BUGONIA, DESBARRANCADA, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 11 DE DICIEMBRE DEL 2025

 

JUEVES 11 DE DICIEMBRE DEL 2025

BUGONIA

Dirección de Yorgos Lanthimos. Basado en la película surcoreana de Jan Joon-hwan titulada “Save the green planet”, del 2003. Con Emma Stone, Jesse Plemons, Aidan Delbis, Stavros Halkias, entre otros. Fotografía de Robbie Ryan, Música de Jerskin Fendrix. Duración: 118 minutos. Irlanda en coproducción.

XXXX – SANGRIENTO RELATO SOBRE LA SALVACIÓN DEL ECOSISTEMA

El realizador de “La favorita”, el griego Yorgos Lanthimos, regresa con una historia mórbida, gore, que une dos temas aparentemente opuestos: la muerte de las abejas y la salvación de la madre de uno de los protagonistas, el rubio desgreñado Teddy Gatz (Jesse Plemons). Este, dedicado a la apicultura, cuenta con la colaboración de un joven, Don (Aidan Delbis), quien también cree que la culpable de la muerte de abejas es una empresaria poderosa (Emma Stone) a la que raptan considerándola además un “alien”. La rapan y la mantienen cautiva en una casona donde la interrogan bruscamente. Algo sucede para que Michelle (Stone) reaccione haciéndoles creer que es alienígena y que llegará una nave extraterrestre justo cuando se produzca el eclipse para el que faltan horas. A medida que se acerca la fecha, los nervios de los captores se aceleran.

Esta película de Lanthimos está lejos de la calidad técnica de las anteriores. Los planos utilizados lo devuelven al cine clásico con efectos especiales propios del thriller y del terror fantástico.  A medida que avanza la narración, se hace menos críptica y se empieza a conocer el verdadero motivo del secuestro. Las abejas son una excusa que se abandona paulatinamente (Bugonia es el nombre de un mito que creía que las abejas nacían de bueyes sacrificados, simbolizando la vida que surge de la descomposición) porque Teddy reconoce a Michelle como la “Reina” de los aliens por lo que debe ayudarlo.

La narración de Lanthimos es eficaz por el manejo de los conflictos: una charla amable en apariencia entre Michelle y Don da inicio a una serie de conflictos brutales que embadurnan la pantalla de sangre, llevando la historia a un final abierto. Es que en el desenlace Lanthimos tuerce la fábula hasta hacer explotar la narración. Sin duda, el realizador griego es ducho en la manipulación del terror psicológico y atrapa aunque trabaje con tres actores, Teddy, Don y Michelle, durante una larga hora, hasta que aparecen personajes inesperados y el relato “chambre-players” se quiebra y se mediocriza. La firma de Lanthimos nos asegura un entretenimiento genuino, bien planteado y realizado, pero, si pensamos en lo que el director nos ha dado, este revival del film surcoreano del 2003 no deja de ser una copia con mejoras notorias que la elevan un poco más dentro del género.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

ESTRENOS PREVISTOS PARA ESTE JUEVES

1)       DESBARRANCADA, de Guadalupe Yepes, con Luis Machìn. Argentina

2)       SUEÑOS-DREAMS, de Michel Franco, México.

“Jessica Chastian està escalofriante. Franco no permite que nada distraiga la atención de sus cámaras, observando el comportamiento de sus personajes con detallismo forense, a la vez fascinante y perturbador”, de David Rooney, The Hollywood Reporter

 

“Los dos desarrollos finales de la trama son chocantes, si no es precisamente sorprendetes, pero Franco nos regala sin duda un drama emocional apasionante, sobrecargado de sensualidad tóxica y miedo”, de Peter Bradshaw, The Guardian.

 

3)       NOCHE DE PAZ, NOCHE DE HORROR, USA

“ A veces es tonta. No se toma a sí misma demasiado en serio. Sin embargo, tambièn tiene algo muy fuerte y oportuno que decir”, de Ryan Scott, SlashFilm

4)       3000 km DE BICICLETA, Argentina, de Iván Vescovo.

Este documental narra la experiencia vivida por Iñaki Mazza, campeón olímpico de BMX, quien recibe mensajes de Abyss, que está recuperándose en la Patagonia. Es un estímulo por lo que decide retomar la bicicleta para correr hacia ella. Vescovo no solo apeló a la habilidad de un deportista profesional sino que generó un clima lírico, amoroso, que justifica la hazaña de Iñaqui, con mojones de sorpresas a lo largo de tantos cientos de kilómetros. Se presentó en el último festival internacional de cine de Mar del Plata.

 

5)       TRES TIEMPOS, de Marlene Grinberg, Chile.Francia.Alemania.

El film cuenta una historia familiar común: una abuela que cría a la nieta y cuya rutina cambia cuando aparece su hija, madre de la joven. Es ahí donde se generan los conflictos y cierta desazón espiritual de la abuela, que empieza a darse cuenta de su rol segundón en la familia. Sin embargo, la curiosidad de esta narración es que se mezcla la belleza visual del sur argentino con las expresiones corporales y vocales de sus protagonistas, no es danza pero es sí la utilización del cuerpo como expresión de lo que no se dice, del dolor, de la alegría, arrastrándose por el suelo con movimientos rítmicos o gritar en medio del bosque. Es una propuesta diferente, con mucho de lirismo. EB

 

 

 

 

WESER, BESO DE TRES, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 4 DE DICIEMBRE DEL 2025

JUEVES 4 DE DICIEMBRE DEL 2025

WESER

Dirección de Fernando Spiner, guion de Aníbal Zaldívar y Fernando Spiner, Con Daniel Fanego, Valeria Lois y Luis Ziembrowski, Aníbal Zaldívar, Fernando Spiner, Guillermo Saccomanno, Adriana Lestido, Ricardo Roux, Leonardo Castellani y Eduardo Spiner. Voz en off: Sergio Lerer. Fotografía de Claudio Beiza, Arte de Sandra Iurcovich, Sonido de Sebastián González y Mercedes Tennina. Duración: 85 minutos. Boya Films, Prensa Cristina Zurutuza.

XXXXX – LA POESÍA COMO BOYA SALVADORA

El viejo barco Weser (a fines del siglo XIX llegó por primera vez) trajo a un ucraniano que, como parábola, abre y cierra esta película en su idioma natal, excusa de Fernando Spiner para su búsqueda de las raíces de la existencia: el mar, las aguas profundas como esencia de la vida, como el gran útero de la Humanidad, para flotar y sobrevivir, o para morir. Aguas como protagonista esencial de este film que es, al mismo tiempo, un tributo a Daniel Fanego, en su último trabajo.

La historia nos ubica en plena pandemia de Covid en un pueblo costero. Diez personas se comunican por zoom e intentan sobrellevar el aislamiento con poesías, con charlas, que les den un significado superior no solo a lo que están viviendo sino también a la vida misma.

Formalmente, la narración está dividida en cuatro capítulos: La inspiración, La ciudad de las Orcas, Montpellier, y El Regreso. Cada uno de los participantes del zoom como Daniel Fanego, o Daniel Ziembrowski, entre otros, ofrece su referencia de la vida y de la muerte, munidos de un poema, para tratar de entenderla como un paso hacia otro estado o como un final absoluto.

Spiner busca en el arte poético esa boya que aferre a la vida, mientras cada participante tiene su propia idea que el realizador trabaja con una cámara subjetiva, a veces sumergiéndola en las profundas aguas del océano. La poesía surge en la voz de cada participante como condensación de lo vital, de ese soplo cuyo origen ignoramos y nos hace respirar durante este tramo entre el útero y el más allá, entre las aguas de vida y las aguas finales.

Esencialmente el trabajo de Spiner (aparece al lado de Fanego explicándole una toma para luego dedicarle uno de los capítulos, Montepellier) es transformar en imagen lo inasible partiendo de una obstinada existencia que busca una tabla donde aferrarse para superar lo inexorable. Muerte de color blanco, de color negro, un paso que deberemos dar, una compañera que no estimamos, y que, sin embargo, la poesía ayuda a entenderla como extensión de una vida tan profunda y extraña como el mar mismo; en él puede residir el secreto de este paso que se nos permite dar entre las aguas iniciales y las finales.

Sin lugar a dudas, es un film de exquisito concepto existencial, donde Spiner maneja con sutileza y firmeza las alegorías y la realidad, lo metafórico unido a lo onírico con la existencia del aquí y ahora. Spiner sabe cómo tocar el alma.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

BESO DE TRES

Dirección de Chad Harigan, con Zoey Deutch, Jonah Hauer King y Ruby Cruz como el trío protagónico. Fotografía de Sing Howe ¨Yan, Mùsica de Keegan De Witt. Filmada en locaciones urbanas de los Estados Unidos. 102 minutos.

