LA QUIMERA, CIEN AÑOS DE SOLEDAD, BAGMAN, ESTRENOS DE CINE Y NETFLIX DEL JUEVES 26 DE DICIEMBRE DEL 2024

 

JUEVES 26 DE DICIEMBRE DEL 2024

1.- BAGMAN, EL ESPÌRITU DEL MAL,de Colm MacCarthy.

Este film lo anunciamos hace un tiempo. Vuelve ahora porque, en su momento, se debió levantar el estreno. En líneas generales, la crítica internacional considera que regresa una historia bien conocida (El hombre de la bolsa que se llevaba, raptaba a los chicos), sin alcanzar mucha novedad en los gagas de terror. Algunos especialistas han apuntado que lo mejor del film está en el planteo de los miedos de todo ser humano, de sus ansiedades, tanto en relación al mito como no.

2.- SUSURROS MORTALES 2, por Taweewat Wamtka

ESTRENOS PREVISTOS PARA EL MES DE ENERO 2025

La lista es tentativa pero, en principio, hay que agregar “El silencio de Marcos Trammer” con Benjamìn Vicuña, y “La quimera”. También se anuncia un film navideño con Ben Stiller. Todo está por confirmarse pero aquí dejamos algunos títulos.

CRÍTICA DE “LA QUIMERA”

LA QUIMERA

Direcciòn y guion de Alicia Rohrmacher, fotografía de Helene Louvart, edición de Nelly Quettier, Mùsica de Jung Jae Il, con Josh O Connor, Isabella Rossellini, Alba Rohrwacher, Carol Duarte, Vincenzo Nemolato, Giuliano Mantovaini, ´Lou Roy Lecollinet, entre otros. Duraciòn: 130 minutos. Coproducciòn Italia, Francia, Suiza.

XXXX – FASCINANTE RELATO SOBRE EL AMOR ETERNO

Compleja y fascinante historia propone Alicia Rohrwacher en “La quimera”, habitada por personajes que provocan empatìa: desde el dolor por su condición social paupérrima hasta la alegría de la salvación por el amor.

La directora italiana sostiene que en La Quimera tuvo gran compasión por sus personajes sin dejar una mirada sociopolítica sobre la condición de los “robatumbas”, obligados a este quehacer para sobrevivir en una sociedad mercantilista que abusa hasta de aquello que acompaña a los muertos en sus tumbas.

La propuesta se centra en Arthur, interpretado por el inglés John O Connor, quien sale de la cárcel y regresa a la casa de su novia, que no está más en este plano, su Benjamina. Lo recibe la madre, Flora, encarnada por Isabella Rossellini que tanto se parece a su madre Ingrid Bergman, rodeada de las hermanas de Benjamina, y de Carol Duarte en el rol de Italia, una ayudante que intenta aprender canto con Flora. La anciana maestra vive en una casa antigua que se va derrumbando de a poco, hasta que habrá un cambio drástico cuando las goteras puedan más que los techos. Para Arthur, su camino es reunirse con los viejos amigos, seguir robando tumbas aunque con el objetivo secreto de encontrar ese lugar que le permita ingresar al mundo de los muertos y volver a abrazar a su Benjamina. Arthur tiene el don de ubicar pasadizos bajo tierra donde están las tumbas y sus tesoros.

En la producción de Rohrmacher hay una síntesis del sentimiento italiano cinematográfico, desde sus personajes pragmáticos pero sentimentales hasta la exuberancia de Fellini. Si Fellini en La dolce Vita mostraba una sociedad en decadencia, Rohrmacher apunta su cámara hacia lo miserable, a través de un personaje que se debate entre su accionar delictivo y su búsqueda del amor eterno.

Más italiano no pudo ser este film de Rohrmacher, que conoce el halago de los grandes festivales. La fotografía y la banda sonora (desde Monteverdi, pasando por Mozart hasta la Banda del Comitato y los cantores populares) sostienen la historia si bien es Arthur quien está por sobre los demás personajes y acciones, protagónico descollante del inglés Josh O Connor. Es, en definitiva, una película que deslumbra por su vastedad y nos sumerge en una historia difícil de describir pero absolutamente fascinante.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

CIEN AÑOS DE SOLEDAD

Dirección de Rodrigo García Bacha, Alex García López, Laura Mora Ortega. Fotografía de Paulo Pérez, Marìa Sarasvati Herrera, Con Diego Vázquez, Marileyda Soto, Claudio Cataño, entre otros. Miniserie de dos temporadas de 8 capítulos de 60 minutos de duración cada capítulo, en total 16 capìtulos.. Netflix.

XXX –DESANGELADA VERSIÒN AUDIOVISUAL DE UNA NOVELA ÌCONO DE NUESTRA LITERATURA

Desde hace unas semanas está en el gigante de las plataformas Netflix la esperada miniserie Cien años de Soledad, basada en la novela del colombiano Gabriel García Márquez que se publicó en Buenos Aires en 1967. La obra es una de las cumbres de la literatura latinoamericana, plena de personajes y locaciones típicas de finales del siglo XIX y comienzos del XX. El propio García Márquez se había negado en transformar su novela en una serie televisiva por la dificultad que existe en el trasvasamiento de una obra literaria a un medio audiovisual. En este caso, sus hijos dieron el consentimiento a Netflix, siendo uno de ellos director de cine y productor también de la miniserie.

La primera temporada tiene ocho capítulos iniciándose con la historia de la familia de la familia Buendía y de la ciudad de Macondo, la ilusión de encontrar el mar pasando la gran ciénaga, y la maldición que subsiste en el matrimonio principal formado por los primos José Arcadio Buendía y Ursula Iguarán, quienes no podrían tener hijos porque les saldrían con cola de monstruo. A lo largo de la obra pasan siete generaciones y culminará con la muerte de la matriarca, la que queda sola, viendo pasar a nietos y bisnietos, muertes y nacimientos.

Se invirtieron cerca de 50 millones de dólares y la primera temporada demandó dos años de rodaje recreándose el pueblo de Macondo.

En verdad, si bien se nota una notable inversión de producción, recreación de personajes, buenas actuaciones, la miniserie carece del espíritu del gran Gabriel García Márquez. Es una miniserie de época más. La prosa del escritor colombiano es vibrante, colorida, y en la miniserie la fotografía es la única que vibra a través del color: aqui falta pasión. Es una miniserie desangelada que no acapara la atención. “Gabo” tenía razón en su temor de pasar su novela a un medio audiovisual. No lo representa en su espíritu. Una oportunidad perdida y la prueba fatal es que no se convirtió en uno de los éxitos de la plataforma ni está entre las 10 más vistas. Mucho ruido y pocas nueces.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

ESTRENOS PREVISTOS PARA ENERO Y FEBRERO

1.- SONIC THE HEDGEHOG 3. De Jeff Fowler. Con Jim Carrey.

2.- NOSFERATU, de Robert Eggers, con Willem Dafoe.

3.- BABY GIRL DESEO PROHIBIDO, de Halina Reijn

4.- HASTA EL FIN DEL MUNDO, Viggo Mortensen

5.-COMPAÑERA PERFECTA, de Drew Hancock, con Lukas Gage.

