AQUEL MARTES DESPUÉS DE NAVIDAD, ASESINOS DE ELITE, DON GATO Y SU PANDILLA, TIERRA SUBLEVADA II, CAÑO DORADO, SOLOS EN LA CIUDAD, DETRÁS DE LAS PAREDES, ESTRENOS JUEVES 13, BUENOS AIRES

JUEVES 13 DE OCTUBRE DEL 2011.

Hay siete estrenos, que incluyen tres films nacionales, uno de ellos un documental.

AQUEL MARTES DESPUÉS DE NAVIDAD

De Radu Munteau. Con Mimi Branescu y Mirela Oprisor, entre otros. Duración: 99 minutos.

MUY BUENA. UN SOLO CORAZÓN DIVIDIDO POR DOS MUJERES EN NOTABLE REALIZACIÓN

En 1965 Agnés Vardá nos asombraba con La Felicidad, donde retrató a un hombre que mantiene relaciones con dos mujeres. Fue un escándalo en aquellos tiempos del siglo XX. La infidelidad no pasó de moda en la vida cotidiana de ningún ser humano. Ahora la retoma el cine actual rumano que cuenta con narradores excelentes como Radu Munteau. Es un cine que nos llega en cuentagotas y siempre nos asombra por su calidad.

Aquel martes… no es la excepción. Un hombre que tiene todo, buen pasar, una mujer y una hija pequeña, se enamora de una dentista. La primera escena del film nos muestra a los amantes en pleno éxtasis de reconocimiento de sus propios cuerpos. Por un lado, Munteau apunta a la sociedad rumana actual, luego de décadas de socialismo, y, por otra parte, a una apertura que les permite mostrar este tipo de conflictivas relaciones cuando antes no habría podido hacerlo.

La calidad de la narración es lo que nos asombra: solidez fotográfica, desenfado en las escenas, y planos secuencias muy personales y diferentes de Munteau: monta la cámara en un medio plano donde los protagonistas, una u otra porque hay dos mujeres en pugna, conversan sin alzar la voz o se aman y detrás aparecen y desaparecen los demás personajes que festejan la Navidad, ángulos diferentes para ubicar una lente que nos retrata el mundo íntimo de un matrimonio que está a punto de fracasar mientras los abuelos continúan con la vida porque hay una niña que no espera que sus padres se separen. Es decir, desde este punto de vista hay honestidad en el planteo. Hay realismo con mínimas puestas en escena.

La historia es común a la Humanidad. Lo que no es común es la narración de Munteau que ha recreado un tema con virtuosismo cinematográfico, sin locuras de movimientos, con pausas que nos permiten conocer hasta los mínimos gestos de estos seres envueltos en una vorágine amorosa inesperada. Es un film para adultos, que atrae y que puede dolernos en algún rincón del corazón, sin golpes bajos, sin gritos. A veces vale la pena ver films que no tienen argumentos exóticos porque nos acercan a la vida. Mención aparte merecen los actores, tan creíbles como la historia misma. Indicamos que la primera escena puede ser chocante así como el idioma, al que no estamos acostumbrados, y la buena taquilla que el film se mrece tal vez no ocurra.

Elsa Bragato

ASESINOS DE ELITE

De Gary McKendry, con Jason Statham, Robert De Niro, Clive Owen, entre otros. Música de Reinhold Heil y Johnny Klimex.

MUY BUENA. UNA DE TIROS Y SANGRE SIN HONDURA PERO BIEN HECHA

No es el primer film que retrata el accionar de logias y organismos paragubernamentales cuyo accionar parece ser superior o estar por encima de los gobiernos de cualquier país. Son “supranacionales”. El mejor film sobre el tema sigue siendo, para nosotros, Syriana, con Georgey Clooney. “Asesinos de elite” retoma, en todo caso, la trama de otro f ilm de similar título en inglés de 1975 aunque ahora con variantes que impuso el libro “The feather men” de Sir Ranulph Fiennes, un hombre que con cinco bypass escaló el Everest entre otras hazañas y perteneció a los comandos especiales del ejército británico. Es decir, sir Fiennes conoce bien de qué habla en su texto llevado ahora al cine.

La historia se ubica en 1980 en La Joyita, México, donde Robert De Niro, un asesino a sueldo casi rehén de un jeque árabe, se encuentra con Jason Statham, hombre de la misma calaña. Pocas tomas nos ubican y esto es un mérito del director: un perro, Statham y el perro, y Statham y De Niro. Suficiente para mostrarnos el presente de estos dos supermalos y remitirnos a un año antes, en Valley, Australia, donde Statham tenía una vida apacible.

El recorrido por diferentes ciudades es otro motivo de atracción del film: Australia, México, París, Londres, Omán (tierra especialmente conocida por Sir Fiennes), y rápidos cambios entre ellas ofrecen un plus a una historia de malos que tiene todos los ingredientes ya conocidos. Desde balaceras que ensordecen hasta escenas de enorme crueldad, muertes “en vivo y en directo” que son espeluznantes o desagradables (depende de la sensibilidad de cada uno), persecuciones, peleas a todo o nada. Hay brutalidad.

Clive Owen pertenece a una logia inglesa que obra como contraespionaje de los otros dos asesinos a sueldo. El jeque árabe quiere vengar la matanza de varios de sus hijos y contrata a Statham. Pero hay un “secreto” en las contrataciones de este jeque a punto de morir que no revelamos y que se muestra en los últimos tramos del film.

Encontramos muy buena coreografías de las extensas luchas, una en especial entre Clive Owen y Jason Statham transformado en el nuevo “vengador” del cine. Robert De Niro, en un papel secundario pero relevante en la historia, no se queda atrás a la hora de intervenir, pero su actuación depende de lo que le ocurra a su partenaire Statham, según el argumento.

Si bien estamos frente a un producto que es más de lo mismo, es un buen policial político que muestra rudeza, acción, y el submundo de la política, sin llegar a honduras, es cierto, ni a planteos exquisitos sobre el por qué de nada. Entretiene de principio a fin, está bien realizada. Merece nuestro “Muy bueno” aunque uno se quede pensando por qué De Niro elige estos “segundones” que, por supuesto, aportan y mucho, o por qué Clive Owen se mete en “una de tiros”. Para entretenerse, lo cual no es poco. Y para pensar que en los 80 ocurría lo mismo que ahora.

Elsa Bragato

DON GATO Y SU PANDILLA

De Alberto Mar.Coproducción Argentina-México. Duración: 85 minutos.

MUY BUENA. VERSIÓN EN 3D DE UN CLÁSICO INFANTIL

“Don Gato y su Pandilla” cumplen 50 años y la mejor forma de homenajear a esta banda neoyorquina de gatos de desolado callejón ha sido recrearlos en un film de 3D que nos muestra los escenarios conocidos con otra dimensión, muy siglo XXI y, por supuesto, muy atractiva. La filmación es del mexicano Alberto Mar y contó con los derechos que le pertenecen a la Warner Bros de las caricaturas de Hanna-Barbera. Por la parte de Argentina, intervino la empresa nacional de animación Illusion Studios (los mismos de Gaturro y Valentina, entre otros films).

La banda gatuna neoyorquina continúa siendo “plana”, o sea en 2D, no así los mágicos escenarios que han sido recuperados con notable técnica. Recordamos los personajes que vuelven a deleitarnos: Don Gato, Cucho, Panzas, Espanto, Benito y Demóstenes, enfrentados al policía Matute que ahora tiene posibilidades de ascenso. La acción cobra vigor cuando aparece un marajá que regala rubíes como propina y que asistirá a un concierto en el Carnegie Hall, tan cerquita del Central Park, sobre la 7ma de New York.

