JUEVES 6 DE OCTUBRE DEL 2011.
Hay ocho estrenos, 7 en fílmico y uno en DVD que no comentaremos, El extraño caso de Angélica. Sin embargo, hacemos notar que se trata del realizador de 102 años Manoel de Oliveira, que continúa filmando en estos momentos. Lamentamos que se ofrezca en DVD Del total, hay tres films nacionales, que incluyen un documental. Y podemos dividir estos estrenos en el pochoclero de la seamana, el policial, el thriller, el artístico y los documentales informativos. Para todos los gustos, incluyendo el reestreno de El Rey León, de 1994, en 3D.
PINA 3D
De Wim Wenders. Con el elenco del Tanztheater Wuppertal Pina Bausch. Duración: 103 minutos.
EXCELENTE. CINE ARTE EN 3D, ESPLENDOR EN UN HOMENAJE DE WENDERS A PINA BAUSCH
Wim Wenders y Pina Bausch fueron amigos durante 20 años y siempre planearon un film juntos. Sin embargo, la muerte sorprendió a Pina en el 2009. Justo cuando Wenders se metía de lleno a estudiar las nuevas tecnologías para llevar al cine varias coreografías de su amiga. Luego del duelo, Wenders comenzó su magnífica obra, cine arte en 3D, catalogándose a este film como el primero de su género con nueva tecnología.
La filmación se realizó en escenarios naturales, en plena primavera europea. Y Wenders tomó cuatro coreografías previstas por Pina Bausch para representar: La consagración de la primavera de Stravinsky, Café Muller, Vollmond y Kiontakthof. El cuerpo de baile sacó a relucir su técnica estupenda y, a través de ella, la magia que incorporaba Bausch a sus coreografías. Añadimos que el elenco del ballet está conformado por profesionales de diversos países, no solo alemanes.
En varias secuencias del film aparece Pina, delgada y magnética en su sencillez, tal como la recordaron sus bailarines, indicando que jamás los reprendía sino que los instaba a “despeinarse” para bailar y que volvieran al corazón más que a la técnica.
El estilo coreográfico de Pina Bausch marcó un hito dentro de la danza contemporánea que Wim Wenders acentúa con una fotografía de notable rigor y belleza. Aún dentro de la estructura clásica, Bausch incluyó elementos materiales como rocas y lluvia, que han sido parámetros fantásticos para este film de Wenders.
El realizador utilizó además el método de su gran amiga que consistía en hacerle preguntas a los bailarines que ellos no respondían con palabras sino con su lenguaje corporal improvisado. Algo así como un “stand-up” de danza. De esta manera, cada discípulo de Pina pudo expresar sus recuerdos y las enseñanzas de la gran maestra.
Las locaciones elegidas por Wenders no se remiten solo a la campaña sino que utiliza también instalaciones industriales, cruces de ruta, y la modernidad de los subtes y trenes alemanes. Sin lugar a dudas, los cuatro ballets coreografiados por Pina Bausch se desarrollan con un virtuosismo y energía más que ponderables. La consagración de la primavera es minimalista y primitiva. Café Muller tiene docenas de sillas y mesas de café en un sitio gris y despojado de cualquier otro elemento. Por su parte, Vollmond aparece con una gran roca y un foso que separa el escenario como un río mientras que Kontakthof tiene bailarines seniors de 65 años y más también.
Por sobre todo, hay que destacar la maestría de Wim Wenders para atraparnos con la música y el ballet desde el principio al fin a través de una fotografía y un desarrollo narrativo exquisito, fantástico. He aquí un film de marca mayor donde se destacan el concepto del cine en sí tanto como su realización. Si bien puede no gustar el ballet, desde el punto de vista cinematográfico es una verdadera joya con la tecnología 3D.