6.- AQUÌ, de Robert Zemeckis, con Tom Hanks.

7.- EL ROBO PERFECTO: PANTERA (DEN OF THIEVES 2)

8.-EMILIA PÉREZ,de Jacques Audlard.

9.- UN DOLOR MAL, de Jesse Eisenberg

10.- AHORA, de Sean Baker

TITULOS ESPERADOS EN EL 2025

1.- AVATAR 3, previsto para el 18 de diciembre del 2025

2.- Misiòn Imposible 8, prevista para mayo del 2025

3.- Capitàn América, un nuevo mundo, prevista para febrero del 2025

(Fuente: Cines Argentinos)

 

 

LAS FRONTERAS DEL TIEMPO, NADA QUE PERDER, ESTRENOS DEL JUEVES 12 DE DICIEMBRE DEL 2024

JUEVES 12 DE DICIEMBRE DEL 2024

1.- QUEER, de Luca Guadagnino. Con Daniel Crail.

Basada en la novela homónima de William Burroughts, el italiano Guadagnino explora la soledad masculina a través del rol protagónico de Daniel Craig y su acercamiento a un joven. Para muchos críticos, es la versión opuesta a “Llamame por tu nombre”, film también de Guadagnino. En el caso de Queer, sobresale la estupenda actuación de Daniel Craig, quien desarrolla matices que van desde el humor negro hasta la máxima sensualidad, teniendo en cuenta que la historia está ubicada en la década del 50.

2.-KRAVEN EL CAZADOR, de J.C. Chandor.

Estamos ante otra película con un héroe de Marvel. “Kraven”, el hombre que puede rastrear objetos y personas por el olfato, como los animales, está cumpliendo una misión secreta. Odia a su padre, que es un malvado Russell Crowe, y a raíz de esta situaciòn familiar, logra desarrollar una capacidad olfativa animal con la que busca venganza. Para quienes siguen a los héroes de Marvel, es una novedad que inicia una nueva franquicia al darle el protagònico a un héroe de ficción como Kraven.

3.- LAS FRONTERAS DEL TIEMPO, de Sergio Acosta. Film nacional.

Ver crítica.

4.- NADA POR PERDER, de Delphine Deloget.

Esta ópera prima de Delphine Deloget toca un tema muy sensible, desgarrador por momentos, como es el caso de una madre a quien uno de sus hijos tiene un accidente cuando ella está en el trabajo. Se inicia entonces un doloroso camino de recuperación de sus chicos que fueron llevados a un hogar donde supuestamente se los cuidarà mejor que la madre. Hay gran intensidad dramática y la crítica ha valorado la actuación de Virginie Efira.

5.- STING, ARAÑA ASESINA, de Kiak Reache-Turner.

Para quienes gustan de los films de terror, Sting nos mete de lleno en la aracnofobia, una fobia justamente muy común. Por momentos resulta una película fútil pero, en general, será de interés para quienes aman este género. Para fans, por cierto.

6.- EL AGUJERITO, de Ana Hayzus, Leando Eljall Questa

Documental sobre la disquerìa que fue furor en Buenos Aires, siendo punto de encuentro de varias generaciones de argentinos relacionados con la música por amor o por profesión. Eso sì, había buena importación de material.

CRÌTICAS

LAS FRONTERAS DEL TIEMPO

Dirección de Sergio Acosta, guion de Nuni Ferreira. Fotografía de Mariano Maximovicz, Arte de Axel Monsù. Sonido de Hernán Ruiz Navarrete, Productor ejecutivo: Sergio Acosta. Jefe de producción: Juan Martín Treffinger. Montaje de Guillermo Rovira. Música de Matías Carou. Con Sabina Buss, Karina Hermida, Veroka Fedeli, Jorge Vega, Gary Meza, entre otros. Duración: 86 minutos.

XXX - BUENA RECONSTRUCCIÒN DE HISTORIAS FAMILIARES

Con una muy buena construcción narrativa, basada en una concepción clara de lo que se quiere contar y con la colaboración de una excelente banda sonora y una muy buena fotografía, el realizador misionero Sergio Acosta logra una historia de familia en la que los secretos del pasado se vuelven fantasmas para los adultos hasta que los más jóvenes deciden derribar los misterios, las circunstancias no dichas, es decir, buscar la verdad.

La protagonista es Amanda, encarnada por Sabina Buss, un rostro joven muy especial, dúctil, bello, a la vez que compone a una conductora y periodista radial. El oficio de investigar la lleva a bucear en esos secretos que advierte por momentos en su padre, que ensombrece la mirada de su madre, de su tìa, advirtiendo figuras poco amigables en las fotos familiares. Algo pasó en la historia de su familia, algo se le oculta, Amanda buscará la forma de que todo salga a la luz.

En verdad, Sergio Acosta se maneja con una buena producción pero de escasa inversión, lo que no se hace mella en el tratamiento del tema de fondo que pasa por las relaciones familiares, los temores, las culpas, la resignación. Nada es tan grave pero a veces los pequeños hechos desgarran el alma de muchos. De esto se trata Las fronteras del tiempo que existen siempre y cuando no haya voluntad para derribarlas. Un buen film nacional sin pretensiones, de gran honestidad intelectual y con una protagonista a la que hay que seguirle los pasos:

Elsa Bragato, Actoresonline.com

NADA QUE PERDER

Direcciòn y Guion de Delphine Deloget. Coguionistas Pierre Chosson y Julia Kowalski. Con Virginie Efira, Felix Lefebre, Alexis Tonetti, India Hair, entre otros. Fotografìa de  Guillaume Schiffman, Duraciòn: 112 minutos. Francia.

XXXX – HISTORIA DESGARRADORA DE UNA MADRE QUE LUCHA POR SUS HIJOS

Madres que luchan por no perder a sus hijos, sin el sostén de maridos o parejas, son historias cotidianas lamentablemente. La realizadora de la televisión francesa Delphine Deloget llega a la pantalla grande con “Nada que perder”, abordando un tema social que en Europa y aquí tiene aristas puntiagudas, que hieren, dañan, más que sanar una situación familiar.

Encara la vida de Sylvie Paugom, joven madre, viuda, sin pareja, que trabaja de noche y tiene dos hijos, uno adolescente estudiante de música (Jean Jacques a cargo de Félix Lefebre) y otro en edad escolar (Sofianne, a cargo de Alexis Tonetti) que, aprovechando que no está la mamá, cocina y se quema. El hecho es denunciado por el hospital comenzando de allí en más un calvario para Sylvie y su hijo mayor, tratando de recuperar al hijo que el Estado le sacó por sus supuestos “descuidos”. Por sobre el melodrama, inevitable en muchas secuencias, está la lucha de una mujer contra un Estado que aplica teorías vacías de contenido vital para ordenar vidas.

Deloget logra que la protagonista, Virginie Efira, en el rol de la madre, imprima a su rol de tal verosimilitud en la que nada es cuestionable, porque puede dotar a su personaje de ese dolor visceral que solo conoce una madre, oponiendo este desgarro interior a la insensibilidad de jueces y asistentes sociales.