XXX – AMORES LIBRES CON CONSECUENCIAS SOCIALES

Una noche de alegría, bebidas, besos, pueden acarrear, en tiempos donde las formalidades se han tornado en “antiguas”. en un verdadero tormento a futuro. Es lo que ocurre con tres jóvenes, Connor, Olivia y Jenny, quienes comparten deseo, sexualidad, hasta que se dan cuenta, que las dos jóvenes estàn embarazadas. Surgirán otros amoríos, mentiras de hombres casados, algo así como “cacería” de presuntos padres mientras se agiganta la responsabilidad del joven “del beso” que debe asumir un presente sin relación con el futuro soñado.

Estamos frente a una narración que pone sobre el tapete las consecuencias de hábitos comunes desde hace varias décadas en nombre de una presunta libertad de conductas y empoderamiento tanto de mujeres como de hombres jóvenes quienes se exponen a situaciones indeseadas y hasta violentas.

En rigor de verdad, por sobre la trama en sí, se muestra una realidad social basada en el caos, en el no compromiso, en no tener cuenta que las sociedades siguen comportándose con la base de siempre: el hogar tradicional. El caos, el desorden en las parejas, los tríos, los “permitidos”, dan como resultado dolor, daño, y una toma de decisiones que no son diferentes a las de otros tiempos.

Las locaciones son sencillas, sus personajes son espontáneos mientras se consolida la idea de que las sociedades no cambian su esencia y el resto es tan solo hipocresía para mantener un orden social que se debate entre una anarquía o el deber cumplido.

Elsa Bragato, acttoresonline.com

TUNUN

Documental sobre las consecuencias de la construcción de la autovía de Punilla fue destruyendo casas rurales de las comunidades originarias, los comechingones, y ocupando un “hábitat” que desplaza sin destino seguro a quienes habitaron esas tierras hasta ahora. El documental se basa en una fotografía del lugar, en largos recorridos por los montes y su vegetación. Sin mayor variedad visual, expone con claridad el problema de las poblaciones dueñas de esas tierras. El primer docoumento que las tiene en cuenta es del año 1573, y en 1817 las comunidades compran las tierras. Pero en el 2022, sin culsta previa, se inicia la construcción aludida. Direcciòn, montaje, de Yannick Constantin y Yanina Luponio Sáenz. E.Bragato

76 89 23

Documental de Federico Benoir.

Se considera un homenaje al documental 76 89 03, del 2000, una obra de culto. Sin embargo, mientras se trató en el primero varios aspectos y épocas determinadas, la narración audiovisual propuesta en esta oportunidad no tiene gran atractivo visual, sucesión de entrevistas que aportan lo suyo pero sin despertar interés salvo para un target determinado seguidores del primer documental. E.Bragato

ESTRENOS PREVISTOS PARA ESTE JUEVES

1)FIVE NIGHTS AS FREDDY’S 2, de Emma Tammi. Con Josh Hutcherson y Elizabeth Lail. Està basada en la serie de juegos de Scott Cawthon. Luego de la primera película donde una determinada bar ocurrieron hechos demoníacos y desapariciones, la búsqueda de estos últimos desencadenará horrores inimaginados para sua protagonistas. No habrá segundas posibilidades. Dentro de los filmes de terror, es una de las más recientas apuestas del cine de USA, que trae UIP. Los clishés existen pero minimizados por la propuesta narrativa que surge de los juegos de Cawthong.

2) FUE SOLO UN ACCIDENTE, de Jafar Panahi. Ganadora de la Palma de Oro en Cannes 2025. Desde 2023 el notable realizador Panahi de origen iraní goza de ciertas libertades luego de padecer arresto domiciliario y la prohibición de filmar durante años, al punto tal que èsta es la primera película que puede presentar en libertad e incluso con su presencia en el festival de Cannes. Es una comedia ácida, no carente de ironía, donde con pocos personajes, Panahi pone a prueba la legitimidad de la justicia por mano propia o la legitimidad de concurrir a una justicia “justa” cuando se descubre quén fue el torturador o bien el carcelero despiadado.

Ew tan notable su capacidad de síntesis y recreación de situaciones que Panahi es uno de los grandes directores del siglo XXI porque maneja la creatividad inteligente por sobre los artilugios de los efectos especiales. Para Panahi no existen estos últimos sino los reales, feroces como los que se puedan generar en computación, por lo que trabaja  con la verdad de los hechos y sus propias vivencias. Notable realizador del que, por suerte, pudimos conocer sus “películas de la clandestinidad”.

ESTRENOS EN STREAMING, NETFLIX

EL CUCO DE CRISTAL

de Laura Alvea y Juan Miguel del Castillo. Sobre la novela homónima de Javier Castillo. Con Catalina Soopelana, Alex Garcìa, Itziar Ituño, Iván Massagué, entre otros. Una temporada, seis capítulos de aprox. 42 minutos cada uno. España.

XXX – ADICTIVO THRILLER CON SALTOS TEMPORALES Y AESINATOS A ROLETE

De alguna manera, el pájaro llamado Cuco por su canto tiene algo que ver con esta historia: la hembra pone huevos en el nido de otras aves y espera que se los críen. Pronto olvida que es mamá y hace su vida. Pero subsiste ese espíritu a través de sus hijos. Algo así, aunque relacionado con los asesinatos, sucede en esta complicada narración donde en el 2022 una médica sufre un desmayo y recibe el trasplante de un corazón. Un año después, la madre del donante quiere conocerla y la invita a su pueblo. Pero, sin ninguna razón aparente, la historia se vuelca hacia el 2002, cuando un niño descubre lavándose las manos ensangrentadas a su padre. A partir de allí, la sucesión de hechos que mantienen en vilo al espectador va saltando en el tiempo, 2003, 2023, hacia adelante, hacia atrás, con una rapidez exagerada. El thriller se transforma en un rompecabezas con personajes o asesinados o a asesinar, hay que estar muy atentos. Incluso un personaje principal descubre quién es su padre (¿este padre podría ser el joven papá que se lavaba las manos ensangrentadas?) y decide esconderlo por diversos motivos. Finalmente la historia parece ordenarse en tiempo y espacio, pero por pocas secuencias.

La realización es estupenda como la mayoría de las producciones de España. El Cuco de Cristal, al que habrá que desentrañar en la serie, no es la excepción: logra a duras penas que sus alternancias temporales no logren confundir del todo al espectador pero su realización es impecable. Tiene una tensión muy bien trabajada que, aún confundidos o no, se mantiene hasta el final. Muy buen pasatiempo.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

 

KARLA, LA INFILTRADA, ANGELES, ESTRENOS DE CINE Y STREAMING DEL JUEVES 27 DE NOVIEMBRE DEL 2025

JUEVES 27 DE DICIEMBRE DEL 2025

Esta semana se caracteriza por dos directoras que llevan a la pantalla el caso de dos mujeres jóvenes que fueron claves en la resolución de casos de violencia familiar y terrorismo político.

KARLA

De Christina Tournatzés, Cinematografía de Florian Emmerich, Mùsica de Alexander Rubin, con Elise Krieps, Rainer Bock, Imagen Kogge, Torben Liebrecht, entre otros. Duración: 105 minutos. Alemania

XXXXX – KARLA, SÍMBOLO DE LA RESILIENCIA

Bien dijo la directora Christine Tournatzés que, cuando conoció el guion a cargo de Yvonne Gorlach, sintió una profunda conmoción porque estaba basado en un hecho real: una niña de 12 años que, en 1962, se animó a denunciar a su padre por violarla repetidamente. Este impacto emocional que le provocó el hecho lo transfirió con soberbia decisión a la pantalla transformando el guion en la historia de Karla (inconmensurable Elise Krieps).

Sin la actriz Elise Krieps y la expresividad de su mirada y su gestualidad tan particular este film no hubiese sido posible: se unieron una gran directora y una actriz con la sensibilidad a flor de piel, capaces, una con la cámara y la otra con su potente mirada, de decir lo más doloroso sin palabras, con pausas, con silencios y miradas prolongadas.

