EL OTRO FÚTBOL, LA FUERZA DEL AMOR, REHÉN DE ILUSIONES, ABRAHAMLINCOLN CAZADOR DE VAMPIROS, EL VENGADOR DEL FUTURO, ENTRE OTROS ESTRENOS JUEVES 9 DE AGOSTO

JUEVES 9 DE AGOSTO DEL 2012.-

Hay seis estrenos en fílmico en Buenos Aires.

EL OTRO FÚTBOL

Documental de Federico Peretti. Música de Julián Gómez. Duración: 94 minutos.

BUENA. INTERESANTE DOCUMENTAL SOBRE EL FÚTBOL SIN MEDIOS ECONÓMICOS

Estamos frente al fútbol pobre de ascenso, sin marketing ni dinero como tienen los clubes de otras divisiones superiores. Aquí se documenta, con muy buen criterio y gran trabajo, el sacrificio y el amor a la camiseta desde Ushuaia a la Quiaca, desde el oeste al este del país. Las modestas ligas del interior del país, luchando contra las inclemencias del tiempo, jugando a la intemperie en la nieve o bajo un calor insoportable. Desfilan personajes sacrificados como el caso del jugador que gran parte de su día laboral es conductor de colectivo o bien el caso de un referí que se gana la vida como taxista. Les falta apoyo y dinero pero les sobra convicción y pasión por el fútbol.

El realizador Federico Peretti, que también hace fotografía deportiva, tardó 3 años en filmar este documental que nos muestra la cara modesta del deporte favorito de los argentinos. Sorprende y emociona la actitud de dirigentes y jugadores que no cambiarían por nada del mundo esta pasión deportiva. Y nos hace pensar en la ayuda que se necesita en el interior para que el deporte sea, como lo ha sido siempre, un elemento socializante para los chicos y jóvenes. La pregunta va de suyo, ¿quién tiene la plata, dónde va, por qué tanto desamparo? Buen documental.

Carlos Pierre

LA FUERZA DEL AMOR (THE LADY)

De Luc Besson. Con Michelle Yeah, David Thewlis, entre otros. Música de Erica Serra. Duración: 127 minutos.

BUENA. BIOPIC DE LA ACTIVISTA BIRMANA AUNG SAN SUU KYI EN UN RELATO EMOTIVO

Luc Besson nos presenta una biopic de la reconocida activista birmana Aung San Suu Kyi, poniendo énfasis en el amor que profesó y recibió de su esposo, el inglés Michael Aris, y cómo esta notable mujer, criticada y elogiada a la vez, orientó su vida hacia su vocación.

Resulta interesante la propuesta de Besson porque toma datos biográficos pero no cae en el documental al resaltar desde el punto de vista cinematográfico, desde el punto de vista de la narración audiovisual, la pasión y devoción que se profesó este singular matrimonio a lo largo de la vida de Aung, escindida entre su cautiverio en Birmania y la lucha y resistencia de su esposo en Oxford, Gran Bretaña, al cuidado de sus dos hijos varones.

El guión fue elaborado a lo largo de tres años por Rebecca Frayn, sin dejar de lado ningún detalle de esta notable mujer que luchó por la libertad de su país (actual República de Kyanmar), gobernada por despóticos y crueles generales. Michelle Yech tomó con verdadero acierto la piel y el alma de la líder birmana. Estudió durante seis meses los textos en birmano (un idioma muy difícil por la gran cantidad de consonantes), si bien la ayudó en parte su facilidad para estudiar idiomas y hablar en varios, como el Malayo y el Mandarín.

Luc Besson logró apartarse de la rigidez de la biografía, y lo consiguió a través de la pasión política y valores éticos del persona protagónico, cualidades que se resaltan en el film en secuencias por demás emotivas. Por ejemplo, cuando Aung San Suu Kyi pasa con valentía a través de una barricada de soldados que la apuntan o bien cuando, estando recluida en su casa natal birmana, escuchó a través de una radio a pilas su premiación al Premio Nobel de la Paz, en Oslo, frente a dos mil personas y la impactante melodía del Canon de Pachelbel.

Su liberación definitiva ocurrió en noviembre del 2010, estando cautiva más de diez años consecutivos. En plena filmación de la película, el rodaje fue un motivo más para ayudarla en su liberación. No obstante, fue imposible realizar el film en Birmania debido al régimen dictatorial y se la realizó en Tailandia, cuyo paisaje se parece notablemente al birmano.

Aung San Suu Kyi es la hija del héroe de la independencia Aung San, asesinado cuando ella tenía dos años. Y recordamos, además, que Birmania era colonia británica. En diciembre del 2011 la Secretaria de Estado de USA Hillary Clinton visitó a Aung en Birmania. Dos líderes femeninas mundiales unidas.

El film es muy interesante porque se aleja del drama político de Aung centrándose en la difícil situación personal de la líder birmana, que debió elegir entre su pasión política y la vida familiar, aún siendo madre. Solo el amor pudo sostenerla, el amor de un hombre y su absoluta fe en el hogar y en las decisiones de su esposa, presa a miles de kilómetros. De allí el título en castellano que justifica plenamente, mucho mejor que el título en inglés, el significado del film de Luc Besson.

Carlos Pierre

REHÉN DE ILUSIONES

De Eliseo Subiela. Con Daniel Fanego, Romina Richi, Mónica Gonzaga, Atilio Pozzobón, entre otros. Film del 2009. Música de Osvaldo Montes. Duración: 85 minutos.

REGULAR. DEMASIADO DESNUDO EN MEDIO DE CLISHÉS ROMÁNTICOS

En la línea de “El lado oscuro del corazón” (1992) o bien de “El resultado del amor” (2007), Eliseo Subiela continúa con un cine poético y poblado de metáforas. En esta realización del 20009 ha tenido alguno que otro tropezón. No dudamos del acierto en la idea medular de la historia, pero no nos resultó muy convincente (y esto es cuestión de gustos y de subjetividad) la concreción de la misma porque encontramos que falla en el tratamiento, en el desarrollo, de los dos protagonistas: Pablo, un escritor sesentón, en la piel de Daniel Fanego, profesor durante 10 años de Laura, encarnada por Romina Richi, quien es fotógrafa y lo seduce. He aquí algunos elementos de las secuencias que no nos convencieron: el comportamiento hierático, los parlamentos cortantes, sin pasión, y los frecuentes desnudos de cada cita oculta. Mónica Gonzaga compone a la esposa de Pablo, y se la presenta como una mujer más cercana a la galería de arte que dirige que a los requerimientos amorosos de la pareja, dejándole así el camino abierto a la pasión de su esposo por la joven de 35 años.

Los lugares comunes abundan: Laura vive en un departamento lindero a un cuartel del Ejército, siente un profundo odio por la dictadura militar dado que su padre, encarnado por Atilio Pozzobón, ha sido un agente de vigilancia.

Es decir, vamos encontrando endeblez en el guión que, al no tener un apoyo sólido en el guión y en los parlamentos, provocan quiebres en el clima buscado. Por ejemplo, no convencen los ataques psicóticos de la joven que aparece y desaparece de la vida del escritor, empeñado en concretar una novela sobre esta pasión que lo consume.

Nada hay nuevo bajo el sol, es cierto. La cuestión reside en hacerlos creíbles desde algún otro lado que no nos recuerde que ya lo vimos, que es más de lo mismo. Está justamente latente en todo el film esa sensación de que no hay nada nuevo, de que todo se repite una y otra vez, dando la sensación definitiva de una suma de hechos únicos de manera prosaica, es decir, viéndose la costura.

Subiela es un realizador de portentosa imaginación, poblada de sugestión y henchido de amor. Pero en este film estas fantásticas cualidades están desvanecidas apoyándose de manera altisonante en la actitud de los dos amantes que oscilan entre la locura y el amor carnal más que en su propia capacidad metafórica. También notamos que en el cine nacional hay una predilección por las escenas fuertes, como sucede en tantas telenovelas, y no es lo habitual en el cine internacional donde, con excepciones, se sugiere más que mostrar. Todo esto contribuye a crear un clima de cansancio por lo reiterativo. Nada que decir de los actores que cumplen con eficacia sus roles; el tema está en el tratamiento de sus respectivos personajes y en la inserción de los mismos en un guión endeble y con parlamentos nada atractivos.

Carlos Pierre

CUENTAS DEL ALMA – CONFESIONES DE UNA GUERRILLERA

Documental guionado de Mario Bomheker y Carmen Guarini. Duración: 72 minutos.

