JUEVES 13 DE OCTUBRE DEL 2011.
Hay siete estrenos, que incluyen tres films nacionales, uno de ellos un documental.
AQUEL MARTES DESPUÉS DE NAVIDAD
De Radu Munteau. Con Mimi Branescu y Mirela Oprisor, entre otros. Duración: 99 minutos.
MUY BUENA. UN SOLO CORAZÓN DIVIDIDO POR DOS MUJERES EN NOTABLE REALIZACIÓN
En 1965 Agnés Vardá nos asombraba con La Felicidad, donde retrató a un hombre que mantiene relaciones con dos mujeres. Fue un escándalo en aquellos tiempos del siglo XX. La infidelidad no pasó de moda en la vida cotidiana de ningún ser humano. Ahora la retoma el cine actual rumano que cuenta con narradores excelentes como Radu Munteau. Es un cine que nos llega en cuentagotas y siempre nos asombra por su calidad.
Aquel martes… no es la excepción. Un hombre que tiene todo, buen pasar, una mujer y una hija pequeña, se enamora de una dentista. La primera escena del film nos muestra a los amantes en pleno éxtasis de reconocimiento de sus propios cuerpos. Por un lado, Munteau apunta a la sociedad rumana actual, luego de décadas de socialismo, y, por otra parte, a una apertura que les permite mostrar este tipo de conflictivas relaciones cuando antes no habría podido hacerlo.
La calidad de la narración es lo que nos asombra: solidez fotográfica, desenfado en las escenas, y planos secuencias muy personales y diferentes de Munteau: monta la cámara en un medio plano donde los protagonistas, una u otra porque hay dos mujeres en pugna, conversan sin alzar la voz o se aman y detrás aparecen y desaparecen los demás personajes que festejan la Navidad, ángulos diferentes para ubicar una lente que nos retrata el mundo íntimo de un matrimonio que está a punto de fracasar mientras los abuelos continúan con la vida porque hay una niña que no espera que sus padres se separen. Es decir, desde este punto de vista hay honestidad en el planteo. Hay realismo con mínimas puestas en escena.
La historia es común a la Humanidad. Lo que no es común es la narración de Munteau que ha recreado un tema con virtuosismo cinematográfico, sin locuras de movimientos, con pausas que nos permiten conocer hasta los mínimos gestos de estos seres envueltos en una vorágine amorosa inesperada. Es un film para adultos, que atrae y que puede dolernos en algún rincón del corazón, sin golpes bajos, sin gritos. A veces vale la pena ver films que no tienen argumentos exóticos porque nos acercan a la vida. Mención aparte merecen los actores, tan creíbles como la historia misma. Indicamos que la primera escena puede ser chocante así como el idioma, al que no estamos acostumbrados, y la buena taquilla que el film se mrece tal vez no ocurra.
Elsa Bragato
ASESINOS DE ELITE
De Gary McKendry, con Jason Statham, Robert De Niro, Clive Owen, entre otros. Música de Reinhold Heil y Johnny Klimex.
MUY BUENA. UNA DE TIROS Y SANGRE SIN HONDURA PERO BIEN HECHA
No es el primer film que retrata el accionar de logias y organismos paragubernamentales cuyo accionar parece ser superior o estar por encima de los gobiernos de cualquier país. Son “supranacionales”. El mejor film sobre el tema sigue siendo, para nosotros, Syriana, con Georgey Clooney. “Asesinos de elite” retoma, en todo caso, la trama de otro f ilm de similar título en inglés de 1975 aunque ahora con variantes que impuso el libro “The feather men” de Sir Ranulph Fiennes, un hombre que con cinco bypass escaló el Everest entre otras hazañas y perteneció a los comandos especiales del ejército británico. Es decir, sir Fiennes conoce bien de qué habla en su texto llevado ahora al cine.
