JUEVES
15 DE DICIEMBRE DEL 2022.-
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El Instituto Nacional
de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA) anuncia la
renovación de sus pantallas para la segunda semana de diciembre.En el Cine Gaumont, desde el 15 de
diciembre se estrenan la ficción La
ley del embudo, dirigida por Carlos Piwowarski y Daniel
Alvaredo; el docuficción Pornomelancolía,
de Manuel Abramovich; y el documental El coso, realizado por Néstor Frenkel.Como parte del
programa Jueves Estreno, La
ley del embudo se podrá ver también en la señal CINE.AR TV a las 22 horas,
con repetición el sábado 17 en el mismo horario, y en la plataforma CINE.AR
PLAY estará disponible por una semana, en forma gratuita, desde el viernes
16.
Desde el jueves 15, la plataforma sumará los estrenos de Mete
miedo (2022 – 85 min – SAM 16), de Néstor Sánchez Sotelo; Un bolso
lleno de carteras (2019 – 81 min – ATP), de Leonardo Petralia; El
lado salvaje (2022 – 95 min – SAM 13), de Juan Dickinson; Zew
(2022 – 70 min – ATP), de Irene Kuten; y Vuelta al perro (2022 – 94
min – SAM 13), de Nicolás Di Cocco.
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OTROS
ESTRENOS PREVISTOS PARA ESTE JUEVES:
AVATAR
2
De
James Cameron. Con SINSÍPam Worthington, Zoe Saldana, Sigourney Weaver, Kate
Winslet, entre otros. Fotografía de James Cameron y Russell Carpenter, Música
de Simon Franglen. Duración: 190 minutos.
XXXX-
UNA DELICIA VISUAL INSÍPIDA PERO VALIOSA
Luego
de Avatar, lanzada en el 2009, James Cameron no logró concretar rápidamente la
primera secuela del film, la historia del planeta Pandora y sus seres azules
“Na’Vi”, con idioma propio (un pool de lingüistas trabajó creando el idioma de
esa raza): pandemia de por medio, recién este año lanza Avatar 2, prometiendo
una saga de cinco films en total por lo que producirá tres películas más, una
por año.
En
este caso, la historia parte de una pareja y sus hijos, y la lucha por la
sobrevivencia que enfrentan en diferentes medios ambientes. No solo está el
planeta que les pertenece sino también mundos acuáticos donde deben sobrevivir
con muchas dificultades.
Más
que detenernos en la historia, pura ficción dentro del género de ciencia
ficción, es válido aportar algunos datos técnicos que pueden darnos la magnitud
de la tecnificación de James Cameron (un científico con títulos que así lo
indican) para sus películas. Algo esbozó en Titanic. Ahora pensó seriamente (en
colaboración con un grupo de guionistas que siguieron sus ideas)en cambiar el
ámbito de los Na’Vi por lo que debió adiestrar durante casi un año a su selecto
elenco de primeras figuras.
Hubo
que fabricar una alberca gigantesca para que actrices y actores pudiesen nadar
y actuar al mismo tiempo. Por ejemplo, la inglesa Cate Winslet tuvo
adiestramiento de seis meses para lograr sostener la respiración durante 4minutos
debajo del agua.
Es
que el cine de Cameron, a partir de Peter Jackson y su “Gollum” es pura
técnica: la capture motion que creó el padre cinematográfico de El Señor de los
Anillos fue complejizada por Cameron, por lo que los actores, fuera del mundo
acuático, también tienen escenas cargados de sensores, trasladados a las
figuras azules que los esperan en las computadores superespeciales del equipo
técnico. En verdad es un trabajo de ingeniería tecnológica que ofrece una gran
dificultad para la actuación. La simulación de la mayoría de las luchas,
enfrentamientos, amores y demás, es absoluta. Se reducen a una expresión facial
y algún movimiento corporal que luego “se rellena” con sofisticados programas,
softwares.
De
todas maneras, lo que vemos tiene un esplendor visual que asombra. La técnica
al servicio del arte es una realidad tangible y, en el cine, tiene nombres
ilustres especialmente en los últimos 24 años: Peter Jackson y, por supuesto,
James Cameron. Sin olvidar al padre de la escuela de efectos, George Lukas,
quien puso a disposición de Jackson y de Cameron sus especiales estudios.
Es
difícil comentar un film cuya base es una historia singular con preeminencia de
la tecnología más que con un sentido de estricta humanidad. El desarrollo
narrativo es absolutamente artificial. Pero tiene la magia que pone un creador
como Cameron, la historia es suya, pertenece a su imaginario. Es lo que salva a
esta producción, que anonada, de la frialdad de lo meramente técnico. Y que
pueden resultar absolutamente insípidas aunque bellas.
Elsa
Bragato
NETFLIX.
ESTRENO DEL 24 DE NOVIEMBRE PASADO
PINOCHO,
DE GUILLERMO DEL TORO
De
Guillermo del Toro y Mark Gustafson. Coguionado con Patrick McHAle. Basado en
la obra de Carlo Collodi. Fotografía de Frank Passingham. Música de Alexandre
Desplat. Coproducción de Estados Unidos, México y Francia. Además de diversos
estudios cinematográficos internacionales. Duración: 117 minutos
XXXX-
MUÑECOTES TRÁGICOS PARA UN GRAN HISTORIA
La
imaginación de Guillermo del Toro, ganador del Oscar por “La forma del agua”,
vuelve por sus fueros. Tomó el clásico de Carlo Collodi, Pinocho, y lo
transformó en un drama sobre la relación padre e hijo, sin abandonar la hechura
inicial: es un hijo de madera del ebanista Gepetto (David Bradley), a quien se le
muere su único hijo, Carlo, en medio de un bombardeo de la Segunda Guerra
Mundial, época en la que instala su versión.