REGULAR. TESTIMONIO DE UNA EX INTEGRANTE DEL ERP

“Cuentas del alma, confesiones de una guerrillera” es para los judíos una actitud de reflexión comprendida entre dos de sus fiestas religiosas. Además, este documental de Mario Bomheker ha sido rodado en Israel. Y se centra en un reportaje, prácticamente con cámara fija, a Miriam P., realizado en el 2008.

La protagonista de este relato padeció el momento más cruel y oscuro de la represión de la dictadura militar en la Patagonia. Cuando fallecieron sus padres en un accidente, Miriam abandonó sus reuniones sabatinas de la colectividad judía para incorporarse a las filas clandestinas del ERP. Un aciago día fue destinada a Tucumán como inexperta guerrillera, según sus propias palabras, siendo herida y capturada en el combate contra una patrulla del ejército dictador. Para salvar su vida, aceptó una declaración pública de arrepentimiento por televisión. Por ese motivo, fue salvada y enviada al Paraguay donde residió unos años. Desde allí partió a Madrid (acompañada por el recientemente destituido presidente constitucional Lugo). Y desde 1983 reside en Israel, donde se filmó el documental, incluso en su propio domicilio.

De su relato, encarado muy televisivamente, se desprende su calvario: la violación, el deambular por el Paraguay donde estudió y recibió ayuda. Sin embargo, de esta confesión a cámaras y en un largometraje se desprenden preguntas inevitables y poco agradables de hacer: ¿Miriam P. es una traidora a la lucha armada o al ideario del ERP o es, además de una víctima innegable, una mujer con el talento para poder sobrevivir a tanto horror?

Sin duda, rescatamos su heroico testimonio y el hecho de que haya una sobreviviente más al horror de esa época en la que miles de desaparecidos no han tenido la oportunidad en ningún momento de hablar porque lisa y llanamente los mataron. Es difícil tomar partido, nos quedan dudas, aún teniendo en cuenta el coraje de Miriam P. (no entendemos por qué se oculta su apellido cuando se muestra su rostro frente a cámaras) para decir una verdad que no muchos se atreverían. Sí nos hacemos una pregunta final: ¿murió alguien a raíz de la actitud de Miriam P.? Es una pregunta inevitable aunque… no sabemos cómo uno puede actuar en situaciones límites como las padecidas por Miriam. De todas maneras, el documental, por contenido y por realización, no nos convenció.

Carlos Pierre

ABRAHAM LINCOLN CAZADOR DE VAMPIROS, 3D

De Timur Bekmambetov, basado en el libro Seth Grahame- Smith, autor del guión. Con Benjamín Walker, Mary Elizabeth Winstead, Jimmi Simpson, Dominic Cooper, entre otros. Música de Henry Jackman. Duración: 105 minutos.

BUENA. EXTRAÑA RELACIÓN ENTRE ABRAHAM LINCOLN Y LOS VAMPIROS CON GRAN IMPLICANCIA POLÍTICA

Es curiosa la transformación de quien fuera presidente de los Estados Unidos en los comienzos de la década del 60 del siglo XIX (1861-1865), abarcando 45 años de la vida del mismo, desde 1820 a 1965, como cazador de vampiros: un buen día y de manera bastante azarosa según el guión de Grahame-Smith, se transforma en líder republicano y es presidente de su país. Pero no abandona su lucha contra los muertos-vivos en venganza por la muerte de su madre a causa de éstos.

El film tiene maestría en la realización y se ve la mano del productor Tim Burton detrás de la buena dirección de Timur Bekmambetov, un aliado de la estética “burtoniana”. La historia comienza cuando el pequeño Abraham salva de los latigazos a un compañerito afroamericano y ve morir a su madre como venganza de ese hecho heroico a manos de los vampiros. En el Sur de USA quienes esclavizan son vampiros. He aquí el subtema que el telespectador no debe desaprovechar para darle un contenido más profundo al film.

El guionista tomó datos exactos de la vida de Abraham Lincoln: su casa en Springfield, hoy museo, donde los Lincoln vivieron 17 años, así como la batalla de Gettysburg, acaecida en 1863, seguida muy cerca desde la Casa Blanca por Lincoln que era presidente sin abandonar su caza de vampiros. Aquí hay una escena que nos llamó la atención: la Casa Blanca aparece con la cúpula a medio hacer y, según la historia, se terminó de construir en el 1800, siendo reconstruida en 1812. Da la impresión de que, en el momento en que Lincoln estaba viviendo allí, estaba lista y su esposa no había encarado la construcción de ningún “ala”, como sí hicieron otras primeras damas. También es correcto, desde el punto de vista histórico, su casamiento pero no se muestra a toda la familia del ex presidente sino a su primer hijo varón, muerto también a manos de vampiros. En realidad, Lincoln tuvo cuatro hijos, de los que le sobrevivió uno, de gran inteligencia.

Para el personaje Abraham Lincoln, la libertad de los esclavos fue su misión en la vida pero partiendo de la base de que los vampiros del sur eran los esclavistas. Entendemos que de allí pudo mantener, según el film, su oficio de cazador aún siendo primer mandatario. Un vampiro “bueno” le enseña trucos para manejar hachas y valerse de municiones de plata, y estas secuencias están muy bien aprovechadas por la técnica 3D. Surge entonces la maestría en la realización de la que hablábamos, señalando dos secuencias impresionantes: la estampida de los caballos, mostrada con cámaras a la altura de los animales y la meteórica corrida sobre los lomos de los animales de Lincoln y el vampiro villano. Es una secuencia extensa que estremece. La otra secuencia que destacamos es la del tren que debe pasar por un terraplén de madera, altísimo, con bosques abajo incendiados que van quemando los sostenes de madera. Impresionante, electrizante.

La estética “burtoniana”, mencionada también, tiene que ver con los episodios violentos y esa sangre que tanto complace mostrar a Tim Burton en pantalla gigante, cayendo gota a gota con un rojo intenso, densa, espesa, que da la sensación de salpicar a la platea. Y, por si fuera poca la implicancia política del film, el mapa de los Estados Unidos se delinea en pantalla con sangre, estado por estado. A buen entendedor…

El film es visualmente sorprendente, si bien el guión resulta endeble. La historia es respetada solo en detalles puntuales y resulta extraña la combinación de un presidente tan querido por los norteamericanos con un cazador de vampiros lisa y llanamente si no le damos una connotación política que, por otra parte, salta a la vista aunque los realizadores no lo hayan mencionado en múltiples reportajes. Para el guionista y escritor de la novela homónima, esta dualidad de Abraham Lincoln fue obra del azar: en el 2009 se encontraba de gira promoviendo una de sus novelas y en las librerías vio dos temas por sobre los demás, los relativos al bicentenario del nacimiento de Abraham Lincoln y los temas de vampiros como la saga Crepúsculo. Y de allí tuvo la idea de unir a Lincoln con un cazador de vampiros.

Finalmente, agregamos que Benjamín Walker, en el papel del décimosexto presidente de Usa, es impecable porque dota a su personaje de humanidad, extrema por momentos. Mary Elizabeth Winstead compone a la esposa de Lincoln pero hay cierta endeblez en su personaje, especialmente cuando fallece su primogénito, una escena por demás tocante. Interesante, apasionante en muchas secuencias, un entretenimiento que se deja ver, con la grandiosidad del 3D.

Elsa Bragato

EL VENGADOR DEL FUTURO (TOTAL RECALL)

De Len Wiseman. Con Colin Farrell, Kate Beckinsale, Jessica Biel, Bryan Cranston, Bokeen Woodbine, Bill Nighy, entre otros. Música de Harry Gregson-Williams. Duración: 118 minutos.

REGULAR. RE-MAKE DE “TOTAL RECALL” CON ARTILLERÍA DE EFECTOS ESPECIALES

No está mal, es entretenida y, como en todos estos films, uno puede sacar algún subtema política que los realizadores dejan al alcance de la mano con la sutileza de las metáforas, a veces no tan crípticas. “El vengador del futuro” es la remake del film de 1990 “Total Recall”, basado en textos de Philip K. Dick, uno de los escritores de ciencia ficción más reconocidos de USA y con varios títulos en la pantalla grande como Blade Runner y Minority Report. En este caso, la remake se basa en el cuento titulado “We can remember it for your wholesale”, algo así como “Podemos recordarlo por usted al por mayor”. En 1990, el apasionado por el cuento fue el director Paul Verhoeven que eligió a Arnold Schwaarzenegger y Sharon Stone, y en el 2012, el apasionado es Len Wiseman que dota al film de un arsenal de efectos especiales para los que no es necesario el 3D, basta y sobra con lo que se ve en pantalla.