Carlos Pierre
MEDIANERAS
De Gustavo Taretto. Con Pilar López Ayala, Javier Drolas, Inés Efrón, Rafael Ferro, Adrián Navarro y Carla Peterson, entre otros. Música de Gabriel Chwojnik. Duración: 95 minutos
MUY BUENA. UNA GRAN CIUDAD COMO EXCUSA DE SOLEDADES Y ENCUENTROS
Estamos frente a una fábula urbana, donde es retratada la ciudad de Buenos Aires, merecedora de calificativos elogiosos y otros no tanto, aunque siempre sale airosa porque ofrece vericuetos que quienes quieren logran encontrar. Estamos en una ciudad vivida, sufrida, gozada, admirada y criticada.
Y es aquí donde viven en la misma cuadra un fóbico que encontró en internet la excusa perfecta para no salir de su casa y una diseñadora de vidrieras, que intenta superar su último fracaso amoroso.
La factura de esta opera primera de Gustavo Taretto es muy elogiable, bien delineada con aciertos en los planos, con una fotografía destacable, y solidez narrativa. El film se sustenta, según el propio Taretto, en cuatro pilares: la ciudad, Buenos Aires y cómo la vivimos; la soledad urbana y la neurosis colectiva; la incomunicación y la tecnología que cada día aporta más trampas de comodidad y excusas para estar encerrados, y los encuentros y desencuentros, ese amor que no se descubre y que tan solo está separado por una medianera.
Medianeras que también son metáforas: las reales, de ladrillo y concreto, y las psicológicas y espirituales. Nos gustó el film, tiene mucho encanto y verosimilitud y encarna al buen cine nuevo nacional.
Carlos Pierre
GIGANTES DE ACERO (REAL STEEL)
De Shawn Levy. Con Hugh Jackman, Dakota Goyo, Elizabeth Lilly, entre otros. Música de Danny Elfman. Duración: 127 minutos.
MUY BUENA. LOS ROBOTS, MEDIADORES FAMILIARES
Gigantes de Acero es el film pochoclero de la semana y está muy bien realizado. Protagonizada por Huck JAckman y el pequeño gran actor Dakota Goyo, nacido en 1999 en Toronto (Canadá), está basada en el cuento “Acero” que Richard Matheson escribió en 1956. Gracias a la consabida “magia del cine”, Levy pudo reemplazar ciertas locaciones indicadas en el cuento original por las tradicionales ferias estatales norteamericanas, aggiornando la historia que se desarrolla en el estado de Michigan y a comienzos del año 2020. Hay que indicar que el film tuvo una preproducción de varios años antes de iniciar su rodaje en el 2010. Entre los créditos de esta realización de Buena Vista Internacional salta el nombre de Steven Spielberg, a estas alturas uno de los realizadores de los mejores “tanques” de Hollywood, además de otro género de films.
Hugh Jackman encarna a un boxeador fracasado en todos los aspectos de su vida, en el ring, las finanzas, la vida sentimental y como padre. Casi nada. Aparece su hijo, que encarna Dakota Goyo en un papel que lo revela como un pequeño gran actor, impecable, de enorme empatía y encanto, y las cosas cambian. Un viejo robot, abandonado, entrelaza nuevamente la vida de padre e hijo al ser restaurado y cobrar así una querida y casi humana personalidad. Un pequeño dispositivo sobre el box, permite que la vieja chatarra tenga dotes especiales.
Los humanos son reemplazados por robots en pequeños cuadriláteros de las ferias estatales. Y esto indica un recomenzar en la vida de Charlie Kenton, el personaje de Jackman. El boxeo de los robots va de menor a mayor en sus logros, con primeros fracasos y algunos dólares ganados hasta la gran pelea contra un robot impresionante, apodado Zeus, en un final a toda adrenalina.
La historia está bien delineada, no decae en ningún momento, incluyendo el elemento emotivo por la recomposición de la relación entre padre e hijo.
La notable técnica alcanzada por los estudios de Hollywood permite que Gigantes de Acero asombre con secuencias de contenido técnico sofisticado. Sin duda, un film destinado a entretener de pe a pa y a convertirse en un éxito de taquilla. Es entretenido a rabiar!
