"KONG", "JACKIE", "MONSIEUR CHOCOLAT", ESTRENOS DEL JUEVES 9 DE MARZO DEL 2017

JUEVES 9 DE MARZO DEL 2017.-

Varias películas llegan a las pantallas nacionales. Entre ellas, tres biopics y films nacionales, algunos con nula difusión lo cual es de lamentar. También se ofrece en el Malba el excelente documental “Lea y Mira dejan su huella”, de Poli Martínez Kaplún, quien entrevistó a dos sobrevivientes judías del campo de exterminio Auschwitz. Ambas viven en el país y cuentan cómo fueron llevadas a diferentes campos de concentración, cómo sobrevivieron a los horrores y el profundo dolor de perder a sus seres queridos, cómo llegaron al país. Más que valioso documental que recomendamos. Ver horarios de programación en el Malba.

“Ley primera” es una buena ficción de Diego Rafecas, quien nos relata la vida de dos hermanos con vidas diferentes: nacidos en la comunidad Qom, uno de ellos va a vivir a los Estados Unidos. Como curiosidad, los diálogos son en lengua Qom de los Tobas y en inglés.

“El silencio” es un film del venezolano Arturo Castro Godoy, radicado en nuestro país, quien analiza, a través de la historia de una pareja de adolescentes que tienen un hijo, las relaciones padres-hijos y la búsqueda de la identidad a cualquier edad. Es una narración intensa y profunda.

JACKIE

De Pablo Larraín. Guión Noah Oppenheim. Con Natalie Portman, Peter Sarsgaard, Greta Gerwig, Billy Crudup, John Hurt, entre otros. Música de Mica Levi. Duración: 95 minutos. Coproducción Estados Unidos – Chile.

XXXXX – LOS KENNEDY A ESCENA

El realizador chileno Pablo Larraín eligió a Natalie Portman como su “Jackie”, una elección valiosa, acertada, dado que la actriz había demostrado con creces su esmerada elaboración de los personajes. Su carrera de Psicología en Harvard le permitió hasta alcanzar el Oscar por El cisne negro. Otro acierto del realizador chileno fue tomar solo el fatídico 22 de noviembre de 1963, el momento exacto en que el presidente John F. Kennedy fue asesinado en Dallas, y la semana subsiguiente del magnicidio que dejó a la primera dama sin corona y sin marido en segundos. Luchando con el dolor, la profunda lucha para recuperar su fe, consolando a sus pequeños hijos y definiendo y defendiendo a ultranza el legado histórico del asesinado presidente, esa Jackie de ese día de noviembre se transformó en un hito histórico.

El acierto mayor, o lo más logrado, es el clima sin sensiblería ni condescendencia que Pablo Larraín pone sobre el drama que vivió  la ex primera dama. En su hogar, la Casa Blanca, todo empezó a cambiar con rapidez, y Larraín tuvo el tino de marcarlo en secuencias fuertes, lúcidas, creíbles. Es que el director chileno es un profundo conocedor de estas situaciones extremas, como demostró en “Neruda” y en otros films, donde el entorno es oscuro y cruel, donde la vida no vale nada y los personajes-protagonistas se vuelven “targets” para las mafias enquistadas en el poder.

Natalie Portman asumió el difícil personaje de “Jackie” con profundidad, logrando verosimilitud en sus gestos y su forma de hablar, con la colaboración de la dirección de arte (vestuario, maquillaje). A partir de eso, Portman trabajó su  frágil contextura física, poniendo énfasis en la refinada educación que tuvo Jacqueline Kennedy, dama de modales delicados y fría amabilidad. Pero también de gran fortaleza. Las secuencias posteriores al magnicidio nos muestran sus fluidos contactos con Robert Kennedy (Peter Sarsgaard), sus paseos solitarios con el sacerdote que fue su consejero espiritual así como la única entrevista que concedió, basándose en su firme convicción de que la prensa no siempre decía la verdad. Hay que recordar que “Jackie” había sido reportera gráfica y conocía el medio periodístico.