En este sentido, el film es ganador nato. Se recrean solo dos pueblos con vida en la tierra luego de una extinción masiva: el de “La colonia” y el de la Federación Unida de Bretaña, ¡qué casualidad!, como dominante de los obreros que viven tan mal en el lado opuesto. En “La colonia”, una mezcla de Hong-Kong con una Venecia destrozada, conviven negros, blancos y amarillos, hacinados, sometidos a unos guardias robotizados que controlan las malolientes calles a punta de pistolas supersónicas. Ningún ambiente acogedor o agradable, simple subsistencia como se puede. La prostitución está en su máximo apogeo, aparecen mujeres con injertos de pechos (tres pechos para atraer más, supuestamente), corta secuencia que mueve a risa.

Douglas Quaid es el personaje central a cargo de Colin Farrel, bien en su actuación, dúctil como pocas veces, casado con la bella Lori, que encarna Kate Beckinsale, si bien no se sabe si es un robot espía o una tierna esposa conmovida por las pesadillas de su marido, quien no sabe a qué atribuirlas. Son tantas y tan feroces que decide “cambiarse” los recuerdos en la compañía “Rekall”, donde se descubre que no es quien dice ser y que, seguramente, sus pesadillas tienen relación con sus enormes conocimientos de luchas y por ser un experto exterminador de malvados.

Muchas veces los obreros, como Quaid, deben trasladarse a la Federación y lo hacen en una especie de subte que atraviesa el centro de la tierra. En la Federación se vive como en la Londres actual y en sus barrios más ricos. Allí arman los robots que luego los controlarán. Pero todo cambia para Quaid y comienzan entonces escenas de luchas tremendas, atractivas porque mantienen al espectador en vilo, en medio de un mundo que da pena ver. Por momentos, se tiene la sensación de ver en movimiento una espectacular maqueta de pisos superpuestos a la buena de Dios, como si fuese un gran villorrio construido con cemento a la vista, sin terminar. Es ingenioso el “subte” inventado para el film, más allá de esta sensación de maqueta que se tiene.

Hablábamos al comienzo de una connotación política: es inevitable preguntarse si el film, ésta versión al menos, no es acaso una crítica abierta al colonialismo británico (curiosamente, nadie habla de USA) y un reflejo del levantamiento de los pueblos contra la opresión de los colonizadores. Más que metáfora, como dijimos, aquí hay una comparación directa con algunas realidades del mundo actual. Por lo demás, hay peleas, muertes, explosiones, como para entretener todo el tiempo.Nadie se aburrirá aunque todo no sea más que una suerte de secuencias ya vistas pero mejor realizadas.

Elsa Bragato

ATRACO", AMIGOS INTOCABLES, TERROR EN CHERNOBYL, ESTRENOS JUEVES 2 DE AGOSTO

JUEVES 2 DE AGOSTO DEL 2012.-

No comentamos el film animado nacional “El sol” ni “El camino del vino”.

¡ATRACO!

De Eduard Cortés. Con Guillermo Fanego, Nicolás Cabré, Daniel Fanego, Amaia Salamanca, Jordi Martínez, Oscar Jaenada, entre otros. Música de Federico Jusid. Duración: 110 minutos. Coproducción argentino-hispana.

BUENA. A MITAD DE CAMINO DEL POLICIAL Y DE LA COMEDIA

La idea es muy buena. La realización, la puesta en escena de la misma, no lo es tanto. Eduard Cortés optó por un estilo muy clásico pretendiendo resumir las características de vida la década del 50. Mucho. El guión se basa en un hecho real: en 1956 dos argentinos con pasaportes chilenos asaltaron la joyería Aldao ubicada en la Gran Vía. Fueron capturados a los pocos días y se los condenó a 23 años. Lograron fugar y fueron apresados y acribillados a balazos.

En “Atraco!” el robo a una importante joyería madrileña tiene otro objetivo: resguardar las joyas de Eva Perón que Perón, en el exilio panameño, mantenía celosamente custodiadas, a fin de evitar que cayeran en las manos de la esposa del general Franco, doña Carmen Polo, quien solía quedarse con joyas espectaculares sin pagarlas. Y ya les había “echado el ojo”. Un ayudante de Perón, encarnado por Daniel Fanego, y quien fuera chofer de Evita, “Merello”, a cargo de Guillermo Francella, pergeñan un atraco a la joyería que ha tomado en calidad de “empeño” a las mismas a fin de tener dinero para comprar la casa de Perón en Madrid. El ayudante de “Merello”-Francella es un jovencito que “cae” del cielo (Nicolás Cabré) en la finca. Todos peronistas de ley (el personaje de Cabré tiene alguna relación más con el de Fanego que luego complicará la situación), organizan este atraco que seguirá el lineamiento trágico del hecho original.

El film comienza con una toma demasiado teatral aunque puede considerarse efectiva para situar al espectador. La narración comienza a fluir en torno de las joyas de Eva Perón y cómo evitar que caiga en las manos de la sedienta y frívola Carmen Polo, tal como se la presenta. El armado de la historia entonces cae en zonas que la alejan del policial: por momentos tiene secuencias semirománticas, en otras se detiene en musicales de un cabaret que nos hace pensar más en los films de los 80 nacionales que en un policial, que tarda en aflorar.

Las actuaciones de Daniel Fanego y Guillermo Francella son excelentes; en el caso de Fanego, el actor tiene posibilidad de encarar fibras sensibles muy interesantes. Con respecto a Francella, es dúctil como pocos frente a cámaras, y ambos hacen creíbles sus roles. En relación a Nicolás Cabré, tiene buenos momentos pero no puede evitar los tics de sus personajes en Pol-ka a los recurre más de una vez no siendo lo más conveniente. Por momentos, está el personaje de “Sin código” y no el que se necesita ver.

Hay altibajos notorios en la narración. Se “rallenta” más de la cuenta, pero no dudamos de la atracción tanto de la idea del film como del elenco, además del controversial tema de las joyas de Evita, quien aparece en fotografías de la época sin que medien razones valederas más que las sentimentales de los protagonistas. Tampoco tiene explicación coherente, más que el que pueda otorgar una elipsis narrativa, la situación final de Fanego respecto de Cabré.

La música juega un rol incidental también muy interesante y se ve la vena clásica de Federico Jusid, hijo de Juan José Jusid y Luisina Brando, gran pianista radicado en España. Como datos, la película se filmó en Madrid y costó poco más de alrededor de 4 millones de euros. No es un policial neto, está a mitad de camino de la comedia dramática y romántica y un thriller, que asoma pero no estalla.

Elsa Bragato

TERROR EN CHERNOBYL (CHERNOBYL DIARIES)

De Brad Parker. Con Jesse McCartney, Jonathan Sadowski, Olivia Taylor Dudley. Entre otros. Música de Diego Stocco. Historia original de Oren Peli.

REGULAR. TERROR PARANORMAL EN TIERRAS ARRASADAS POR LA RADIACIÓN

Oren Peli innovó el género del terror con “Actividad paranormal”, de muy bajo costo, casi sin nivel cinematográfico pero muy efectiva. Se unió en esta oportunidad con Brad Parker, quien hace su debut en el largometraje como director. Esta vez el terror está ubicado en Ucrania, donde el 26 de abril de 1986 explotó el reactor número 7 de la Central Nuclear de Chernobyl y produjo una radiació mayor a 400 bombas atómicas, siendo el desastre nuclear más grande de la historia.

El foco del acontecimiento que inspiró el guión de Oren Peli fue la ciudad vecina de Pripyat, que albergaba a los trabajadores de la planta y a sus respectivas familias. De la noche a la mañana, la ciudad fue evacuada, debiendo dejar cada ciudadano todas sus pertenencias. Quedaron vacías casas, fábricas, parques de diversiones, negocios. El desastre producido por la contaminación fue avasallador.

Lejos de quedarse entre cuatro paredes, el guionista pensó en toda la ciudad abandonada como eje de un terror insospechado, aparentemente inhabitada, si bien el transcurrir de la narración nos mostrará que no hay tanta soledad.