La voz de la mujer no era escuchada en la masculinizada sociedad de la década del 60 si bien fue un período de quiebre de viejas ataduras. Esa pequeña, Karla, se escapa de su casa, va a un internado, y se presenta ante un juez, siendo capaz de enfrentar un juicio oral y ser escuchada por la convicción de su postura, basado más en gestualidades que expresado con pelos y señales, convirtiéndose en el ejemplo de la resiliencia. Karla enfrenta el abuso intrafamiliar teniendo en claro que siempre existe algún mecanismo social que escucha. Solo no hay que callar.

Que de eso se trata esta película que atrapa por la fiel reconstrucción de época, por la cámara subjetiva de una directora como Christina Tournatzés, y porque es imposible despegar la mirada del rostro tan peculiar y expresivo de Elise Krieps. No conocemos otros trabajos de esta actriz pero con éste nos alcanza y sobra para decir que es una artista magistral al transformar un rol en un ser vivo que remueve conciencias y grita un pedido de justicia al mundo. Excepcional.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

LA INFILTRADA

Dirección y guion de Arantxa Echevarría, coguionista de Amelia Mora. Fotografía de Daniel y Javier Salomones, Música de Fernando Velázquez, con Carolina Yuste, Luis Tosar, Víctor Clavijo, Nausica Bonning, Pepe Ocio, Pedro Casablanc, entre otros. Duración:  118 minutos. España. Ganadora de dos premios Goya 2’25: Mejor Pelìcula y Mejor Protagonista femenina.

XXXXX – INTENSO THRILLER SOBRE LA DISOLUCIÓN DE LA ETA

Como en el caso de “Karla”, la directora española Arantxa Echevarría decidió llevar al cine la vida de la única mujer que se infiltró en un grupo terrorista, una historia real cuya protagonista hoy vive fuera de España con otra identidad: en la vida real ´nació como Elena Tejada, a los 20 años aceptó la propuesta de infiltrarse en el comando Donosti, de la ETA, alejándose de su familia, sabiendo que nunca sería reconocida como heroína y que bien podía terminar con un tiro en la frente. Para Elena, cuyo único amor era un gato, era una gran oportunidad y la aceptó. Su jefe, Angel (el gran Luis Tosar) fue su sostén en los casi 8 años en los que permaneció como “Arantxa”, diminutivo de Aranzaze Berradre Marína, si bien su personaje se llama en la ficción Mónica Marín, una más del barrio Abertzale y la habitué del bar Herriko Taberna, sitio de reunión de los etarras. Su comportamiento jamás levantó sospechas por lo que dos etarras le piden vivir con ella para tener seguridad.

La tensión narrativa es creciente porque “Arantxa” va dando información a “Angel”, con la seguridad de que en su departamento había micrófonos y que estaba siendo cuidada a distancia por un equipo antiterrorismo.

Hay secuencias cruciales en los que la historia cobra máxima tensión como, por ejemplo, la colocación de los micrófonos mientras los etarras se acercaban al departamento o cuando Arantxa le lleva a Angel el listado de los próximos asesinatos con el tiempo contado para devolverlo.

Hay un gran poder de síntesis en la concepción cinematográfica de “La infiltrada” que no afecta a la historia de estos ocho años de infiltrada de Elena-Arantxa, con conflictos que resquebrajan la aparente paz, si bien están dosificados de manera tal que sobresaltan, pero no quiebran el relato.

La actuación de Carolina Yuste, ganadora del Goya por este trabajo (tiene en su haber otro Goya como actriz de reparto), es inmejorable, secundada por Luis Tosar de quien se conoce su calidad escénica también muy premiada. La actriz imprime un grado de ingenuidad frente a acontecimientos límites que hace creíble lo que en verdad sucedió: casi ocho años de trabajo silencioso para desarticular al grupo cuando estaba rearmándose.

Fuera de Yuste y Tosar, el elenco tiene la solidez que requiere la historia, mientras que la directora Echevarría maneja con habilidad un thriller político con muchos vericuetos narrativos y necesarios momentos de altísima tensión para renovar el interés. A decir verdad, éste no decae nunca. Son casi dos horas de tensión de principio a fin, donde una joven mujer es rescatada del olvido por el cine. De no ser así, “Arantxa”, como le había dicho su jefe “Angel”, jamás habría sido conocida. Gran thriller político y policial a la vez con notables actuaciones bajo una dirección estricta, minuciosa.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

ÀNGELES

Dirección y Guion de Paula Marcovitch. Fotografía de Claudio Rocha, Mùsica de Sergio Gurrola. Con Ángeles Pradar, Abián Vainstein, Isabella Ramírez. Duración: 80 minutos.  Coproducción Argentina-México.

XXX – LOS NIÑOS SIN NIÑEZ

La directora Paula Marcovitch es argentina radicada en México y filmó en Córdoba esta historia donde se fusionan la vida de las niñas de la calle con un hombre que decide quitarse la vida. Rara combinación de una pequeña de 12 años, Ángeles, que vende golosinas, junto a su hermana menor, con la amistad de un cincuentón dispuesto a quitarse la vida, al que encontraron en el estacionamiento donde trabaja.

La propuesta pone a la infancia frente a una decisión adulta que debiera espantar pero que, sin embargo, para Ángeles y su hermana es un hecho para acompañar, sin duda sin conocer el alcance de lo que sucederá. Mientras, el verano aprieta y Ángeles persuade a David (Abián Vainstein) para que den paseos con el coche que tiene y se diviertan. David las complace y promete a Ángeles darle el dinero que tiene y su celular.

La narración cautiva a partir de una sinrazón: la aceptación de un suicidio en un medio nihilista por parte de dos niñas que encuentran amistad sana con un adulto que no las lastima, sino que comparte esas últimas horas de vida complaciéndolas. Por la que la realizadora dispone su cámara para describir esos momentos de disfrute amable de unas horas de vida que terminarán muy pronto. Pocas locaciones, calles de tierra, construcciones a medio terminar, algún negocio, como si fuese un círculo por donde pasan una tarde tórrida los tres personajes. La directora capta con sutileza los gestos de Ángeles que parece tener un alma adulta, le duele la partida de David pero la acepta, ante la mirada más asombrada de su hermanita menor.

Es aquí donde el relato de Marcovitch logra centralidad, es decir, importancia social : la adultez de los niños de la calle no es buscada, es aprendida a la fuerza porque las carencias de tantas cosas, hasta de familia, los obligan a quemar etapas sin darse cuenta: se quedan sin niñez. Y, desde este punto de vista, el film de Paula Marcovitch duele porque muestra una realidad con una sencillez aplastante que nos rodea y por la que nadie hace nada para cambiar.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

AMOR EN LA GRAN CIUDAD

Dirección de Lee Eon hee, Fotografía de Kim Hyung joo. Mùsica de Primary. Con Kim Go eun como Jae hee y Noh Sang hyun como Heung soo. Basada en la novela de Sang Young Park. Duración:118 minutos. Corea del Sur.

XXX - FIEL RETRATO DEL AMOR JUVENIL ORIENTAL

Corea del Sur atrae con las propuestas musicales y cinematográficas que produce destinadas a un público muy siglo XXI que incluye a la comunidad LGBTQ*. Hay un modo de vivir, de sentir, de relacionarse en una ciudad grande en la que dos jóvenes deciden convivir para ayudarse mutuamente: Jae hee (Kim Go eun) es una joven que cursa estudios universitarios y se relaciona con Heung soo (Noh Sang hyun), un joven que admira a Albert Camus, estudia francés y esconde su elección sexual: es gay. Por distintos motivos, el rumor de su sexualidad se difunde siendo Jae hee quien lo ayuda conviviendo con él.

El film recorre distintas vivencias de estos jóvenes, desde la homosexualidad de Heung soo hasta las fiestas que comparte con Jae hee quien, de esta manera, lo encubre. La cotidianeidad vecinal es similar a la de cualquier barrio occidental, tal vez más exagerada por la fuerte sonoridad del idioma. Pero los sentimientos de los jóvenes son iguales a los de esta parte del mundo. La amistad que construyen Heung y Jae no difiere en nada de la amistad entre hermanos. Y tampoco de las dificultades que, en principio, aun en sociedades avanzadas, pueden sufrir quienes se deciden por otras elecciones de pareja.

Buena fotografía, actuaciones espontáneas, locaciones que muestran un nivel de vida un tanto superior al de cualquier joven de nuestro país, son el entorno de esta singular pareja de amigos.

