LOS MARZIANO, EL DERROTADO, PRUEBA DE AMOR, TORRENTE 4- 3D, ESTRENOS JUEVES 14 ABRIL, BUENOS AIRES

JUEVES 14 DE ABRIL DEL 2011.

Hay cinco estrenos, cuatro en soporte fílmico y uno en DVD, AJAMI, que no comentaremos. Hay dos estrenos nacionales sobre los cinco.

LOS MARZIANO

De Ana y Daniel Katz. Con Arturo Puig,Guillermo Francella, Mercedes Morán, Rita Cortese, entre otros. Duración: 82 minutos.

BUENA. RELACIONES FAMILIARES EN UNA NARRACIÓN ASÉPTICA CON BUENAS ACTUACIONES

Ana Katz nos presenta su tercer largometraje, esta vez con grandes figuras del espectáculo nacional. De su obra anterior, nos emocionó especialmente “Una novia errante”. Ahora asistimos una comedia que intenta rescatar lo mejor del costumbrismo sin caer en clishés. Dos hermanos enfrentados por condiciones sociales y familiares, el que viene de Tucumán está a cargo de Guillermo Francella, lejos de la comicidad que le conocemos, y el que vive en un country es Arturo Puig, junto a su “paqueta” esposa Mercedes Morán. Uno tiene un problema en la vista, el otro juega al golf,  situaciones que marcan la diferencia social entre ambos.

Lejos de internarnos en la narración de la anécdota argumental planteada, encontramos muy buen elenco y actuaciones. En la narración en sí, sentimos que faltó emoción y que, por eludir los clishés del costumbrismo, se quedó en la asepsia secuencial. Por eso, Guillermo Francella aparece encorsetado en la solemnidad, si bien esto no le resta mérito alguno a su perfomance, pero sí a la dirección actoral. En definitiva, resulta más entrador para el espectador el personaje de Arturo Puig, que conserva buenas razones de encono para con su hermano.

En el caso de las dos actrices, Rita Cortese nos llega al corazón como la hermana que recibe a Juan, personaje de Francella, para tratar de ayudarlo en su problema y acercarlo al hermano. Mercedes Morán es impecable, pero esta quasi perfección en la actuación la hace excesivamente distante. Lo remarcamos porque no es la primera vez que sentimos que Morán actúa sin movilizarnos.

El film es amable, correcto, y se nota que los Katz lograron un presupuesto que les permitió internarse en una historia más compleja y también mucho más costosa. Si la va a ver, no se sentirá defraudado. Nada más que a la hora de hacer la crítica no podemos dejar de lado que un buen producto también tiene que movilizarnos, hacernos sentir “algo” en el corazón.

Elsa Bragato

EL DERROTADO

De Javier Torre. Con Adrián Navarro, Romina Gaetani, Norma Argentina, Facundo Navarro, M´´onica Galán, entre otros. Guión basado en el libro homónimo de Leopoldo Torre Nilsson. Música de Pablo Memi y Eduardo Piva. Duración: 90 minutos.

BUENA. COMEDIA DRAMÁTICA SOBRE LA VIDA DE UN LUDÓPATA EN LA DÉCADA DEL 50

Javier Torre logra una ambientación perfecta de los años 50, a cargo de Catalina Motto. Hay un retrato realizado con minuciosa fidelidad de una época huérfana de objetos domésticos, formal en el trato diario y con una pátina del nihilismo existencialista de entonces. La locación de la vivienda es más que acertada, reflejando cabalmente las edificiaciones de las primeras décadas del siglo XX.

Julio es el personaje que encarna Adrián Navarro, un actor ampliamente fogueado en el cine (no solo en TV), que ve su propio deterioro y el de su vida por su ludopatía: juega a las carreras, a las cartas, dados y taba criolla. La pérdida constante en el juego lo sumerge en una pendiente psicológica difícil de remontar: maltrata a su joven esposa, a cargo de una eficiente Romina Gaetani, a su pequeño hijo, y hasta pierde el trabajo. Ni siquiera su esposa, sufrida durante años, dejará de buscar un atajo a tanta desilusión y dolor cotidiano.

El clima es opresivo y convincente. Es una comedia dramática donde los actores puede lucir sus capacidades y movilizar al espectador.

Añadimos que Javier Torre recurrió al archivo de sonido de Radio Nacional y al Archivo General de la Nación para adecuar los programas de radio, único medio informativo de las familias de entonces, a la época. Si bien nuestra calificación es “buena”, hay rigor cinematográfico y buena dirección actoral.

Carlos Pierre

PRUEBA DE AMOR

De Shana Feste. Con Pierce Brosnan, Susan Sarandon, Carey Mulligan, Johnny Simmons Bennett, entre otros. Música de Christopher Beck. Duración: 96 minutos.

REGULAR. DRAMA FAMILIAR ENMARCADO EN UN ROMPECABEZAS

Decimos que este film tiene un montaje desacertado porque se transforma, rápidamente, en un rompecabezas para el espectador que deberá saltar desde la movilizante escena de amor de los protagonistas (Carey Mulligan, gran actriz) al dolor desesperante de Susan Sarandom como la madre que perdió a su hijo.

La pareja tiene relaciones, el joven muere trágicamente, y un buen día, nadie sabe cómo, la chica (Mulligan) aparece en el hogar de su novio para decir que quedó embarazada. Sin más, el padre la acepta ante la reticencia de Sarandom que apenas puede con su vida. El hermano del joven fallecido es adicto a las drogas y supera rápidamente el dolor familiar logrando cierta amistad con la “desconocida” y su futuro bebé.