Seis jóvenes norteamericanos, de viaje por Europa, deciden hacer un “tour de riesgo” a instancias de uno de ellos que vive en Ucrania. Este tour es “extremo” y está conducido por un guía nativo. La meta es la ciudad abandonada, pero cercada por el ejército cuyos puestos de vigilancia no permiten el ingreso. Pero el guía busca un atajo por el bosque, inhóspito, poblado de perros hambrientos, donde hay un lago con peces voraces y agresivos.

Este turismo extremo, denominado también “shock”, distante de los habituales a museos y monumentos históricos, transcurre por un laberinto de túneles abandonados y con acechanzas crecientes.

En este sentido, está muy bien lograda la utilización de sombras y sonidos que aturden y desorientan a los turistas y meten miedo en el espectador. El film se torna atrapante y en ningún momento se vislumbra el motivo de tanto suspenso o del horror reinante en la ciudad de Pripyat.

Sin duda, Oren Peli acierta una vez más en el manejo de un guión de terror un tanto diferente a los tradicionales, aunque los clishés del género están. Otro ámbito pero el mismo terror, otras circunstancias pero todos jóvenes en una encerrona. Para los amantes del género, es una vuelta de tuerca positiva.

Carlos Pierre

HISTORIAS BREVES 7

Nueve cortometrajes: “Cenizas” de Gwenn Joyaux, duración: 10 ‘, 2012; “Fábula”, de Agustín Falco, duración: 13 ‘, 2012; “Crónica de la muerte de Paco Uribe” de Santiago Canel, duración: 11’, 2012; “La última parada” de Nadia Benedicto, duración: 11’, 2012; “En carne viva”, de Federico Esquerro, duración: 11 ‘, 2012; “Tres historias cuatro”, de Anahí Farfán, duración: 11 ‘, 2012; “Cuchi” de Emmanuel Moscoso, duración: 10’, 2012; “El hombre rebelde”, de Martín Mainoli, duración. 12’, 2012; “Bajo el cielo azul”, de Martín Salinas, duración: 8.30’, 2012.

No se califica en general a estas nueve realizaciones sino que se destacan las más promisorias a nuestro criterio.

Nueva edición del Concurso del Instituto Nacional de Cine y Artes Visuales (INCAA) que propone a jóvenes cineastas concretar sus realizaciones a escala profesional. Es ésta la séptima edición del ya clásico Historias Breves que comenzó en 1995. De las nueve realizaciones resaltan dos: “En carne viva”, de Federico Esquerro, donde un actor debe interpretar a un asesino en una filmación; la misma transcurre en una carnicería y el actor no logra discernir la ficción de la realidad.

La segunda historia que destacamos es “Bajo el cielo azul”, de Martín Salinas, que se ambienta en el Litoral a la hora de la siesta, con calor y bajo el cielo azul; las niñas cantan y, como muñecas, se acicalan para la futura prostitución.

De tan variada propuesta, cabe hacer hincapié en el desenlace de casi todas las entregas que se valen con el tiro de un revólver o el puntazo de un cuchillo. Es decir, impera la violencia y se la utiliza como resolución de cualquier circunstancia. Este “redondeo” de las historias sí nos llamó la atención, especialmente si nos atenemos a una realidad violenta pero que, por suerte, no dirime su verdad o mentira a los tiros siempre. Algo es algo.

Carlos Pierre

LOS INTOCABLES

De Olivier Nakache y Eric Toledano. Con Francois Cluzet, Omar Sy, Anne Le Ny, entre otros. Duración: 112 minutos.

MUY BUENA. UNA EDIFICANTE COMEDIA BASADA EN HECHOS REALES

Basada en un hecho real, Los intocables fue el film de mayor éxito en Francia en el 2011, una comedia que enfrenta dos tipos de discapacidades, la social y la física, y cómo pueden superarse con humor y voluntad. Un joven senegalés afincado en Francia vive la discriminación social junto a su madre y sus familiares, hasta que tiene la oportunidad de convertirse en la mano derecha de un rico conde que ha quedado parapléjico, cuya vida es amarga y su tiempo se divide entre las sesiones de rehabilitación y la mala relación con su hija. Sus ayudantes son circunspectos y su vida no tiene nada más que transcurrir sin una pizca de alegría o aventura. Al contratar casi de prepo a este senegalés, la rutina del conde cambiará abruptamente. “Phillipe” está acostumbrado a alambicadas sesiones de música clásica en su mansión mientras que Driss disfruta del ritmo de Village People. Su conducta rompe moldes y esto ayuda a que Phillipe empiece a vivir de otra manera y disfrute de la vida con su mano derecha, conductor y ayudante y, a los postres, amigo.

Hay secuencias de enorme ternura que, por lo mismo, arrancan risas: el concierto en el salón de la mansión, la música de Vivaldi, y la yapa que impone sin dejar pensar el simpático gigante Driss con un tema de los Village People bailado hasta por las señoras más copetudas. O el insólito viaje a las montañas donde Phillipe y Driss se lanzan a practicar aladeltismo. Nada es imposible cuando hay voluntad y ganas de vivir.

El contexto social del film nos ayuda a pensar en la Francia actual, donde la inmigración africana es muy importante desde hace años y ya hay segundas generaciones de muchos exiliados. No obstante, no tienen las mismas condiciones laborales ni las mismas oportunidades que los galos. He aquí un análisis crudo, veraz, en medio de una historia de amistad que barre con el modelo que, como trasfondo, se muestra. También nos hace ver el acomodamiento interior de las sociedades europeas por la inmigración desde África, proveniente de ex colonias o bien de países empobrecidos por la misma mano occidental a la que ahora apelan por ayuda.

La historia de Phillipe y Driss es el mejor ejemplo de que no hay imposibles cuando son los individuos los encargados de superar los escollos sociopolíticos y que éstos además no son inamovibles. Cuando existe un severo impedimento físico, el amor y la buena predisposición pueden salvarnos de una muerte espiritual y hasta mejorarnos en las afecciones que padezcamos. Siempre en clave de humor, Los intocables (el conde por su posición social, el senegalés por su origen) nos refrescan el espíritu mostrándonos cómo se derriban los impedimentos cuando nos animan los mejores sentimientos. Edificante film, bien realizado, muy bien actuado.

Elsa Bragato

BATMAN EL CABALLERO DE LA NOCHE ASCIENDE, TODO QUEDA EN FAMILIA, ESTRENOS DE CINE JUEVES 26 DE JULIO

JUEVES 26 DE JULIO DEL 2012.-

Hay tres estrenos de cine esta semana en Buenos Aires que incluyen el documental “El silencio del puente”, de Eduardo Schellemberg –que no comentamos- sobre el puente que une Argentina con Paraguay y muestra el contrabando y todos los hechos delictivos que allí suceden.

BATMAN: EL CABALLERO DE LA NOCHE ASCIENDE

De Christopher Nolan. Con Christian Bale, Morgan Freeman, Michael Caine, Anne Hatteway, Gary Oldman, Tom Hardey, entre otros.Música de Hans Zimmer. Duración: 145 minutos.

MUY BUENA. LA TRAGEDIA DE BATMAN CON UN ANÁLISIS SOCIOPOLÍTICO IMPECABLE, ACOTADO AL ENTRETENIMIENTO

Estamos frente a un film que hará historia en el cine, con el añadido de la Masacre en Denver, Colorado, que nos ha horrorizado. Pero que nada tiene que ver con los profundos conceptos del film de Christopher Nolan y su coautoría en el guión ni con los personajes de este film y los motivos de sus violentas acciones. Nolan, que tiene en su haber las dos últimas películas de Batman y ésta, le da un cierre opulento y trágico a la misión del personaje de cómic en la tierra, se mete en la vida cotidiana de su país, en su política exterior y en las consecuencias que provoca en las sociedades no solo americana sino del mundo.

El cómic queda de lado aunque no el personaje, a cargo nuevamente de Christian Bale, quien debe asumir un épico regreso al ruedo y un rescate de sí mismo que elevan su sacrificio físico y espiritual al nivel de la tragedia: la sublimación del propio dolor por el bien de todos. La narración de Nolan va creciendo en intensidad, apoyada además por la banda sonora del maestro Hans Zimmer, hasta estremecer al espectador. Es una historia épica basada en la lucha entre el bien y el mal pero superando esta lineal confrontación.