Carlos Pierre
JUSTICIA FINAL
De Tony Goldwyn Con Hilary Swank, Sam Rockwell, Minnie Driver, Peter Gallagher, entre otros., Owen Campbell, Conor Donovan, entre otros. Música de Paul Cantelon. Duración: 107 minutos.
BUENA. SENCILLA HISTORIA CON SÓLIDAS ACTUACIONES
Justicia Final está basada en un hecho real. En 1980, Kenneth Waters, encarnado por Sam Rockwell, fue condenado a cadena perpetua por el asesinato de una mujer en Massachusetts que no había cometido. Su hermana menor, Betty Anne, a cargo de Hilary Swank, creyó siempre en él y se graduó en Abogacía para ejercer su defensa. Divorciada, con dos hijos varones, se prometió liberar a su hermano. Este esfuerzo le demandó 18 años, que incluyó la búsqueda de las pruebas que habían incriminado a su hermano y que, en todos los departamentos legales, le indicaban que habían sido destruidos por haber pasado 10 años. La reunión de la mujer con un abogado de la asociación Proyecto Inocencia así como su inseparable amiga de estudios Abra Rice, le permitieron demostrar lo que parecía imposible.
El film no cae en el melodrama sino en los innumerables sacrificios de esta mujer por terminar sus estudios, mantener a sus hijos que se rebelan en un determinado momento y optan por vivir con el padre, y sacar a su hermano de la prisión.
Hay algunos flashbacks muy puntuales que ayudan a confirmarle al espectador la excelente relación de los dos hermanos, justificándose así la entrañable misión que encara Betty Anne. No hay extralimitación de ningún tipo y esto hace que la historia sea querible, verosímil, aunque haya secuencias de extensos diálogos. Sin embargo, éstos aportan datos para comprender la propuesta que, como dijimos, tiene ausencia de golpes bajos. Por lo tanto, la emoción familiar está dada por estos toques de recuerdos.
Si quiere ver un buen policial, sin balaceras, ésta es una buena opción. Nos gustó.
Elsa Bragato
ACTIVIDAD PARANORMAL 0 – TOKYO
Elenco japonés. Duración: 90 minutos.
REGULAR. FANTASMAS POR DENTRO Y POR FUERA
Actividad Paranormal, la primera, pegó sin mucho presupuesto. Una cámara en un dormitorio que denotaba movimientos supuestamente “paranormales” cuando, en realidad, el demonio estaba dentro de la protagonista. Sin mucho, tuvo una recaudación fabulosa.
Vino la segunda y ahora estamos en Actividad Paranormal 0, ubicada en Tokyo, es una remake del film realizado en 2010 y, más aún, es una secuela paralela a esa historia. Una chica japonesa regresa a Tokyo luego de sufrir un brutal accidente automovilístico en San Diego por el que queda inválida, en silla de ruedas. Ya en su casa, las actividades familiares se desarrollan en torno a la mesa del comedor, de la cocina. Todo parece normal, los diálogos familiares. Hasta que la noche descubre movimientos extraños, algo pasa también durante el día, y se ubican entonces cámaras que pueden filmar sin luz.
Habrá ataques de histeria y la aparición de exorcistas japoneses. El demonio dónde está? Fuera, es un fantasma o está en el espíritu de Haruka Yamano? El film va ganando, dentro de la pobreza de recursos narrativos que tiene en sí misma la historia, en tensión. Se aceleran los tiempos de las histerias y de los movimientos paranormales.
El film está bien realizado. Y si bien es más de lo mismo, es como ver la primera película en versión japonesa y nada más, tiene un público cautivo que llenará las salas.
Elsa Bragato
EL AGUA DEL FIN DEL MUNDO
De Paula Siero. Con Guadalupe Docampo, Diana Lamas y Facundo Arana. Duración: 84 minutos.