El gran problema del film no pasa por el guión sino por el montaje. No se entiende. Veamos: la aparición de la joven en la casa de su novio no se comprende. La salida al cine con el padre de su novio, un personaje que Pierce Brosnan realiza con oficio y emotividad, tiene una extensión secuencial inusitada y no aporta nada. O la visita a un centro de recuperación por parte del hermano de la víctima también es extensa y queda ahí, como un gran cabo suelto. Tampoco se comprende la rápida asimilación de la jovencita a su nuevo hogar y las decoraciones insólitas, cuanto menos, que realiza.

Se salta de situación en situación. Hay una secuencia que destacamos y que muestra, finalmente, el dolor de los padres: el arrebato de la madre de ahogarse en el mar y la salvación de su marido. Brosnan conmueve, Sarandom nos arranca el corazón.

Tampoco tiene correlato alguno la visita de Sarandom al hospital para hablar con el camionero que dio muerte accidentalmente a su hijo, y la búsqueda de frases, que le describan ese brutal hecho, para cambiar bruscamente el sentido original del film.

Muchos son los subtemas colgados: el de la recuperación del joven drogadicto, el accidente fatal contado y no filmado, la relación del padre con una profesora amable y sonriente. Y “colgar”, dejar sin desarrollo tantos subtemas, produce confusión. Son saltos narrativos que desdibujan el drama familiar transformándolo en anodino.

Destacamos a Susan Sarandom en un protagónico conmovedor. Y aportamos el dato de que es el primer film de la directora.

Elsa Bragato

TORRENTE 4 en 3D

DE Santiago Segura. Con Santiago Segura, Kiko Rivera, entre otros. Duración: 93 minutos.

MALA. GROSERÍAS DE LA PEOR CALAÑA EN 3D

Estamos frente a la cuarta película de la saga Torrentiana de Santiago Segura. Desde la primera Torrente-El brazo tonto de la Ley (1998), el actor y guionista y director Santiago Segura cosechó millones de euros en España. Y, lamentablemente, espectadores (ha estado en el BAFICI!). Encarna a un policía transformado por obra del tiempo en seguridad privada que pasa por una “crisis letal” e intenta sobrevivir en la ciudad a la espera de algún “encargo”. Una misión fracasada lo lleva a la cárcel y éste es el lugar para desarrollar una serie de groserías de la peor calaña. Especialmente si estamos viendo un film que fue incorporado al circuito comercial y no a una sala condicionada.

La escatología más barata está a la orden del día, como un teléfono que se extrae de un orificio del cuerpo, sucio y pestilente, a manera de “gracia”. Por si fuera poco, las mujeres son “vaciaderos útiles” para este maleducado del cine español que las menea desnudas para distraer al espectador. No se entiende cómo Santiago Segura es licenciado en Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid. Creemos que se quedó dormido en varias materias. Mal gusto, pésimo cine para un circuito comercial que requiere de salas para el cine nacional, bueno o malo. ¿Cuánto dinero ha pagado la distribuidora para que Segura se pasee por los canales porteños de TV promocionando esta basura?

Carlos Pierre

EL HOMBRE QUE VENDRÁ, PASE LIBRE, ENTRE LOS ESTRENOS DE CINE JUEVES 7 ABRIL, 2011

JUEVES 7 DE ABRIL DEL 2011.

Hay cuatro estrenos. No comentaremos “Río” ni “Revolución el cruce de Los Andes”.

EL HOMBRE QUE VENDRÁ

De Giorgio Diritti. Con Maya Sansa, Alba Rohrwacher, Eleonora Mazzoni, entre otros. Música de Marco Biscarini y Daniele Furlatti. Duración: 114 minutos.

MUY BUENA. LA ESPERANZA DE VIVIR EN MEDIO DE LA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL.

El film de Giorgio Diritti ganó el David di Donatello y el premio del Jurado en el Festival Internacional de Cine de Roma, en el 2010. Estamos frente a una película de la mejor cepa del cine neorrealista italiano, dado que Diritti trabajó con actores no siempre profesionales.

Además, el realizador es boloñés y supo rescatar la historia “boca a boca” de los lugareños de Marzabotto, donde 800 personas fueron asesinadas por la SS de Hitler.

El hecho puntual se centra en la noche del 28 al 29 de setiembre de 1944 cuando estas fuerzas especiales de las tropas alemanas llevaron a cabo una redada sin precedentes que se ha conocido como “la masacre de Mazabotto”, que vio justicia recién en el 2007.

La protagonista es una niña de 8 años (Greta Zuccheri Montanari), quien quedó muda cuando su hermano menor murió a los pocos días de nacer. Su madre queda embarazada y ese nuevo niño es el que da título al film, en medio de escenas desgarradoras.

La producción es creíble, así como Diritti hace uso de una fotografía muy exquisita para recorrer las tareas del campo, lejos del costumbrismo pero pegado a la realidad cotidiana de esos pobladores. Es también una muestra de la descarnada subsistencia al frío, al hambre y a la amenaza de muerte de las tropas alemanas.

Se trata del segundo film del realizador y escritor Giorgio Diritti (“Il vento fa il suo giro”, 2005), que nos conmueve y nos hace recordar a aquel gran cine italiano de postguerra. Para muchos críticos, el film se queda en la anécdota o bien tiene problemas de guión. Para nosotros, es una gran película, que profundiza la herida que no cierra fácilmente dejada por el hitlerismo.

Diritti tiene una paleta realista, salpicada por pequeños momentos de bonanza. La película llega al corazón de la mano de esta pequeña, muda, que nos emociona por su valeroso paso a través de esta trágica historia.

Carlos Pierre

PASE LIBRE

De Peter y Bobby Farrelly. Con Owen Wilson, Jason Sudeikis, Jenna Fischer, Christina Applegate, entre otros. Duración: 105 minutos.