El film tiene un target definido, especialmente porque habla de fraternidad haciendo hincapié en la desenfadada frescura juvenil, y escarceos amorosos para definir la sexualidad, algo así como un “coming of age” oriental, incluyendo la música rítmica que los convoca en grandes conciertos y los conceptos de familia comunes a todos los seres humanos. Es una película pensada para los jóvenes que comienzan a transitar los primeros peldaños hacia la adultez sean de donde fuere.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

ESTRENOS PREVISTOS PARA ESTE JUEVES

1)  ZOOTOPIA 2, de Jared Bush  Byron Howard. animación sobre dos personajes que deben hacerle frente a un extraño que pone en peligro la vida en Zootopia. Es la continuación de las aventuras policiales de Zootopia, donde una comadreja, un zorro bravucón y una nutria se unieron en búsquedas y persecuciones varias. Es un producto de la factoría Disney.

 

2)  NO ALIMENTES A LOS NIÑOS, de Destry Allyn Spielberg.

Es el primer largometraje de una de las hijas del gran Steven Spielberg, entre apocalíptica y terrorífica. Los niños deben abandonar las tierras del Norte para marchar hacia las del Sur en busca de un lugar seguro luego de que todos los adultos hayan sido diezmados por un virus mortal. Pero no estarán exentos de peligros porque aparecerá una mujer que esconde algo muy peligroso y el que le crea, la pasará muy mal. La crítica ha sido dispar dada la violencia explícita que el film contiene, desde apuñalamientos hasta destripamientos y canibalismo ante los ojos del espectador. Muchos cuestionan la seguidilla de secuencias gore sin más sentido que el de dar golpes bajos, mientras que otros críticos se han detenido en las actuaciones destacando algunas en forma especial. A la hija de Spielberg se la encuentra debutando en el género que más le gusta a los jóvenes tenga la coherencia narrativa absoluta como no, porque lo que vale es lo que se quiere mostrar. Al que le guste el gore ya más como placer ancestral que como consecuencia de una historia, éste es el film.

ESTRENOS EN NETFLIX

De a poco vamos dando cuenta de algunas miniseries (son pocos capítulos y no sagas seriedas) de esta especial plataforma. En este caso se trata de:

HEWELIUSZ, producción de Polonia.

Se basa en el hecho real del hundimiento en el Bar Báltico de ese transbordador en enero de 1993, causando la muerte de 55 personas del total de 64 que estaban a bordo.

Para muchos, este hecho trágico es el segundo Titanic del siglo XX, hundimiento ocurrido el 13 de enero de 1993. Consta de 5 capítulos y solo en los dos primeros està filmado el terrorífico momento del hundimiento. El resto de los capítulos trata de profundizar en el drama de los familiares en tierra y de los 9 sobrevivientes y las consecuencias que tuvieron. Tiene una fotografía muy oscura por momentos, y, de alguna manera, su narración es atropellada. Està lejos del Titanic de James Cameron. Pero se deja ver para “maratonear” en alguna tarde de aburrimiento.

MANGO, película romántica

Mango es una producción de Dinamarca recientemente estrenada en Netflix que habla de la lucha por los negocios y el balance con el amor o rehacer la vida. Una emprendedora es enviada por su jefa a Málaga, España, a un resorte que tiene una vasta plantación de mangos (fruta tropical) con el objetivo de convencer a su dueño de que lo venda. Pero lejos està de èste la idea de vender tamañas tierras y plantaciones, y, mientras entre ambos se dan estas idas y venidas, también comienza a producirse un acercamiento espiritual que los hará replantearse a ambos la conveniencia de la lucha por el poder y el dinero y el amor y la familia.

Es más, de lo mismo, nada bueno bajo el sol, pero se trata de un film amable, agradable, con una espléndida fotografía, resultando placentero su visionado. De esta manera, se escapa a los productos de Hollywood que siguen basándose en armas, balaceras, persecuciones con sonoridad de estruendo. en Mango todo es apacible, y nada se sale de lo que puede ocurrirnos a cualquiera de nosotros en la vida. Vale la pena.

PELÍCULAS ANUNCIADAS DURANTE 2025, ALGUNAS CON ESCASOS DÍAS DE EXHIBICIÓN, OTRAS ESPERAN ESTRENO

 

PELÍCULAS ANUNCIADAS DURANTE EL AÑO 2025

(Algunas estrenadas sin difusión)

            Fuente: información propia

1)     DESDE ADENTRO, DE Matías X. Rispau, Argentina

2)     ANTES DEL CUERPO, C. Piazza y L. Bracells, Argentina

3)     TODO DOCUMENTO DE CIVILIZACIÓN[U1] , Documental de Tatiana Mazù González, Argentina. Se ofreció en sala L. Lugones 7 dìas.

4)     SINTIÓ ALGO VERDADERO, de Manuel Salomón, Argentina

5)     EL SUEÑO IMPOSIBLE, de Paula Romero Levit, documental sobre la familia de Pellicori-Alonso, Argentina

6)     LA IMAGEN SANTA

7)     SOMBRAS CHINAS, de Sebastiàn Baz, Argentina

8)     SONIDOS DEL MÁS ALLÁ, Kim Soo Jin, Corea del Sur

9)     EL INFIERNO DE LOS VIVOS, de Alberto Gieco, Argentina

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DOS FISCALES, PERROS, MUÑA MUÑA, ESTRENOS DE CINE Y DE STREAMING DEL JUEVES 20 DE NOVIEMBRE DEL 2025

JUEVES 20 DE NOVIEMBRE DEL 2025

DOS FISCALES

Dirección y guion de Sergei Loznitsa. Con Aleksandr Kuznetsov, Aleksandr Filippenko, Anatolly Belly, Andris Keiss, entre otros. Mùsica de Christiaan Verbeek, Fotografía de Oleg Mutu, Coproducción de Ucrania, Francia, Alemania, Países Bajos, Letonia, Rumania. Duración: 118 minutos. Distribuye Zeta Film.

XXXX –DURO Y VERÍDICO RELATO SOBRE EL TOTALITARISMO

“Los dos fiscales” narra la historia de un joven fiscal de la justicia soviética de 1937 durante el régimen totalitario de Stalin quien había casi concluido con su brutal purga de camaradas, situación social que mantuvo hasta el final de su mandato y sus días. “Kornyev” (Aleksandr Kusnetsov) recibe un trozo de papel escrito con sangre de un prisionero ubicado en Briansk. Decide visitarlo en la prisión e iniciar una serie de entrevistas sin pedirlas con anticipación, desconociendo el tipo de camaradas que enfrentaría.

Conoce así a Stepniak, el recluso bolchevique  que había luchado en la primera guerra mundial quien le muestra las brutales marcas en su cuerpo producto de las torturas, y le hace conocer lo que realmente sucede con quienes apuntalaron a Stalin, hoy el peor enemigo.

El título tiene relaciòn con el encuentro entre este fiscal joven y el fiscal del régimen, dos polos opuestos: el joven Kornyev con ideas muy claras sobre democracia y derechos humanos y el veterano fiscal que responde a Stalin para quien todos deben obedecer.

Más que dejar un mensaje, esta peculiar película de Sergei Loznitsa expone con dureza un momento en la vida del pueblo ruso bajo Stalin, dictador asesino, brutal, que no quiso dejar rastros de su pasado bolchevique. Por suerte la historia no lo olvidó (hay que recordar que la geopolítica lo tuvo como uno de sus hacedores junto a Churchill y Roosevelt en la llamada conferencia de Yalta de 1945).

La reconstrucción de época, año 1937, tiene una rara perfección, cuidándose hasta el aspecto de los materiales utilizados en esa década del siglo XX, así como el vestuario y las gestualidades de la época contaron con una estricta dirección de actores. Había en esos tiempos una manera de sentarse, de vestirse, de hablar así como una rigidez manifiesta en las oficinas estatales donde el manejo de la traición era el recurso político sine qua no, y el director Loznitsa da cuenta de todo con puntillismo.

No hay excesos ni melodrama, hay meticulosidad en la puesta en escena, siendo “Dos fiscales” una voz potente contra los nuevos autoritarismos vestidos de democracias que atentan contra los pueblos. Sergei Loznitsa hace sentir su voz y sienta sus reales en el siglo XXI al advertir sobre las larvas del totalitarismo a través de su reconocida solvencia cinematográfica.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

LA MUERTE DE UN COMEDIANTE

Dirección y guion de Diego Peretti y Javier Beltramino. Con Diego Peretti, Malena Villa, Carl Philip Wengler, entre otros, Fotografía de Gustavo Biazzi, Música de Lolo Micucci, Duración: 94 minutos. Coproducción Argentina-Bélgica.