REGULAR. ARANA ENTRE DOS AMORES Y LA BÚSQUEDA DE UN SUEÑO
Paula Siero es una bellísima actriz que tuvo un gran momento en Soy Gitano, además de otras tiras. De pronto, desapareció de la actuación resurgiendo como directora. Esta opera prima de Siero ha logrado excelentes críticas en el exterior aún cuando no se conoce a Facundo Arana como el seductor máximo del país a través de la televisión.
En el film, se narra la vida de dos hermanas, Adriana con una enfermedad terminal y un sueño por cumplir, que es el que da título al film, y Laura, la menor. La relación entre las hermanas está muy bien trazada. Incluso con la aparición de un hombre sin techo y alcohólico que encarna Facundo Arana en un papel absolutamente diferente al que nos tiene acostumbrados en la tele. Recordamos que sus comienzos en la TV fue en un par de ciclos de especiales donde lucía no solo su aspecto físico sino sus cualidades actorales, limitadas en los personajes televisivos.
Este hombre está acostumbrado a recibir, no a dar. Sin embargo, la enfermedad de Adriana lo toca en algún lugar del corazón y también se embarca en la concreción de su sueño. Hay una escena erótica de altísimo voltaje que juega Arana con Guadalupe Docampo, que es Laura (la menor) en la ficción. ¿Se queda por compasión, ama a los dos, solo busca sexo y alcohol?
Lamentablemente, hay lagunas argumentales que no pueden considerarse elipsis. Pequeñas acciones de los personajes que no tienen dónde o con qué sustentarse. Ni siquiera el robo de algún dinero podría justificar ciertos hechos. Señalamos también que a Facundo Arana hay que darle otro papel donde no tenga que ejercer de “macho” y permitirle actuar, marcarle el cómo frente a cámaras de cine.
Si para la crítica extranjera resultó un hecho exótico que Arana tocase un acordeón en un subte, para esta parte del mundo que conoce desde hace tiempo la ferocidad del primero no lo es. Tampoco estas escenas tienen la solvencia que deberían.
Elsa Bragato
LA COCINA
De David Blaustein y Osvaldo Daicich. Documental sobre la ley de medios. Duración: 80 minutos.
BUENA. GÉNESIS DE LA LEY DE MEDIOS
Este documental de Blaustein y Daicich se encuadra en el género “cine de emergencia” del que son creadores y que intenta registrar la situación política actual del país.
En este caso, se muestra el ciclo completo de discusión desde la cración de la Coalición por una Radiodifusión Demorática en el 2004 hasta la aprobación de la Ley de Medios ocurrida el 9 de octubre del 2009 en el Senado de la Nación.
Para unos, la aprobación de la Ley de Servicios de Comunicación Audiovisual se produce en un escenario de cambios políticos y populista y autoritario para otros. Comienza exactamente el 25 de mayo del 2003, fecha en la que se renovó la Corte Suprema de la Justicia, iniciándose los juicios a los violadores de los derechos humanos durante la última dictadura militar, se renegocia la deuda externa y se establece una clara integración latinoamericana.
Estas medidas encuentran resistencia en sectores conservadores y en intereses económicos concentrados, que terminan en el enfrentamiento político que todos conocemos y unos más que otros padecemos como ciudadanos.
Cuando se aprobó en octubre del 2009 la nueva ley de radiodifusión, más del 50 por ciento de los argentinos no tenían voz en las radios del país. Esta ausencia de voz y la lucha por tenerla es el tema del documental de David Blaustein y Osvaldo Daicich. El documental se sustenta no solo en los debates del parlamento nacional sino también en referentes de organizaciones sociales, académicas, derechos humanos, sindicales y de medios comunitarios, mostrándonos la experiencia de una radio mapuche, la de una barriada popular cordobesa y hasta de la Pampa gringa.
La exposición de los defensores de esta ley de medios en el congreso así como la voz de los sectores más reaccionarios cierran un documental que tuvo amplitud de criterio para ser plural.
Carlos Pierre
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