se cuela cuando se lo alienta. Muy buena realización. Mantiene en vilo de principio a fin con el plus de un mensaje que hace pensar y mucho. Uno se sienta y ya no puede salir de la trampa de acción, terror y sangre. No hay ningún problema narrativo. Todo tiene un ritmo creciente, con una fotografía que estremece.

Elsa Bragato

CHICAS ARMADAS Y PELIGROSAS

De Paul Feig. Con Sandra Bullock, Melissa McCarthy, Marlon Wayane, Demián Bichir, entre otros. Música de Michael Andrews. Duración. 117 minutos.

BUENA. JUNTAS SON MUCHO MÁS QUE DOS

Hasta ahora, las duplas policiales norteamericanas eran de varones o bien varón y mujer. Armar una dupla de dos mujeres fue un desafío para el realizador Paul Feig. Melissa McCarthy, aquella gordita simpática de “Damas en guerra”, fue la elección más atinada para unirla a la eficiente Sandra Bullock, con suficiente entrenamiento en estas lides. Las chicas no se andan con vueltas, al principio no se soportan, una es del FBI, la otra trabaja en las calles de Boston (Melissa), por lo que sus modos y sus formas para encarar un tema policial es más que diferente.

Hay un click en la forzada amistad profesional que tienen y es cuando comprenden que, juntas, son mucho más que dos. Tiros, persecuciones, y la búsqueda de un peligroso dealer al que tienen en las narices pero nadie podrá descubrirlo… hasta el final. Hay gags remanidos, por ahí una secuencia donde bailan y toman como no hemos visto a Gary Cooper beber en ningún film que no conforma, que tira abajo la fuerza narrativa, el climax, pero tampoco destruye el ritmo del film. El feminismo en acción no es exacerbado sino que se atiene a las protagonistas y a sus maneras de encarar un delito, no hay excesos en este sentido y uno disfruta de estas dos notables actrices dispuestas a resolver de la manera más insólita un difícil caso policial. Para entretenerse.

Elsa Bragato

CAÍDOS DEL MAPA

De Nicolás Silvert y Leandro Werk. Con Sofia Calzetti, Ailén Caffieri, Felipe Corrado, Atilio Pozobón, Osqui Guzmán, Karina K, Tina Serrano, entre otros. Música de Gustavo Pomeranec. Duración: 95 minutos.

REGULAR. POCA GRACIA Y MUCHA PREVISIBILIDAD

No siempre llevar un éxito editorial al cine logra su objetivo. Es el caso de esta historia preadolescente que escribió María Inés Falconi (10 novelas de notable éxito aquí y en el exterior). Pero, como dijimos, no siempre un relato literario que es llevado al cine llega a buen puerto o tiene el mismo significado que en el libro.

Está basada la historia en el primer libro de la saga de Falconi, que llegó a las librerías en 1995. Son historias preadolescentes, de estudiantes del 7mo grado, que se hacen una “rata”. Cuatro alumnos deciden este “faltazo” para no soportar a la maestra de geografía y su clase, una mujer con “mala ortodoncia” a la que apodan “la foca” de manera despectiva.El lugar de la “rateada” es el sótano del colegio, desvencijado y sucio, donde los chicos tienen un tocadiscos y hasta pueden improvisar un vestuario. La “buchona” del curso los obliga a aceptarla para no denunciarlos. Fuera están los padres y las autoridades que los buscan desesperadamente.

Si bien se incluye en la banda sonora al conocido dúo Miranda y da la impresión de que todo está dado para pasar un momento agradable, la falta de timing del relato lo torna aburrido y previsible. La gracia de los chicos y su “rateada” no llega a ser tal y todo queda en la nada, especialmente para el adulto. La suerte del film en las boleterías es un albur, depende de que la temática y la película en sí prendan en los chicos y se produzca el “boca a boca”.  Falta de gracia, de creatividad narrativa, lograron aburrirnos cuando las picardías adolescentes debieran hacernos sonreir y hacer pasar un buen momento. Ponerle garra para ver si llega el momento de la sonrisa no basta.

Carlos Pierre