Muy buena elección de esta historia para llevarla a 3D y es sin duda un éxito de taquilla de esta semana. Un film para toda la familia bien realizado, con el orgullo de la participación argentina, mostrándonos a la famosa banda gatuna con esplendor y un guión pleno de gracia. Para toda la familia. Los adultos se van a deleitar tanto como los chicos!

Elsa Bragato

TIERRA SUBLEVADA II: ORO NEGRO

Documental de Fernando Pino Solanas. Música de Mauro Lazzaro. Duración: 104 minutos.

“Tierra Sublevada II: Oro Negro” cierra el díptico que Solanas comenzó con “Tierra Sublevada I: Oro Impuro” y, a su vez, termina el ciclo compuesto por seis documentales titulado “Crónicas de la Causa Sur”. El film mantiene la misma forma y lenguaje del resto. En este caso mostrarnos las explotaciones de petróleo del sur y de Salta y las consecuencias nefastas para la sociedad nacional cuando YPF fue vendida a los españoles, con el resultado asegurado de dejar a miles de trabajadores argentinos en la calle.

Este documental de Solanas como todos los anteriores, incluso la memorable La Hora de los Hornos que tanto nos hiciera pensar y hasta deslumbrar, descubren muchos factores sociopolíticos y, en particular, la actual dependencia argentina del petróleo importado cuando, antes de los 90, fuimos un país que se autoabastecía de crudo.

Duele, nos refresca la memoria. Vale la pena verlo. Contar detalles de su argumento nos parece ocioso, aunque destacamos la cantidad de datos sobre las consecuencias sociales de estas ventas inescrupulosas que aporta Solanas y que no son para dejar de lado, aunque respondan a su vez a una razón política. Pero entendemos que estos documentales, este sexteto en realidad, van más allá del partidismo y hacen a nuestra condición de argentinos perdedores ante los “suprapoderes” nacionales e internacionales.

Elsa Bragato

CAÑO DORADO

De Eduardo Pinto. Con Yiyo Ortiz, Lautaro Delgado, Tina Serrano, entre otros. Duración: 100 minutos.

MUY BUENA. LA SORDIDEZ DEL CONURBANO POBRE EN UN FILM DE SÓLIDA NARRACIÓN

“Caño dorado” es el nombre de la escopeta casera conocida como “tumbera”. Eduardo Pinto muestra cómo Julito, apodado “Panceta”, trabaja en una metalúrgica ubicada en la zona pobre de Don Torcuato y, con los sobrantes de los caños, arma las “tumberas” para ganarse la vida. Tiene un lazo afectivo intenso con su madre, a cargo de una excelente Tina Serrano, quien lo protege con sus rezos del mundo violento en el que vive.

Julito se enamora de una menor de edad, sobrina del dueño del bar, y ambos navegarán en un inhóspito y bello paraje de la zona del Delta, locación muy bien aprovechada por el director.

Resaltamos la sólida narración audiovisual que, además, tiene elementos subjetivos muy interesantes a través de la violencia y el desaliento de tantos argentinos que viven casi en la marginalidad aunque tengan trabajo. Las secuencias en la fábrica son de notable altura cinematográfica. A veces, con un buen guión y una noción muy clara de cómo se narra en cine se logra una película con grandes aciertos aunque el trasfondo sea sobrecogedor. Un film diferente que retrata un aspecto social con notable solvencia.

Carlos Pierre

SOLOS EN LA CIUDAD

DE Diego Corsini. Con Felipe Colombo, Sabrina Garciarena, Mario Pasik, Catherine Fulop, entre otros. Duración: 99 minutos.

REGULAR. UNA HISTORIA DE AMOR QUE SE DESVANECE

El desvanecimiento al que hacemos referencia en el título de este comentario tiene que ver no solo con la crisis de la pareja formada, en la ficción, por Sabrina Garciarena y Felipe Colombo sino por la narración cinematográfica. Diego Corsini apela a una suerte de “roadmovie” en la ciudad y allí, para nuestro modesto punto de vista, está el desacierto argumental.

La pareja formada por Santiago y Florencia se van a la costanera a ver el amanecer, luego de una despedida de soltero. Una pregunta sobre el futuro casamiento de ambos desata una crisis impensada y ambos deambularán por la ciudad cada uno por su lado. Encuentran diferentes personajes que les dan sus opiniones sobre el amor y las relaciones. El se desahoga, ella también. Pero no convergen. Una pregunta desata una crisis, y con ella, las rabias, las propias convicciones, buscando cada uno una respuesta positiva que, en definitiva, lo devuelva al estado anterior, al de la felicidad.

El film opera prima de Diego Corsini no logra convencer por el tratamiento de la historia, el esquema no da resultados positivos aunque esté abonado por excelentes actuaciones. Y se asiste a un film muy débil y justamente esquemático, simplote, sobre el amor y las relaciones. He aquí el problema.

El libro tiene buenas intenciones. La cuestión radica en su puesta. Hay demasiados lugares comunes que terminan por aburrir al espectador. No obstante, es una historia que puede atraer, tal como está planteada, a los adolescentes. Sin embargo, la vida es mucho más compleja y rica en observaciones sobre el amor y las parejas que lo que aquí se plantea. Por momentos, resulta infantil.

Demasiado débil el guión para una buena puesta. Demasiado esquemático el guión para buenas actuaciones.

Carlos Pierre

DETRÁS DE LAS PAREDES

De Jim Sheridan. Con Daniel Craig, Rachel Weisz, Naomí Watts, Elias Koteas, entre otros. Música de John Debney. Duración: 92 minutos.

MALA. MAMOTRETO DE DUDOSO SUSPENSO

Un muy buen elenco tiene este film dirigido por Jim Sheridan, quien terminó por negarse a la postproducción del film. Lo rescatable es que, luego del rodaje, Craig y Weisz fueron corriendo al registro civil para casarse. Pero no tiene nada que ver con la película.

Un hombre deja su trabajo para dedicarse a escribir un libro, Dream House, título original del film en inglés, y regresa a su hogar donde lo espera su bella mujer con dos pequeñas niñas.

La ambientación lograda es de ensueño, cálida. Hasta que el personaje de Craig va a la comisaría a preguntar lo que no debía. Allí se da cuenta de que algo raro pasa, que su nombre no es el que dice tener, situación ambigua como la que vivió cuando vio al vecino de enfrente mirarlo fijamente, dejándonos la primera pista para todo lo que vendrá. La atribulada esposa del enojado vecino es Naomí Watts.

Hay dos películas en una: la primera parte, por llamarla de alguna manera, donde el personaje de Craig está feliz en su hogar. La segunda ya es otra cosa: se dará cuenta de que algo raro pasó con la “la casa de ensueño” y su vida será un infierno en busca de respuestas.

Digamos que esto sería coherente en un film de suspenso. Pero no lo es porque se dan situaciones, secuencias, que quiebran la conexión entre esa primera parte con esta segunda, que intenta parecerse a Isla Siniestra sin lograrlo. Esa casa no es una casa de ensueño. Y sin apelar a los fantasmas sino en actuación plena su mujer y sus hijas aparecen en escenas que duelen, desagradan mucho como ver a las chiquitas atravesadas por balas y muriéndose en brazos de sus padres. Espantoso. E innecesario para demostrar que “la casa de ensueño” encierra la historia de una tragedia sinrazón.