BUENA. UNA “NADA” QUE HACE REIR

Cuando en un microcine, repleto de críticos, se escuchan risotadas, es dable pensar que el film será calificado como corresponde, o sea cuanto menos “bueno”, aún con elementos humorísticos que no son del agrado del argentino en general. Para nosotros, esta película con Owen Wilson a la cabeza y la dirección de los Farrelly es menos mala que muchas comedias que hemos visto. El nudo argumental toma a dos jóvenes matrimonios cuyos maridos se desviven por los cuerpos de cualquier jovencita que pasa por la calle. Las esposas deciden darles un “pase libre” de una semana para que hagan lo que quieran, sin posteriores reproches ni para ellas ni para ellos. El “pase libre” es para ambas partes, lo que generará secuencias divertidas y controvertidas.

Si bien no hay un gran desarrollo de personajes, sí lo hay de situaciones que cambiarán más a las esposas que a los maridos, atados sentimentalmente (dicho esto en el mejor de los sentidos) a sus mujeres legales.

Como siempre, hay escenas que nos pueden desagradar, pero son las menos y, en líneas generales, es una comedia que arranca risotadas especialmente en los varones. Hay gags previsibles y graciosos a la vez. Si quiere entretenerse y no pensar en nada, no está mal que elija este film. Es una comedia más.

Elsa Bragato

EL MECÁNICO, CACERÍA DE BRUJAS, EL MAL AJENO, NUNCA ME ABANDONES, JUEVES 31 MARZO, ESTRENOS DE CINE BAIRES

JUEVES 31 DE MARZO DEL 2011.

Hay 5 estrenos, uno en DVD, Divorcio a la Finlandesa, que no comentaremos.

EL MAL AJENO

De Oskar Santos. Con Belén Rueda, Eduardo Noriega, Angie Cepeda, entre otros. Música de Fernando Velázquez. Duración: 107 minutos.

BUENA. DRAMA COMPLEJO ENTRE LO SOBRENATURAL Y LA REALIDAD

La recomendación que el protagonista (un médico frío y distante) le hace a un pasante, “No mires, haz tu trabajo, pero no mires”, dentro de un hospital abarrotado de pacientes de primeros auxilios y enfermos terminales nos pinta el ambiente donde transcurre gran parte del film, producido por Alejandro Amenábar (Ágora).

El protagonista es un médico acostumbrado a manejar situaciones límites, está inmunizado ante el dolor de los demás pero también en su relación con su esposa y su hija. Dos hechos cambian su actitud: un desconocido que lo amenaza con un revólver, sin entrar en detalles argumentales, y una joven embarazada en estado de coma, que encarna la colombiana Angie Cepeda (de recordada actuación en la telenovela Las Juanas).

A partir de estos dos nudos narrativos, dentro de un guión un tanto desparejo y confuso, se mezclan los vectores argumentales: se cruzan, entonces, el melodrama con el suspenso y los elementos sobrenaturales con un “don” que esgrime  la joven embarazada. En definitiva, este don no se comprende del todo.

El clima casi opresivo que se plantea agrega elementos en la vida del protagonista que sacudirán su insensibilidad con situaciones familiares casi límites. La hija padece una peligrosa infección a raíz de un piercing, y está la conciencia del protagonista a partir de un disparo y una relación con la esposa de quien intentó matarlo. Hasta aquí vemos un mix complejo.

Cuando el film transita el género del suspenso sobrenatural (impronta de Alejandro Amenábar), el interés crece superlativamente en detrimento de las relaciones amorosas del médico, que es un personaje contenido e impasible, muy bien elaborado por Eduardo Noriega (conocido en Argentina incluso por sus participaciones en el cine nacional), acompañado por la convincente Belén Rueda, Angie Cepeda y Clara Lago.

En síntesis, el film se mueve en dos andariveles, la más absoluta realidad y un deslucido atisbo de lo sobrenatural, y en definitiva se afecta la comprensión final de un producto logrado, a pesar de lo apuntado.

Carlos Pierre

NUNCA ME ABANDONES

De Mark Romanek. Con Keira Knightley, Carey Mulligan, Charlotte Rampling, Sally Hawkins, Andrew Garfield, entre otros. Música de Rachel Portman. Duración: 104 minutos.

REGULAR. RELATO LÁNGUIDO Y OPRESIVO SOBRE LOS DONANTES DE ÓRGANOS

Aunque el guión haya tenido la mano del escritor japonés Kazuo Ishiguro, autor de la novela Never Let Me Go que da origen al film, estamos frente a un producto lánguido, por momentos con belleza visual, y con un planteo moral sobre la medicina que aterra.

En principio, se nos ocurrió la idea de “monstruoso” para calificar a este film que parte del supuesto de clones humanos como donantes de órganos localizados en Hailsham, una escuela inglesa que existe y desconocemos si dio o no su permiso para ser mencionada (los edificios no coinciden según lo que se ve por internet). Aquí son internados, niñas y niños que desconocen que no tendrán la vida de cualquier ser humano sino que serán donantes que, en la tercera intervención, morirán. Solo tienen una posibilidad de semisalvación y es pedir un “aplazamiento” si se enamoran.

Es realmente un planteo ético sobre la medicina que aterra, especialmente cuando se ve a los ya adolescentes (ya tienen los órganos desarrollados para su extracción) con muletas, con cicatrices, con parches en los ojos que han donado, y resulta agobiante para el espectador comprobar la frialdad de los médicos cuando extraen los órganos y, si el paciente se muere, lo dejan abandonado en el quirófano tal como está: un pedazo de carne más. Una escena que hay que remarcar para la gente sensible.

La narración que plantea Mark Romanek es lánguida, sin “pathos”, con una relatora en off que es la estupenda actriz Carey Mulligan, ganadora de varios premios el anteaño, y que encarna a una “curadora” de pacientes hasta tanto se le indique la fecha de empezar a donar.