Y supera la linealidad porque la vida misma no es lineal, no es plana. Batman se encuentra recluido desde hace 8 años y las calles de Gótica vuelven a tener delincuentes que van por todo. Sin embargo, no es la delincuencia cotidiana sino la terrorista. El nuevo enemigo de Batman es Bane (Tom Hardy), quien ha sufrido tanto como Batman en su niñez, ha vivido en oscuros agujeros supuestamente en Medio Oriente de donde puso escapar no sin perder parte de su cara. De allí su horrible máscara. Y es el enemigo de Batman porque desprecia a los ricos, al poder consumado, a los poderosos, a los que afligen a las sociedades del mundo sometiéndolas a sus intereses económicos. Pavada de tema encara Nolan. Batman, de alguna manera, representa lo que no ha querido: el poder de los poderosos. Y Bane, el de los afligidos.

Batman quiso vengar la muerte de sus padres y carga con una muerte por ello (recordar el primer film de la trilogía de Nolan); es además el primer superhéroe que manifiesta sentimientos humanos porque lo es. No esconde su dolor, no esconde sus rabias, no esconde sus amores ni su rencor. Bane representa el hambre, la marginación, y la violencia que desatan los poderosos en los oprimidos, aunque su método de lucha y protesta es erróneo porque causa más dolor y muerte. A su vez, Batman se equivocó en sus planteos sociales, al circunscribirlos a una venganza personal, justificable pero pequeña para los tiempos que se viven. Nolan oscila entre el bien y el mal de ambas partes, la del poderoso Batman que ayuda a la justicia de su ciudad, y la de Bane, el marginado devenido en terrorista brutal. Ambos se equivocan y ambos tienen razón en sus demandas pero no en sus métodos de justicia.

Reminiscencias hay muchas. El ataque a las Torres Gemelas se cuela, la primera guerra mundial por la tremenda lucha cuerpo a cuerpo de los policías de Gótica-New York con las fuerzas de la “oscuridad” (por vivir en pozos) que lidera Bane. La secuencia del estadio donde se canta el himno de USA antes de un partido nos hace cosquillas. ¿Politiquería? En realidad, Nolan es un inglés que trabaja en USA y a esto no hay que darle muchas vueltas.

Los enfrentamientos entre Bane y Batman son a todo o nada. Dos veces semejantes titanes están cara a cara, cada uno con su máscara, y las palizas que se propinan son brutales. Así como se ve a una New York que va explotando por zonas por obra de los oscuros enemigos de Batman a través de fotografías zenitales de gran belleza y espectacularidad.

La intervención de Morgan Freeman como el fiel Lucius Fox queda relegada, mientras que es Michael Caine quien carga con la tragedia familiar y nos deja un guiño, no sabemos si para alguna continuación de esta saga sobre la que opinamos que no tendría que existir. Nolan agotó el tema con maestría a través de un guión de gran altura. Anne Hathaway es Selina Kyle, experta en todo tipo de artes marciales y una notable seguidora de las habilidades de Batman, pero no es Gatúbela, está muy lejos de este personaje. Y Gary Oldman asume prácticamente el coprotagonismo del film con escenas muy arriesgadas, ayudando a Batman, y con la solvencia actoral que lo caracteriza, mostrando en este caso una ternura poco frecuente. Robin aparece pero no vamos a descubrir al actor porque, sin duda, es uno de los atractivos del film.

La fotografía es estupenda. La primera secuencia, estremecedora, entre dos aviones en vuelo, sacará el aliento a la platea. Y los últimos 45 minutos son para atarse a la butaca y contener el aliento. Hay varias secuencias memorables como la lucha cuerpo a cuerpo entre miles de policías neoyorquinos y los grupos capitaneados por Bane, por ejemplo. También destacamos el trabajo en el sonido del film, impecable y apabullante.

Sin escatología, sin sexo, pero con ideas que nos tocan a todos a nivel social, Christopher Nolan logra un film que, como dijimos, es antológico y nos muestra que los héroes también tienen errores y solo los nobles de espíritu aceptan pagar por ellos. Fantástico film, opulento, trágico, entretenido, estremecedor, que vale la pena ver. Antológico por sobre todo.

NOTA DE REDACCIÓN. Anteriores films de Batman

Batman, 1966, Leslie Martinson

Batman, 1989, Tim Burton

Batman returns, 1992, Tim Burton

Batman Forever, 1995. J. Schumacher

Batman y Robin, 1997, J. Schumacher

Batman begins, 2005, C. Nolan

The dark knight, 2008, C. Nolan

The dark knight rises, 2012, C. Nolan

Elsa Bragato

TODO QUEDA EN FAMILIA

Coproducción de Croacia, Serbia y Eslovenia

De Rajkogrlic. Con Miki Manojlovic, Bojan Navojec, Daria Lorenci, entre otros. Música de Alan Bjelinsky y Alfi Kabiljo. Duración:

BUENA. PERIPECIAS AMATORIAS EN COMEDIA AGRIDULCE

Las infidelidades conyugales, la doble vida, la pasión erótica, son las tribulaciones que llevan dos matrimonios cuyos componentes masculinos son dos hermanos, herederos de los desvíos de su padre. La fama de éste, recientemente fallecido, oscila entre el erotismo y el desprejuicio dentro de la pintura en Zagreb.

Es un divertimento agridulce porque tanto erotismo no siempre tiene buenos desenlaces familiares: la pasión amorosa entrecruza a los personajes que pagarán sus hechos, mientras hay hijos en el medio que desconocen quiénes son sus padres.

La propuesta del realizador croata Rajkogrlic es desenfadada, pero divierte y muestra la fragilidad de este tipo de relaciones donde surgen el cinismo y la liviandad. En el juego carnal propuesto entre los personajes se produce un duelo actoral estupendo, cinco actores envueltos en peripecias amatorias, destacándose Miki Manojlovic y Bojan Navojec, todos se sacan chispas y le dan al film una atracción superlativa.

Sin duda, se quiere mostrar un rechazo a la tradición familiar con cierta impronta modernista que, a su vez, contrasta con la bella y antigua Zagreb. La película trae premios de Portugal, República Checa, Croacia, Montenegro e Inglaterra en todos sus rubros. Es que ha sido realizada con prolijidad, con buen ritmo que nunca decae a raíz de las aventuras amorosas y de los giros que se le van imprimiendo a la historia. Buen film que debe competir con varios tanques de Hollywood.

Carlos Pierre

EL DICTADOR Y LOS TRES CHIFLADOS, ESTRENOS JUEVES 19 DE JULIO

JUEVES 19 DE JULIO DEL 2012.

Hay solo tres estrenos. No comentamos el documental “Nicaragua… el sueño de una generación”, de Roberto Persano y Santiago Nacif.

EL DICTADOR

De Larry Charles. Con Sacha Baron Cohen, Anna Faris, Ben Kinsgley, entre otros. Música de Erran Baron Cohen. Duración: 88 minutos.

BUENA. SÁTIRA POLÍTICA SIN TAPUJOS. SACHA BARON COHEN PROVOCA AL SISTEMA

Sacha Baron Cohen es el nuevo humorista político del primer mundo. En “El dictador”, hace la parodia llana de un mandatario de Medio Oriente, con muchas similitudes a Saddam Hussein. Hay ingenuidad y desparpajo en el personaje que el actor judío no abandona ni siquiera para las entrevistas. Se trata de “Aladeen”, líder de “Wadiya”, que viaja a Nueva York para presentarse en un especial “Summit” de las Naciones Unidas.

Y, en ese viaje, secundado por su mano derecha que encarna un desinhibido Ben Kinsgley, se producen hechos que dejan al descubierto su alma sanguinaria, en clave de humor y bastante alejado de la escatología de sus dos filmes anteriores, Borat y Brüno. Una joven, que vive en Brooklyn (la eficaz Anna Faris), lo salva de las guerras de la policía neoyorquina porque cree ver en él al “opuesto” a Aladeen, en medio de una manifestación en contra del tirano.

Por suerte, dado el humor llano, directo y sin vueltas de Baron Cohen, en esta película no echa mano de la escatología; en todo caso, hay insinuaciones que no molestan a nadie, ni a quienes aman estas secuencias ni a quienes no nos gustan directamente.

El film tiene un corte clásico, una narración sin afectaciones y su base fundamental está en los diálogos y, en forma especial, en los parlamentos de “Aladeen” donde el alma tiránica y sanguinaria se traduce en expresiones que su ocasional salvadora no comprende y, en todo caso, intenta aceptarlo como “errores” de ese hombre que se presenta desvalido.

Hay un machismo acendrado del que Sacha Baron Cohen se burla como en la secuencia en la que ayuda a dar a luz a una mujer y, cuando ve que es una nena, pregunta por el tacho de basura. Espartano, si se quiere (en Esparta, se echaban a los chicos con alguna presunta deformación en las bocas de los volcanes. Si era una nena, mucho mejor).