Hay elementos que la hacen poco creíble además. Por diferentes motivos, el fuego comienza a arrasar la vivienda. Y Craig sube las escaleras hasta el rellano del primer piso en medio de las llamas que son de computación. Y se nota. Nadie puede sobrevivir a tanto calor durante el tiempo que dura la charla con su mujer, ¿fantasma, realidad? Y no hay humo negro, algo raro. Nadie tampoco puede sobrevivir al humo de las llamas sin toser, sin tener algún ahogo.

Demasiada truculencia, especialmente con las niñas, para un film previsible. A medida que transcurre la narración uno puede ir marcando sin equivocarse lo que va a suceder. Es como haber rejuntado elementos de otras películas del género unidas en un mamotreto insufrible.

Elsa Bragato

PINA 3D, GIGANTES DE ACERO, JUSTICIA FINAL, EL AGUA DEL FIN DEL MUNDO, MEDIANERAS, ACTIVIDAD PARANORMAL TOKYO, LA COCINA, ESTRENOS JUEVES 6 OCTUBRE, BUENOS AIRES

JUEVES 6 DE OCTUBRE DEL 2011.

Hay ocho estrenos, 7 en fílmico y uno en DVD que no comentaremos, El extraño caso de Angélica. Sin embargo, hacemos notar que se trata del realizador de 102 años Manoel de Oliveira, que continúa filmando en estos momentos. Lamentamos que se ofrezca en DVD Del total, hay tres films nacionales, que incluyen un documental. Y podemos dividir estos estrenos en el pochoclero de la seamana, el policial, el thriller, el artístico y los documentales informativos. Para todos los gustos, incluyendo el reestreno de El Rey León, de 1994, en 3D.

PINA 3D

De Wim Wenders. Con el elenco del Tanztheater Wuppertal Pina Bausch. Duración: 103 minutos.

EXCELENTE. CINE ARTE EN 3D, ESPLENDOR EN UN HOMENAJE DE WENDERS A PINA BAUSCH

Wim Wenders y Pina Bausch fueron amigos durante 20 años y siempre planearon un film juntos. Sin embargo, la muerte sorprendió a Pina en el 2009. Justo cuando Wenders se metía de lleno a estudiar las nuevas tecnologías para llevar al cine varias coreografías de su amiga. Luego del duelo, Wenders comenzó su magnífica obra, cine arte en 3D, catalogándose a este film como el primero de su género con nueva tecnología.

La filmación se realizó en escenarios naturales, en plena primavera europea. Y Wenders tomó cuatro coreografías previstas por Pina Bausch para representar: La consagración de la primavera de Stravinsky, Café Muller, Vollmond y Kiontakthof. El cuerpo de baile sacó a relucir su técnica estupenda y, a través de ella, la magia que incorporaba Bausch a sus coreografías. Añadimos que el elenco del ballet está conformado por profesionales de diversos países, no solo alemanes.

En varias secuencias del film aparece Pina, delgada y magnética en su sencillez, tal como la recordaron sus bailarines, indicando que jamás los reprendía sino que los instaba a “despeinarse” para bailar y que volvieran al corazón más que a la técnica.

El estilo coreográfico de Pina Bausch marcó un hito dentro de la danza contemporánea que Wim Wenders acentúa con una fotografía de notable rigor y belleza. Aún dentro de la estructura clásica, Bausch incluyó elementos materiales como rocas y lluvia, que han sido parámetros fantásticos para este film de Wenders.

El realizador utilizó además el método de su gran amiga que consistía en hacerle preguntas a los bailarines que ellos no respondían con palabras sino con su lenguaje corporal improvisado. Algo así como un “stand-up” de danza. De esta manera, cada discípulo de Pina pudo expresar sus recuerdos y las enseñanzas de la gran maestra.

Las locaciones elegidas por Wenders no se remiten solo a la campaña sino que utiliza también instalaciones industriales, cruces de ruta, y la modernidad de los subtes y trenes alemanes. Sin lugar a dudas, los cuatro ballets coreografiados por Pina Bausch se desarrollan con un virtuosismo y energía más que ponderables. La consagración de la primavera es minimalista y primitiva. Café Muller tiene docenas de sillas y mesas de café en un sitio gris y despojado de cualquier otro elemento. Por su parte, Vollmond aparece con una gran roca y un foso que separa el escenario como un río mientras que Kontakthof tiene bailarines seniors de 65 años y más también.

Por sobre todo, hay que destacar la maestría de Wim Wenders para atraparnos con la música y el ballet desde el principio al fin a través de una fotografía y un desarrollo narrativo exquisito, fantástico. He aquí un film de marca mayor donde se destacan el concepto del cine en sí tanto como su realización. Si bien puede no gustar el ballet, desde el punto de vista cinematográfico es una verdadera joya con la tecnología 3D.

Carlos Pierre

MEDIANERAS

De Gustavo Taretto. Con Pilar López Ayala, Javier Drolas, Inés Efrón, Rafael Ferro, Adrián Navarro y Carla Peterson, entre otros. Música de Gabriel Chwojnik. Duración: 95 minutos

MUY BUENA. UNA GRAN CIUDAD COMO EXCUSA DE SOLEDADES Y ENCUENTROS

Estamos frente a una fábula urbana, donde es retratada la ciudad de Buenos Aires, merecedora de calificativos elogiosos y otros no tanto, aunque siempre sale airosa porque ofrece vericuetos que quienes quieren logran encontrar. Estamos en una ciudad vivida, sufrida, gozada, admirada y criticada.

Y es aquí donde viven en la misma cuadra un fóbico que encontró en internet la excusa perfecta para no salir de su casa y una diseñadora de vidrieras, que intenta superar su último fracaso amoroso.

La factura de esta opera primera de Gustavo Taretto es muy elogiable, bien delineada con aciertos en los planos, con una fotografía destacable, y solidez narrativa. El film se sustenta, según el propio Taretto, en cuatro pilares: la ciudad, Buenos Aires y cómo la vivimos; la soledad urbana y la neurosis colectiva; la incomunicación y la tecnología que cada día aporta más trampas de comodidad y excusas para estar encerrados, y los encuentros y desencuentros, ese amor que no se descubre y que tan solo está separado por una medianera.

Medianeras que también son metáforas: las reales, de ladrillo y concreto, y las psicológicas y espirituales. Nos gustó el film, tiene mucho encanto y verosimilitud y encarna al buen cine nuevo nacional.

Carlos Pierre

GIGANTES DE ACERO (REAL STEEL)

De Shawn Levy. Con Hugh Jackman, Dakota Goyo, Elizabeth Lilly, entre otros. Música de Danny Elfman. Duración: 127 minutos.

MUY BUENA. LOS ROBOTS, MEDIADORES FAMILIARES

Gigantes de Acero es el film pochoclero de la semana y está muy bien realizado. Protagonizada por Huck JAckman y el pequeño gran actor Dakota Goyo, nacido en 1999 en Toronto (Canadá), está basada en el cuento “Acero” que Richard Matheson escribió en 1956. Gracias a la consabida “magia del cine”, Levy pudo reemplazar ciertas locaciones indicadas en el cuento original por las tradicionales ferias estatales norteamericanas, aggiornando la historia que se desarrolla en el estado de Michigan y a comienzos del año 2020. Hay que indicar que el film tuvo una preproducción de varios años antes de iniciar su rodaje en el 2010. Entre los créditos de esta realización de Buena Vista Internacional salta el nombre de Steven Spielberg, a estas alturas uno de los realizadores de los mejores “tanques” de Hollywood, además de otro género de films.