La pérdida de los compañeros de escuela por las extracciones de órganos, la frialdad de una medicina que debe preocuparnos, la asociación ineludible con los experimentos nazis en mujeres y niños en la Segunda Guerra Mundial (no está en el film pero se nos ocurre un desprendimiento de aquellos actos monstruosos), son pensamientos ineludibles en el espectador sensible. ¿Es ésta la medicina que queremos? Algunos entendidos indican que Ishiguro plantea dónde está el alma del ser humano. Nosotros creemos, muy humildemente, que esta película excede ese planteo y nos muestra la carencia de ética de los experimentos médicos, sin olvidarnos de los experimentos con medicamentos que todavía realiza el Primer Mundo en los países africanos de raza negra.

Languidez, horror, frialdad, crueldad con buenas actuaciones. Decididamente, pasamos un mal momento y no sacamos nada bueno de este film. Tan solo un alerta rojo que intuimos desde siempre. ¿Es ésta la medicina que nos espera? ¿Necesitamos torturar para vivir? En fin…

Elsa Bragato

EL MECÁNICO

De Simon West. Con Jason Statham, Ben Foster, Donald Sutherland, entre otros. Música de Mark Isham. Duración: 93 minutos.

MUY BUENA. POLICIAL INTENSO, SANGRIENTO DE CABO A RABO

Esta remake de “Fríamente, sin motivos personales”, film antológico encarnado por Charles Bronson es superior a la original por el ritmo frenético y la andanada de efectos especiales con los que hoy se cuenta. Y si bien es una “remake”, Jason Statham impone su impronta a un protagónico que bien pudo quedar a la sombra del recordado Charles Bronson, quien nos estremecía son sus policiales en los 70.

La presencia de Donald Sutherland, en un papel breve pero fundamental para la trama propuesta, es también un claro indicio de que aquí West fue por todo y no simplemente por una segunda vuelta. Los breves diálogos entre Statham y Sutherland le confieren a este tremendo policial esa cuota de actuación que no suele ser frecuente en el género.

El asesino a sueldo de Statham tiene la estatura que este actor le da a sus personajes, pocos decires, una acción brutal, sin medias tintas. La aparición del hijo de Sutherland, un descarriado que asume a Statham como su mentor y maestro en el crimen, agrega la cuota de suspenso. Quién mata a quién?

Va a saltar de la butaca, y, si bien hay secuencias de diálogos y de cierta calma, solo es para conferirles ese ratito de actuación que mencionábamos, de lucimiento actoral de los protagonistas, para luego pasar a secuencias donde no queda ni un dedo sano. Nos atrapó.

Elsa Bragato

CACERÍA DE BRUJAS

De Dominic Sena. Con Nicolás Cage, Ron Perlman, Claire Foy, entre otros.

REGULAR. CAGE NO LE HACE ASCO A NADA

Nicolás Cage reaparece en la pantalla y no con su mejor actuación. Al parecer, Cage, multimillonario, no le hace asco a nada. Aquí encarna a un cruzado del 1300 que, junto a su amigo (a cargo del notable Ron Perlman), regresa a Francia y comprueba que la peste ha diezmado a gran parte de la población.  Los ancianos de la iglesia creen que el “mal” está en una niña-bruja y deciden llevarla a un remoto monasterio.

Es fácil percibir que el guión es el “rejunte” de temas que ya conocemos hasta el hartazgo: las cruzadas, las brujas, la peste medieval y el demonio (aquí más parecido a un Alien que a un ser ultratumba).

El director Dominic Sena (60 segundos, Swordfish, dos buenos policiales) aporta su estilo visualmente atrevido en un intento heroico de salvar al film del naufragio por un pésimo guión. La fotografía es oscura y aterradora por momentos, y es justo decir que se trata de una ambientación lograda para la Europa del siglo XIV. Y, por supuesto, Sena se vale de su vasta experiencia como destacado camarógrafo y realizador de galardonados videos. Esta experiencia ahora la pone al servicio de un mundo devastado por guerras y enfermedades, con paisajes nevados y sombríos y demonios que andan a sus anchas.

La niña bruja, protagonizada por Claire Foy, tiene un destino cruel y no hay que presumir de mucha intuición para saber hacia dónde nos conducirá esta travesía por escarpadas montañas y puentes endebles.

Guión previsible, gastado, otra actuación más de Cage que suma así buenos cachets, y una osada dirección de Sena, dan como resultado un film de aventuras con tintes sobrenaturales. No dudamos de que este género tiene su público. Como realización cinematográfica, adolece de casi todas las bondades del buen cine.

Carlos Pierre

ONDINE, UN CUENTO CHINO, EL MUNDO ES GRANDE..., EL ABISMO..., MARTE NECESITA MAMÁS, SUCKER PUNCH, JUEVES 24 MARZO 2011, BUENOS AIRRES

JUEVES 24 DE MARZO DEL 2011.

Hay seis estrenos en fílmico si bien uno de ellos será exhibido en DVD.

EL MUNDO ES GRANDE Y LA SALVACIÓN ESTÁ

Y LA SALVACIÓN ESTÁ A LA VUELTA DE LA ESQUINA

De Stephan Komandarev. Con Miki Manojlovic, Carlos Ljubek, entre otros. Música de Stefan Valdobrev. Duración: 90 minutos.

MUY BUENA. UN HÁLITO DE VIDA EN BUSCA DE LA MEMORIA

Precedida por más de media docena de premios y distinciones, este film búlgaro de extenso título es del artista Stephan Komandarev, quien plantea y expone con vigoroso optimismo la búsqueda de la memoria perdida y de la identidad también. Además de agregar el azar y la habilidad en los acertijos de la vida a través del juego backgammon.

Es la historia de un joven que sufrió un accidente automovilístico en Alemania, donde sus padres estaban exiliados del comunismo instaurado en Bulgaria. Un brutal choque mató a los padres y el joven sobrevivió, perdiendo la memoria.

