JUEVES 26 DE OCTUBRE DEL 2017.-
Varios estrenos llegan a los cines del país, como
ocurre todas las semanas. Amplia y variada cartelera para todos los gustos.
Entre estos estrenos, está el supertanque “Thor,
Ragnarok”, de Taika Waititi, con Chris Hemsworth en el protagónico. Las
siguientes son algunas críticas sobre la película:
EL PEQUEÑO VAMPIRO
De Richard Claus.
“Basada en personajes creados por Angela Sommer-Bodenburg, la autora de las
novelas de El Pequeño Vampiro, archivendidas en Estados Unidos, El pequeño vampiro resulta de una
impecable factura visual y argumental. Con guion de Larry Wilson (Beetlejuice) y Karey Kirkpatrick (Pollitos en fuga), la historia es
redonda y divertida, y también bien maniobrada por Uli Edel (El cuerpo de la evidencia), su
director, que debuta en una película infantil contenido por un equipo de
primera que incluye créditos de lujo tanto en vestuario como efectos
especiales. Por el lado actoral, el pequeño Jonathan Lipnicki, a través de
cuyos ojos vemos esta oscura y a la vez optimista historia, cumple su labor con
sabiduría y justicia”. De Karina Noriega, Cineismo.com
También se estrenan varios documentales
que ya fueron exhibidos en el interior del país. Héroe corriente, de Miguel Monforte, 2014, sobre los caídos en
Malvinas y la tarea del ex combatiente Julio Aro para que se reconozcan a sus
compañeros que hoy son NN y están enterrados en el cementerio de las islas.
Esta tarea tiene apoyo internacional. Además, se exhibe Mujer entera, de Ulises de la Orden, 2015, un doloroso y necesario
retrato de la esclavitud sexual bajo la concepción machista del “debut” con
prostitutas, entre otros temas como la trata.
LOVING VINCENT
Guion y dirección de Dorota Kobiela y Hugh Welchman. Música
de Clint Mansell. Duración: 94 minutos. Reino Unido- Polonia.
XXXXX- UNA JOYA DEL CINE
La vida y obra de Vincent van Gogh no son más que la
encarnación misma del martirio y sufrimiento del artista incomprendido por la
sociedad a través de los siglos.
“Loving Vincent” es una monumental y laboriosa
animación de la artista plástica polaca Dorota Kobiela y del productor Hugh
Welchman, ambos directores de cine, rindiéndole tributo al pintor holandés. No
es un homenaje más: es una obra de arte, una joya cinematográfica fuera de lo
común.
Algunos datos dan cuenta del tesón y dedicación puestas
al servicio de esta verdadera obra de arte, que mantiene la impronta de van
Gogh con esas pinceladas que solo él fue capaz de poner sobre el lienzo. Por
ejemplo, más de 100 artistas de todo el mundo pintaron 120 obras icónicas para
expresar una realidad expresionista fuera de lo común. Utilizaron la aplicación
Painting Animation Work Station durante 5 años , en los estudios de Danzica y
Wroclaw en Polonia, empleando óleo sobre tela hasta lograr cada uno de los
62.450 fotogramas que se necesitaban para adaptar las obras de va Gogh a la
animación.
Las primeras escenas fueron filmadas en un estudio con
actores reales para luego ubicarlas mediante computación dentro de los cuadros
más famosos de van Gogh. Es decir, las figuras que imaginó el artista cobraron
vida dentro de sus propios cuadros. Las voces son de Aidan Turner, Saoirse
Ronan (la dulce actriz de la película Brooklyn), Eleanor Tomlinson, Helen
McCrory y Douglas Booth, entre otros.
La ambientación de las escenas son las obras más
famosas de van Gogh: Campo de trigo con cuervos, El dormitorio de Arlés, la Casa amarilla de
la misma ciudad, y retratos de Pere Tanguy, el Doctor Gachet, el Jefe de
Correos Joseph Roulin y el de su hijo Armand Roulin, de protagonismo excluyente
a lo largo de toda la película, ya que es quien investiga si la muerte del
pintor fue un suicidio o un asesinato, tema inquietante puesto a consideración
del espectador.
Es asombrosa la maravilla visual alcanzada por esta
animación, escena tras escena, donde los cuadros toman vida. Y es un más que
justo tributo para quien, sobre 800 obras, solo pudo vender un cuadro en sus
escasos 33 años de vida. La vida cotidiana y sus elementos fueron eternizados
por van Gogh, y esta animación, que recrea las noches estrelladas y los negros
cipreses cargados de color, es una joya del arte cinematográfico que no puede
dejarse de ver.