No es una película en la que haya deleite visual sino una historia que genera una absoluta empatía de sentimientos con esa madre y con las decisiones que debe tomar. Imposible no cuestionar a los Estados que imponen normas basándose en que la Justicia es “sorda, ciega y muda”, más que en la comprensión de las necesidades humanas.

Encontramos solidez narrativa, una fotografía austera pero justa, a través del planteo argumental de una familia monoparental que supera desde la pobreza hasta el secuestro “legalizado” de un hijo. Es un film humano, desgarrador, con muy buenas actuaciones sobre un tema que no solo ocurre en Europa sino que atañe a los Estados que hacen de la administración pública la vacía razón de ser de la existencia de los ciudadanos.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

 

 

 

ESPERANDO AL MAR, ALGO NUEVO ALGO VIEJO ALGO PRESTADO, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 5 DE ENERO DEL 2024

JUEVES 5 DE DICIEMBRE DEL 2024

1.-EL SEÑOR DE LOS ANILLOS: LA GUERRA DE LOS ROHIRRIM, de Kenji Kamiyama.

El cine épico tiene un muy buen lugar ganado desde tiempos inmemoriables. Sn embargo no deja de ser una novedad de estos tiempos el cine èpico en Animè, en animaciòn. Nada menos que un japonés encara esta tremenda tarea tecnológica, Kenji Kamiyama en extensos 135 minutos. Es casi una precuela de los libros J.K. Tolkien, ubicándose un siglo antes de la gran batalla, buceando en el abismo de Helm, y en épocas del Rey de Rohan. Una maravillosa de la tecnología que atraparà a los fans del anime y de los personajes del estudioso e historiados inglés tan admirado por Jorge Luis Borges.

2.- BAGMAN, EL ESPÌRITU DEL MAL, de Colm McCarthy.

Para muchos, El hombre del Saco. Para la tradición argentina, El hombre de la Bolsa, el que se llevaba a los chicos y los hacìa desaparecer. Por lo que había que portarse bien. Al parecer, por más que se porten bien, no parecen escapar los protagonistas de esta historia de terror de este terrorìfico señor. Clishès, una producción que, en este gènero, exige más que en otros, y buenas actuaciones, mantienen a flote una historia de terror que no rompe los moldes.

3. ASESINO SERIAL, DE JT Mollner.

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4.-RM RIGHT PEOPLE WRONG PLACE, de Nicolás Saad y Im Soo-bin.

A lo largo de ocho meses los directores siguen la gira de Kim Nam Joon, o RM, la voz de BTS. Intentan retratar no solo al artista en sus presentaciones sino también al ser humano con sus tribulaciones, sus miedos y certezas también antes de un recital, o ya en pleno descanso. Un documental musical que nunca viene mal y que, sin duda, atraerá a los fanáticos de la banda.

5.- SUSURROS MORTALES 2

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6.-LA FAVORITA DEL REY

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7.- REFLEJADO

Film nacional. Crìticas saldrán viernes en diferentes medios.

CRÌTICAS

ASESINO SERIAL

Direcciòn y guion de J.T.Mollner. Con Willa Fitzgerald y Kyle Gallner, en los protagónicos y gran elenco. Fotografìa de Giovanni Ribisi. Mùsica de Craig Deleon. Duraciòn: 96 minutos.

XXX – ALTO GRADO DE PERVERSIÒN

Tarda en llegar pero, finalmente, se produce lo que se espera de un film de género, siendo innecesario explicitarlo ahora. El realizador JT Mollner relaciona el caso de asesinos seriales con un encuentro sexual ocasional derivando en un film de terror luego de un largo camino sangriento de perversiones varias.

Trabaja con la fotografía, incluyendo los subtítulos (el film se divide en seis capítulos y un epílogo), por lo que los cambios en la estructura narrativa contribuyen a crear tensión de principio a fin. Es decir, hay una alternancia desde el comienzo entre el conocimiento de la pareja hasta el encuentro sexual que devendrà en una explosión de gore. Es en este aspecto donde Mollner logra darle a su producto un matiz muy peculiar, muy personal: sale del común de la narración de género para imprimirle el estilo de puzzle. Sin duda, un guion muy trabajado con secuencias muy predeterminadas antes de iniciarse el rodaje en sì.

El director Mollner se vale además de una dupla protagónica de gran nivel actoral como son Willa Fitzgerald y Kyle Gallner para desarrollar esta historia basada en hechos reales: trabaja en blanco y negro virado al azul, en color, le imprime luces rojizas intensas a determinados momentos, tejiendo una serie de secuencias que, como si fuese un rompecabezas, nos muestra el comienzo erótico de una pareja casual para ir conformando un devenir sangriento y brutal.

Nada más se puede decir para no caer en el espóiler. Vale agregar que es un film de horror diferente desde lo fotográfico y lo actoral, para llegar al final que se espera pero que se hará esperar. Como para que la tensión no decaiga y uno pueda respirar profundamente con la palabra Fin.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

ESPERANDO AL MAR

De Lucas Peñafort y Fernando González. Documental con la participación de Azizbek Nurlybaev, Uralbay Utegenov, Mansur Jumabayev, Dauka Utemuratov, Yusif Erjanov. Fotografía de Fernando González, Montaje de Martín Solá, Sonido de lucas Peñafort, Idioma: Karakalpak, Locación: Uzbekistán. Duración: 60 minutos.

XXXX – EL MAR QUE SE CONVIRTIÒ EN DESIERTO

Las noticias están pero a veces no les damos la importancia que tienen: el Mar Aral, en Uzbekistàn, se esfumò, desapareció, hoy es un gigante desierto. Por esas cosas que solo el destino sabe, los cineastas mendocinos Lucas Peñafort y Fernando González tomaron contacto con una comunidad Sufi, que habita en Mendoza. De esta manera se enteraron de que el Mar Aral desapareció. Con el tiempo, emprendieron el largo viaje, pleno de inconvenientes, hasta ubicar a Uralbay, ex pescador del pueblo de Moynaw. A partir de ese momento, los realizadores mendocinos y su equipo comenzaron a retratar la tragedia existencial de esa zona y de sus pobladores. Se sabe que en la década del 40 se empezó a utilizar el agua del Aral, un mar gigantesco que tenía olas de hasta 7 metros de altura, cargado de vida marina. Y de a poco sus aguas se fueron esfumando, desapareció. Quedó su lecho, con restos de barcos, incluso algunos hundidos, con matorrales achaparrados, con arena volátil que enferma a los habitantes que quedaron en los límites del gigante desaparecido.

Peñafort y González encaran con una narración determinante la historia: planos largos que muestran la aridez, con el sonido del viento como protagonista, de vez en cuando la voz de un habitante asombrado por lo que vive, expresando el temor por lo que podrá sobrevenir. “El mar desapareció tres veces y tres veces apareció” afirma. De todo lo que había, quedó esa arena volátil que enturbia la visión, ese viento que silba y que se adueñó del lugar. Las cámaras se esmeran en el contraste del ayer vital con la muerte actual: solo hay silencio, solo hay polvo, y los poblados vecinos parecen abandonados al destino que la naturaleza quiera darles, o al que la mano artera del hombre vuelva a producir.