Hugh Jackman encarna a un boxeador fracasado en todos los aspectos de su vida, en el ring, las finanzas, la vida sentimental y como padre. Casi nada. Aparece su hijo, que encarna Dakota Goyo en un papel que lo revela como un pequeño gran actor, impecable, de enorme empatía y encanto, y las cosas cambian. Un viejo robot, abandonado, entrelaza nuevamente la vida de padre e hijo al ser restaurado y cobrar así una querida y casi humana personalidad. Un pequeño dispositivo sobre el box, permite que la vieja chatarra tenga dotes especiales.

Los humanos son reemplazados por robots en pequeños cuadriláteros de las ferias estatales. Y esto indica un recomenzar en la vida de Charlie Kenton, el personaje de Jackman. El boxeo de los robots va de menor a mayor en sus logros, con primeros fracasos y algunos dólares ganados hasta la gran pelea contra un robot impresionante, apodado Zeus, en un final a toda adrenalina.

La historia está bien delineada, no decae en ningún momento, incluyendo el elemento emotivo por la recomposición de la relación entre padre e hijo.

La notable técnica alcanzada por los estudios de Hollywood permite que Gigantes de Acero asombre con secuencias de contenido técnico sofisticado. Sin duda, un film destinado a entretener de pe a pa y a convertirse en un éxito de taquilla. Es entretenido a rabiar!

Carlos Pierre

JUSTICIA FINAL

De Tony Goldwyn Con Hilary Swank, Sam Rockwell, Minnie Driver, Peter Gallagher, entre otros., Owen Campbell, Conor Donovan, entre otros. Música de Paul Cantelon. Duración: 107 minutos.

BUENA. SENCILLA HISTORIA CON SÓLIDAS ACTUACIONES

Justicia Final está basada en un hecho real. En 1980, Kenneth Waters, encarnado por Sam Rockwell, fue condenado a cadena perpetua por el asesinato de una mujer en Massachusetts que no había cometido. Su hermana menor, Betty Anne, a cargo de Hilary Swank, creyó siempre en él y se graduó en Abogacía para ejercer su defensa. Divorciada, con dos hijos varones, se prometió liberar a su hermano. Este esfuerzo le demandó 18 años, que incluyó la búsqueda de las pruebas que habían incriminado a su hermano y que, en todos los departamentos legales, le indicaban que habían sido destruidos por haber pasado 10 años. La reunión de la mujer con un abogado de la asociación Proyecto Inocencia así como su inseparable amiga de estudios Abra Rice, le permitieron demostrar lo que parecía imposible.

El film no cae en el melodrama sino en los innumerables sacrificios de esta mujer por terminar sus estudios, mantener a sus hijos que se rebelan en un determinado momento y optan por vivir con el padre, y sacar a su hermano de la prisión.

Hay algunos flashbacks muy puntuales que ayudan a confirmarle al espectador la excelente relación de los dos hermanos, justificándose así la entrañable misión que encara Betty Anne. No hay extralimitación de ningún tipo y esto hace que la historia sea querible, verosímil, aunque haya secuencias de extensos diálogos. Sin embargo, éstos aportan datos para comprender la propuesta que, como dijimos, tiene ausencia de golpes bajos. Por lo tanto, la emoción familiar está dada por estos toques de recuerdos.

Si quiere ver un buen policial, sin balaceras, ésta es una buena opción. Nos gustó.

Elsa Bragato

ACTIVIDAD PARANORMAL 0 – TOKYO

Elenco japonés. Duración: 90 minutos.

REGULAR. FANTASMAS POR DENTRO Y POR FUERA

Actividad Paranormal, la primera, pegó sin mucho presupuesto. Una cámara en un dormitorio que denotaba movimientos supuestamente “paranormales” cuando, en realidad, el demonio estaba dentro de la protagonista. Sin mucho, tuvo una recaudación fabulosa.

Vino la segunda y ahora estamos en Actividad Paranormal 0, ubicada en Tokyo, es una remake del film realizado en 2010 y, más aún, es una secuela paralela a esa historia. Una chica japonesa regresa a Tokyo luego de sufrir un brutal accidente automovilístico en San Diego por el que queda inválida, en silla de ruedas. Ya en su casa, las actividades familiares se desarrollan en torno a la mesa del comedor, de la cocina. Todo parece normal, los diálogos familiares. Hasta que la noche descubre movimientos extraños, algo pasa también durante el día, y se ubican entonces cámaras que pueden filmar sin luz.

Habrá ataques de histeria y la aparición de exorcistas japoneses. El demonio dónde está? Fuera, es un fantasma o está en el espíritu de Haruka Yamano? El film va ganando, dentro de la pobreza de recursos narrativos que tiene en sí misma la historia, en tensión. Se aceleran los tiempos de las histerias y de los movimientos paranormales.

El film está bien realizado. Y si bien es más de lo mismo, es como ver la primera película en versión japonesa y nada más, tiene un público cautivo que llenará las salas.

Elsa Bragato

EL AGUA DEL FIN DEL MUNDO

De Paula Siero. Con Guadalupe Docampo, Diana Lamas y Facundo Arana. Duración: 84 minutos.

REGULAR. ARANA ENTRE DOS AMORES Y LA BÚSQUEDA DE UN SUEÑO

Paula Siero es una bellísima actriz que tuvo un gran momento en Soy Gitano, además de otras tiras. De pronto, desapareció de la actuación resurgiendo como directora. Esta opera prima de Siero ha logrado excelentes críticas en el exterior aún cuando no se conoce a Facundo Arana como el seductor máximo del país a través de la televisión.

En el film, se narra la vida de dos hermanas, Adriana con una enfermedad terminal y un sueño por cumplir, que es el que da título al film, y Laura, la menor. La relación entre las hermanas está muy bien trazada. Incluso con la aparición de un hombre sin techo y alcohólico que encarna Facundo Arana en un papel absolutamente diferente al que nos tiene acostumbrados en la tele. Recordamos que sus comienzos en la TV fue en un par de ciclos de especiales donde lucía no solo su aspecto físico sino sus cualidades actorales, limitadas en los personajes televisivos.

Este hombre está acostumbrado a recibir, no a dar. Sin embargo, la enfermedad de Adriana lo toca en algún lugar del corazón y también se embarca en la concreción de su sueño. Hay una escena erótica de altísimo voltaje que juega Arana con Guadalupe Docampo, que es Laura (la menor) en la ficción. ¿Se queda por compasión, ama a los dos, solo busca sexo y alcohol?

Lamentablemente, hay lagunas argumentales que no pueden considerarse elipsis. Pequeñas acciones de los personajes que no tienen dónde o con qué sustentarse. Ni siquiera el robo de algún dinero podría justificar ciertos hechos. Señalamos también que a Facundo Arana hay que darle otro papel donde no tenga que ejercer de “macho” y permitirle actuar, marcarle el cómo frente a cámaras de cine.

Si para la crítica extranjera resultó un hecho exótico que Arana tocase un acordeón en un subte, para esta parte del mundo que conoce desde hace tiempo la ferocidad del primero no lo es. Tampoco estas escenas tienen la solvencia que deberían.

Elsa Bragato

LA COCINA

De David Blaustein y Osvaldo Daicich. Documental sobre la ley de medios. Duración: 80 minutos.