Sacha Baron Cohen se desdobla en otros personajes, por lo que su protagonismo es casi absoluto aunque no cansador. Compone también a los “dobles” de su “Aladeen”, que no deben ser inteligentes sino morir por él: se los elige para que sean blancos de los francotiradores que nunca faltan en las presentaciones del tirano Aladeen. En cuanto a escenas subidas de tono, no llegan a ser tales sino que es un humor adulto “triple X” sin caer en la obscenidad.

La crítica a la política exterior de USA es frecuente, así como la crítica a todo tipo de tiranía y sus consecuencias, dentro del sarcasmo y la sátira política. Hay diálogos sin hipocresía en los que la llaneza de los parlamentos, entendiendo esto por lenguaje directo, nos asombra pero nos saca una carcajada porque allí está lo que no se dice y todos sabemos. Para pasar un buen momento, sin mucho escándalo.

Elsa Bragato

LOS TRES CHIFLADOS

De Bobby y Peter Farrelly. Con Sean Hayes, Will Sasso, Chris Diamantopulos, Larry David, entre otros. Música de John Debney. Duración: 92 minutos.

BUENA. SIMPÁTICA RECREACIÓN DE TRES GRANDES DEL HUMOR

“Los tres chiflados” alegraron la niñez de hace 60 años cuando aparecieron en los cines de variedades en 1951 en episodios de 16 minutos. En Buenos Aires, eran los artistas exclusivos del desaparecido cine Porteño, ubicado al lado del teatro El Nacional, hoy una galería. Entonces la violencia entre los tres hermanos era motivo de risa. Hoy merece ser explicada al final del film por ser un tema que sacude a la Humanidad. Esta producción de films se extendió hasta 1958 y, con menor frecuencia, subsistió hasta 1970. Aquellos “Tres chiflados” surgieron en el teatro en la década del 20. Primero fueron los hermanos Samuel y Harry Moses Horwitz, los futuros “Shemp” y “Moe” y, con el tiempo, Jerome Lester Howitz que fue “Curly”. Mientras tanto, se sumó a ellos un amigo, el actor Ted Headley quien, de alguna manera, creó el primer trío.

La película de Fox que se estrena nos presenta a los tres hermanos llegando como bebés a un orfanato. De allí en más, las maldades que los caracterizan provocarán no poco estupor entre las monjas. Hay que destacar a una de las “hermanas”: se trata del actor Larry David que compone a Sister Mary-Mengele quien, a pesar de su férreo carácter, caerá en las torturas de los tres chiflados.

El film consta de tres partes, de poco menos de media hora cada uno, presentándose una unidad argumental: las travesuras de los chicos, las consecuencias de éstas y la búsqueda de una solución económica para el lugar que debe afrontar 830.000 dólares, deuda generada por los hermanitos y sus destrozos.

El logro del film no está en su narración, que es bastante apocada y hasta sin gracia, sino en el espíritu de Los Tres Chiflados que se ha logrado rescatar así como en el trabajo impecable trío actoral. Hoy en día llaman la atención los “piquetes” de ojos y los martillazos en la cabeza sin que pase nada, algo que será explicado al finalizar el film, si bien generan un par de secuencias muy graciosas como la de la campana del hospicio y su restauración. Y le añadimos el “aggiornamiento” de los Farrelly que incorporan un “reality” televisivo del que involuntariamente participará Moe para felicidad de todos.

El film es simpático, nos devuelve el espíritu original de los cortos (fueron 190 en total) de Los tres chiflados y permiten el renacimiento de tres grandes cómicos del siglo XX casi símiles de los auténticos “stooges”. Para pasar un buen momento.

Elsa Bragato

VALIENTE 3D, SOLEDAD Y LARGUIRUCHO, DONDE HABITA EL DIABLO, PLAN PERFECTO, JUEVES 12 DE JULIO

JUEVES 12 DE JULIO DEL 2012.-

Hay seis estrenos de cine esta semana. Uno es nacional, el documental “Arrieros”, de Juan Baldana, sobre la vida y costumbres de los arrieros. También se estrena fuera del circuito comercial habitual el film francés “Figuras de guerra”, de Syvain George, un documental sobre los inmigrantes clandestinos en Calais, al norte de Francia. Ambos documentales no serán comentados.

VALIENTE 3D

De Mark Andrews y Brenda Chapman. Realizada por Pixar-Disney. Música de Patrick Doyle. Duración: 95 minutos.

BUENA. NUEVA HEROÍNA EN UNA HISTORIA MEDIEVAL QUE LE CANTA

A LA LIBERTAD

El estudio Pixar-Disney encara por primera vez un film con una protagonista femenina, la princesa Mérida, luego de grandes éxitos como Wall-E, Toy Story 3, o Ratatouille, donde el personaje central era masculino.

En este caso, tenemos a una princesa medieval, pelirroja, de largos cabellos enrulados, que vive en las tierras altas de Escocia, que es muy joven y muestra un indomable carácter que la lleva a enfrentarse a su propia madre, la reina Edinor (voz de Emma Thompson) y a rechazar los planes reales de formalizar matrimonio con uno de los hijos de uno de los cuatro clanes de la región. Mérida es díscola, entusiasta e irreductible en el manejo del arco y la flecha, en la búsqueda de la libertad, sin apego a las tradiciones.

Cuando parecía agotado el florecimiento de una nueva princesa en el vasto jardín de la producción de los estudios Disney (la última fue Rapunzel), surge esta brava joven que elude las fiestas prenupciales y se interna en el bosque buscando su destino.

Hay dos partes bien diferenciadas en el guión. La primera es ciertamente más alegre y vivaz, más luminosa y colorida, con fiestas y música. La otra, ya con Mérica en el bosque, es más oscura y misteriosa. Aquí Mérica se topa con una hechicera a quien le pide un brebaje que logre romper la postura de su madre.

La animación está muy lograda pr la profundidad alcanzada, por la vegetación e incluso por los cabellos de Mérida, que son especiales y bellos. La música incidental de Patrick Doyle, avezado compositor, tiene un fuerte acento celta.

Al personaje principal femenino se le añaden las travesuras de sus tres hermanitos, iguales en tamaño y diabluras, que ayudan a Mérida en su boicot a las rústicas tradiciones de la Escocia medieval y rural. El título del film es “Valiente” y nosotros agregamos que, además, habría que darle el calificativo de “indomable” a Mérida, que dispara su arco y flecha como un canto a la libertad.

Carlos Pierre

SOLEDAD Y LARGUIRUCHO

De Manuel García Ferré. Con Soledad Pastorutti y las participaciones especiales del Chaqueño Palavecino, Natalia Pastorutti, Diego Capusotto, Carlitos Balán, Pablo Codevila, Guillermo Andino, entre otros.Música de Pablo Borghi. Leit Motiv de Mikis Theodorakis. Duración: 80 minutos.

BUENA. LINEAL PERO CALA EN EL CORAZÓN

Después de “Corazón, las alegrías de Pantriste” del 2000, vuelve García Ferré con un film donde ensambla personajes reales y dibujos animados. Reúne así a Soledad Pastorutti con sus entrañables criaturas: Largirucho, Cachavacha, el profesor Neurus, Pucho, Serrucho y otros muy carismáticos, surgidos de su inventiva, que realmente provocan emoción en los mayores y una estrenada devoción en los chiquitos.

Filmado en la provincia de San Luis, recorriendo sus bellos parajes y con réplicas de nuestros sitios históricos como el Cabildo, esta realización apunta a realzar los valores de la tradición, del campo argentino, las costumbres nuestras y los sabios dichos populares, sentimientos que hacen al pensamiento argentino de García Ferré.

Soledad canta varias canciones, incluido el Ave María de Schubert, con el acierto de convocar a los chicos a cantar, incluso al público espectador en la sala. El probo y legendario Pelusa Suero le puso voz a Largirucho, Neurus, Pucho Serrucho, Comisario, el caballo Jacinto y Sebastián Crispín a Cachavacha..

Cachavacha tiene mucho que hacer en esta película animada:está en contra de Soledad, quiere emular su voz y se vale de artimañas para frustrar sus canciones y captar el poder del revoleo del poncho. Por suerte, a la Sole la acompañan su chofer, el chaqueño Palavecino, su hermana Natalia, Carlos Balá, y un sinfín de personalidades que van tachonando el film con simpatía y secuencias muy agradables. Puede ser un film lineal, pero tiene mucho corazón y provoca empatía en el espectador. Una película animada que tiene el valor de las cosas nuestras, simple, auténtica, “hecho en la Argentina”.