El film, apoyado en la música incidental de Mica Levi y la dramática fotografía de Stéphane Fontaine, tiene secuencias memorables: la recreación del 22 de noviembre en el auto descapotado, el vestido de color rosa que quedó manchado con la sangre de su marido, como su rostro y sus manos, el paisaje agónico y gélido de los paseos con su sacerdote y el sepelio del presidente. Son retratos de notable maestría cinematográfica en los que Pablo Larraín, así como su heroína Natalie Portman, conforman una dupla estupenda para una biografía histórica que aún no se había llevado al cine, salvo en alguna secuencia de “JKF” de Oliver Stone.

Carlos Pierre

EN LO PROFUNDO DEL BOSQUE

Guión y dirección Patricia Rozema. Con Ellen Page, Evan Rachel Wood, Max Minghella, Callum Keith Rennie, Michael Eklund, entre otros. Música de Max Richter. Duración: 101 minutos.

XXXXX – TERROR FEMINISTA

La realizadora canadiense Patricia Rozema, basándose en la novela de Jane Hegland, enfocó el tema de la supervivencia ante un desastre apocalíptico con una mirada femenina y familiar. Ubicó la historia en un bosque de Carolina del Norte, muy alejado de la civilización.

Dos hermanas adolescentes sienten ese cataclismo emocional cuando un apagón, que se prolonga un año, cambiará la rutina apacible. Nadie sAbe qué pasó. Envueltas en el miedo y la desinformación, enfrentan la incomunicación (no tienen TV, internet) y los víveres empiezan a faltar porque la pequeña aldea aledaña ha quedado desierta.

La curiosidad de esta película es que, desde la realizadora y la novelista hasta las dos protagonistas, dejan de lado la figura masculina. Los varones aparecen solo para concretar una violación. El tono apocalíptico va creciendo tanto para el espectador como para las protagonistas que deben luchar a brazo partido contra las adversidades que van surgiendo dentro de una catástrofe ambiental cuyo origen se desconoce.

Patricia Rozema aplicó su vasta experiencia en la televisión para conferirle al film agilidad y suspenso. Su capacidad como realizadora está altamente comprobada por los capítulos que dirigió en la famosa serie “Mozart in the Jungle 2016”, por mencionar solo uno de sus trabajos. El mundo desolador, las mujeres solas y asoladas por el entorno, obligan a pensar en algo más que lo físico: es la soledad femenina frente a un mundo marcadamente masculino. Y esto nos permite afirmar que hay una reivindicación de la mujer, sustentada por las estupendas actuaciones de Ellen Page y Even Rachel Wood. El terror y la desesperación de las protagonistas conmueven destacándose que Rozema los administra con destreza y hasta elegancia. Es un film de género diferente y atractivo.

Carlos Pierre

KONG: LA ISLA CALAVERA

De Jordan Vogt-Roberts. Con Tom Hiddleston, Brie Larson, Toby Kebbell, Jason Mitchell, Samuel L. Jackson, Tom Wilkinson, Corey Hawkins, John Goodman, John C., Reilly,  entre otros. Música de Henry Jackman. Duración: 118 minutos.

XXXXX – INICIO DE UNA SAGA

“King Kong” quedó en el recuerdo como aquel gigante gorila que se enamoraba de una frágil rubia y, subido al Empire State de New York, era ametrallado hasta morir. Y allí se terminó todo. La astucia de los estudios cinematográficos de Hollywood reviven con “Kong: la isla calavera” la historia del gorila histórico mostrándolo en un ambiente natural, una isla perdida en el Pacífico. A partir de ahora hay “derecho” a una saga. Veamos por qué.