XXX Y 1/2 – DIEGO PERETTI EN UNA PROFUNDA HISTORIA DE VIDA

Diego Peretti, actor y médico psiquiatra, toca sus fibras más íntimas para encarnar a “Juan Debre”, actor de televisión que recibe un diagnóstico que lo obliga a replantearse cada minuto de vida: tiene una enfermedad terminal. Siente que no puede permanecer más en esta ciudad y viaja a Bruselas, huye del presente como si pudiese huir de sí mismo. Pero el encuentro con otra sociedad, particular y parecida a Buenos Aires, lo obliga a refugiarse en sí mismo, sin advertir que un hecho lo obligará a una solución heroica.

Se trata de un film intimista que escapa de la grandilocuencia pero se permite reir, disfrutar y tomar decisiones fundamentales, donde Peretti realiza una labor minuciosa siendo éste su debut como director. Es esencialmente un actor para trabajar frente a cámaras porque, en verdad, uno siente que es donde mejor se mueve. Y además esta vez las dirige. En lo conceptual, se trata de una reflexión profunda a través de un personaje, es decir, más que tomar ese ropaje prestado es él quien se expone a sí mismo entre el dolor y la alegría que la vida le propone. Conocimientos para mover esos hilos no le faltan.

La película es obra también de la funcionalidad que existe entre el director Javier Beltramino y Diego Peretti, ambos con responsabilidades iguales si bien el protagonista asume el rol de “Debré”. Por detrás, el sostén es un grupo de productores (más de 10.000) convencidos de este proyecto que toma cuerpo en Diego Peretti junto a un buen elenco, trabajando el tono menor, el más personal que hasta ahora le hemos conocido al notable actor (su ciclo en Canal 7, “En terapia”, es un buen antecedente). Dentro de la cinematografía nacional, es una película diferente por el tema y cómo está tratado, obligando no solo al protagonista sino también al espectador a la aceptación de una auto reflexión sin melodrama. He aquí el quid de esta historia, regalándonos un un novel director de sólida carrera actoral.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

PERROS

Dirección y guion de Gerardo Minutti Bonilla. Con Néstor Guzzini, Marcelo Subiotto, María Elena Pérez, Noelia Campo, Rolando Suárez, Catalina Arrillaga, entre otros. Fotografía de Matías Lasarte, Música de Hernán Segret. Duración: 104 minutos. Coproducciòn Uruguay-Argentina 

XXX y 1/2 – DE MENOR A MAYOR EN UN POLICIAL COSTUMBRISTA.

El trabajo minucioso en el guion de Gerardo Minutti Bonilla volcado a un elenco sólido da este retrato social, costumbrista, que por un hecho fortuito desencadena en un thriller, un policial sin estridencias. Es una historia vecinal que, por fuera, no muestra las pequeñas miserias del espíritu humano.

La familia Saldaña es vecina de la familia Pernas que toma vacaciones y deja su perro y su casa al cuidado de los primeros. Hasta que un tercer personaje, de ésos que esconden lo que realmente son (personaje esencial para desencadenar el conflicto narrativo), incita a ver un partido en el amplio living de os Pernas y a comer y beber de lo que han dejado. Por petardos o por algo que no està  muy claro, el perro de los Pernas se escapa.

He aquí el conflicto (un perro y un vecino de mala entraña) que va generando tensión con un excelente manejo de la fotografía en claroscuros muy definidos y con encuadres muy determinados (una larga escena que toma el frente de las dos casas mientras los personajes salen de cámara o un plano secuencia breve dentro de la casa de los Pernas alumbrado por la linterna de los Saldaña). El manejo de la tensión en los diálogos de los vecinos, los encontronazos, ocurren de manera creciente sin explotar en lo siniestro, siendo el gran logro de este film que tiene características propias del cine uruguayo: pocos personajes y locaciones, pero un trabajo puntilloso en la dirección actoral.

El peso de la historia recae en tres pivots: Néstor Guzzini como Saldaña, Marcelo Subiotto (Puán) como Perna y Roberto Suárez como Sergio (el metepúa).

Sin ampulosidad de ningún tipo, Gerardo Minutti Bonilla va de lo pequeño a lo grande, infiere de pequeños detalles cotidianos un hecho mayor, producto de sentimientos de rivalidades y envidias no confesadas. Un excelente trabajo cinematográfico que rinde tributo al estilo de cine de su país. Fantástica fotografía, policial contenido, y costumbrismo vecinal: tres aspectos tenidos en cuenta y muy bien desarrollados.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

MUÑA MUÑA

Dirección y guion de Paula Morel Kristof Con Liliana Juàrez, -Sergio Prina, Ana Carina Estrada, Vincent Joel Degelche, Sophie Tirouflet, Máximo Duilio Rossaroli, entre otros. Fotografía y Cámara de Leonel Pasos Scioli, Sonido de Fernando Gallucci, Mùsica original de Gustavo Pomenarec, Duración: 71 minutos. Difusión: Garbo Prensa

XXX Y ½ - LA SOLEDAD QUE EMPODERA

La realizadora Paula Morel Kristof vuelve al pueblo tucumano El Mollar, donde pasó muchas vacaciones junto a su abuela. A partir de este conocimiento del lugar y su gente, surge esta historia de una mujer adulta, Olga (Liliana Juárez), de 60 años, cuyo único hijo está dispuesto a hacer su futuro en el exterior. La sensación del “nido vacío” está  en el alma de Olga que, como sucede con el común de las mujeres, dedicó su vida a la crianza de su hijo. El futuro de soledad se le hace presente, acompañado por el entorno rural, solitario tanto como Olga empieza a sentirse. Pero hay amigas del barrio que salen a bailar todas las noches casi arrastrando a Olga con la mejor voluntad: que encuentre a alguien que la mime.

La clave de Muña Muña (hierba que da un tecito para que el amor nunca falte) está en el comienzo de la película, donde la realizadora pone en primerísimos planos distintas flores con el sonido de la excelente banda sonora de Gustavo Pomenarec: el alma de la protagonista debe florecer, es la consigna. Tal vez en un amor del momento o, quizás lo más importante, dándose cuenta de que su soledad la empodera, siendo capaz de vivir por sí misma aun con el nido vacío.

De esto se trata la propuesta de Morel Kristof: la capacidad de resiliencia para quien ha pasado la vida trabajando y siendo madre. De pronto, todo cambia, pero siempre está el ofrecimiento que da la vida de volver a empezar. Para Olga es volver a ser ella, sin condicionamientos, puede elegir, la soledad no será condena.

Liliana Juárez como Olga ha sido la mejor elección del casting, es ideal para este rol de una madre consagrada a su hijo. Tiene la mirada y la gestualidad exactas que requiere su personaje, con pausas y silencios que son un reflejo de su estilo de vida. La soledad que la circunda es una extensión de lo que siente.

En este juego narrativo de naturaleza y personaje maneja Paula Morel Kristof su historia cinematográfica, en la que sintetiza los muchos sentimientos que vivió de pequeña. Sentida propuesta, romántica y real a la vez.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

PUTAS

Dirección y guion de Demián Alexander. Con Esmeralda Mitre, Carlos Belloso, Roly Serrano, Fabián Vena, María Rosa Fugazot, entre otros. Fotoprafía de Fede Lorenzo, Música de Diegp Frenkel. Duración: 104 minutos.

XXX – SÓRDIDO Y VIOLENTO RELATO SOBRE LA PROSTITUCIÓN

El tema no da para muchas explicaciones. El director Demián Alexander filma seis casos de prostitutas a través de actuaciones que hacen creer lo que no ocurre. Desde la intensa actuación inicial de Esmeralda Mitre que atraviesa su variada gama dramática, Roly Serrano como un “cafisho”, Carlos Belloso mostrando quizás el lado más humano de un hombre frente a una prostituta, María Rosa Fugazot como la madre de un discapacitado para llegar a un Fabián Vena en escenas sexuales actuadas. Todo está enmarcado en el clima de sordidez que la prostitución tiene, sea por voluntad propia o a la fuerza.

En este caso hay que destacar el trabajo fotográfico, que va de los intensos rojos a un blanco y negro, para tornar a colores más reales o bien la luminosidad de la escena de sexo en una piscina, enmarcando la narración dentro de los márgenes que cada caso fue requiriendo.