Carlos Pierre

DONDE HABITA EL DIABLO (EMERGO)

De Carlos Torrens. Escrita y producida por Rodrigo Cortés. Con Kai Lennox, Giamantegna, Michael O’Keefe, Fiona Glascott, entre otros.Música de Víctor Reyes. Duración: 80 minutos.

BUENA. UN COMPENDIO AMENO DE LOS CLISHÉS DEL TERROR

En España hay un interés creciente por los films de terror, con temas paranormales incluidos. El realizador Carlos Torrens, de tan solo 28 años (nació en Barcelona y se formó en la Chapman University de California), armó para este film un grupo interdisciplinario de investigación de hechos paranormales que estudian los fenómenos anómalos.

En este caso, los hechos se producen en un departamento recién estrenado, el Departamento 143 (otro de los subtítulos del film. Acababa de fallecer la esposa de un perturbado padre de dos hijos, una adolescente extraña poseída por algún espíritu y un niño. ¿La posee el espíritu de la madre muerta? Uno de los quids del film.

Así se suceden llamadas telefónicas sin respuestas, sombras y fenómenos lumínicos (poltergeist), objetos que se desplazan, lámparas que estallan y sonidos desconocidos, toda una amplia gama de los hechos paranormales que Torrens hilvana con eficacia.

La película tiene buenas intenciones, es decir, hacernos temblar de miedo y pensar al mismo tiempo sobre estos sucesos. Sin embargo, el pasado cinematográfico de España cuenta con films como “Rec” que saltan en forma inmediata al pensamiento del espectador avezado en el tema permitiendo descubrir las debilidades de la narración propuesta. La más notable es la omnipresencia del espectador sobre lo que sucede, algo que los protagonistas no perciben en su totalidad por lo que no se llega a resolver ninguna situación como se debiera. Es decir, las puede resolver el espectador quedando los personajes casi fuera del guión. A esto se le suma el listado de clishés y lugares comunes, y la falta de fuerza en la razón que moviliza el film: el espíritu que no quiere abandonar ese departamento.

A nivel técnico, se logró un clima espectral matizado con la rutinaria convivencia familiar, con el sobresalto de rasgos de esquizofrenia, una terrorífica mujer, y un espanto generalizado envolvente. El director utiliza la cámara en mano para dar movimiento extremo a secuencias donde el atormentado espíritu se manifiesta con rebeldía. Existen pequeños granitos de arena que van aportando suspenso y terror. Pero no en la cantidad suficiente como para permitir que los clishés, que abonan cualquier género cinematográfico, tomen un salto y generen algo novedoso dentro del terror. No obstante, es un film que le va a gustar a los fanáticos del género. Al público en general puede parecerle más de lo mismo.

Carlos Pierre

PLAN PERFECTO

De Jennifer Westfeldt. Con Jennifer Westfeldt, Adam Scott, John Hamm, Megan Fox, entre otros. Música de Marcelo Zarvos. Duración: 107 minutos.

BUENA. COMEDIA ENTRETENIDA SOBRE LAS VICISITUDES DE LOS JÓVENES PADRES

Es una comedia más pero bien hecha, con mucho de las series televisivas o sitcoms norteamericanas que encaran la vida rutinaria de matrimonios y amigos e hijos de todas las edades. Jennifer Westfeldt es la directora, guionista y protagonista de este film. Se trata de una actriz con mucha experiencia en la televisión y muy conocida por el público norteamericano, aunque sin arraigo popular en estas latitudes

Una pareja de amigos (Jennifer con el actor Adam Scott) decide tener un hijo sin comprometerse sentimentalmente para no enfrentar los tradicionales problemas que tienen varias parejas, formales y con hijos pequeños. Parecen dar en la tecla: no compromiso, un hijo, salidas divertidas y el corazón fuera de toda batalla.

Hay antecedentes interesantes de este tipo de comedias donde, en definitiva, al amor no se lo puede patear o esconder detrás de la puerta. Un “touch and go” es posible si queda en eso. Pero no siempre es así entre amigos. Y esto es lo que plantea el film enfocándolo desde un lado muy femenino: los reales intereses de las mujeres en tener hijos y cómo esto las involucra en un sentimiento más complejo que es el del hogar, el marido y la felicidad “todos juntos”. Por su lado, el buen tino de Westfeldt está en ver también ese costado sensible en los hombres y sumarlos a la vida en pareja, al hogar compartido con hijos, con los líos cotidianos de cualquier persona.

Si bien hay un tratamiento narrativo propio del cine, los diálogos –bastante interesantes aunque reconocibles- y la puesta en escena en general tienen relación, como dijimos al comienzo, con las sitcoms familiares norteamericanas. No le quita mérito, tal vez hace más chiquito al film que, no obstante, y sin querer sortear los lugares comunes, se dirige hacia el encuentro del amor, único responsable y “hacedor” de padres e hijos. Para parejas jóvenes en forma especial.

Elsa Bragato

POMPEYA, EL CAMINO, EL CHICO DE LA BICICLETA, EL SORPRENDENTE HOMBRE ARAÑA, ALGUNOS ESTRENOS DEL JUEVES 5 DE JULIO

JUEVES 5 DE JULIO DEL 2012.-

Esta semana hay 8 estrenos que incluyen 4 filmes nacionales y una coproducción con el Uruguay. De los filmes nacionales comentamos solamente “Pompeya”. El resto de los estrenos nacionales y coproducciones nacionales son: el documental “Tierra de los padres” de Nicolás Prividera, “Malón” de Fabián Fattore, “El gran río” de Rubén Plataneo y la coproducción argentino-uruguaya “3” de Pablo Stoll, el excelente realizador de “Whiskey” y “25 Watts”, entre otros films que rodó junto a Juan Rebella, fallecido tempranamente. “3” fue un proyecto armado entre los dos que luego Pablo Stoll reescribió.

“POMPEYA”

De Tamae Garateguy. Con José González, Federico Lanfranchi, Hernán Bustos, Lorena Damonte, entre otros. Música de Sami Bucella.

BUENA. LOGRADO RETRATO DE UN BARRIO PORTEÑO DE TAITAS Y TRUHANES EN NOVEDOSO TRATAMIENTO NARRATIVO

Tamae Garteguy llega al cine con su ópera prima, “Pompeya” (había codirigido “Upa”, un muy buen film del nuevo cine nacional, junto a Camila Toker y Santiago Giralt, en el 2006). No esgrime ningún eufemismo al mostrar directamente el mundo de las mafias en el barrio de Pompeya, donde nació y al que regresa siempre. Reconoce una fuerte influencia de Takeshi Kitano, el notable realizador japonés cuyos films vienen faltando de las pantallas nacionales.

“Pompeya” tiene varios aciertos narrativos: en primer término, ficciona “la cocina” del guión entre un productor, un director y un joven “free lance” que trata de volcar en la computadora los vaivenes de los gestores de la idea. Un segundo logro es el ubicar a dos protagonistas lejos del primer plano, hablando, y como resultaría imposible escuchar el diálogo, lo salva con un subtitulado. En tercer término, Garateguy apunta a un film diferente y violento, provocador, donde un antihéroe del bajo fondo (José González, dándole atractiva brutalidad a su personaje Dylan) y se mete sin vacilar entre las dos mafias, la coreana y la rusa, desplegando una furia sanguinaria y desprejuiciada.

Aunque nos resulta rara por lo poco frecuente esta filiación de una mujer con la violencia superlativa, Tamae Garateguy supo superar cualquier prejuicio y pintó con tonos oscuros y potentes el rostro de una imaginaria Pompeya (barrio de truhanes y cuchilleros en el pasado) poblada de gángsters y mafiosos.

Pensamos que este promisorio debut en el largometraje de Tamae Garteguy (descendiente de japoneses y vascos) tiene un target definito entre los jóvenes por el coqueteo de la edad con la adrenalina. Sin embargo, para los mayores también es un buen acercamiento a un film diferente marca nacional, que tiene muchas connotaciones del cine coreado consolidado en la violencia explícita. Nos gustó.

Carlos Pierre

EL CAMINO

De Emilio Estévez. Con Martin Sheen, Emilio Estévez, Deborah Kara Unger, Yorick Van Wageningen, Jamens Nesbitt, entre otros. Música de Tyler Bates.