El film de Jordan Vogt-Roberts se remonta a la Segunda Guerra Mundial, a la caída de aviones en una isla y a la supervivencia de uno de los aviadores. De allí se pasa a los años 70 en Vietnam, en plena guerra de los Estados Unidos y los vietnamitas (culminó en 1975). Un grupo de soldados terminan con su misión, están al mando de “Preston Packard” (Samuel L. Jackson). El descubrimiento satelital de una extraña isla en el Pacífico alerta a estudiosos para organizar una exploración encabezados por “Bill Randa” (John Goodman) mientras el comandante Packard es llamado con su grupo para llegar a la isla.

Con ellos va una fotógrafa y periodista, “Mason Weaver” (Brie Larson). Llegar a la isla es un desafío mortal, en medio de tormentas eléctricas que ponen en jaque a más de una máquina. La recepción no será pacífica: el mundo idílico de la isla, que luego de la tormenta se descubre, se trastoca cuando aparece un furibundo gorila que hace añicos, como si fuesen papelitos, a los helicópteros y se traga a algunos ocupantes como caramelos. De allí en más se viven aventuras que tienen una majestuosidad visual propia de los estudios hollywoodenses. Aguas muy a lo “vietnam”, soldados lastimados que se meten en lagunas, y horribles monstruos que los persiguen. En esa isla aparece como “salvador” aquel aviador que cayó, “Hank Marlow” (John C. Reilly), que logró ubicarse como “jefe” de una tribu temible.

El ritmo es sostenido: aventuras, luchas entre los monstruos, el cementerio fétido, van aumentando la tensión, en una narración que no decae pero que, si repasamos lo visto hasta ahora en materia de efectos especiales, poco es lo que sorprende. El “gag” que nos devuelve al viejo “King Kong” conocido es el salvataje de la fotógrafa “Mason” que, si bien no tiene relación directa con las secuencias del film tradicional, permite avizorar un respeto amoroso del gigante con la diminuta figura femenina. Y secuelas…

Es un film para entretenerse y vibrar en la butaca con los salvajes ataques de los “guirigay”. Hay excelencia en efectos visuales, como dijimos, y la aventura está en su apogeo, con villanos y buenos, con monstruos y seres humanos. La película es buena pero no podemos dejar de “entrever” la postproducción técnica, una de las mejores que hemos visto hasta ahora. Yendo un poco más allá, hay un mensaje ecológico: no destruir el medio ambiente, respetar a los animales como personas no humanas.

Elsa Bragato

MONSIEUR CHOCOLAT

De Roschdy Zem. Con James Thierrée, Omar Sy, Clotilde Hesme, Olivier Gourmet, Frederic Pierrot, entre otros. Música de Gabriel Yared. Duración: 110 minutos.

XXXXX – EMOTIVA HISTORIA DE UN CLOWN AFROCUBANO

La tercera biopic de la semana es “Monsieur Chocolat”, basada en la biografía que el historiador e investigador francés George Noiriel publicó en 2012 rescatando la vida de Rafael Padilla, afrocubano nacido como esclavo en Cuba en 1868: fue uno de los mimos más famosos de fines del siglo XIX y comienzos del XX (falleció en el 1917 en la más absoluta miseria). Por diferentes razones llegó a París en un momento donde la “ciudad luz” era bohemia, trasnochados artistas plásticos, y bellas mujeres prostituidas. Un gran hallazgo cinematográfico de Roschdy Zem es la recreación del ambiente parisino, de la vida circense, de sus alegrías, de sus profundas miserias y tristezas, a través de un personaje como “Monsieur Chocolat” o Rafael Padilla, en el que se funden el dolor existencial y el grotesco: era el negro que aceptaba las bofetadas de un blanco para hacer reir a los blancos, frase con la que se define al film.

Durante 20 años, “Monsieur Chocolat” estuvo unido al clown británico “Footitt” (George Tudor Hall), siendo números preferidos en circos y hasta en teatros de la época. Esta relación está muy bien protagonizada por los excelentes Omar Sy (ganador del César por “Entouchables”) y James Thierrée como “Footitt”, en una cabal lección actoral de ambos. Entre el drama, la comedia, la tristeza que también genera aquellos ambientes lúgubres y pobres de los circos de antaño, el racismo y la corrección política que significa llevar al cine esta asombrosa biografía, transcurre una narración muy emotiva que redescubre una figura olvidada y que solo un investigador como George Noiriel rescató del olvido en un libro, ahora llevado al cine. Melancolía, habilidad narrativa, plasticidad actoral: valiosos aciertos de una película que merece verse.