Es un film violento, tal vez en algún punto procaz en el que hay que destacar la capacidad actoral de quienes intervienen, incluyendo la extensa escena final, una performer donde no se ahorra nada, ni la droga, ni la homosexualidad, ni la incitación. En teatro tenemos una obra sobre la sexualidad (Muscari), faltaba la versión performática en el cine donde, además, se manejan emociones de los personajes que, por sobre la actuación, golpean, chocan, con la sensibilidad del espectador porque se ve lo más oscuro del ser humano, la obligación de hacer para vivir y no la elección de otro camino de vida. El film violenta desde el título, teniendo en cuenta que hoy en día a nadie se lo señala por lo que hace para subsistir ni por la discapacidad y cómo resuelve los aspectos íntimos.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

CINE Y SERIES EN NETFLIX

                           LA NUEVA BRIGADA

Miniserie de 6 capítulos, presenta Netflix. Suecia y Dirigida por Emst, Sekersoz, Lindstrom. Con Agnes Westerlund, Josefin Asplun y Malin Persson.

XXX – MUJERES EN ACCIÓN

La miniserie “La nueva brigada” recoge un hecho real ocurrido en 1958 en Estocolmo, cuando se decidió formar como policías de ciudad a un grupo de mujeres. Era en carácter experimental, pero las tres mujeres fueron ganando terreno al encontrar en sus compañeros asignados, policías con años de experiencia, gran dejadez en sus tareas, no intervención en hechos graves, el “dejar pasar”. Las chicas, cada uno a su tiempo, toman parte de hechos delictivos frente a la inercia de sus duplas respectivas. En los diferentes capítulos, breves, de poco más de media hora, se ve cómo se enlazan las vidas personales con el trabajo: la que quiere ser policía por sobre el sueño del hogar, la que es engañada por un apuesto compañero, la que descubre una sala de abortos clandestinos yendo tras una prostituta ahogada en los ríos cercanos.

Las chicas son seres comunes y corrientes, que viven al día, en un solo departamento y a quienes las situaciones se les complican en lo personal y en lo profesional.

Hay escenas fuertes cuando se atrapa a un ladrón y se lo lleva a un galpón para golpearlo frente a una de las mujeres policías, hay otra que sufre la burla de sus compañeros llamándola Miss Suecia, es decir, se las somete a pruebas constantemente porque el afán de los varones es que se las eche. No se puede decir que las cosas hayan cambiado mucho dada la competitividad del varón y la necesidad de la mujer de ser sustento de su hogar para ayudar o bien para mantenerlo sola.

Esto ocurrió realmente en 1958, pero tranquilamente puede ser un tema de hoy en día.

Destacamos la sensibilidad con la que el pool de directores trata a los personajes, mostrando apenas hilachas de los más malos y dejando que las mujeres policías decidan por sí mismas qué hacer. El material nórdico que ofrece Netflix es, en líneas generales, de muy buena calidad, sin la parafernalia hollywoodense. Historias cotidianas. Por todo eso, si tiene tiempo, no la deje pasar. Es un buen producto sin estridencias.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

ESTRENOS PREVISTOS PARA ESTE JUEVES

1)  WICKED POR SIEMPRE,  de Jon M. Chu. Con Ariana Grande, Cynthia Erivo, entre otros. Es la segunda parte del la adaptación al cine del musical de Broadway. El target es el público que sigue este género que tiene grandes hitos históricos como “Evita”. Si no le gusta que canten mientras hablan, no vaya al cine.

 

2)  JUJUTSU KAISEN EJECUCIÓN. de Shota Goshozono. Es animación que recopila varias historias tales como la de Shibuya Incident, los dos primeros episodios de su secuela Jujutsu Kaisen 3, y la secuela del anime Jujutsu Kaisen Hidde. Estilo oriental, específicamente del Japón, parauienes siguen mangas y animés.

3)  TERROR EN SHELBY OAKS, del periodista Chris Stuckmann. Con este film de terror sórdido Stuckmann se consagra como una de las promesas más certeras del cine de género. En este caso, luego de 12 años de una joven, su hermana empieza a darse cuenta de que los miedos de la infancia tuvieron seguramente un “hacedor” un demonio escondido. Las secuencias son realmente de un terror de gran calidad de ésos que hacen pasar un agradable mal momento. Asì que los amantes del género estarán de parabienes descubriendo una nueva trama y un prometedor director que tendrá ya en carpeta varios guiones para seguir asustando.

4)  JACK KELLY, de Noah Baumbach. Es el regreso a la pantalla grande de George Clooney en el papel de un actor que viaja con su manager y van asumiendo las consecuencias de distintas acciones que fueron tomando, así como se plantean el “después”, de cada uno de ellos. La película resulta muy agradable, pero nada más, aunque hay que destacar que poner sobre el tapete la fama, el dinero, ser un mito en Hollywood, tampoco es poca cosa. Es un buen film que retrata esos aspectos de una estrella que suponemos pero que no siempre llegamos a ver.

5)  ADIÓS SUI GENERIS, el film de Bebe KAmin se filmó en 1975. A 50 años de aquel adiós que protagonizaron Charly García y Nito Mestre, entre otros excelentes mùsicos, se confirma el reestreno del documental en las salas del país. Fue anunciado alguna que otra vez pero, al parecer, èsta es la definitiva: se podrá ver el film de Kamin registrado en la última función de Sui Generis que realizò en el Luna Park hace cinco décadas.

 

FRANKESTEIN (NETFLIX), VIEJA LOCA, LUCIANO, ESTRENOS DE CINE Y STREAMING DEL JUEVES 13 DE NOVIEMBRE DEL 2025

 

JUEVES 13 DE NOVIEMBRE DEL 2025

SEMANA SIGNADA POR TRES SUPERESTRENOS: EN NETFLIX, FRANKESTEIN, DE GUILLERMO DEL TORO. EN LAS SALAS, VIEJA LOCA, DE MARTIN MAUREGUI, Y MODIGLIANI, TRES DÍAS EN MONTPARNASSE, DE JOHNNY DEPP.

FRANKESTEIN

De Guillermo del Toro, basado en la novela de Mary Shelley, versión de Del Toro. Fotografía de Dan Lausten, Música de Alexander Desplat. Con Oscar Isaac, Jacob Elordi, Mia Goth, Christoph Waltz, Felix Kammerer, entre otros. Duración 140 minutos.

XXXXX – SUPREMACÍA DE LA PRODUCCIÓN POR SOBRE EL PERSONAJE

El médico que trabajó con cadáveres hasta crear a un ser humano, humanoide, con restos de otros cuerpos es harto conocido, producto de la imaginación de la escritora Mary Shelley, esposa del poeta romántico inglés Percy Shelley. Las diferentes versiones de este humanoide se iniciaron en 1931 con la insuperada versión de Boris Karloff. Pero no hay otro Frankestein que, salvo aquella primera indicada, pueda rivalizar con esta versión donde se logra unificar una gran historia con la tecnología actual, creando el mundo gótico soñado por Shelley, acorde a una criatura imaginada hace casi dos siglos, pero con el estilo voluptuoso de Del Toro.

Son apabullantes la escenografía, así como los efectos utilizados, tanto como el vestuario, el sonido, la elección de los actores y de las locaciones, especialmente las pintorescas calles de las ciudades de Edimburgo y Glasgow (Escocia).

Este Frankestein de Del Toro es bello, encarnado por el llamado “chico del momento” Jacob Elordi, y es esencialmente sensible, aspecto resaltado por el realizador mexicano tanto como quiso su creadora, la imaginativa Mary Shelley: la rebelión contra su creador pasa por los sentimientos y no por la maldad.

La narración de Guillermo Del Toro no se aparta de la historia creada por Shelley sino que, tal como en el original, la divide en dos partes. En principio, aclaremos que el original pertenece al subgénero epistolar. El capitán Robert Walton le va enviando cartas a su hermana sobre la aventura de dirigir su barco hacia el Artico donde queda encallado. Repentinamente capitán y marineros ven a un ser arrastrándose en los hielos que les pide ayuda. Es Víctor Frankestein quien comienza a contarles su historia: la creación del humanoide, la sensación de culpa por sus acciones. Y, en la segunda parte, tal como narra Del Toro, es el propio humanoide Frankestein quien cuenta su historia, su sufrimiento por ser despreciado, no tiene belleza sino que asusta, tan alto, con tantas cicatrices.

El film en sí no produce inmediata empatía, aunque logra conmovernos porque se trata de una producción sin parangón que fascina y agobia a la vez.  Es justo también decir que el “bello” Frankestein es un personaje de escaso desarrollo y responde más a la idea del monstruo de Del Toro que al de la escritora Shelley.