Es, entonces, su abuelo quien lo busca y, en un viaje en tándem y backgammon, lo lleva desde Alemania a Bulgaria, pasando por diferentes países de Europa. El realizador Komandarev nos presenta dos tiempos diferentes: Bulgaria, bajo el régimen comunista de hace 30 años, y el presente del joven amnésico. Es un viaje desbordante de enseñanza de la vida gracias a un abuelo que no se deja vencer.

El serbio Miki Manojlovic realizada una actuación soberbia aportando su talento actoral para componer a este abuelo que apuesta a la vida. Recordemos que Manojlovic lleva realizadas más de 20 películas entre las que recordamos Underground, Gato Negro-Gato Blanco, y La otra América.

La narración nos plantea una travesía por Europa como el medio idóneo para la recuperación del joven: la singularidad de este viaje es que los parlamentos están dichos en los idiomas de los cuatro países productores, además de italiano e inglés.

El aporte de la fotografía es notable porque se ven paisajes estupendos y amalgama las almas de los dos protagonistas en secuencias muy emotivas. Es un film para no perder porque nos da un impulso de vida al corazón, a las ganas de ser, seguir siendo y de recuperarnos de la cotidianeidad. Venimos heridos en los corazones por tantas ficciones violentas que una  historia de este tenor es un hálito de esperanza en la cartelera.

Carlos Pierre

EL ABISMO… TODAVÍA ESTAMOS

De Pablo Yotich. Con Juan Palomino, Raúl Rizzo, Dalma Maradona, entre otros. Música de Víctor Heredia. Duración: 95 minutos.

BUENA. EL NUNCA MÁS PRESENTE EN UN BUEN RELATO

Estreno oportuno es esta ópera prima de Pablo Yotich en el Día Nacional de la Memoria y Justicia. Es un film que no defrauda y augura un buen camino a su realizador por el sólido guión donde muestra los duros años de la dictadura y el presente de los que fueron sustraídos a sus familias y entregados a otras. Ahora pueden recuperar su identidad verdadera.

La historia hace hincapié en una familia donde convivían militares, sacerdotes y militantes contrarios a la dictadura impuesta por el proceso.

El disparador de la narración está en el militar que recibe la orden de detener a su hermano y a su novia embarazada bajo la mirada del sacerdote, tío de los infortunados jóvenes.

El guión alterna aquellos años del ’78 y el presente, donde el sacerdote se relaciona con su sobrina quien busca la verdadera familia.

Pablo Yotich ha sabido convocar a un elenco donde confluyen Juan Palomino, Raúl Rizzo, Alejandro Fiore, Humberto Serrano, hombres de primerísimo nivel actoral y compromiso social, junto a la juventud de Agustina Posse y de Dalma Maradona.

El plus del film está en la música de Víctor Heredia, también comprometido con la justicia social. Entre tantas películas sobre la dictadura del proceso militar y los desaparecidos, ésta está a la altura del tema, tan doloroso y todavía con muchas aristas por resolver. Las “costuras” de una ópera prima están, pero se superan por la intensidad del guión y las actuaciones.

Carlos Pierre

AMOR SIN LÍMITES (ONDINE)

De Neil Jordan. Con Colin Farrell y Alicja Bachleda, y la pequeña Alison Barry. Música de Kjartan Sveinsson. Duración: 104 minutos.

BUENA. UN CUENTO DE HADAS Y UNA SEGUNDA OPORTUNIDAD

Neil Jordan es el mismo realizador de El Juego de las Lágrimas que aquí nos presenta una fábula que no será tal pero que, en el mientras tanto, nos permite soñar. La realidad se impondrá pero hay un largo trecho entre las redes del pescador Syracuse que encuentra a una “mujer pez” y la resolución.

La mujer pez se hace llamar Ondine y esconde un pasado fuerte que oculta. Hay una estrecha relación intuitiva entre la hija de Syracuse, encarnado por un muy creíble Colin Farrell y su hija en la ficción, una adorable Alice Barry.

La ex exposa de Syracuse, el alcoholismo que acecha a Syracuse, y la insuficiencia renal de la pequeña hija de los protagonistas, son ingredientes que muestran atisbos de realidad en medio de un paisaje marino por momentos idílicos. La intervención de Stephen Rea como sacerdote, gran actor inglés, pone la cuota de humor y de simpatía que la narración requiere, humor inglés, el que arranca sonrisas. Es excelente y oportuna esta participación.

No entendemos el título que se impuso a este film en castellano. Ondine es el nombre de la protagonista y no estaba mal. De todas maneras, estamos frente a una fábula que demuestra que las segundas oportunidades en la vida siempre están. Solo hay que saber verlas.

La narración tiene una insólita vuelta de tuerca que nos pone de golpe en situaciones que no tienen nada que ver con el idilio naciente entre la mujer-pez (no es sirena) y el pescador. Y quiebra un cuento de hadas que venía bien. A lo mejor, los tiempos actuales no permiten que ocurran hechos insólitos y entonces es mejor cortarlos de raíz. No estamos de acuerdo. Igual, el film nos atrapó de principio a fin y nos parece una propuesta diferente. Si no le damos el “Muy bien” es justamente por este quiebre en el guión.

Elsa Bragato

UN CUENTO CHINO

De Sebastián Boresztein. Con Ricardo Darín, Muriel Santa Ana, Ignacio Huang, entre otros. Música de Lucio Godoy. Duración: 93 minutos.