Para explicar cómo era el mar Aral, llamado Aralkum por los lugareños, los realizadores inician la película con films antiguos de pescadores y de los diferentes oficios que la vida marítima había generado. Hoy esos pobladores están a la deriva, buscando “artemisas”, pequeño molusco, en la zona norte donde hay un poco de agua. La resignación de los ex pescadores no existe, hay estupor, y solo esperan algún milagro para vivir como antes.

Un niño corre por el lecho del Aral elevando un barrilete, pensamos en que la vida humana desplazó una vez más a la vida autóctona, en este caso, la vida marítima del mar Aral. Mientras tanto las potencias buscan métodos que escapan al conocimiento de los pueblos para o terminar con el calentamiento global o bien transformar el planeta a sus fines. Con la extensión de un desierto por delante, Peñafort y Gonzàlez lograron un documental atrapante, a través de la fotografía y del sonido del lugar: las arenas y el viento dan fe en imágenes sonoras de la realidad actual. Inquietante llamado de atención-

Elsa Bragato, Actoresonline.com

SUSURROS MORTALES 2 (LA PELÌCULA PUEDE LEVANTARSE PARA OTRA FECHA)

Film de Tailandia de Taweewat Wantha. Duraciòn: 110 minutos.

       XXX – LUCHA DESPIADADA CONTRA HORRIBLES FANTASMAS

Esta secuela de Susurros Mortales o Tee Yod, producto de Tailandia esta vez dirigido por Taweewaat Wantha, nos lleva al terror psicofísico sin vueltas. La muerte de un familiar hace un tiempo ha sumido a una familia en el terror. A este hecho, se yuxtaponen otras teorías del horror: los fantasmas de un bosque cercano, el monstruo que obliga a tragarse una lengua y subsistir comiéndose a los humanos, es decir, una sucesión de hechos espantosos que mantienen en vilo al más pintado y que pueden confundir la línea argumental. Es que hay flashback que enmarañan la trama de manera exagerada, aunque queda bien en claro que será el valiente Yak, hermano mayor, quien está dispuesto a vencer al fantasma que está destruyendo a su familia. En Yak se cifran las esperanzas de sobrevivir al monstruo por lo que habrá luchas despiadadas, sangrientas, brutales, desde ahorcamientos por “manos invisibles” hasta descabezamientos sin piedad.

Tiene todos los condimentos que los fanáticos del género necesitan: venganzas de muertos, fantasmas, personas poseídas, ritos macabros, palizas descomunales, ríos de sangre. Todo a disposición de un género que, en este caso, si bien cumple con los clichés, hay un manejo de la narración que la hace diferente por cómo se interrelacionan los integrantes de una familia tradicional oriental. La fotografía es un protagonista esencial con la inclusión de algunos trucos mientras que el trabajo en el sonido se transforma en fundamental. Para fanáticos de los sustos al por mayor.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

ALGO NUEVO, ALGO VIEJO, ALGO PRESTADO

De Hernán Rosselli. Ganadora del premio Mejor Película en la Sección Oficial del último Festival Internacional de Cine de Mar del Plata.

XXX – EXCESIVA FRAGMENTACIÒN NARRATIVA EN UN FILM DESANGELADO

Hernán Rosselli se acaba de consagrar como ganador del último Festival internacional de Cine de Mar del Plata con “Algo nuevo, algo viejo, algo prestado”, su tercera entrega. Se lo reconoce como un buen husmeador de las “malas juntas” de Lomas de Zamora y zonas aledañas.

En este caso, presenta la vida de la familia Felpeto que vive del juego ilegal, mientras una voz femenina en off perteneciente va relatando la relación con sus padres, cómo fue su infancia a través de documentales ficcionados. El caso es que esa voz carece de modulación y tiene pésima dicción. Sin embargo es el único elemento que le da hilación a esta historia exageradamente fragmentada indagando en de su familia. De a poco surgen los inconvenientes del juego ilegal, llevar el dinero fuera del país por si hay allanamientos, mientras un personaje promete avisarles el dìa y la hora para que puedan escapar.

 El tema es novedoso destacándose la postproducción que, en verdad, es el secreto de este film. Se ve un trabajo fotográfico diferente, pero carente de garra en las actuaciones,  se siente un buscado desapasionamiento impide que uno se sienta atrapado por esta historia que cabalga entre el documental y la ficción. Se requiere  mucha paciencia para llegar al final, donde se da lo único potente. Pelìcula desangelada con actuaciones olvidables, con solo algunos rubros técnicos destacables.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

LA FAVORITA DEL REY

Dirección de Maiwenn. Fotografía de Laurent Dailland, Música de Stepehn Wrbeck. Con Johnny Depp, Maiwenn, entre otros. Duración: 116 minutos.

XXX – EL PALACIO DE VERSAILLES ANTE NUESTRAS NARICES

Las intrigas palaciegas siempre tuvieron sus seguidores. El cine ha dado buena fe de este gusto un tanto morboso pero humano al fin. En “La favorita del rey” se cuenta la historia de la plebeya Jeanne Du Barry quien, aunque casada con Du Barry, logró convertirse en la favorita del rey Luis XV, considerado muy “amoroso” en sus tiempos. La realizadora y actriz Maiwenn interpreta a Jeanne Du Barry, personaje del siglo XVIII que logró enorme influencia no solo en los aposentos íntimos de Luis XV (encarnado por Johnny Depp, siempre un atractivo extra para cualquier película) sino en la corte. Se convirtió en la primera cortesana en ir del brazo de un monarca y hasta vestir pantalones como el rey. Ocupò el lugar de la reina, que había fallecido, enfrentando a las hijas del rey. Pero no pudo escapar de un duro final luego de la revolución francesa.

La película de Maiwenn recrea con perfección ese período y tiene a su favor nada menos que el Palacio de Versailles y sus jardines para que el elenco pueda jugar sus roles. Visualmente, el film es un deleite y también la historia porque tiene un interesante in crescendo a través de los peldaños sociales que va subiendo Jeanne Du Barry hasta llegar al dormitorio del rey.

Si bien se trata de la historia de Francia, el film resulta interesante porque sobresale el romance de la plebeya y el rey que decide tomar las riendas de su propia vida cuando la soledad lo invade. Es decir, hay una historia de amor prohibida que es el eje de la narración y que, por sobre la fotografía y la potente banda sonora, se hace central. En esto tienen mucho que ver el rostro anguloso y expresivo de Maiween y la solidez de Johnny Depp para encarnar cualquier rol. Es un film que rescata un momento de la historia de Francia a través del diseño de arte, las locaciones, y una producción con muy buena inversión.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

EL LLANTO, ELNUEVO NOVIO DE LUCÌA, VENGANZA DE UN VAMPIRO, ESTRENOS DEL JUEVES 28 DE NOVIEMBRE DEL 2024

 

JUEVES 28 DE NOVIEMBRE DEL 2024

1.- MOANA DOS, ANIMACIÒN, de David Derrick jr, con Dwayne Johnson.