Por sobre todo comentario, estamos frente a una obra maestra de la cinematografía actual. Guillermo del Toro tiene en su haber los máximos premios de Hollywood surgidos de títulos como La Forma del Agua, donde creó su propio Frankestein (el hombre anfibio pleno de ternura y erotismo) sin olvidarnos de El espinazo del diablo, que interpretó nuestro Federico Luppi, o Pinocchio, o el Laberinto del Fauno, entre otros títulos. “Frankestein” de Guillermo del Toro escapa a los cánones de la crítica: es el concepto de belleza cinematográfica de un gran realizador. Hay que verla, hay que sentir la supremacía de una producción que evade cualquier calificativo.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

ME ACUERDO

Documental de Herman Scwarzbart, coguionista: Fernando Krapp.

XXX – LA VIDA COTIDIANA VS LA REALIDAD VIRTUAL DE LA TELE

A través de la voz del escritor Martín Kohan, aparecen las imágenes del archivo audiovisual de Canal 9, entre 1973 y 1980. Se recuperaron, en principio, 12 mil latas nunca emitidas con este valioso material que revive un pasado reciente.

Mientras en pantalla se ven a los dictadores que en los 70 tomaron el poder político por asalto, la voz de Kohan va relatando su niñez, la relaciòn con sus padres, su adolescencia.

O sea que a partir de la infancia de Kohan (lee pasajes de su libro “Me acuerdo”) se resignifica un material de noticiero del que muchas veces sus imágenes[U1]  son distópicas respecto del relato. Sin duda, la vida de cada uno de nosotros, puertas adentro, junto a nuestra familia, transcurrió como la de Kohan, con escuela, obligaciones, respeto, desorden, retos, mientras afuera la realidad sociopolítica indicaba una total oposición a las necesidades de los ciudadanos.

Las noticias que se transmitían evidencian una desconexión total con nuestras propias vidas. Esta disociación subsiste, poco y nada se ofrece en los noticieros de la televisión que se acomode a la cotidianeidad nuestra. Se produce, con notable habilidad por parte del realizador, una no empática relación entre el relato de Kohan y la narración audiovisual. Se entrelazan recuerdos e imágenes de dictadores con escrupuloso detalle sin que lo que se cuenta en “off” tenga relaciòn con lo que se ve en pantalla.

Nuestra memoria reconoce sus vivencias, no las del noticiero que vemos como si fuese un film que no hubiésemos querido conocer por los personajes que la protagonizan. La vida pasaba y pasa por otro lado, el de cada integrante de la sociedad real. Muy valioso documental.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

GUERRA OCULTA

Documental de Alexis Coindreau. Guion de Tim Ballard. Con Tim Ballard y Alejandro Treschzansky, entre otros. Duraciòn: 96 minutos.

XXX- LUCHA CONTRA LA TRATA DE NIÑOS

Para los argentinos, Tim Ballard no es un desconocido. En principio, es un republicano ex agente de la CIA de los Estados Unidos que estuvo junto al actual presidente Donald Trump. Vive en Utah (ciudad que también cobijo al recordado Robert Redford) y recorrió el mundo como agente incluso encubierto para descubrir centros de explotación sexual infantil.

A sus casi 55 años, a Ballard se lo ha visto con Patricia Bullrich, tanto como con el ministro de Justicia Mariano Cúneo Libarona, en una especie de antecocina, donde lo grabó y luego difundió a los medios: allí nuestra autoridad dio la impresión de ofrecerle ayuda a cambio de algo en su tarea. Tim Ballard casi no abrió la boca. Se limitó a filmar de incógnito.

Su popularidad tuvo ataques por doquier, en especial de Alan Mortensen, abogado demócrata que se alió a Kelly Alvarez, la principal tratante de niños que vive en Cartagena, Colombia. No fue su abogado sino su cómplice. Incluso el destacado colega Rolando Graña entrevistó a Ballard permitiéndole decir su verdad y denunciar la persecución que sufre.

En este documental va descubriendo la actividad de varios sospechosos bien identificados como pedófilos, incluso gente joven que afirma tener sexo con niños de entre 4 y 11 años. Se muestran varios allanamientos que no dejan de estremecer: cuartos con camitas ya preparadas y bolsas de juguetes que, por cierto, no pertenecen a adultos. Más que conmover, remueve el estómago saber que más de 300 mil niños por año, cuanto menos, de nuestro país como de Brasil y otros de América Latina ingresan a los Estados Unidos de manera ilegal para apagar los inmundos deseos sexuales de los yanquis. Se sabe quiénes son, pero da la impresión de que un tipo con agallas, aun con varias manchas encima (no las hemos comprobado), puede identificarlos, o a cara descubierta o bien como agente encubierto en operaciones tanto en nuestro país como en cualquier parte del mundo a través de las organizaciones que creó. Es un film que enoja, perturba en demasía, da asco, y nos hace preguntar, una vez más, por Loan, dónde está.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

LOS BRIGADISTAS

De Andrés Cedrón. Fotografía y cámara de Leonardo Val, Montaje de Georgina Barreiro, Dos unidades de filmación, Tomas aéreas de Neuquén de Leonardo Val, Tomas aéreas de Comarca Andina de Leonardo Val y Alan Schewer- Malo producciones, Tomas aéreas en Tierra del Fuego de Leonardo Val y Alfonso Lavado, Música de José Teodoro Larralde, letras de Cosas que pasan, “La plantita” de Juan Tata Cedrón y el cuarteto Cedrón, Suertes, 1977. Duración:79 minutos. Producción de Andrés Cedrón, La Fragua Producciones, El Perro en la Luna.

XXX – DOCUFICCIÓN SOBRE LOS SALVADORES DE LA NATURALEZA

Los bosques de la Patagonia, incluyendo la llamada Selva Valdiviana, y otros bosques más hacia la zona del Atlántico, la Comarca Andina, Esquel, El Bolsón, Tierra del Fuego, están resguardados por cientos de brigadistas que habitan esas zonas con sus familias. La Argentina tiene 2.780.400 km2 y hay alrededor de 2000 brigadistas lo cual nos suena a poco personal especializado.

Andrés Cedrón, nacido en Neuquén, de sólida formación profesional en el cine, realiza un interesante docuficciòn sobre la vida cotidiana de los brigadistas del Sur: el período tranquilo, sin incendios que aumentan en el verano por diferentes motivos, les permite ubicar los elementos para la medición del viento, el enrollado de las larguísimas mangueras, entrenar a personal más joven, recorrer los ríos internos entre la maravillosa naturaleza del sur. Hay un centro de control que atiende una joven y que está en permanente contacto con sus compañeros. Cuando se produce un foco de incendio, suenan alarmas y todos se abocan a buscar los elementos para ir con los carros de bomberos hasta el lugar. El trabajo es arduo. Desde helicópteros y avionetas hasta los hombres que están en tierra combatiendo el fuego, frente al humo denso, están los brigadistas, jugándose la vida por los habitantes del lugar y por la naturaleza misma.

La narración es fluida, nadie habla a cámara, sino que hombres y mujeres desarrollan su vida cotidiana con una cámara subjetiva que capta gestos, palabras y acciones. No hay diversión “capitalina” sino que la alegría es sentarse a la mesa a disfrutar de una simple cena, o alrededor del fogón a tomar mate con la abuela. Sencillez y trabajo.  Buena fotografía y buen montaje, secreto de este docuficción ameno y didáctico a la vez: afirma la vital relación que existe entre el hombre y la naturaleza. Los dos se necesitan para sobrevivir en el planeta Tierra.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

DOS MONJAS

Dirección de Kewon Hyeok-jae. Fotografía de Choi Chan-min, Música de  Kim Tae-seong y Alan Tyler. Con Song Hye-kyo, Jeon Yeo-been, Lee Jin-wook, Moon Woo-jin, entre otros. Duración: 115 minutos. Corea del Sur.

XXX – ASCETICO EXORCISMO ORIENTAL

En “Dos monjas” o “Dark Nuns”, título de esta realización surcoreana, spin-off de The Priests del 2015, tenemos la visión clara, en primer término, de cómo se encara el catolicismo y, dentro de sus posibilidades, el exorcismo en Oriente. Es una versión ascética, sin “pathos”, aunque intente resultados positivos y sus protagonistas sufran terror y culpa. En segundo lugar, es evidente que el Dogma de la religión Católica da elementos para que sus símbolos sagrados formen parte de historias tremebundas. No ocurre con las restantes religiones monoteístas.