Elsa Bragato

"EL VIAJANTE", "LOGAN", "EL ESPACIO ENTRE NOSOTROS", "LA PRESENCIA", ESTRENOS JUEVES 2 DE MARZO 2017

JUEVES 2 DE MARZO DEL 2017.-

Varios estrenos luego de los premios Oscars y sus papelones. Entre ellos, los films nacionales como “Nosotras-ellas”, film de la directora cordobesa Julia Pesce, del 2015, muy bien recibido por la crítica. Gira en torno a su propia familia. También “El cielo del centauro” del director Hugo Santiago quien filma luego de varias décadas. Se presentó en el BAFICI 2015. Además, “El teorema de Santiago”, de Ignacio Masllorens & Estanislao Buisel Quintana, sobre cómo filma justamente Hugo Santiago, su estilo, qué elementos lo componen: análisis o estudio de un cineasta nacional realizado por dos colegas suyos. Entre las extranjeras, está la producción de los hermanos Dardenne, de Bélgica, titulada “La chica sin nombre”, considerado “menor” dentro de la filmografía de Jean Pierre y Luc, pero siempre con un rasgo distintivo especial e inconfundible.

TRAINSPOTTING – T2

De Danny Boyle. Con Ewan McGregor, Robert Carlyle, Jonny Lee Miller, Ewen Bremmer, Kelly Macdonald, Shirley Henderson, Steven Robertson, Anjela Nedyalkova, Irvine Welsh. Música: varios. Duración: 117 minutos.

XXXXX. IRREVERENCIA BRUTAL

Hace exactamente 20 años y algunos días, en 1996, Danny Boyle asombraba al mundo cinéfilo con la película “Trainspotting” donde el submundo de la droga y la prostitución se mostraba como nunca antes. Fue el puntapié inicial para que el cine se metiera sin falsedad en muchos otros submundos con sus altísimos grados de miserabilidad e inescrupulosidad.

“Mark Renton” (Ewan McGregor) regresa a Edimburgo, Escocia, para recomponer la relación con sus viejos amigos, coincidiendo con la salida de la cárcel del violento “Franco” Begbie, quien no perdona la traición de Renton ni del grupo de amigos. La primera película Trainspotting se basó en la novela homónima de Irvine Welsh editada en 1993, y esta secuela, en la titulada “Porno”, del 2002. Es que en esta novela aparecen todos los personajes de la “iniciática” de 1993, mientras que entre una y otra, lo hicieron en forma esporádica, según el capricho del escritor.

Se hace difícil comprender el inglés de los protagonistas porque es evidente que hablan en el dialecto escocés en el que Welsh hace “hablar” a sus personajes. La relación de los cinco amigos con la droga, la prostitución, la amoralidad, sigue casi intacta aunque hayan pasado 20 años. Y tanto Renton como sus compañeros quieren reconstruir aquellos años de adolescencia frenética. Sin embargo, la realidad es diferente. La violencia de “Franco” ya es inadmisible, tiene familia y ni siquiera su hijo quiere seguir sus criminales pasos. El resto vive como puede pero dentro de ambientes mediocres. La heroína parece cosa del pasado aunque ha dejado sus buenas huellas en cada uno de ellos.