BUENA. GÉNESIS DE LA LEY DE MEDIOS

Este documental de Blaustein y Daicich se encuadra en el género “cine de emergencia” del que son creadores y que intenta registrar la situación política actual del país.

En este caso, se muestra el ciclo completo de discusión desde la cración de la Coalición por una Radiodifusión Demorática en el 2004 hasta la aprobación de la Ley de Medios ocurrida el 9 de octubre del 2009 en el Senado de la Nación.

Para unos, la aprobación de la Ley de Servicios de Comunicación Audiovisual se produce en un escenario de cambios políticos y populista y autoritario para otros. Comienza exactamente el 25 de mayo del 2003, fecha en la que se renovó la Corte Suprema de la Justicia, iniciándose los juicios a los violadores de los derechos humanos durante la última dictadura militar, se renegocia la deuda externa y se establece una clara integración latinoamericana.

Estas medidas encuentran resistencia en sectores conservadores y en intereses económicos concentrados, que terminan en el enfrentamiento político que todos conocemos y unos más que otros padecemos como ciudadanos.

Cuando se aprobó en octubre del 2009 la nueva ley de radiodifusión, más del 50 por ciento de los argentinos no tenían voz en las radios del país. Esta ausencia de voz y la lucha por tenerla es el tema del documental de David Blaustein y Osvaldo Daicich. El documental se sustenta no solo en los debates del parlamento nacional sino también en referentes de organizaciones sociales, académicas, derechos humanos, sindicales y de medios comunitarios, mostrándonos la experiencia de una radio mapuche, la de una barriada popular cordobesa y hasta de la Pampa gringa.

La exposición de los defensores de esta ley de medios en el congreso así como la voz de los sectores más reaccionarios cierran un documental que tuvo amplitud de criterio para ser plural.

Carlos Pierre

EL ÁRBOL DE LA VIDA, LA QUISE TANTO, CONAN EL BÁRBARO, VAQUERO, EL GUARDIÁN DEL ZOOLÓGICO, TESTIMONIOS DE UNA VOCACION, ESTRENOS DE CINE JUEVES 29 DE SETIEMBRE, BUENOS AIRES

JUEVES 29 DE SETIEMBRE DEL 2011.

Hay ocho estrenos, uno de ellos en DVD y el documental nacional Un día en Constitución. El hecho de que no tengan críticas no tiene relación con la calidad de los mismos.

EL ÁRBOL DE LA VIDA

De Terrence Malick. Con Brad Pitt, Sean Penn, entre otros. Música de Alexandre Desplat.

MUY BUENA. EL PESO DEL COSMOS EN EL HOMBRE EN UN RELATO POÉTICO Y COMPLEJO A LA VEZ

Terrence Malick es uno de los directores de Hollywood del que menos se conoce su vida privada, salvo que nació en Waco, Texas, donde se ubica la acción del film, y que es licenciado con honores en filosofía. Es el director de La delgada línea roja, donde se planteó el peso de la vida en sí en cada soldado que buscaba una respuesta de Dios ante el horror que vivía.

Aquí continúa con este planteo existencial trasladándolo a la vida familiar, y uno puede preguntarse si no es autorreferencial. Un padre estricto de dos hijos con una madre que se relaciona con la pureza y la ingenuidad (interpretada por la pelirroja Jessica Chastain) el crecimiento de los dos chicos, el mayor (que al comienzo del film será Sean Penn con todo el pasado a cuestas) que está enfrentado al padre, encarnado por Brad Pitt, y el menor que muere ya de grande.

Sean Penn es el eje de la narración. Por lo que el film vuelve hacia su niñez y mucho más aún, hasta la creación misma, en la que incluye el período de los dinosaurios, los planetas, dentro de un clima sutil, filosófico, que intenta abarcar todo el peso que tenemos sobre nuestras espaldas al nacer. En estas secuencias hay un similar manejo de cámaras y climas a La delgada Línea Roja, una película que cambió la mirada sobre la guerra y los soldados y la sinrazón de las mismas. También hay una utilización muy especial de la banda sonora creada por Alexandre Desplat, que incluye además 31 temas clásicos, desde la Gran Misa de los Muertos de Berlioz, pasando por El Moldava de smétana, Las Barricadas Misteriosas de Couperin hasta Bach y Mozart.

Solemnidad y profundidad intelectual y espiritual de Malick para acompañar al amor, la muerte, la culpa, el duelo, la redención, que nos asaltan siempre y que obviamente son sentimientos que tienen una directa relación con la vida de esta familia y sus dos hijos. Esta profundidad se traduce por el trabajo fotográfico y no por la densidad argumental, que está esbozada más que planteada con todas las letras.

El Universo mismo acompaña en pinceladas la vida de esta pareja texana en el surgimiento del hogar y la llegada de los dos niños, hasta llegar a la adultez del hermano mayor (Sean Penn), separado de su familia y del yugo de su padre autoritario, ya con un trabajo en una empresa moderna, otra oposición de estilos de vida que nos muestra Malick con sutileza y vigor.

La reflexión sobre la vida es una constante en este director que, en el caso de este film que ganó la Palma de Oro en el festival de Cannes, se vale del hijo mayor que encarna Penn para llegar a una conclusión existencial: “A menos que ames, tu vida será solo un parpadeo”. Lo demás, lo que vivamos, se torna insignificante ante el infinito y la eternidad a la que estamos sometidos.

Agregamos que cinco editores se necesitaron para lograr este producto final que está fuera de cualquier clasificación que la crítica pueda hacer. Incluso, salvo la respuesta existencial sobre el amor como esencia de la vida, no hay otras que se desprendan ni del film ni, por supuesto, de nuestra efímera existencia. Un film para todos, para degustar especialmente con el alma. Si usted considera que ver un film sobre la existencia misma es válido, vaya al cine. Si usted considera que las sugerencias existenciales deben tener más carnadura, no vaya al cine.

Carlos Pierre

CONAN EL BÁRBARO 3D

De Marcus Nispel. Con Jason Momoa, Rachel Nichols, Ron Perlman, entre otros. Música de Tyler Bates.

BUENA. FASTUOSIDAD SANGRIENTA EN EL REGRESO DE “CONAN”

Al contratar a Marcus Nispel para esta remake del film que, en 1982, protagonizara Arnold Schwarzenegger, se sabía que el “´bárbaro” de los cómics iba a nadar literalmente en sangre. No en vano, Nispel es el realizador de La Masacre de Texas y de Viernes 13, películas en las que no ahorró el ahogo en sangre ni de su elenco ni del espectador. Aquí tampoco: fastuosidad sangrienta en las batallas, el horror de los cadáveres mutilados, cientos de cabezas decapitadas de un solo hachazo.

El Conan original fue creado por Robert E. Howard, un texano que comenzó a publicar historias fantásticas sobre este personaje a partir de 1932, en el supermagazine Weird Tales (Cuentos Raros). Circularon cómics y una primera película, como indicamos, de 1982, que entonces dirigió John Milius con guión con Oliver Stone.

El film se inicia con el regreso de Conan a su pueblo, asistiendo a la muerte de su padre y la matanza de todos a manos de Klahar Kym. Entonces comienza la búsqueda de ese asesino y vengarse. El film es una gran batalla contra rivales corpulentos, horribles monstruos y obstáculos imposibles, donde solo una bella mujer virgen, Tamara, otorga la resurrección y es la llave de la trama.