“Dos monjas” transita por algunos lugares comunes de los exorcismos si bien tiene elementos propios tales como la prohibición del gobierno surcoreano de realizar exorcismos y la realización de éstos a escondidas en el caso del niño Hee-joon (Moon Woo-jin) a cargo de dos monjas, las hermanas Junia (Song Hye-Kyo) y la hermana Michaela (Jean Yeo-been).

La narración es parsimoniosa con algunos momentos de exaltación cuando el niño intenta ahorcar a una de las monjas, o bien se cae una cruz con un Cristo blanco cuando una de las dos Hermanas intenta algún otro rito salvador en Hee-Joon. Pero no aparecen mayores tormentos en el pequeño, sino en las dos protagonistas, una entregada a la Fe hasta el paroxismo y la otra, más joven, con terror.

El entorno de la historia y el clima generado son tan ascéticos y tan lejos de la pasión que anida en la religión católica occidental, que se produce una suerte de “desgano” narrativo creciente. Demasiado extensa sin profundizar en el personaje del pequeño endemoniado, el ascetimo[U2]  del guion unido a un clima de asepsia terminan por doblegar el objetivo del film rescatándose la actuación de las dos protagonistas.

Elsa Bragato, Actoresonline.com 

LUCIANO

Dirección y guion de Manuel Besedovsky. Documental. Fotografía de Tomás Pasini, Mùsica de Guillermo Pesoa, Duración:105 minutos. Cinetren.

XXX – EN BUSCA DE LA IDENTIDAD

Manuel Besedovsky retrata la vida cotidiana de joven trans, como documental pero en verdad es un docuficción o una biopic porque el film está dedicado justamente a Luciano, 1990-2024, que da título al film.

Con evidente rasgos masculinizados, Luciano vive con su madre y su hermana menor en las afueras de Rosario, en el barrio La Tablada. Es aun una mujer trans que viene año tras año buscando una transformación física masculina, con ejercicios diarios y hormonas. Pero tiene un sueño: tener un hijo antes del cambio físico definitivo.

Visita médicos que explican los alcances de la operación, muy severa de no menos de 10 horas, los costos en dólares, así como Luciano manifiesta ante una médica su deseo de ser madre por lo que hay que detectar primero la calidad de sus óvulos y de su útero dada la cantidad de hormonas masculinas que viene inyectándose.

La narración es austera, sin dilaciones. Luciano en su casa, con su madre y su hermana, haciendo changas como albañil, haciendo ejercicios, ayudando en las tareas de la casa. Un tono menor sin sobresaltos que el director utiliza para retratar al protagonista a través de una descripción minuciosa de la cotidianidad de Luciano. En principio, està el deseo de ser madre, y luego de parir por cesárea, buscar la identidad definitiva de un varón.

No hay secuencias chocantes sino una descripción del día a día de una mujer que ha decidido ser hombre, pero cumpliendo con el deseo natural de ser madre. Sin prisa ni pausa, busca su destino que es encontrar la identidad masculina de la que está convencida. La fotografía forma parte del protagonista a través de una cámara subjetiva que busca captar la esencia de Luciano. Y lo logra sin estridencias .Es una biopic para nosotros, interesante, no invasiva y descriptiva de una transformación que busca una identidad no solo psíquica, que la tiene, sino física, locación central de este interesante relato.

Elsa Bragato, Actoresonline.com 

VIEJA LOCA

Dirección y guion de Martín Mauregui, Fotografía de Julián Apezteguía, y Marc Gómez del Moral, Música de Pedro Osuna, Duración: 94 minutos.

XXX – GORE DE LA TERCERA EDAD

Si se recuerda el film “Misery”, de Rod Reiner, 1990, con James Caan y Kathy Bates, nos aproximamos a la propuesta del argentino Martin Mauregui y su “Vieja loca”, expresión muy nuestra para definir a una adulta mayor que se sale de los parámetros habituales.

Se trata de una superproducción en la que interviene el actor uruguayo Daniel Hendler y, como protagonista absoluta, la notable actriz española Carmen Maura, para hacer realidad un guion terrorífico de marca mayor que requiere tan solo un cuarto y unos pocos metros para desarrollar la propuesta.

La ex novia (sin identificar en el elenco) de Pedro (Daniel Hendler) le pide que cuide a su madre Alicia (Carmen Maura) hasta el otro día. Lejos está de imaginar que es la desencadenante de una tragedia. Alicia debe tomar su medicación y quedarse tranquila por la demencia que padece. Pero el encuentro, en principio normal, se va transformando con el transcurrir de las horas cuando Alicia confunde a Pedro con un ex amante, convirtiéndolo en su objeto de deseo en todos los sentidos: las torturas, brutales, y el toque “Hot” para lo que Alicia se desnuda sin vueltas.

Carmen Maura pone en juego su amplio registro histriónico que van desde la seducción hasta la máxima brutalidad. Los gritos de Pedro (Hendler) son desgarradores y en más de una oportunidad la película se hace tan atroz que dificulta seguirla. Especialmente porque, en algún momento, se torna reiterativa en el sufrimiento del protagonista masculino y cierto disfrute en el “gore”.

En este caso, hay que destacar no solo a Carmen Maura sino también a Daniel Hendler en un rol muy diferente a todos los que le conocemos. Buen actor, buen director, sale más que airoso en el cumplimiento de una feroz propuesta. Mientras que Maura disfruta de su maldad y parece que ni frente a las cámaras deja de gozar por lo que le toca hacer.

El clima de luz tenue, oscura, y los elementos que va encontrando Alicia para torturar a quien cree que es generan tensión sin necesidad de efectismos extra: Maura lo hace posible con gozo actoral evidente. Es una película para determinado target de público con fruición por el gore, en este caso, de la tercera edad que, en sí, representa una novedad dentro del género.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

REESTRENOS PREVISTOS PARA ESTE JUEVES

1)  ROCKY HORROR PICTURE SHOW,  es el reestreno del show de tevé basado en el clásico teatral Rocky Horror Show que, a su vez, pasó por el cine. Una pareja que ingresa a un lugar siniestro para escapar de una feroz tormenta deberá enfrentar otro tipo de sustos. Siempre ha sido éxito de taquilla. Y en nuestro país tuvimos una excelente versión en lo que antes se llamaba Teatro Broadway.

2)  HARRY POTTER Y EL CÁLIZ DE FUEGO, de Mile Powell, con Emma Watson, Rupert Grim, Daniel Radcliffe, entre otros.

La película cumple 20 años y nos cuenta la historia de Harry en su cuarto años en la escuela Hugwarts de magia. Torneos peligrosos, cuadros cuyas figuras se mueven, seres malignos y otros buenos, desfilan ante cámara en uno de los films de la saga más exitosa del siglo XXI.

3)  ADIÓS SUI GENERIS, se reestrena el musical sobre la despedida de la mítica banda de rock, ocurrida en 1975 frente a 25 mil personas en el Luna Park. Charly García y Nito Mestre dijeron adiós a un dúo que fue y seguirá siendo eje del rock and roll nacional, con tanto sentido de los principios democráticos.

ESTRENOS PREVISTOS PARA ESTE JUEVES

A)  NADA ES LO QUE PARECE 3, de Rubén Fleischer. Es la tercera película de esta saga que se inició en el 2013. El protagonista de Mark Ruffalo, rodeado de actores muy reconocidos. Encarnan a un equipo del FBI que persigue los atracos de cuatro ilusionistas que se hacen llamar “Los cuatro jinetes”.

B)  AMOR FUERA DE TIEMPO, de Justin Wu. Nos habla del amor adolescente entre una joven que pretende ser una “etoile” y se enamora de un deportista de su pueblo, pero las ambiciones de ambos obligan a enfrentar el dilema de la separación y el seguir amándose. Sin mayores sorpresas, el film resulta agradable.

C)  MONARCAS, EL GRAN VIAJE MÁGICO, de Sohpie Roy.

Es la animación de la semana sobre una mariposa que tiene una sola ala y deberá sobrevivir a su condición con la ayuda de eventuales amiguitos. Nada hay nuevo bajo el sol de los dibujos animados, sea cuales fueren las técnicas utilizadas, pero siempre dejan un sabor agradable y una sonrisa a chicos y grandes.

D)  76  89  23, de Federico Benoir. Se trata de un homenaje a la controvertida película del 2000, a través de la presencia de diferentes figuras conocidas que dan su enfoque sociopolítico, cultural y económico. Promueve el debate sobre distintos aspectos que hacen a la vida de los argentinos, trayendo al presente muchos temas del pasado que, a decir verdad, no han cambiado como se cree.