Carlos Pierre
UNA RAZÓN PARA VIVIR (BREATHE)
De Andy Serkis. Guion de
William Nicholson. Con Andrew Garfield, Claire Foy, Tom Hollander, Hugh
Bonneville, Diana Rigg, entre otros. Música de Nitin Sawhney. Duración: 117 minutos.
XXXXX – EJEMPLO DE VIDA
Basada en la historia real de sus propios padres, el
productor Jonathan Cavendish llevó al cine esta biopic que es un ejemplo de
vida: Robin y Diana Cavendish tuvieron una vida emblemática, superando con
valentía e ingenio la fatalidad de la polio, que en 1958, estando en África, inmovilizó
a su padre.
Diana (Claire Foy), a pesar de los consejos del
director del hospital donde estaba su esposo, lo sacó llevándolo al nuevo hogar
que había sido comprado con los últimos pesos del matrimonio. Y recomenzó la
vida, nada fácil, de ayudar a su esposo a sobrevivir al drama que lo aquejaba.
“Breathe” significa respiración relacionado con el elemental respirador de los
60 que permitió que Robin sobreviviera.
Fueron un ejemplo digno de imitar. Lucharon con la
ayuda de un médico y de sus amigos cercanos. Robin abandonó la cama por una
silla de ruedas con el respirador adosado, infaltable en su recuperación. Se
rieron aún en la desgracia, hicieron fiestas, hasta viajaron al sol de España.
En Alemania mostraron sus logros siendo mentores del método de sobrevivencia
que habían logrado, inaugurándose una nueva era en la recuperación de la polio.
El excelente actor Andrew Garfield estuvo la mayor
parte de la película o en la cama o en una silla de ruedas, dotando a su
personaje de una gestualidad intensa y emocionante, tal como lo hiciera en
“Hasta el último hombre”, de Mel Gibson. Si bien la dirección actoral es la
base de las interpretaciones, también es cierto que los actores construyen sus
personajes con sus propias sensibilidades, algo más que notable en Garfield.
Jonathan Cavendish logró el objetivo de dejar un claro ejemplo de lucha, de
sobrevida, de superlativo ingenio, en este drama no exento de dulzura y humor
que él mismo compartió.
Carlos Pierre
EL SEDUCTOR
De Sophia Coppola. Guion de Sophia Coppola basado en la
novela “The painted devil” de Thomas Cullinan. Con Colin Farrell, Nicole
Kidman, Kirsten Dunst, Elle Fanning, OOna Laurence, Elle Fanning, entre otros.
Música de Phoenix, en algunos tramos basada en el “Magnificat” de Monteverdi. Cinematografía
de Philippe Le Sourd. Duración: 91 minutos.
XXXXX- ATRAPADO SIN SALIDA
Sophia Coppola retoma la novela de Thomas Cullinan, The
painted devil, que fuera llevada al cine en 1971 por Don Siegel con Clint
Eastwood como el cabo “John McBurney” que resulta herido durante la guerra de
Secesión (1861-1865). En este caso, el protagonista es Colin Farrell. “John” es
rescatado por una de las jovencitas que estudian en una escuela femenina de
Virginia, comandada por una directora –Nicole Kidman-, con una ayudante
–Kirsten Dunst-. Cinco chicas de diferentes edades están al cuidado de estas
dos mujeres.
La más pequeña, Amy (Oona Laurence), encuentra al
soldado herido y, aun siendo “yanqui”, lo lleva a la vieja mansión escolar
donde será atendido por Miss Martha (Kidman), quien le sutura una tremenda
herida en su pierna izquierda. A partir de este momento, las cinco estudiantes
como las dos gobernantas comienzan a inquietarse ante la presencia de ese joven
hombre atractivo. Celos no confesados por quién pueda acercársele van surgiendo
bajo una pátina de extremo respeto a Miss Martha, quien lo invita todas las
noches con una copa de brandy. No obstante, el cabo “John” solo mira con
devoción a Edwina (Kirsten Dunst).
Varios elementos hacen de este film un ejemplo de
iluminación, de fotografía, de puesta en escena: desde la ambientación lograda
con velas hasta los largos vestidos blancos de las mujeres, rodeadas de paredes
y muebles oscuros, creando la sensación de un fuerte desenlace. Un hecho en
especial desmadra los contenidos deseos sexuales hacia John que se vislumbran
en un erotismo denso.