Es la continuación de “Moana” o bien “Vaiana” como se la llamó en Europa, y responde a la mitología de la Polinesia de donde es oriunda la protagonista. En esta oportunidad, recibe un llamado de sus antepasados y regresa a su lugar de origen para lgorar salvar a su pueblo,. La tarea le requerirá mucha destreza y ayuda hasta que logre ubicar a un semidios. Diferente en cuanto a historias animadas, resulta una muy atractiva producción de “animación por computación”.

2.- CRIATURAS, LÌNEA DE EXTINCIÒN, de George Nolfi.

Aventura y emoción en esta película en la que un padre soltero y dos mujeres deciden enfrentar a seres monstruosos para salvar a un niño. La crítica internacional coincide en que hay entretenimiento puro, emoción, y que el protagonista, Anthony Mackie se lleva las palmas porque hace creíble un personaje con algunos costados flojos. Sucede lo mismo con la historia que, a pesar de todo, resulta atrapante como thriller, es aventura adrenalínica para toda la familia.

3.-VENGANZA DE UN VAMPIRO

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4.-ANTES DEL ADIÒS

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5.- EL LLANTO

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6.-VENGANZA DE UN VAMPIRO

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7- DORMIR CON LOS OJOS ABIERTOS.

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CRÌTICAS

ANTES DEL ADIÒS

Dirección de Pablo Yotich, Guion de Juan Paya, Música de Rodrigo Riera, Fotografía de Marilina Nieto, Arte: Lucas Pérez. Con Pablo Yotich, Miriam Lanzoni, Jazmín Laport, Eduardo Moreira, Raúl Rizzo, Jorge Criveli, entre otros. Duraciòn:80 minutos.

XXX – UN DRAMA QUE NOS TOCA A TODOS 

El director y protagonista Pablo Yotich encara la narración de un drama familiar, común a cualquier mortal, con gran nobleza intelectual porque no hay nada que distraiga al espectador de lo que vive cada personaje: Miranda (Miriam Lanzoni, en un rol muy jugado por sus aristas autorreferenciales) pertenece a una familia tradicional con varios hermanos. A lo largo de 10 años de matrimonio, no logró ser mamá, mientras su hermana menor, Josefina (Jazmín Laport, en un rol dramático muy revelador de su capacidad actoral), abandonada por su marido, cría a su pequeña hija y enfrenta una enfermedad terminal. De allí el título, la necesidad de dejar todo listo cuando la fecha del final está determinada. Dentro del material narrativo, surge con potencia la secuencia de Josefina con su pequeña niña explicándole que pronto no se verán más. Es una secuencia simple, llana, absolutamente real.

El realizador Yotich no recurre a ningún elemento fuera de las actuaciones y los diálogos: el entorno de los personajes es despojado. De esta manera, surgen con pureza los temas que conmueven los cimientos de esta familia: desde el dolor de Miranda por no ser mamá, pasando por su sobrina que quedará huérfana, los disgustos con su marido, el hermano divorciado (Pablo Yotich), las hermanas menores estudiando.

Puede resultar para quienes aman un cine tildado de intelectual un film simple, pero, en verdad, cada secuencia de “Antes del adiós” responde a un hecho que de alguna manera todos o hemos vivido o hemos conocido. Por eso, mientras los temas se ponen sobre el tapete, las actuaciones se transforman en pilares fundamentales de la historia: no hay artilugios que distraigan de un drama que, por sus ribetes, no nos resulta desconocido. Eso habla de la honestidad intelectual del realizador y de la nobleza creativa para captar en imágenes lo cotidiano, eso que no vemos por estar frente a nuestros ojos.

Elsa Bragato, actoresonline.com

VENGANZA DE UN VAMPIRO

Direcciòn de Brando de Sica. Guion de Brando de Sica, Ugo Chiti, Irene Pollini Giolai. Fotografìa de Andrea Arnone, Mùsica de Pasquale Catalano. Con Domenico Cuomo, Sara Ciocca, Mimmo Borrelli, Giuseppe Brunetti y Abril Zamora, en los roles principales. Duraciòn: 103 minutos.

XXXX – LA REBELIÒN DE LOS DÈBILES

Sólido ingreso al mundo del largometraje hace Brando De Sica con este film que bucea en la realidad mágica mientras se basa en la realidad misma. Nieto del padre del neorrealismo italiano, Vittorio De Sica, Brando es un digno heredero del arte cinematográfico de su abuelo. La fotografía es la determinante de esta herencia: se cuenta la historia de Mimo (Domenico Cuomo), un chico huérfano de pies deformes, criado por el dueño de la pizzería más famosa de Nápoles, Nando (Mimmo Borrelli). Pero la mafia subsiste en la antigua y bella Nápoles y se hace presente para burlarse y castigar físicamente  como diversión al huérfano pizzero.. Al conocer a Carmilla (Sara Ciocca), una chica Dark-Gòtica, la vida de Mimo cambia, se introduce en el vampirismo, y se rebela ante cada agresión del mundo exterior.

De Sica tiene referencias sustanciales como las de Nosferatu, obra maestra de Murnau de 1922, sin dejar de lado al Drácula escrito por Bram Stoker. Su novia lo lleva a ese inframundo que, si bien despierta en él la sed de venganza, le genera un estado confusional grave que deriva en hechos brutales.

Es de destacar la actuación de Domenico Cuomo como Mimo: su rostro de ojos muy grandes, anguloso, su figura quijotesca, están al servicio del rol de un joven tímido que encuentra el modo de vengarse del bullying.

De Sica le da escarmiento, juzga a su personaje (participó del guion), es decir, toma partido por la sociedad real dejando de lado lo mágico, el mundo fantástico, donde el protagonista vivió durante un largo período.

Aquí hay un De Sica, es indudable. Nos puede gustar o no la temática de su propuesta pero el trabajo fotográfico es especial, es decir, tiene la diferencia propia de aquel que conoce el secreto de la imagen, no solo porque estudió sino porque el numen de las artes se hereda, están en el ámbito familiar de una u otra manera. Brando De Sica no escapa a las generales de la ley y entrega un film bien realizado, entretenido y con un mensaje: los débiles algún día dejan de serlo. No es poco.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

El llanto

De Pedro Martín Calero. Guion de Isabel Peña y Pedro Martín Calero. Fotografía de Constanza Sandoval, Arte de José Tirado, Montaje de Victoria Lammers, Música de Olivier Arson. Con Ester Expósito, Malena Villa y Mathilde Ollivier en los protagónicos. Duración: 107 minutos. Coproducción con España, Argentina y Francia.

XXX – CUANDO LO SOBRENATURAL ACECHA

Nadie puede decir que no existen otros planos de vida. Partiendo de esta premisa, comprendemos la intención de Pedro Martín Calero de realizar un film de terror diferente aunque no nos convenció su final poco definido. No obstante, a lo largo de la narración cuenta hábilmente la historia de tres jóvenes que, en distintas circunstancias no solo se conocen sino que atraviesan dramas sobrenaturales: Andrea, a cargo de la española Ester Expósito, descubre que es adoptada y, en su eventuales desplazamientos, escucha llantos profundos que provienen de un determinado edificio. Camila (la dúctil argentina Malena Villa) estudia Cine y se le indica que busque algo real. Sin embargo lo sobrenatural la acecha escuchando ese mismo llanto desgarrador, hasta que aparece Marie (la france, BRANDO DEsa Mathilde Ollivier), con quien traba amistad. Andrea no sospecha que la verdad que tiene en sus cortometrajes tendrán un accionar imprevisible, límite.