La historia se ubica en 1980 en La Joyita, México, donde Robert De Niro, un asesino a sueldo casi rehén de un jeque árabe, se encuentra con Jason Statham, hombre de la misma calaña. Pocas tomas nos ubican y esto es un mérito del director: un perro, Statham y el perro, y Statham y De Niro. Suficiente para mostrarnos el presente de estos dos supermalos y remitirnos a un año antes, en Valley, Australia, donde Statham tenía una vida apacible.
El recorrido por diferentes ciudades es otro motivo de atracción del film: Australia, México, París, Londres, Omán (tierra especialmente conocida por Sir Fiennes), y rápidos cambios entre ellas ofrecen un plus a una historia de malos que tiene todos los ingredientes ya conocidos. Desde balaceras que ensordecen hasta escenas de enorme crueldad, muertes “en vivo y en directo” que son espeluznantes o desagradables (depende de la sensibilidad de cada uno), persecuciones, peleas a todo o nada. Hay brutalidad.
Clive Owen pertenece a una logia inglesa que obra como contraespionaje de los otros dos asesinos a sueldo. El jeque árabe quiere vengar la matanza de varios de sus hijos y contrata a Statham. Pero hay un “secreto” en las contrataciones de este jeque a punto de morir que no revelamos y que se muestra en los últimos tramos del film.
Encontramos muy buena coreografías de las extensas luchas, una en especial entre Clive Owen y Jason Statham transformado en el nuevo “vengador” del cine. Robert De Niro, en un papel secundario pero relevante en la historia, no se queda atrás a la hora de intervenir, pero su actuación depende de lo que le ocurra a su partenaire Statham, según el argumento.
Si bien estamos frente a un producto que es más de lo mismo, es un buen policial político que muestra rudeza, acción, y el submundo de la política, sin llegar a honduras, es cierto, ni a planteos exquisitos sobre el por qué de nada. Entretiene de principio a fin, está bien realizada. Merece nuestro “Muy bueno” aunque uno se quede pensando por qué De Niro elige estos “segundones” que, por supuesto, aportan y mucho, o por qué Clive Owen se mete en “una de tiros”. Para entretenerse, lo cual no es poco. Y para pensar que en los 80 ocurría lo mismo que ahora.
Elsa Bragato
DON GATO Y SU PANDILLA
De Alberto Mar.Coproducción Argentina-México. Duración: 85 minutos.
MUY BUENA. VERSIÓN EN 3D DE UN CLÁSICO INFANTIL
“Don Gato y su Pandilla” cumplen 50 años y la mejor forma de homenajear a esta banda neoyorquina de gatos de desolado callejón ha sido recrearlos en un film de 3D que nos muestra los escenarios conocidos con otra dimensión, muy siglo XXI y, por supuesto, muy atractiva. La filmación es del mexicano Alberto Mar y contó con los derechos que le pertenecen a la Warner Bros de las caricaturas de Hanna-Barbera. Por la parte de Argentina, intervino la empresa nacional de animación Illusion Studios (los mismos de Gaturro y Valentina, entre otros films).
La banda gatuna neoyorquina continúa siendo “plana”, o sea en 2D, no así los mágicos escenarios que han sido recuperados con notable técnica. Recordamos los personajes que vuelven a deleitarnos: Don Gato, Cucho, Panzas, Espanto, Benito y Demóstenes, enfrentados al policía Matute que ahora tiene posibilidades de ascenso. La acción cobra vigor cuando aparece un marajá que regala rubíes como propina y que asistirá a un concierto en el Carnegie Hall, tan cerquita del Central Park, sobre la 7ma de New York.
Muy buena elección de esta historia para llevarla a 3D y es sin duda un éxito de taquilla de esta semana. Un film para toda la familia bien realizado, con el orgullo de la participación argentina, mostrándonos a la famosa banda gatuna con esplendor y un guión pleno de gracia. Para toda la familia. Los adultos se van a deleitar tanto como los chicos!