La narración de Boyle (“Slumdog millonaire”, “127 horas”) es irreverente, alocada, sin perder jamás la coherencia o esa hilación sutil que hace posible que tantos caracteres diversos mantengan puntos en común. El estilo es similar al de “Trainspotting”, pero bañado de nostalgia: las repeticiones de conductas de hace dos décadas no tienen la misma aceptación social aunque en esencia ellos sigan siendo esos mismos amorales, perdidos por la droga y un furioso rock. Volver al hogar paterno para “Mark” es buscar el perdón, pero siente que pueda redimirse. En su cuarto, estalla el adolescente viejo que es. Recordemos: McGregor es “Mark Renton”; Ewen Bremmer compone a “Daniel “Spud” Murphy”; Jonny L. Miller es “Simon “Sick” Boy” Williamson”, y Robert Carlyle es “Francis “Franco” Begbie”.

Singular, electrizante, inescrupulosa, “Trainspotting- T2” es un viaje a un submundo que quedó en la imaginación de aquellos muchachos, brutal, cruel, plagado de maldad y traición, como antes. Nadie cambia su ADN. Como película, es un alucinante viaje cinematográfico que golpea fuertemente.

Elsa Bragato

LA PRESENCIA

De Jason Stutter. Con Jed Brophy, Jeffrey Thomas, Laura Petersen, entreotros. Música de David Donaldson, Steve Roche y Janet Roddick. Duración: 80 minutos

XXXXX – TERROR CLÁSICO

Jason Stutter es un realizador de Nueva Zelanda reconocido por sus cortos y su actividad como publicista. “La presencia “ (The dead room) es su primer largometraje donde aborda el género del terror con una narrativa clásica. Es decir, aquí hay ruidos, movimientos de cámara, y ningún monstruo. Dos científicos junto a una jovencita que es médium investigan una vieja casa supuestamente “embrujada”.

La cámara de Stutter realiza un trabajo superlativo con muchas tomas secuencias muy al estilo de los 40. Es un manejo envolvente de la imagen que luego da lugar a la presencia, a ese “ente” que no necesita de trucos especiales para aterrorizar.

Los sustos, que de eso se trata en definitiva, son auténticos. La cámara con imágenes directas y frontales así como la posproducción de sonido hacen el resto, comportándose como dos protagonistas que son uno solo: el “ente” en sí. La casa tiene un secreto pero no se revela hasta el final, y ni siquiera las autoridades del lugar quedan fuera de esos ambientes terroríficos. Es una buena película de género que va a atraer a los fans. Además, es más que positivo que los efectos de Hollywood no estén presentes y que se pueda ver y sentir un miedo en base a imágenes y sonidos. En eso, Jason Stutter demuestra su más que interesante planteo narrativo.

Elsa Bragato

LOGAN-WOLVERINE

De James Mangold. Con Hugh Jackman, Patrick Stewart, Dafne Keen, Doris Mogado, entre otros. Música de Marco Beltrami. Duración: 135 minutos.

XXXXX – LA TERCERA ES LA VENCIDA

Hasta acá llegó la vida y obra de “Logan-Wolverine”, la trilogía encarnada por Huck Jackman (las anteriores fueron X-Men Originals – 2009; y “The wolverine” – 2013), como desprendimiento del personaje Wolverine de Marvel Comics. Los hombres con poderes especiales y la famosa escuela dirigida por “Charles” (Patrick Stewart) no tienen cabida en el 2029, año en el que se sitúa la narración. “Logan”, cansado de sus poderes especiales, de esas tremendas dagas que surgen de sus dedos cuando lo hacen enojar (una variación o twist del querido y viejo “Hulk”), vive en una suerte de casucha al estilo “Mad Max” donde esconde a su amigo de toda la vida “Charles”, y a otro mutante. En el mundo no nacieron más seres con poderes especiales, hasta que llega la pequeña “Laura” (una increíble nena llamada Dafne Keen, que hace su segunda participación cinematográfica). Tiene los mismos poderes que “Logan” y no se amedrenta a la hora de clavar sus terribles “dagas”. Pero hay un grupo de malvados que quiere terminar con los mutantes, sean viejos o jóvenes, por lo que el film de Mangold se transforma en una suerte de “road´movie-western”, con persecuciones por caminos polvorientos o bien lo que queda del mundo, paisajes distópicos, desérticos y poco amables para la vida humana.