Coppola vuelve a dirigir a Kirsten Dunst, su heroína de
“María Antoinette”, 2006, a quien, aun en un rol secundario, le da protagonismo
para el desenlace y el final del film. Hay un innegable buen gusto en la
puesta, un cuidado extremo en los encuadres y en la narración que fluye sin
detener la tensión creciente. Es una película atrapante aun cuando le falta
cierta pasión en los roles de Miss Martha y de Edwina, fundamentales para la
acción. Entre el thriller, el “elegante” gore y el noir, es decir, ese género
impreciso que describe un micromundo tétrico o, en este caso, colores opuestos que
otorgan una remarcada tenebrosidad. Por ejemplo, las cenas a la luz de las velas
donde se ven los rostros como en cuadros de Rembrandt. Lo oscuro es la antesala
del drama por venir.
Como curiosidad, destacamos que en los créditos se
señala que la banda sonora tiene influencias de la obra “Magnificat” de
Monteverdi. La única secuencia en la que se distingue es cuando las niñas y
Miss Martha junto a Edwina, cantan un tema religioso para alegrar a “John” en su
recuperación. Además éste fue ubicado en la sala de música de la escuela.
Excelente realización, con algunos altibajos en el
guión (la apresurada declaración de John a Edwina) que, sin embargo, no hacen
mella en un relato realizado con mano maestra. Sophia Coppola recibió el premio
a la mejor dirección en el reciente Festival de Cannes.
Elsa Bragato
EL FUTURO LLEGÓ
Documental del Grupo de Cine Insurgente. Cámara de
Ignacio Guggiari. Sonido de Lucho Corti. Música de Carlos Servin. Foto fija de
Carolina Magnaterra. Asistencia de Andrés Novas. Duración: 97 minutos.
XXXXX- PROGRESO VS ESCLAVITUD SOCIAL
La historia se sitúa en Ingeniero White, el puerto de
Bahía Blanca, donde desde finales del siglo XIX se asentaron muchos inmigrantes,
entre ellos, croatas, atraídos por la llegada del tren –entonces, ingleses- y
la posibilidad cierta de trabajo. Este progreso fue momentáneo pero ayudó, en
esos años, a crear un pueblo-ciudad que aún subsiste aunque con condiciones
socioambientales muy diferentes.
A través del relato de ex ferroviarios, de directivos
del museo de la ciudad donde se encuentran maquinarias de los ferrocarriles así
como juegos didácticos para los chicos, el aporte de vecinos y de trabajadores
del polo petroquímico que sucedió a la pesca y al ferrocarril (por ese puerto
se trasladaban los granos a Inglaterra), se logra un potente relato sobre las
consecuencias de la destrucción ambiental. Una de las empresas alojadas es
Petrobras, la brasileña, que, junto a otras firmas, ha provocado escapes de
cloro y otras substancias así como explosiones y la muerte de obreros por las
mismas sin que los vecinos encuentren respuesta de las autoridades policiales y
judiciales hasta el momento.
Es decir, se ejemplifica fehacientemente que el
progreso provocó esclavitud social y tal impunidad que la pesca no existe más,
aunque salgan uno o dos barcos diarios, y que la sociedad que subsiste sepa que
está bajo la severa amenaza de muerte por intoxicación cuanto menos.
Este tipo de material cinematográfico, que siempre
apoyamos desde estas páginas, tendría que tener difusión en las escuelas
secundarias de todo el país. Resultan aleccionadores y hacen a la conciencia
colectiva de una nación.
Elsa Bragato
VEREDAS
De Fernando Cricenti. Con Ezequiel Troncoso, Paula
Reca, Alan Sabbagh, Ana Pauls, Paloma Contreras, entre otros, con participación
especial de Fernando Bravo. Música de Fabián Picciano. Duración: 71 minutos.
XXXXX- HISTORIA DE ENCUENTROS
“Veredas” nos cuenta la historia de dos jóvenes,
Federico (Ezequiel Troncoso) y Lucía (Paula Reca), que se encuentran
casualmente en las calles de un barrio cuyas veredas recorrerán persiguiendo al
novio de Lucía. La joven desconfía de su soltería, y cree que es padre de un
niño.Para Federico la vida es bastante vacía, ha roto su noviazgo, y parece que
el “nihilismo” se apoderó de su espíritu por lo que, sin saber muy bien
cómo, se suma a esta pesquisa de Lucía,
es decir, deja hacer al destino. Así recorren veredas persiguiendo al joven
novio o ex de Lucía.Alguna fiesta, algún encuentro, un taxista bastante
incorrecto, matizan esta historia a la que le falta pasión en el desarrollo de los
personajes. Esto no significa que la narración sea despareja: Fernando Cricenti
maneja muy bien la realización de una historia pequeña. Pero el guion no lo
ayudó. No obstante, los sentimientos de celos adolescentes puede atraer al
público joven. Fernando Bravo hace una aparición como tal y a través de
anuncios telefónicos, un aporte simpático para esta historia de amores y
desamores.
Elsa Bragato
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