BUENA. DARÍN COMO SOPORTE DE UNA BUENA COMEDIA

Ricardo Darín es, sin caer en exageración, un Marcello Mastroianni a la criolla. Es capaz de encarnar todo tipo de roles siendo diferente en cada uno y sin perder su esencia. Es él pero es el personaje elegido. En este caso es Roberto, un tipo malhumorado, gruñón, que tiene memoria sobre un hecho histórico que le duele y manías como juntar recortes de noticias. La aparición de un chino caído como del cielo (tiene que ver con la historia que motivó el relato de Boresztein, el de la vaca que cayó del cielo, 2007), que no habla castellano y sí mandarín, y su solidaridad, aún a regañadientes, lo llevan a tener una convivencia insólita, inesperada, que es donde más gana el film y donde más disfrutamos a este Darín y a este chino auténtico, que no necesita de subtítulos para hacerse comprender. Ambos personajes, además de otros como el de Muriel Santa Ana, siempre creíble, ajustada, simpática, conforman un dúo-trío que no podrán disolver así porque sí.

Dónde pierde el film? En la previsiblidad. Todos entendemos por dónde va cada uno, qué es lo que va pasar, y en qué va a terminar. No obstante, la solvencia de Darín soluciona todo y uno queda atrapado por su “Roberto” de principio a fin. Es una buena comedia, con gags y algunos efectos que, si no nos conformaron del todo, lo dejamos pasar porque fue un momento de disfrute de un gran actor. Y la sorpresa de un chino como Huang que ya hemos adoptado.

Elsa Bragato

MARTE NECESITA MAMÁS

(animación por captura de movimiento)

De Simon Wells y Wendy Wells. Música de John Powell. Duración: 88 minutos.

MALA. ANIMACIÓN QUE ASUSTA Y GENERA CULPA EN LOS CHICOS

Ir al cine con los chicos para sufrir es realmente ilógico. Sobre todo cuando las narraciones se pueden plantear desde otro lado menos cruento como aquí y hasta como en la mismísima y consagrada Nemo. Algo sucede en las productoras de animación con las madres: nos hacen desaparecer de golpe o bien por un mordisco de un tiburón o bien por un plato volador. Éste último es el caso de Marte necesita….

Se emplea la técnica de “captura de movimiento” o sea los actores trabajan en sets sin escenografías y sus movimientos son capturados por computación. Luego se rellenan “esos puntitos” con figuras animadas. En este caso, y desde el punto de vista estético, los personajes no producen empatía con el espectador. El niño tiene fea expresión, la mamá en cuestión es insípida en sus rasgos.

Milo y su mamá tienen las peleas lógicas entre madre e hijo. Los marcianos, muy feos algunos, observan todo y deciden “abducir” a la mamá, ya que a Milo no parece importarle su presencia porque le exige orden y limpieza y está harto de sus retos. He aquí el meollo de la cuestión.

En Marte hay un sinnúmero de bebés que esperan mamás, no se explica muy bien por qué nacen tantos chiquitos de la tierra supuestamente marciana.

A partir de la abducción de la madre comienza un film rayano en lo trágico por la desesperación de Milo y patético al mismo tiempo porque no se logra transmitir emoción sino susto. Uno imagina a un chiquito de 7 años viendo el film y el sufrimiento que debe sentir o la culpa si alguna vez no ha estado de acuerdo con su mamá o se enojó con ella porque le pidió que levantara su ropa del suelo. Es decir, toda la narración del film es un largo sufrimiento y genera culpa.

No nos atrajo la estética del film, no nos gusta para nada este tipo de planteos sobre las madres, no nos gusta que nuestros hijos sufran hasta el paroxismo para no sentir culpas que, después de todo, son humanas. A las mamás se nos puede poner en papeles y situaciones menos traumáticas para nuestros hijos. Un film malo por donde se lo mire porque los chicos van a sufrir y sentir culpas.

Elsa Bragato

SUCkER PUNCH

De Zack Snyder. Con Emily Browning, Jena Malone, entre otros. Música de Tyler Bates y Marius de Vries. Duración: 109 minutos.

MALA. MÁS ARTIFICIO QUE NARRACIÓN EN UN FILM PLAGADO DE CLISHÉS PREPRODUCIDOS

Zack Snyder es el realizador de “300” y de “Ga’Hoole” donde no pudo superar su adicción al tremendismo y ubicó a las pobres lechuzas en un campo de concentración. Es decir, siempre anda a caballo entre la realidad actual y la realidad de su fantasía, que es mucha, poderosa y le juega malas pasadas como en este caso. Aquí la joven protagonista es llevada a un neuropsiquiatra por su padrastro donde le harán una lobotomía. La historia está ubicada en los 50: un poco de nervios y chau, al neuropsiquiátrico.

Allí se ve junto a otras jóvenes que sufrirán tanto como ella en espera de esa intervención, vejaciones y una seguidilla de malos tratos que no producen ni horror ni nada, solo hastío en el espectador. No hay “punch”, llegada. O mejor aún, le falta “pathos”.

En los sueños, la joven que interpreta Emily Browning, ingresa a un mundo donde hay desde robots hasta dragones, desde caballeros hasta Orcos, que ya vimos en El Señor de los Anillos. Todo es poco para Snyder: hizo un trabajo de preproducción importante que terminó por desvanecer su propia idea argumental.

Hay padecimientos de todo tipo, artificios que no cuajan con la realidad del personaje principal, insólitas luchas cuando hay un neuropsiquiátrico esperando, e idas y vueltas hacia el pasado y la realidad virtual que conforman un rejunte para nada convincente.

No nos gustó, ni siquiera por las luchas rallentadas de las que Snyder es un maestro, ni la estética del cómic que tan bien resultó en “300” ni la idea argumental ni su desarrollo.

Elsa Bragato

UN DESPERTAR GLORIOSO, SANCTUM, SOLO TRES DÍAS, LOS OJOS DE JULIA, LÍBANO, ESTRENOS JUEVES 17 MARZO, BUENOS AIRES

JUEVES 17 DE MARZO DEL 2011.

Hay seis estrenos en fílmico. No comentaremos el film nacional “Familia para Armar”.

UN DESPERTAR GLORIOSO

De Robert  Michell. Con Harrison Ford, Diane Keaton, Jeff Goldblum y Rachel McAdams. Duración: 107 minutos.