Nada hay nuevo bajo el sol, pero hay que señalar que Martín Calero logra ingresar al mundo del thriller y del terror desde un lugar no convencional. No va al facilismo del gore ni a los cuchillazos ni a los zombies. El realizador trabaja buceando en planos de vidas diferentes -teorías en estudio muy reales- y en la presencia de seres que no se han elevado del plano terrenal. Desde este punto de vista, resulta un film diferente e interesante aunque el final sea muy flojo porque no se define o puede ser que deje la puerta abierta a la interacción nada agradable de esos planos que convivirían con nosotros. Atractivo producto, diferente planteo de una narración de terror.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

DORMIR CON LOS OJOS ABIERTOS

Dirección de Nele Wohlatz, Fotografía de Roman Kasseroller. Con Kiao Kai Ro, Shin Hong Wang, Nahuel Pérez Biscayart, entre otros. Duraciòn:98 minutos. Brasil.

XXX – ENTRE EL NIHILISMO Y LA EXISTENCIA OBLIGADA

La alemana Nele Wohlatz estudió en la Argentina y logró reconocimientos internacionales con “El futuro perfecto”, su anterior film. Es una narración un tanto compleja de seguir, de lograr que el espectador sea parte de la historia. No obstante, hay puntos en común porque somos humanos pero Wohlatz va más allá, busca otras mixturas, otras relaciones entre países, culturas e idiomas. Sin duda, es una consecuencia directa de que ella sea alemana, haya estudiado en castellano en la Argentina, y dé clases en inglés, alemán, castellano. Si la realizadora posee ese mix, es coherente que lo busque plasmar en el arte que practica: el cine.

La protagonista es Kai, una chica que llega de Taiwàn hasta la ciudad de Recife, en el norte del Brasil, luego de que su novio se niega a acompañarla. Camina por puestos callejeros, ve con ojos bien abiertos la vida de los demás, intenta encajar en esa sociedad que le habla en portugués y que no asimila rápidamente ni sus ojos rasgados ni su manera de expresarse. La casualidad la lleva a las tiendas de los taiwaneses, con quienes intenta alguna cercanía. Pero nada se hace fácil para el inmigrante recién llegado.

Como inmigrante, la realizadora Wholatz tiene una idea bien clara de qué va la inserción social y de aquello que alguna vez se llamó “crisol de razas”. A través de este producto genera un meta mensaje sobre la manera  en que propios y ajenos estamos abandonados por la vida en rascacielos, ciudades, playas, rutas. La orden es vivir, o tal vez sobrevivir.

La propuesta carece además de hilación narrativa al punto tal que logre un crecimiento en la protagonista. Repentinamente divisamos al premiado Nahuel Pérez Biscayart, argentino revelación de los premios César, junto a un grupo de orientales mientras se pierde por un momento la presencia de Kai.

Una de las características formales de este film es la lentitud narrativa que se hace más determinante al no haber desarrollo de los personajes. Es cine de exploración, que cabalga en el documental y la ficción, si bien resulta evidente que es más un manifiesto nihilista tanto sobre las sociedades actuales como la manera de sobrellevar la existencia donde fuere.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

EL NUEVO NOVIO DE LUCÌA

Dirección y guion de Matías De Leis Correa. Fotografìa de E. Flores, Arte de Matías Martínez, Música de Fernando Nazar, Con Victorio D’Alessandro, Julia Dorto, Diego Alfonso, Candela Iriarte, Guido Botto Fiora, Santiago Magariños, Diego Alfonso, Miguel Di Lemme, Andrea Ferratti, entre otros. Duración: 98 minutos.

XXXX – REENCUENTRO CON VERDADES EN LOS PUÑOS

Nada más difícil que recrear el reencuentro de amigos para festejar el regreso al país de dos amigos dispuestos a ser papás en la Argentina y luego regresar a España. La tarea del director y guionista Matías de Leis Correa, que hace un cameo como Ariel al mejor estilo de Alfred Hitchcock, está altamente lograda a través de un elenco muy eficiente que se reúne para saludar a Ana (Julia Dorto) y Santiago (Victorio D’Alessandro). La pareja arma una rica cena para sus amigos de toda la vida. Llegan puntuales el hermano de Ana, Pedro (Miguel de Lemme) y su mujer Lili (Candela Iriarte), la pareja formada por Rodrigo (Guido Botto Fiora) y Alex (Santiago Magariños), así como el soltero Lautaro (Diego Alfonso) además de la breve aparición de la mamá de Santiago (Mercedes a cargo de Andrea Ferratti) que les presta el departamento y les trae el postre. Nada mal la invitación: pizzas caseras, vino mendocino, cerveza, y helado en espera del gran show musical de la 0 hora que todos piensan disfrutar junto a Santiago, que es músico.

La situación se torna tensa, densa, cuando Santiago se entera de que se invitó a Lucía, ex compañera hoy de novia con el peor enemigo del grupo, Eduardo, golpeador, que generó serios conflictos psicológicos por su bullying cotidiano a Santiago y a otros compañeros.  Es el elemento que tuerce la narración para llegar a la confesión sincera de cada personaje.

El director Matías de Leis Correa busca en cada uno de los presentes una respuesta al pasado que, por un lado, sea la experiencia alcanzada al superar los 30 años, y, por otro, pueda morigerar la angustia creciente de Santiago quien llegará al límite de su angustia en una secuencia de gran intensidad emotiva.

En esta película hay que destacar las actuaciones y los diálogos porque es a través de ellos que se produce una inmediata empatía con los personajes, conquistan, atrapan, aunque no siempre cuenten situaciones felices. Hay un espejo con la realidad cotidiana de cualquiera de nosotros. Gran mérito de los guionistas y gran mérito de los actores logrando, entre ambos, una unión de forma y fondo inhabitual: es una película que, al Woody Allen de hace 30 años, le hubiese gustado filmar, salvando distancias o no.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

CHOCOLATE PARA TRES, LA SOCIEDAD DEL AFECTO, CHECHERECHE, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 21 DE NOVIEMBRE DEL 2024

JUEVES 21 DE NOVIEMBRE DEL 2024

1.-WICKED PART ONE, de Jon M. Chu. Con Ariana Grande

La tierra de Oz sigue dando frutos. En este caso, el guion se basa en la novela del contemporáneo Gregory Maguire quien se basa en muchos de sus trabajos para los chicos y adolescentes en historias antiguas. En esta oportunidad, la base es El maravilloso Mago de Oz de Frank Baum, de 1804 y sus personajes, transformando a la malvada bruja del Oesta en la dulce Elphaha.La trama toma solo el primer acto del musical éxito de Broadway “Wicked”. El film reúne varios géneros, desde el musical al fantástico.

2.-HEREJE, de Scott Beck y Bryan Woods. Con Hugh Grant.