Elsa Bragato
TIERRA SUBLEVADA II: ORO NEGRO
Documental de Fernando Pino Solanas. Música de Mauro Lazzaro. Duración: 104 minutos.
“Tierra Sublevada II: Oro Negro” cierra el díptico que Solanas comenzó con “Tierra Sublevada I: Oro Impuro” y, a su vez, termina el ciclo compuesto por seis documentales titulado “Crónicas de la Causa Sur”. El film mantiene la misma forma y lenguaje del resto. En este caso mostrarnos las explotaciones de petróleo del sur y de Salta y las consecuencias nefastas para la sociedad nacional cuando YPF fue vendida a los españoles, con el resultado asegurado de dejar a miles de trabajadores argentinos en la calle.
Este documental de Solanas como todos los anteriores, incluso la memorable La Hora de los Hornos que tanto nos hiciera pensar y hasta deslumbrar, descubren muchos factores sociopolíticos y, en particular, la actual dependencia argentina del petróleo importado cuando, antes de los 90, fuimos un país que se autoabastecía de crudo.
Duele, nos refresca la memoria. Vale la pena verlo. Contar detalles de su argumento nos parece ocioso, aunque destacamos la cantidad de datos sobre las consecuencias sociales de estas ventas inescrupulosas que aporta Solanas y que no son para dejar de lado, aunque respondan a su vez a una razón política. Pero entendemos que estos documentales, este sexteto en realidad, van más allá del partidismo y hacen a nuestra condición de argentinos perdedores ante los “suprapoderes” nacionales e internacionales.
Elsa Bragato
CAÑO DORADO
De Eduardo Pinto. Con Yiyo Ortiz, Lautaro Delgado, Tina Serrano, entre otros. Duración: 100 minutos.
MUY BUENA. LA SORDIDEZ DEL CONURBANO POBRE EN UN FILM DE SÓLIDA NARRACIÓN
“Caño dorado” es el nombre de la escopeta casera conocida como “tumbera”. Eduardo Pinto muestra cómo Julito, apodado “Panceta”, trabaja en una metalúrgica ubicada en la zona pobre de Don Torcuato y, con los sobrantes de los caños, arma las “tumberas” para ganarse la vida. Tiene un lazo afectivo intenso con su madre, a cargo de una excelente Tina Serrano, quien lo protege con sus rezos del mundo violento en el que vive.
Julito se enamora de una menor de edad, sobrina del dueño del bar, y ambos navegarán en un inhóspito y bello paraje de la zona del Delta, locación muy bien aprovechada por el director.
Resaltamos la sólida narración audiovisual que, además, tiene elementos subjetivos muy interesantes a través de la violencia y el desaliento de tantos argentinos que viven casi en la marginalidad aunque tengan trabajo. Las secuencias en la fábrica son de notable altura cinematográfica. A veces, con un buen guión y una noción muy clara de cómo se narra en cine se logra una película con grandes aciertos aunque el trasfondo sea sobrecogedor. Un film diferente que retrata un aspecto social con notable solvencia.
Carlos Pierre
SOLOS EN LA CIUDAD
DE Diego Corsini. Con Felipe Colombo, Sabrina Garciarena, Mario Pasik, Catherine Fulop, entre otros. Duración: 99 minutos.
REGULAR. UNA HISTORIA DE AMOR QUE SE DESVANECE
El desvanecimiento al que hacemos referencia en el título de este comentario tiene que ver no solo con la crisis de la pareja formada, en la ficción, por Sabrina Garciarena y Felipe Colombo sino por la narración cinematográfica. Diego Corsini apela a una suerte de “roadmovie” en la ciudad y allí, para nuestro modesto punto de vista, está el desacierto argumental.