La
desesperación de Gepetto lo lleva a tallar un niño en un trozo de leño de pino,
así surge Pinocho (Gregory Mann). un títere con una nariz poco común. Es tanto
su dolor por la pérdida de su hijo Carlo que ni este muñeco, inerme, lo
consuela. Llega entonces un hada (Tilda Swinton) y le infunde vida para que la
soledad del carpintero se mitigue.
La
voz en off del Grillo (Edward McGregor) nos va contando sus vicisitudes y las
del niño de madera que adquiere vida.
Pinocho
intenta ser bueno pero es extremadamente travieso hasta que un bribón, el Conde
Volpe que recorre los pueblos con un circo de mala muerte (Christphe Waltz)
junto a su mono (Cate Blanchett) lo secuestran con falsas promesas.
La
tecnología está al servicio una vez más del arte. En este caso, se trabajó con
maquetas, con muñecos de diferentes tamaños tallados en madera, con decenas de
rostros de Pinocho con expresiones diversas. El “stop Motion” en este caso y no
el “Capture Motion” tuvo lugar. Un trabajo excepcional que demandó mucho
tiempo.
Días,
horas, trabajo intenso para que esta versión animada de Pinocho llegara a
Netflix, la empresa que sí invirtió para que el sueño cinematográfico de Del
Toro se hiciera realidad.
La
película transita el drama con frecuencia, incursiona hasta en la política con
una sátira al mismísimo Duce, Benito Mussolini, y los diálogos no están exentos
de esa filosofía cotidiana tan común a cualquier mortal pensante. Es, sin duda,
un acercamiento honesto al espectador: estamos frente a “muñecotes” que
razonan, como la mayoría de nosotros. Es aquí donde la ficción de Guillermo del
Toro se vuelve real, vívida, un reflejo de lo cotidiano, los temores de un
padre por las vicisitudes de un hijo,
los deberes de los hijos con los padres, los derechos de unos y otros, la
honestidad como único camino posible para cualquier meta.
Hay
secuencias de notable intensidad como la del monstruo marino que se traga a los
personajes quienes lucharán para salir al mar nuevamente y sobrevivir. El
cuento de Collodi está presente siempre nada más que Del Toro le suma su
sensibilidad, transformando una lectura que tiene sus matices tristes para
cualquier niño en escenas dramáticas muy intensas.
¡No
se sale indemne de este Pinocho tan especial de Guillermo del Toro! Ni siquiera
algunas actrices como Tina Swinton, sensibilizada al máximo por sus dos roles: le
dio vida a la Vida y a la Muerte, dos personajes con un mismo rostro y cuerpos
diversos, opuestos pero iguales, uno como la continuación de otro y viceversa.
Clara reflexión teológica de Guillermo del Toro.
Pinocho
es un film que cierra aspectos planteados en El laberinto del Fauno, historia tremenda
emparentada como thriller con Venecia Rojo Schocking (1973). Ciertamente, es un
Pinocho que escribió el italiano Collodi y que el mexicano Guillermo del Toro
transformó en un plato fuerte para adultos, a pesar de cierto estancamiento
narrativo que el realizador suple magistralmente con la acción y los diálogos
de de sus personajes.
Elsa
Bragato
PORNOMELANCOLÍA
De
Manuel Abramovich, docuficción con Lalo Santos, sex influencier mexicano.
Fotografía de Manuel Abramovich. Duración: 97 minutos. Coproducción.
XXX-
VIDAS QUE SE AUTODESTINAN
Para
Manuel Abramovich, el docuficción “Pornomelancolía” retrata la relación que
Lalo Santos, sex influencer mexicano, tiene con su cuerpo es el punto de
partida para narrar la soledad en la que se vive. Hay una estrecha relación
entre lo espiritual, lo físico y la sociedad. Por sobre este planteo, el film
habla más de la soledad que del sexo aunque la actividad de Lalo Santos sea la
de vender sus fotos eróticas y citas sexuales. Existe un contexto social que no
lo contiene, ni a él ni a gran parte de la sociedad: la gente se transforma en
merodeadora de la realidad. Vive la vida el que puede. El resto merodea,
sobrevive.
Es
una película para determinado target, no todo el público se sentirá cómodo ante
la propuesta de Manuel Abramovic. Se destaca la fotografía como el mejor rubro
técnico, superior al guion y a los diálogos. En cuanto a la actuación de Santos
y el reducido grupo de actores (tal vez personas comunes devenidas como tales)
resulta básica, acorde con el personaje que no tiene sonrisas sino un modo
cansino de ver la vida, de sentirse a sí mismo; sus días transcurren en un
mundo machista, siendo casi inexistente la presencia femenina que aparece en
momentos muy puntuales. El hombre y su masculinidad determinan el desarrollo de
la historia que intenta ser un referente social, pero no lo logra. Esboza, sí,
una genuina preocupación por estas vidas que se autodestinan a actividades marginales.
Pornomelancolía
es un excelente título que tan solo describe la actividad de Lalo Santos sin
profundizar conceptualmente en la soledad y en la actividad del protagonista
como producto de su gran vacío interior. Éste solo está descripto por su rostro
sin expresión por lo que el argumento no supera la linealidad secuencial.
Elsa
Bragato
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