Heretic o Hereje es uno de los thrillers más interesantes de los últimos tiempos según la crítica internacional. Con pocos personajes, encabezados por Hugh Grant como el sinuoso y malvado señor Reed, Beck y Woods construyen una larguísima noche de terror en la que caen dos misioneras obligadas a demostrar su fe. Ir hasta la casa indicada, la del señor Reed, significará ingresar en un laberinto diabólico. De aquellas películas románticas a este papel tan opuesto, Hugh Grant recorrió un largo camino y no fue en vano. Los fans piden más roles de malvado para el galàn Hugh Grant.

3.- VERA Y EL PLACER DE LOS OTROS

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4.- CHOCOLATE PARA TRES, de Tomás Sánchez

5.- GAUCHO GAUCHO

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6.- CHECHERECO

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7.- LA SOCIEDAD DEL AFECTO

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CRÌTICAS

VERA Y EL PLACER DE LOS OTROS

Dirección y guion de Federico Actis y Romina Tamburello. Fotografía de Lucas Pérez, Música de Pablo Crespo. Con Luciana Grasso, Inés Estévez, Carlos Resta, Ofelia Castillo, entre otros. Duración: 103 minutos.

XXX – REBUSCADO NACER SEXUAL

La sexualidad es un tema recurrente en nuestro cine. En cambio, en el cine foráneo se lo utiliza como un recurso que sobreviene a determinadas interacciones, corriendo la cámara a la secuencia siguiente, nuestra cinematografía gusta de la explicitación.

Así comienza este film de Actis y Tamburello: la relación de dos jóvenes, de los que se muestra parte de sus cuerpos en pleno acto sexual y una banda sonora basada, en ese momento inicial, en gemidos de placer. Hecha esta introducción, la historia es el voyeurismo de una adolescente llamada Vera (excelente Luciana Grasso) que alquila a parejitas escolares o del barrio uno de los departamentos que tiene su mamá (Inés Estévez) para vender o alquilar.

Escenas fuertes como la masturbación ante cámara, en un plano largo a oscuras, o la inclusión de Vera en la relación de una joven pareja amiga, trìo que se brinda con placer en secuencias prácticamente silentes y extensas, van conformando una narración que apunta al despertar sexual de una joven hasta que descubre que no solo los adolescentes necesitan un refugio sino también los adultos que conoce. Este descubrimiento es uno de los puntos relevantes del film porque produce una inflexión en la historia muy fuerte, aunque no cambia su tono.

Se destaca la actuación de Luciana Grasso y de Inés Estévez, madre e hija en la ficción, espontáneas, creíbles, y el centro del despertar sexual propuesto como largometraje.

Aunque la narración está muy bien realizada, fluida y coherente a la vez, el guion carece de elevación conceptual. O sea se cae en la explicación de lo que se hace: “Deja de hacer ruido que estoy escribiendo”, por ejemplo. Esta elementalidad en los diálogos es recurrente y no dejaremos de apuntarla porque impide que se genere un clima de inquietud espiritual o intelectual, como es el caso de la protagonista “Vera”. Es solo contar los hechos de manera secuencial, bien filmados. Lo formal está cumplido. Lo conceptual es muy pobre.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

LA SOCIEDAD DEL AFECTO

Documental de Alejandra Marino y Marcela Marcolini. Se ofrece en el Cine Gaumont, los espacios INCAA y en Cine.ar. Duración: 79 minutos.

XXXX – BIOPIC DE UNA GESTORA CULTURAL DE VALÌA INTERNACIONAL

Pocas veces los documentales nos hablan de personalidades relacionadas con la imaginación, con lo lúdico, con el respeto esencial al otro, desde cualquier lugar, una cátedra como un cargo público. De allí que llevar al largometraje la vida de la muy vigente María de los Angeles Chiqui González (Doctora Honoris Causa de la Universidad de Irlanda y de Rosario, abogada y gestora cultural nacida en Rosario, Santa Fe,  docente de la Escuela de cine de San Antonio de Los Baños) quien sigue dando batalla en favor del desarrollo de la imaginación y de la belleza tiene un inconmensurable valor cultural-educativo.

“Chiqui” González, nacida en 1948, luchó por los derechos de los detenidos durante la dictadura cívico militar tanto como apuntó certeramente al cuidado de la niñez a través de la creación, del juego, de la celebración, del arte, pasos a seguir para descubrir ese lado de la mente capaz de imaginar o sea creando otros mundos. “El juego te ayuda a crear realidades”, afirma Chiqui González, tanto como el afecto bien puede ser “una visión estratégica para cambiar la sociedad”.

Por suerte, esta notable mujer aceptó cargos públicos y,  entre 2006 y 2007, fue Secretaria de Cultura de la Municipalidad de Rosario y entre 2007 y 2018, Ministra de Innovación y Cultura de Santa Fe, títulos que, de por sí, indican un planteo cultural diferente: desde esos lugares, generó espacios de cultura y belleza, donde uno encontraba desde las máquinas de volar de Da Vinci hasta el arte de generar sonidos con las manos. Y hasta tuvo la genialidad de llevar sinfónicas a lugares del interior superando esos condicionamientos atávicos de que, en lugares alejados a  una ciudad, a Beethoven no se lo entiende.

Tanta estupidez que nos rodea fue boicoteada por esta enorme intelectual llamada Chiqui González, que recita tanto a González Tuñón, como genera elencos teatrales, o entiende lo “maravilloso” como aquello que cambia la vida, o explica el valor del juego, contemplado en diversas leyes (Convención Internacional sobre los Derechos del Niño (Art. 31) y la Ley de Protección Integral de los Derechos de las Niñas, Niños y Adolescentes (Ley 26.061, Art. 20). Nada es ocioso: a través de lo lúdico el niño genera otras realidades porque puede desarrollar su imaginación y a partir de esto su percepción. Convengamos que, dentro de la percepción, o sea del desarrollo de los sentidos, está el reconocer lo bello, unido a lo ético, a lo que debe ser por esencia.

Discípulos, elencos, gente que trabajó o trabaja con Chiqui González hace su aporte a cámaras de manera muy sentida. Pero, sin duda, es la personalidad de esta rosarina la que asombra, la que nos hace pensar una y otra vez en cuántas “Chiquis” necesitamos para que la vida sea lo que debe ser.

El planteo del documental es rico en imágenes antiguas, actuales, se ve  a Chiqui en diversas actividades, mostrando objetos que ayudan a imaginar como dando clases, o explicando qué sucede en algunos de esos inmensos espacios recreativos que creó. Es decir, hay una protagonista absoluta, hay riqueza en el material, una cámara que es realista cuando no subjetiva, y un mensaje infrecuente que deleita: encontrar en la imaginación aquello que nos hace mejores personas, y en esto va la comprensión del otro, del compartir, o sea del afecto.  De visión obligatoria.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

CHECHERECHE

Documental de Leo Leonardo y Pablo Gallo. Guion de Paula Romero Levit, Pablo Gallo y Leo Leonardo, Montaje de Lucas Di Primio, Música de Juan Buscayrol, Sonido de Juan Fabrel, Duración: 68 minutos.