BUENA. TV BASURA VS TV TRADICIONAL EN CLAVE DE COMEDIA

La televisión basura no es cuestión argentina, es un tema global. Lo circunspecto, lo formal, está siendo dejado de lado por cientos de miles de telespectadores agobiados por la realidad cotidiana. Entonces, ver pavadas atómicas por televisión resulta una distracción que no siempre los críticos aceptamos como buenas, pero son distracción al fin. Esto no significa que el telespectador no desee informarse con documentales, films medulares, no. Sencillamente, luego de un día agotador, la elección es la distracción en un altísimo porcentaje.

Éste es el planteo básico, la idea del film: la seriedad circunspecta vs la televisión basura. El argumento se ubica en una telemisora que va perdiendo la batalla del rating a la mañana con su Despertar Glorioso, o Morning Glory, frente a su principal competidor. Una joven productora ejecutiva se hace cargo del programa que conducen Diane Keaton y un astro de la TV al que despide. Tiene otro conductor valioso, que es el personaje de Harrison Ford, caído en desgracia por su pésimo carácter. 

El ambiente creado es exacto: una telemisora ganadora con lujo hasta en los marcos de las puertas y la perdedora en el rating, con puertas desvencijadas y oficinas de producción abarrotadas de papeles, archivos, desorden por doquier.

El elenco es de lujo. Diane Keaton está muy bien en el papel de la co.conductora que debe soportar el malhumor del nuevo conductor, a cargo, como dijimos, de un Harrison Ford que, al comienzo, no nos gustó. Seriote y con algunos toques de cirugía en la cara. Cuando su personaje se aliviana de pesadas cargas emotivas, su rostro cambia de expresión y reconocemos el viejo y querido Ford de siempre. Demasiado parco durante toda la narración.

La joven productora, que es el eje del film, encarnado por una muy eficiente Rachel McAdams, es enérgica, vital, compulsiva en su trabajo y contagia de energía a la platea. En el papel del descreído CEO está Jeff Goldblum, el ex “La mosca” y de tantos otros films, como siempre acertado, justo.

El producto apunta a mostrarnos qué pasa en la “network” de TV y, por otro lado, qué pasa con la vida de quienes están en una alocada producción perdedora.

Hay secuencias realmente muy reideras relacionadas con la búsqueda del rating y la caída lenta e inexorable hacia la televisión absurda, burda, sometiendo a sus conductores a insólitas y desopilantes coberturas.

Está lejos de la antológica “Network” que protagonizaran Peter Finch y William Holden (1976) pero está cerca de la televisión actual.

A pesar de todo, nos atrapó.

Elsa Bragato

LOS OJOS DE JULIA

De Guillem Morales. Con Belén Rueda, Lluís Homar, Julia Gutiérrez Caba, entre otros. Música de Fernando Velázquez. Duración: 112 minutos.

REGULAR. TELENOVELÓN CINEMATOGRÁFICO DE TERROR

El cine español encontró una veta que es el género del terror. Está muy lejos del terror de Hollywood pero es justo reconocer que está produciendo con calidad fílmica, cinematográfica, con narraciones audiovisuales compactas. Éste es el caso de Los ojos de Julia si bien, y en definitiva, no nos convenció la propuesta. No está mal, sino todo lo contrario, pero nos pareció más un melodrama al estilo de un telenovelón mexicano que un film en sí mismo de género.

Julia padece la enfermedad de su hermana melliza (había que buscarle un “alter ego” para cumplir con el guión) y es una ceguera paulatina. La hermana murió ahorcada pero Julia no acepta el suicidio sino que investiga, a pesar de que deberá someterse a la misma operación para evitar la ceguera y correr los mismos riesgos que su hermana, incluyendo la muerte provocada o no.

Los personajes están bien perfilados. Belén Rueda carga con todo el peso de la narración, es ella y ninguna gemela quien debe asumir diferentes actitudes ante situaciones dramáticas, trágicas, terroríficas. Y este personaje contrasta, hábilmente, con el de su pareja, un hombre demasiado calmo frente a todo lo que enfrenta su esposa. ¿Sospechoso o no?

Hay intriga. Hay clishés y muchos, se mantiene la atención del espectador con una narración compacta y con efectos especiales burdos. Al asesino solo lo ve Julia aunque no lo vea, y no es un juego de palabras. Los ojos de Julia ven algo que los demás no pueden, y no son fantasmas.

Es un film de terror que no llega a las alturas de los clásicos orientales o de Hollywood. Pero tiene a su favor la solidez de la narración propuesta y la credibilidad de las actuaciones aunque la mano del productor Guillermo del Toro aquí no sea la misma que empleó en su celebrada y excelente El laberinto del Fauno. La calificamos como “regular” por cómo está planteado el tema y porque la realización, aunque efectiva, es burda como producto cinematográfico en sí. a pesar de tener elementos que hemos ponderado. El espectador va a ver un telenovelón con suspenso. Y no está mal.

Elsa Bragato

SOLO TRES DÍAS

De Paul Haggis. Con Russell Crose, Elizabeth Banks, Ty Simpkins, Liam Neeson, entre otros. Música de Danny Elfman. Duración: 122 minutos.

MUY BUENA. POLICIAL INTENSO CON MUCHA HISTORIA Y POCA BALACERA

Que un policial nos atrape de principio a fin es mucho decir porque no son pocos los que se ven semanalmente. En “Solo tres días”, Russell Crowe encarna a John, un padre de familia, que decide salvar a su mujer de una acusación de asesinato mientras se apega a su hijo Luke, encarnado por un pequeñín actor llamado Ty Simpkins. Es notable el guión de Haggis, a quien le debemos “Crash”, entre otros films taquilleros y ganadores de premios (por Crash recibió el Oscar), dado que es allí donde puso la energía: hay desarrollo de personajes, evolución de éstos, sin olvidarse del entorno narrativo, en este caso, la policía que va detrás del matrimonio y su hijo, y el plan de salvataje que el protagonista encara para su mujer, encarcelada por una aparente injusticia. Si es aparente o no deberá resolverlo el amigo lector que la vea.