La voz que nos introduce en la historia es la de Morgan Freeman, si bien no está en los créditos del film. Hay que hacer una distinción entre esta versión y aquella primera de Schwarzenegger: es menos intelectual, menos filosófica que ésta, donde hay muchísima acción, es heavy metal, con gran despliegue visual, espectacular, de castillos bárbaros, batallas con cientos de guerreros y sangre a diestra y siniestra.

Los seguidores de los cómics están de parabienes. Hay acción de principio a fin. Para los fans de los films de horror, también ésta es la película de la semana. Bien realizada, con efectos 3D.

Carlos Pierre

VAQUERO

De Juan Minujin. Con Juan Minujin, Leo Sbaraglia, Daniel Fanego, entre otros. Música de Diego Vainer.

BUENA. EL CINE DENTRO DEL CINE

Vaquero se ofreció a la prensa especializada hace seis meses. De este film, bien realizado pero dirigido a fans del nuevo cine nacional, es decir, no tiene un target masivo. La impresión que nos queda de la película, a tantos meses de haberla visto, tiene que ver con una tira de gran éxito televisivo, Todos contra Juan, de Gastón Pauls, aunque no estamos diciendo ni que sea copia ni plagio ni nada por el estilo. Es simplemente una coincidencia: el joven actor (“Juan Lamar”) que encarna el propio director Juan Minujin buscando un papel que lo haga trascender, hasta que encuentra el de un vaquero y empieza a probarse ropa y poses típicas de este personaje del Oeste americano.

Encontrarse con afamados actores como Leonardo Sbaraglia resulta un disparador mental para el actor que se pregunta cómo llegaron, el dinero que deben haber ganado, con voz en off, es decir, hablándo “telepáticamente” en un esfuerzo de ficción. Está bien planteada la historia, Minujin da en el papel, es absolutamente creíble. Sin embargo, a pesar de una buena factura en general, pensamos que no es una película que pueda llegar a todo el público. Es para fans del cine nuevo nacional, como dijimos antes. Es cine dentro del cine, que nos gusta a quienes tenemos que ver films diariamente y esta virtud hace que la película sea para un grupo de personas, en principio claro está. Además encontramos esta similitud en la impresión general argumental que nos dejara Todos contra Juan, un excelente producto de la tv porteña. Usted elige, amigo lector.

Elsa Bragato

EL GUARDIÁN DEL ZOOLÓGICO

De Frank Coraci. Con Kevin James, Rosario Dawson, Leslie Bibb, entre otros. Voces de Judd Apatow, Cher, Nick Nolte, Don Rickles, Adam Sandler, Sylvester Stallone, entre otros. Música de Rupert Gregson Williams. Duración:112 minutos.

REGULAR. REBELIÓN EN EL ZOO CON EFECTOS BURDOS Y GORILA TRUCHO INCLUIDO

No nos puede gustar una película donde todo lo que se ve ya se vio en la serie del Doctor Dolittle, donde los animales no lucen bien y los efectos especiales de computación para hacerlos hablar son burdos. Para colmo, el gorila solitario no es “de verdad” sino una creación al estilo “animatronic”. Y se nota tanto que nada resulta creíble.

El guardián del zoológico de Boston, afamado por los animales de todo el mundo que tiene y cómo viven en lugares semejantes a los naturales, recibe el rechazo de su amanerada y rubia novia y entra en depresión con ganas de dejarlo todo. Descubre que los animales hablan y que él puede escucharlos. Y así, de repente, en una reunión poco creíble de leones con un matrimonio de osos que se pelean, un mono que habla como caribeño, una jirafa que los convoca, y elefantes inteligentes, se intenta que el carismático Kevin James en el papel de Griffin no deje el lugar. Rebelión en el zoo. La historia de amor es el nudo argumental para tamaña convocatoria de animales que, según los datos de prensa, fueron llevados a los sets de filmación desde diferentes lugares de los Estados Unidos, con la aclaración de que están “acostumbrados” a las cámaras y la gente a su alrededor.

La única escena que resulta diferente es la toma desde un altísimo puente de Boston, ingreso a esa ciudad, hasta donde se sube el protagonista ayudado por el “gorila de mentirita” para caer en el auto de la mujer a la que realmente ama y que no es la rubia amanerada.

Demasiado extensa para la platea menuda, la historia de amor no cuaja dentro de la propuesta para ser disfrutada por los chicos, los efectos especiales son burdos, hasta uno podría notar el movimiento del “mouse” de la computadora moviendo los labios de los animales, y el gorila trucho es el colmo en los tiempos que corren. Sin embargo, destacamos la ampulosa y romántica banda sonora de Rupert Gregson Williams y rescatamos el gran elenco que le da vida a los animales con sus voces pero lamentablemente en la Argentina no se escucharán porque está doblada al castellano neutro. Agregamos que, entre los principales productores, está Adam Sandler que suele hacer productos “baratitos” o sin demasiado ingenio con el fin de divertir. Cuando uno se dirige a los chicos, la creatividad debe ser superlativa y aquí no la vimos (o intentar ser supercreativo y no tomar a los chicos como rehenes de películas de cuarta).

Elsa Bragato

LA QUISE TANTO

De Zabou Breitma. Con Daniel Auteuil, Marie Josee Croze, Florence Loiret Caille, entre otros. Música de Hrishna Levy. Duración: 112 minutos.

MUY BUENA. EL AMOR QUE NO FUE EN UN ROMÁNTICO FILM FRANCÉS

El film La QuiseTanto es una adaptación de la novela homónima (“Je L’amais”) de Anna Gavalda, publicada en el 2002. La película fue la primera versión del libro y corresponde al año 2009, mientras que llegó al teatro francés en el 2010.

Es interesante el relato que comienza cuando Pierre, a cargo de un sutil y encantador Daniel Auteuil, lleva a su nuera, Chloe y sus dos hijos pequeños a una casa de campo. El comienzo resulta tenebroso para el espectador porque no se sabe si es un rapto, si esa mujer sin fuerzas fue golpeada, si todos serán asesinados. Pasado este momento, nos encontramos con un abuelo que intenta que su nuera supere el abandono de su hijo, Adrien, quien la dejó por otra mujer. Y, en esa noche, de cálido entorno, Pierre le cuenta la historia de un amor que duró muchos años y que no quiso o no fue capaz de mantener porque sentía la obligación de estar junto a su mujer y sus hijos. El personaje de Pierre destila elementos psicológicos para analizar en profundidad, para repensar cada gesto, cada frase suya, y tiene el común denominador de la infidelidad masculina. O sea la felicidad con la amante y el mal carácter en casa.

El caso de Pierre tiene connotaciones del “primer mundo”. El encuentro entre la joven y bella rubia y Pierre se hace en Oriente, en diferentes ciudades, momentos de idilio que Pierre disfruta hasta que comienzan las presiones de la mujer, la posibilidad de un embarazo, el estupor de él que no sabe si es suyo o no, y la libertad que se dan entre ambos para estos encuentros que terminará por hacer sucumbir el amor que sienten.

O la atracción. No queda muy claro si Pierre se ha enamorado tanto de esta joven mujer como para aceptarle un hijo y abandonar su propio hogar. Y seguramente no queda en claro porque responde a la condición humana en sí misma, pasarla bien sin compromisos porque éstos ya se tienen. Y cabe la pregunta si es amor el de Pierre o si tan solo ha sido un encantamiento para romper la rutina de su matrimonio. En este aspecto, el film es muy interesante.