BUENA. INTERESANTE REGRESO DE MARTIN SHEEN A LA TIERRA DE SUS PADRES

Emilio Estévez es uno de los hijos de Martin Sheen, cuyo verdadero nombre es Ramón Estévez, nacido en Ohio en 1940, de padre gallego y madre irlandesa. Su hijo Emilio es el director, guionista y coprotagonista de este film clasificado como “road movie” aunque sea de a pie. El personaje de Sheen, Tom, va a Francia a recoger las cenizas de su hijo (Emilio Estévez, Daniel en la ficción), fallecido en St Pied de Port por una tormenta en los Pirineos, y comienza a realizar los 800 km hacia Santiago de Compostela, peregrinación de más de 1000 años que dio origen a buena parte de la literatura española por los juglares.

Estévez retoma el camino a Santiago de una manera mucho más actual, tiene una óptica impregnada de la vida moderna que incluye desde el celular hasta sofisticadas posadas de lujosas habitaciones con champagne incluído. Sin embargo, respeta la historia y la literatura cuando los personajes pasan por la supuesta iglesia del Mio Cid, el primer cantar que dio origen prácticamente al idioma castellano.

En “El camino”, Martin Sheen- Tom es el eje del relato y, con las cenizas de su hijo, inicia su personal peregrinación. Tom vive en California y su decisión de viajar y realizar la peregrinación estuvo matizada por grandes dudas y escepticismo. Lo acompañan una canadiense que quiere dejar las drogas (Yorick Van Wageninger) y un escritor irlandés (James Nesbitt), quien busca una historia que le permita destrabar su bloqueo creativo.

El largo peregrinaje provoca desencuentros y amistades, hay mucho humor, ironía y asombro ante el paisaje que los “pilgrims” van descubriendo. Se ve la mano de un guionista, el mismo Emilio Estévez, que conoce el tema, que tiene sensibilidad y que supo volcarla en una narración audiovisual amena. No cae en lugares comunes porque aporta su visión contemporánea sobre este camino de Fe y esperanza. Y sumamos a estos logros del film la relación sanguínea de Martin Sheen y su hijo Emilio con Galicia, por lo que ambos nos están contando una historia desde un lugar que, en algún punto, conocen. Y eso produce una agradable empatía con los personajes y el argumento. Se disfruta.

Carlos Pierre

EL SORPRENDENTE HOMBRE ARAÑA

De Marc Webb. Con Andrew Garfield, Marthin Sheen, Sally Field, Emma Stone, Rhys Ifans, entre otros. Música de James Horner. Duración: 136 minutos.

BUENA. REGRESO DEL HOMBRE ARAÑA EN UNA VERSIÓN MÁS INTROSPECTIVA

Marc Webb no tiene muchas películas en su haber. Sin embargo, le fue confiado el “reboot” o renacimiento del Hombre Araña, personaje “Marvel” de los cómics de los 60, pergeñando un guión con mayor desarrollo de los personajes y sus relaciones familiares. Es decir, una nueva película sobre el Hombre Araña y no una secuela.

Andrew Garfield es el actor angloamericano que encarna a Pete Parker y sus tribulaciones cuando sus padres lo dejan a cargo de sus tíos, Ben y May (Sheen y Field), sin volver a verlos. El hallazgo de un viejo portafolio de su padre lo lleva hacia el laboratorio de biología donde trabajaba su padre y allí se encuentra con su ex socio. La picadura de una araña radioactiva (son criadas “al por mayor” en ese laboratorio) le da poderes que no sabe manejar en un principio como una fuerza brutal y la capacidad de hacer telarañas e inmovilizar a sus ocasionales enemigos, que saldrán a su paso.

La ciudad de New York es la locación pero no el centro del film como tampoco lo son los efectos especiales acotados a las telarañas que inmovilizan y a la fuerza de Pete Parker con inclusión de un Lagarto monstruoso, el único personaje que no cuadra en esta versión. Marc Webb desarrolla los sentimientos de Pete Parker, sus angustias ante la falta de sus padres, su búsqueda, y su enamoramiento de una joven, Gwen Stacy (Emma Stone), que lo comprende y de alguna manera lo ayuda aunque hay otros enamorados que la tientan. También se analizan, las relaciones con sus tíos, el amor y el respeto que siente por ellos y cómo intenta complacerlos con su educación y sus modales aunque todo esto tambalea cuando la picadura de la araña le da una fuerza brutal y el poder escalar edificios solo con el poder de sus manos y dedos.

Nos parece diferente el enfoque de Marc Webb quien, sin embargo, debió ceñirse a una historia conocida. Este Hombre Araña es inteligente, estudioso y de buenos sentimientos. Y tiene una gran timidez que, gracias a la fórmula de su papá que logra desentrañar, puede perder en algunas circunstancias extremas.

Es una comedia dramática con secuencias de gran tristeza para Pete y otras de humor adolescente, diálogos que apuntan a algo más que lo elemental y una estética que nos acerca a Batman. La música de James Horner también es diferente dentro de la característica melódica de este gran compositor, puntual, vehemente y hasta violenta en muchos cierres de secuencias. Sí hay dos elementos, uno ya apuntado, que nos parecieron innecesarios. Uno es el “Lagarto” que reemplaza a los malvados de las películas anteriores. Se intentó darle una carnadura humana al gran enemigo del Hombre Araña, el biólogo que se transforma en lagarto pero, como solemos decir, estos monstruos nos han terminado por cansar porque todos se parecen a todos. La conversión del monstruo en el humano inicial es, quizá, un momento interesante. El otro elemento ya visto es el ataque del Lagarto a una larga hilera de coches en uno de los puentes neoyorquinos. El film tiene una duración considerable pero mantiene el entretenimiento desde el principio, aunque media hora menos tampoco le habría quitado mérito. Es una versión más oscura que las anteriores del Hombre Araña.
NdR: agregamos que El Hombre Araña es el primer superhéroe de Marvel que tiene defectos humanos por lo que es prácticamente el más popular de todos los superhéroes generados por la empresa de Cómicas, y el más reciente, década del 60.

Elsa Bragato

EL CHICO DE LA BICICLETA

De Jean Pierre y Luc Dardenne. Con Cecile De France, Thomas Doret, Jeremie Renier, entre otros. Duración: 87 minutos.

MUY BUENA. INTENSO DRAMA SOBRE EL ABANDONO DE LOS HIJOS, PROFUNDO, DESGARRADOR

No hay muchas formas de titular esta joya de los hermanos belgas Dardenne, tan profunda y desgarradora, sobre el abandono de los niños. Presentada en distintos festivales, tuvo a su vez diversas críticas. Nos parece que es una historia pequeña con una intensidad dramática que sobrecoge. No es poco decir sobre un film.

Thomas Doret encarna al protagonista, Cyril, de 12 años, que fue dejado en un hogar por su padre, Guy, a cargo de Jeremie Renier, actor ligado a los Dardenne. Y la bicicleta es el único medio, que consigue oportunamente, para buscar a su padre. Una peluquera, que personifica la siempre bella y eficiente Cecile De France, acepta educarlo mientras se espera alguna resolución del hogar donde estaba el pequeño. Y lo acompaña en la búsqueda desesperada de su papá. El rechazo de éste, el comprobar que su padre opta por otra “mamá” y que su presencia molesta a la nueva pareja, desencadena en el pequeño Cyril un dolor violento, furioso, que no puede manejar.

Hay secuencias desgarradoras: para muchos pueden ser incomprensibles, para otros son situaciones recurrentes entre los niños abandonados y sus progenitores. Cyril intenta que su padre lo quiera, apela a la dulzura y a la violencia. Pero el destino le tiene preparadas otras sorpresas muy amargas cuando justamente empiece a aceptar que su papá lo rechaza.

El grado de dramatismo alcanzado por el pequeño Thomas Doret es notable, y resulta conmovedor que un niño haya comprendido el alcance del rechazo del padre a su hijo o bien que haya podido meterse en la piel del personaje en tal grado de compromiso afectivo. Cecile De France es siempre un aporte carismático y de excelencia pero aquí el peso del protagonismo es de Thomas Doret y esto asombra.

Por supuesto, no es un film para divertirse. Es una película que nos enfrenta a una realidad que muestran todos los días los informativos de TV y sus consecuencias no suelen ser las mejores para los chicos. Film bien desarrollado, bien contado, de profundo dramatismo. Nos conmovió.

Elsa Bragato