Los climas que logra Paul Haggis son fantásticos porque la tensión y la adrenalina se apoderan del espectador desde el primer minuto del film. Es allí, en las primeras secuencias, donde está la clave del desarrollo narrativo. Pero no su desenlace que no se vislumbra.

Resulta además interesante la participación especial de Liam Neeson como un ex convicto que le proporciona un plan perfecto a John, convencido de la inocencia de su mujer. Breve, casi un “paneo”, pero una presencia sin duda estelar.

Pocos tiros, poquísimos, los necesarios, y un guión sólido para generar una narración policial intensa. He aquí el “quid” de este film: historia y no balaceras.

Por otra parte, la banda sonora de Danny Elfman subyuga, es justa, no es estridente, apuntala las secuencias indicadas por HAggis, refuerza los cambios del personaje de Russell Crowe quien encara un film muy interesante.Nos parece un muy buen policial, con dos subtextos a tener en cuenta: la injusticia de la Justicia en todas partes del mundo y la salvación por la via políticamente incorrecta como es, para la mayoría de los norteamericanos, Venezuela. Nada más. Hay que verla.

Elsa Bragato

SANCTUM 3D

De Alister Grierson con producción de James Cameron. Con Dan Wyllie, Rhys Wakefield, entre otros. Música de David Hirschfelder. Duración: 95 minutos.

BUENA. DISFRUTE VISUAL EN UN FILM MENOR DE CAMERON

Producida por el inquieto innovador australiado James Cameron (Titanic, Avatar), vemos en Sanctum la continuación de su avasallante estética. En este caso, se unió a su amigo Andrew Wight, quien vivió una situación semejante a la planteada en el film en 1988. Entonces, un grupo de espeleólogos y submarinistas de Australia, realizando tareas de investigación en una cueva submarina, se vieron atrapados en tales profundidades a raíz de una extraña tormenta que derrumbó la entrada de la cueva. Fueron rescatados e idearon esta hitoria que ahora se ubica en Papúa, Nueva Guinea.

A fin de otorgarle más carnadura al guión, se ficcionó una conflictiva relación entre un padre y un hijo, sumándose otros sucesos accidentales como la diferencia de criterios de los expedicionarios.

La ambientación es fenomenal. Para darnos idea de la monumental cueva donde se desarrolla el film, Cameron y sus productores recurrieron a un gran tanque de agua de 40 metros de largo por 30 metros de anche y siete de profundidad, con capacidad de más de siete millones de litros de agua.

El avance técnico que se ha alcanzado en el cine, en buena medida por la inventiva de James Cameron luego de Avatar, sumerge literalmente al espectador en las profundidades del mar no solo físicas sino emocionales, porque hay un impacto visual muy fuerte.

La ficción del film es compacta y todo tiene relación con todo: el título, Sanctum, significa Santuario y se cita al escritor inglés Samuel Coleridge, que escribiera un altisonante poema llamado KublaKhan, donde nos describe la majestuosidad de una cueva subterránea a la que jamás llegó el hombre.

Es un film para disfrutarlo visualmente, como sucedió con Avatar. La anécdota que se narra es prácticamente secundaria aunque ayude a generar tensión y emoción en el espectador. Es una aventura “Cameron” y está todo dicho.

Carlos Pierre
LÍBANO
de Samuel Maoz. Con Yoav Donat, Itay Tiran, entre otros. Música de Nicolás Becker. Duración: 93 minutos.
MUY BUENA. EL HORROR DE LA GUERRA EN PRIMERA PERSONA
La película Líbano ganó el premio mayor del último festival de Venecia. Es que su director y guionista, Samuel Maoz, vivió como conscripto el horror de la guerra del Líbano, en 1982, y logró realizar un film donde sintetizó y concentró todo el terror y el horror que vivió. Aquí están sus experiencias, de allí nuestro título de "guerra en primera persona".
En el caso del film son cuatro conscriptos israelíes dentro de un tanque. Conforman una patrulla de reconocimiento que, luego, se transformará en una patrulla en medio de una pesadilla sangrienta. Sin embargo, el director apela a la ética y no solo muestra el terror de los soldados frente a la muerte sino la muerte de los civiles que es tanto más cruenta porque no están peleando sino que están en el medio de dos bandos.
Chicos, animales, ancianos, depedazados, clamando por paz, acribillados sin razón. La guerra es eso, una sinrazón.
La singularidad del film reside en el encierro, durante 24 horas, en un tanque de estos soldados a quienes les cuesta pelear, matar, luego de apuntar en la mirilla al enemigo que no les parece tal sino todo lo contrario. Ven en esos enemigos lo que veríamos nosotros: personas iguales a uno, con tanto miedo y terror como uno.
Todos están envueltos en la misma tragedia. Por eso el soldado se niega a disparar o bien el motorista no acciona su vehículo. La retracción no solo es exterior, es también interior. Todos quieren volver a sus hogares, estar con sus familias y no vivir ese injusto infierno.
Dentro del tanque, a medida de que pasan las horas, el espíritu va sufriendo por la menesterosidad del hombre mismo, sus propias miserias corporales que debe afrontar. Aquí está el mayor logro del film. No son héroes ni los enemigos son tales.
La leyenda pintada dentro del tanque señala "el hombre es acero; el tanque es solo hierro". Sin embargo, esta historia muestra que los hombres no están hechos de acero, por suerte. Desde este punto de vista, es una película lograda y, a pesar de las fuertes escenas, impacta en el corazón.
Carlos Pierre