XXXX – LA HISTORIA TRISTE DE UN ARGENTINO OLVIDADO

Cuesta creer que hoy en día exista un argentino al que el Estado no tiene en cuenta, porque Chechereche, nombre que le dio el pueblo de Lules (sitio icònico de Tucumàn porque allí nació Ramón Palito Ortega), lo adoptó como hijo. Llegó allá por el 75, no se le entendía lo que hablaba y mostraba la lengua cortada por la mitad, alguien dijo que bajaba de los montes donde estaban los supuestos “terroristas”, y los milicos seguramente lo agarraron. Dicen que tampoco encontró la que era su casa, ni a su familia. Chechereche es “nadie” para el Estado, se supone que su edad ronda los 55 o 60 años, se supone que perteneció a una familia de clase media porque sabe usar traje y corbata y bañarse en la casa de los vecinos.

La gente del lugar explica que ellos también tienen una vida condicionada porque viven en casas prestadas por los dueños del ex ingenio, así como recuerdan que vieron llegar los helicópteros de los milicos, y cómo jóvenes con mochilas subían a los montes. Tampoco olvidan que los obligaron a identificarse con papel y foto y quien no tenía, desaparecía.

¿Acaso Chechereche o Pedro, como lo apodan, es consecuencia de las brutales andanadas del ejército en la época de la triple A y luego de la última dictadura cìvico-militar? No hay quién pueda decir quién es este hombre menudo, de buenos modales, afable, que renguea bastante, y que no se le entiende porque le cortaron la lengua los milicos, así dicen.

Los realizadores Leonardo y Gallo hicieron una narración de interés creciente, partiendo del caminar oscilante de Pedro-Chechereche hasta la relación con los habitantes, está quien le pide que compre algo o quien le ofrece el baño para la ducha, o el que le corta el pelo. Chechereche es del pueblo de Lules, sus pobladores coinciden en que, si le encontraran familia, sería una felicidad pero ellos no lo quieren perder. Hay quien llora y dice “es triste esta historia”. Lo es.

La fotografía de Leo Leonardo acompaña muy bien la narración, muestra la amplia extensión cultivada, los montes lejanos, las casas sencillas donde se vive “de prestado” y el andar de este personaje que conmueve: muestra la desigualdad social, la ausencia de autoridades competentes, el olvido de los poderosos. La cámara de Leonardo recorre rostros, casas, patios de tierra apisonada, los caminos de Chechereche que son los de toda esa población.

Como documental, esta propuesta es una historia bien fundamentada con un protagonista sòlido. Su trasfondo está muy claro: el Estado marginó a un ciudadano, no lo considera tal. Lo sacó hasta de sus burocráticas oficinas porque ni sus huellas se encontraron registradas. ¿Es el pasado dictatorial que vuelve en este personaje, es Chechereche un remanente de la crueldad de antaño o es el testimonio de una crueldad que persiste? Chechereche duele. Sì, es una historia triste.

Elsa Bragato, Actoreonline.com

GAUCHO GAUCHO

Documental de Michael Dweck y Gregory Kershay, a cargo de la producción y la fotografía. Ediciòn de Gabriel Rhodes. Sonio de Stephen Urata. Duraciòn. 95 minutos. En Blanco y Negro. Estados Unidos.

XXXX – HISTORIA RURAL CONTADA EN VIRTUOSO BLANCO Y NEGRO

Los galardonados Michael Dweck y Gregory Kershay decidieron, luego de sus exitosas “Long Island” y la búsqueda de trufas blancas en Italia, The Trufle Nunters, visitar la Argentina y, en especial, las comarcas del norte. Querían retratar a las comunidades rurales gauchescas que, sin perder contacto con la realidad, mantienen tradiciones de generación en generación.

Los dos fotógrafos y documentalistas realizan trabajos prodigiosos con sus lentes, en planos largos cruzados por caballos al galope, en charlas de los más ancianos con los jóvenes con cámara fija, o alguna cámara lenta sobre movimientos humanos y de animales.

En el fondo, en lo conceptual, superan todo lo imaginable porque bucean en la espiritualidad de estos gauchos y sus familias a través de diálogos que nos cuentan el sentir de una comunidad. Sin dejar de aferrarse a la tradición, miran al futuro a través de la educación escolar de los más jóvenes.

Hay una belleza visual poco común: determinadas secuencias parecen cuadros trabajados con esfumaturas de crayones negros. No hay hilación narrativa porque no se propone una historia específica: es la descripción del hacer y del sentir de una comunidad rural a través de sus habitantes, cerquita de los confines norteños de la patria. Un prodigio de buen gusto que reafirma la argentinidad y empodera al gaucho. Disfrute visual bien argentino.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

CHOCOLATE PARA TRES

Dirección y Guion de Tomás Sánchez. Con Flor Torrente, Beatriz Spelzini, Romina Gaetani, Gastón Soffritti, Andrea Pietra, Tomás Birabent, Elena Roger y la participación de Arturo Puig, entre otros. Producción SánchezCine. Duración: 85 minutos.

XXXX – LINDA HISTORIA DE FAMILIA CON POTENTE MENSAJE SOCIAL

“Chocolate para tres” nos acerca a las buenas comedias argentinas, al buen gusto y a nuestro concepto profundo de familia. Para darle fuerza a la propuesta se buscó un elenco de altísimo nivel profesional -Puig, Roger, Pietra, Spelzini, Gaetani, etcétera- basándose en hechos reales de bulimia y su contrapartida, a partir de situaciones de la vida que no siempre se pueden asimilar rápidamente. O bien que nos generan conflictos profundos y hay que transitar capa por capa hasta poder alcanzar la luz y llegar a la curación.

En este caso, la protagonista es Flor Torrente, tan bella como buena actriz, en el papel de Julia, que tiene una carrera en comedias musicales por delante pero está atada al drama de la familia: su padre (Antonio Birabent) se divorció de su madre (Andrea Pietra) y formó hogar con una cantante (Elena Roger) con quien va a tener un hijo. Pero muere inesperadamente mientras Julia no pudo aceptarle esta segunda oportunidad, hecho que la llena de culpa. Es el quid de la historia que se relaciona con la separación de los abuelos (Puig y Spelzini), la eventual venta del hotel que tienen en el Sur, y la negativa de Julia a tolerar tantos cambios.

Este marco familiar impide que Julia supere su trastorno alimenticio siendo la problemática de los adultos el “packaging” de la historia principal.

La fotografía de cualquier lugar de nuestro Sur es suficiente carta de presentación para lograr belleza visual. Le añadimos un sólido elenco y una historia de familia común, donde hace falta la aceptación y el perdón para volver a empezar. Sencilla, bien actuada, bien realizada, Chocolate para Tres nos regala una bella historia familiar con un mensaje potente sobre la influencia negativa que hechos tristes y situaciones no resueltas entre los mayores pueden afectar seriamente la salud de los más jóvenes.

Es entonces una película linda que sensibiliza porque cuenta hechos cotidianos sin vueltas, a través de una narración que, si bien tiene algunos cabos sueltos, logra el objetivo de darle visibilidad a una problemática muy seria sobre la salud de los más jóvenes.

Elsa Bragato, Actoresonline.com