Pierre tampoco escapa al encuentro cara a cara con su mujer, que lo sabe y que está decidida a quedarse a su lado hasta que la tormenta amorosa pase. Una historia que debe ser compartida por tantísimas mujeres y hombres. A ellos les dejamos la pregunta: ¿ilusión?¿Enamoramiento?

Para el personaje, esa mujer rubia ha sido el amor de su vida. Sin embargo, supo ser feliz con su esposa y sus hijos. Con este relato, bien contado, con gran actuación de Auteuil, la joven CHloe encuentra un camino de libertad interior para resolver el dolor del abandono.

Interesante y atrapante.

Elsa Bragato

TESTIMONIOS DE UNA VOCACIÓN

De Jorge Valencia, Eduardo López, Jaime Lozano. Música de María de los Ángeles Valladares. Duración: 63 minutos.

MUY BUENA. LA VIDA DEL ARTISTA EDMUND VALLADARES CON EXCELENTE FACTURA

Este documental retrata la vida del artista plástico y cineasta Edmund Valladares. Multifacético (pintor, escultor, escritor, cineasta y profesor universitario) fue atraído de joven, en la década del 50, por las historietas o cómics, en La Pampa. Años después, ya firme su vocación de dibujante, realizó una monumental obra plástica. Fue influido por el Expresionismo, pero también fue un entusiasta investigador de las raíces latinoamericanas. Vivió en Venezuela, México, Brasil, Perú y Europa. Expuso su obra en todos esos países además de Bélgica y hasta hizo un busto de Julio Cortázar, emplazado frente a la casa natal de escritor.

También son numerosas sus obras cinematográficas, fruto de su admiración por diversos personajes: El señor X, sobre la vida y obra de Franz Kafka,;Vincent por Edmund, mediometraje sobre Vincent Van Gogh, adquirido por la Banca holandesa; Disceplín , un cortometraje sobre Discépolo; “Nosotros los monos”, largometraje con la actuación de Lautaro Murúa; “I love you… Torito”, sobre el boxeador Luis Ángel Firpo, apodado el Torito de las Pampas; Homero Manzi, cortometraje sobre el afamado poeta, entre otros.

Con relatos de Juan Leyrado, Anabella Valencia y Cristina Fridman, y la presencia del mismo Valladares, este documental es una colosal muestra de la obra integral de este artista que, aunque devoto del Expresionismo, exala un aire renacentista por su cosmovisión.

Carlos Pierre

WINTER EL DELFÍN, IDENTIDAD SECRETA, DAMAS EN GUERRA, D-HUMANOS, ESTRENOS JUEVES 22 SETIEMBRE

JUEVES 22 DE SETIEMBRE DEL 2011.

Hay seis estrenos. De dos films dejamos una breve ficha técnica.

DAMAS EN GUERRA

De Paul Feig. Con Kristen Wiig, Maya Rudolph, Melissa McCarthey, Rose Byrne, entre otros. Duración: 125 minutos.

MUY BUENA. EMOCIONES FEMENINAS EXALTADAS SIN NECESIDAD DE EFECTOS ESPECIALES

Retratarnos a las mujeres es un lugar común en el cine y en la televisión. Egoístas, envidiosas, incluso aparecemos en una actual publicidad sobre la acidez estomacal. Parece que tenemos todas en contra. O se nos nota más, que puede ser la cuestión. En Damas en Guerra se muestra todo esto y más. Una joven, que interpreta la excelente Wiig, tiene muchos males incluyendo los de amores, luego de que su pastelería quebrara y sea ahora un negocio abandonado, y su mejor amiga se casa. Ayudarla a planear la boda, a estar en los detalles, es una buena manera de salir de tanta angustia existencial femenina. Es “dama de honor” nada menos. No tiene en cuenta que sus altibajos personales hacen correr peligro la planificación así que la novia elige a una compañera de trabajo, de ésas que se “creen lindas” y lo “saben todo”. Las hay y muchas entre nosotras.  La pobre Annie no pega una, todo se desbarranca, así que la elección de otra “wedding planning” oficiosa fue el mejor resultado… hasta que hay una intoxicación en la despedida de soltera y ocurre la secuencia más escatológica que las damas en cuestión superan con más honor que desagradables imágenes, hay tan solo pocas tomas de ésas que revuelven el estómago. Pasado el susto para el espectador, se verá a Annie como una gran perdedora compitiendo con la “bella” (Rose Byrne) del grupo en una de las secuencias más extensas pero graciosas del film, que tiene un “running” más que interesante. Porque hay que estar dos horas riéndose o al menos entretenido en una butaca sin cabecear.

Damas en guerra lo consigue: el director se toma su tiempo para narrar las desventuras de unas y otras, los enojos entre las amigas, las decepciones, los celos que son furibundos entre mujeres, y, como es tiempo de ficción, la solución de tantos males. Hay velocidad pero no locura de cámara, la sucesión de secuencias interesantes y graciosas, insistimos, hacen que los detalles que van alargando el tiempo del film sean más que aceptables y hasta deleiten al espectador.

No es poco lograr tanta atención en tanto tiempo sin que la comedia decaiga y, mientras tanto, hayamos tenido la oportunidad de ver la personalidad de cada una de estas mujeres empeñadas, a su manera en cada caso, en hacer feliz a la novia. No está la fiesta en sí pero sí la post fiesta, que es más sabrosa porque las mujeres pueden verse cara a cara y cantarse un par de verdades. La recomendamos para todas las mujeres treinteañeras, que trabajan todo el día y que tienen pareja, que no saben si será la definitiva y que tienen una amiga que, de pronto, se casa como ellas quisieran. No hacen falta los antiácidos. Es una comedia de Hollywood moderna, bien planteada, con muchos visos de realidad sobre la personalidad femenina. Hay muy buenas actuaciones (todo el elenco está altamente probado en televisión), la fotografía es tradicional y aquí no se necesitan efectos 3D sino emociones, y están.

Elsa Bragato

IDENTIDAD SECRETA (ABDUCTION)

De John Singleton. Con Taylor Lautner, Lily Collins, Alfred Molina, Sigourney Weaver, entre otros. Música de Edward Shearmur. Duración: 106 minutos.

BUENA. THRILLER DE ATRAPANTE ACCIÓN DE PRINCIPIO A FIN

Abduction o Identidad Secreta es un thriller de espionaje interpretado por Taylor Lautner, el “hombre-lobo” de la saga Crepúsculo. Está acompañado por un magnífico elenco compuesto por Sigourney Weaver, Alfred Molina, María Bello y Lily Collins. El director Singleton optó por una  historia dirigida a los adolescentes, ambientada en Pittsburg, Pennsylvania, buscando capturar su grandiosidad, filmando en ríos, puentes, bosques, estadios, trenes. Son secuencias de gran factura como la voladura de la casa del joven, la lograda lucha en el tren, el tiroteo en el restaurante y el final a toda orquesta en un partido de béisbol.

El argumento gira en torno a un adolescente que intenta encontrarse a sí mismo. Tiene la sensación de estar viviendo la vida de alguien más, de otro. Se da cuenta y sus sospechas se convierten en realidad cuando descubre que sus padres no son sus padres biológicos. Un trabajo de sociología de la escuela le da su propia imagen en un sitio de personas perdidas. He aquí el preámbulo de una verdadera lucha y escape de asesinos y agentes federales que lo persiguen, partiendo de la base de que su padre está ligado a los servicios de inteligencia.