La pareja formada por Santiago y Florencia se van a la costanera a ver el amanecer, luego de una despedida de soltero. Una pregunta sobre el futuro casamiento de ambos desata una crisis impensada y ambos deambularán por la ciudad cada uno por su lado. Encuentran diferentes personajes que les dan sus opiniones sobre el amor y las relaciones. El se desahoga, ella también. Pero no convergen. Una pregunta desata una crisis, y con ella, las rabias, las propias convicciones, buscando cada uno una respuesta positiva que, en definitiva, lo devuelva al estado anterior, al de la felicidad.
El film opera prima de Diego Corsini no logra convencer por el tratamiento de la historia, el esquema no da resultados positivos aunque esté abonado por excelentes actuaciones. Y se asiste a un film muy débil y justamente esquemático, simplote, sobre el amor y las relaciones. He aquí el problema.
El libro tiene buenas intenciones. La cuestión radica en su puesta. Hay demasiados lugares comunes que terminan por aburrir al espectador. No obstante, es una historia que puede atraer, tal como está planteada, a los adolescentes. Sin embargo, la vida es mucho más compleja y rica en observaciones sobre el amor y las parejas que lo que aquí se plantea. Por momentos, resulta infantil.
Demasiado débil el guión para una buena puesta. Demasiado esquemático el guión para buenas actuaciones.
Carlos Pierre
DETRÁS DE LAS PAREDES
De Jim Sheridan. Con Daniel Craig, Rachel Weisz, Naomí Watts, Elias Koteas, entre otros. Música de John Debney. Duración: 92 minutos.
MALA. MAMOTRETO DE DUDOSO SUSPENSO
Un muy buen elenco tiene este film dirigido por Jim Sheridan, quien terminó por negarse a la postproducción del film. Lo rescatable es que, luego del rodaje, Craig y Weisz fueron corriendo al registro civil para casarse. Pero no tiene nada que ver con la película.
Un hombre deja su trabajo para dedicarse a escribir un libro, Dream House, título original del film en inglés, y regresa a su hogar donde lo espera su bella mujer con dos pequeñas niñas.
La ambientación lograda es de ensueño, cálida. Hasta que el personaje de Craig va a la comisaría a preguntar lo que no debía. Allí se da cuenta de que algo raro pasa, que su nombre no es el que dice tener, situación ambigua como la que vivió cuando vio al vecino de enfrente mirarlo fijamente, dejándonos la primera pista para todo lo que vendrá. La atribulada esposa del enojado vecino es Naomí Watts.
Hay dos películas en una: la primera parte, por llamarla de alguna manera, donde el personaje de Craig está feliz en su hogar. La segunda ya es otra cosa: se dará cuenta de que algo raro pasó con la “la casa de ensueño” y su vida será un infierno en busca de respuestas.
Digamos que esto sería coherente en un film de suspenso. Pero no lo es porque se dan situaciones, secuencias, que quiebran la conexión entre esa primera parte con esta segunda, que intenta parecerse a Isla Siniestra sin lograrlo. Esa casa no es una casa de ensueño. Y sin apelar a los fantasmas sino en actuación plena su mujer y sus hijas aparecen en escenas que duelen, desagradan mucho como ver a las chiquitas atravesadas por balas y muriéndose en brazos de sus padres. Espantoso. E innecesario para demostrar que “la casa de ensueño” encierra la historia de una tragedia sinrazón.
Hay elementos que la hacen poco creíble además. Por diferentes motivos, el fuego comienza a arrasar la vivienda. Y Craig sube las escaleras hasta el rellano del primer piso en medio de las llamas que son de computación. Y se nota. Nadie puede sobrevivir a tanto calor durante el tiempo que dura la charla con su mujer, ¿fantasma, realidad? Y no hay humo negro, algo raro. Nadie tampoco puede sobrevivir al humo de las llamas sin toser, sin tener algún ahogo.
Demasiada truculencia, especialmente con las niñas, para un film previsible. A medida que transcurre la narración uno puede ir marcando sin equivocarse lo que va a suceder. Es como haber rejuntado elementos de otras películas del género unidas en un mamotreto insufrible.
Elsa Bragato
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