Sin duda, se le dio una buena vuelta de tuerca a la gran saga de Bourne, que interpretó en tres filmes Matt Damond. Si allí le sustraían la identidad mediante técnicas sofisticadas, aquí la abducción o identidad secreta tiene otra filiación, otra raíz, otra razón.

El debut de Taylor Lautner como protagonista absoluto es muy positivo, y sustenta su actuación en artes marciales y boxeo. Taylor cumple con el objetivo del film y se lo ve dar volteretas en el aire con gran destreza. Dicen que muchas escenas las realizó sin dobles. ¿Más de lo mismo? Es cierto, aquí hay acción y de la buena en búsqueda de la identidad perdida. Pero hay también un timing notable que atrae al espectador de principio al fin. Hay acción ininterrumpida y, si bien el film da la impresión de estar dirigido a los jóvenes, los adultos tendrán un buen motivo para ir al cine y pasarla bien. Por si fuera poco, está cubierto el romanticismo a través de adagios amorosos del protagonista con su compañera de estudios(Lily Collins, la hija de Phil Collins).

Taylor Lautner es un ex hombre.lobo devenido en un joven intrépido que busca su identidad, y enfrenta un desafío protagónico que le da chances para una gran carrera como figura principal.

Carlos Pierre

WINTER EL DELFÍIN

De Charles Martin Smithg. Con Morgan Greeman, Ashley Judd, Harry Connick JR., Ray McKinnon, Kris Kristofferson, entre otros. Musica de Mark Isham. Duración: 113 minutos.

MUY BUENA. PUERTA DE INGRESO AL MUNDO DE LAS EMOCIONES PROFUNDAS

Para muchos, es una historia más, plagada de clishés. Es cierto, la vida misma tiene clishés cotidianos así que la ficción no puede ser otra cosa que eso, un gran clishé de la vida, a veces con más arte, otras con menos. También se “acusa” al film de golpes bajos, pero en verdad los golpes bajos vienen de la vida misma. Los niños que son abusados, que pierden miembros en accidentes que genera el propio ser humano, los niños en sillas de ruedas de por vida. Todo eso lo vemos a diario por las calles de Buenos Aires. Winter es una “delfina” encontrada en una playa en el 2006. Los rescatistas la trasladaron hasta Clearwater Marine Aquarium de Florida y tuvieron que amputarle las aletas de la cola que son las que le dan movimiento de una determinada manera. Si mueve el muñón de otra forma, se comprimen los pulmones y fallece. Por eso hubo que hacerle una prótesis especial que costó mucho hasta que aceptó la más suave, en base a siliconas.

El animal reconoció desde siempre al niño que le sacó las primeras sogas enredadas en su boca y en su cuerpo. Y ese niño contribuyó a su sanación. Por supuesto, la historia fílmica tiene otros condimentos: el niño en cuestión no veía a su padre, su primo atleta había ido a la guerra y necesitó una prótesis que le impedía, en un comienzo, volver a nadar, las notas del jovencito en la escuela eran pésimas, hasta que encontró una razón de ser en Winter.

Las escenas de reconocimiento entre el delfín Winter, que actúa de sí mismo, y el niño emocionan profundamente, sobre todo para quienes creemos que el hombre es un animal más en la Tierra y debe ser compasivo y generoso con el resto de los animales. La amistad de este niño con este delfín que lo obliga a superar sus propios miedos es enternecedora.

 En casos donde la historia supera la formalidad de la pantalla, quedan de lado los clishés, las recurrencias y, aunque no se esté frente al mejor producto del cine, se está ante una historia que conmueve hasta el tuétano. Y de eso se trata el arte también: facilitarnos el ingreso a las emociones.

Hoy en día, y luego de superar una quiebra, este Aquarium es un centro de peregrinación de niños mutilados, de adultos mutilados, y Winter los recibe al borde de la gran piscina donde vive y los mima, los llama, les echa agua en la cara. Conocer a Winter y su significado social ha sido una experiencia enriquecedora. Vimos el film con los ojos húmedos por la emoción y nos olvidamos de que había que hacer una crítica para marcar los clishés y las recurrencias indicadas. No vale la pena una crítica así cuando el cine nos entrega una historia real que nos permite casi llorar de alegría. Y, por si fuera poco, es un film que nos demuestra la generosidad animal y el beneficio de la amistad entre animales y seres humanos, recordándonos la enorme crueldad de los pesqueros japoneses que los apalean y los matan. Los delfines tienen una gran inteligencia, diferente a la nuestra, como los pulpos. Los invito a verla y a tener a mano varios pañuelitos de papel. Saldrán recuperados de cualquier tristeza. Vayan el sitio, www.seewinter.com

Elsa Bragato

D-HUMANOS

De Mariana Arruti, Javier De Silvio, Carmen Guarini, Andrés Habegger, Pablo Nisenson, Miguel Pereira, Lucía Rey y Rodrigo Paz, Ulises Rosell y Andrea Schellemberg. Duracíón: 90 minutos.

BUENA. 60 AÑOS DE LA DECLARACIÓN UNIVERSAL DE LOS DERECHOS HUMANOS EN

9 CORTOMETRAJES ARGENTINOS

La reunión de 9 directores argentinos para que retrataran 9 miradas sobre diferentes temáticas relativas a los derechos humanos ha sido una buena idea, más allá de los desniveles propios de una producción que reúne direcciones e intenciones diversas. Ban Ki-Moon, Secretario General de la ONU, expuso el deber de este organismo de garantizar los derechos humanos, de difundirlos, comprenderlos y que sean una realidad para cada ser humano.

Con la exhibición de estos 9 cortos, 9 directores argentinos reclaman nuestra atención. Miguel Pereira con “Sangre en el Plomo” muestra la secuela que dejó en Abra Pampa, un pueblito de Jujuy, una fundidora de plomo, “Metal Huasi”, que durante 30 años contaminó la sangre de sus habitantes. Pablo Nisenson hizo “Un informe sobre la inequidad”, donde una joven rica y otra pobre son observadas y cotejadas científicamente en sus evoluciones espiritual y física con un resultado desigual e injusto para ambas. Andrea Schellemberg trata la educación de los cadetes del Colegio Militar, que hoy reciben la materia Derechos Humanos y centra su mirada en este proceso de aprendizaje para cuestionar si el mismo será asimilado o no por la institución militar nacional. Completan el documental “Pasarela La Fraternidad”, de Ulises Rosell, “La tumba” de Lucía Rey y Rodrigo Paz, “Objetos Humanos” de Javier De Silvio, “Baldosas en Buenos Aires” de Carmen Guarini y “Mate o leche” de Mariana Arruti. Nos gustaron, de manera especial, el de Miguel Pereira, el de Pablo Nisenson y el de Andrea Schellemberg simplemente por una cuestión de sensibilidad. Todos son interesantes, con mejor o menor factura, pero un documental plagado de buenas intenciones y de relatos, todos en una u otra medida, que nos acercan a una áspera realidad que reclaman nueve actos de justicia.

Carlos Pierre

LA VIDA NUEVA, FICHA TÉCNICA

De Santiago Palavecino. Con Martina Gusmán, Alan Pauls, Germán Palacios, Ailín Salas. Fotografía de Fernando Lockett. Duración: 75 minutos. Film Argentino, 2011.

DÍA NARANJA, FICHA TÉCNICA

DE Alejandra Szeplaki. Con Carolina Riveros, Bernarda Pages, Martín Borisenko. Fotografía de Cezary Jaworski. Duración: 87 minutos. Coproducción Venezuela-Colombia-Argentina, 2008.