Jackman manifestó que este film es una verdadera “carta de amor” para los fans de su personaje: Logan-Wolverine le dio la popularidad que no consiguió con roles más formales. Siendo un “superhéroe” de ficción, tuvo fama alcanzando la posición actoral que su carrera necesitaba. Luego llovieron los contratos para Broadway para varios musicales, además del cine. Y muchas nominaciones y premios.

Hay escenas de extrema violencia, Logan se siente cansado y con menos poderes de autocurarse (se saca las balas haciendo fuerza), pero mata a piacere, destroza cuerpos, en fin, hace lo que debe para defenderse. Llama la atención la pequeña “Laura”, y es el impulso joven que tiene la narración y aquello que más la justifica. Balaceras, persecuciones feroces, escenas de acción impactantes y sangrientas, se oponen a la ingenuidad –aunque temible- que tenían los X-Men de antaño. Logan-Wolverine no tiene piedad y en la pequeña “Laura” está el secreto que él deberá revelar. Para los fans de la saga, es un final con todo y una despedida del héroe que, desde hace varios años, viene atrapando a adeptos en todo el mundo.

Elsa Bragato

EL VIAJANTE (THE SALESMAN)

Guión y dirección Asghar Farhadi. Con Shahab Hosseini, Taraneh Alidoosti, Babak Karimi, Mina Sadat, entre otros. Música de Sattar Oraki. Duración: 125 minutos, Coproducción Irán-Francia

XXXXX- TRAGEDIA Y CATARSIS EN TEHERÁN

El prestigioso realizador iraní Asghar Farhadi contó que, al terminar de rodar en Francia The Past (Fortiden-Le passé), empezó a trabajar en una historia que demandaría un año en España. Y, en el mientras tanto, rodó ‘El viajante’, que hacía mucho tiempo quería hacer en su Irán natal, “una ciudad vertiginosa, algo parecida a New York”.

Esta película está emparentada con ‘La muerte de un viajante’, de Arthur Miller, aunque tiene una impronta shakespeareana muy fuerte, basada en la venganza. Tomemos la historia: Emad (Shahab Hosseini) forma pareja con Rana (Taraneh Alidoosti). Ambos comparten la pasión por el teatro, son miembros de un talentoso grupo que los reinvindica de la simple vida que llevan. Pero todo cambia cuando el viejo departamento que alquilan en Teherán comienza a resquebrajarse, y deben mudarse a otro edificio que no presenta buenas comodidades. Así les cambia la vida, siendo éste el eje de drama que les tocará vivir: Rana es violada. Su esposo, como auténtico personaje shakespeareano, comienza una lenta e implacable cacería del autor.

Tanto Shahab Hosseini como Taraneh Alidoosti conforman la luz cenital de este film ganador del Oscar a la Mejor Película en Idioma Extranjero, siendo ociosa enunciar la serie de premiaciones en festivales de todo el mundo.

Es una película perfecta por su estructura basada en lo existencial, en la humanidad misma, de la que sangra no solo la sangre roja mortificante sino la sangre del alma ultrajada, más difícil de aprehender pero que Farhadi logra plasmar en imágenes y diálogos. Surge inevitablemente la relación con la obra de Arthur Miller y con el gran Bardo. Porque Asghar Farhadi trabaja con la venganza en estado puro, la elucubración y planificación de cómo llevarla a cabo, provocando una catarsis de las miserias humanas con un final digno de las grandes tragedias.

Carlos Pierre

EL ESPACIO ENTRE NOSOTROS

Guión y dirección Peter Chelsom. Con Gary Oldman, Carla Gugino, Asa Butterfield, Britt Robertson, Janet Montgomery, entre otros. Música de Andrew Lockington. Duración: 121 minutos.

XXXXX-ROMANTICISMO INTERGALÁCTICO

El realizador Peter Chelsom, aquél de la archifamosa “Hannah Montana”, encara con “El espacio entre nosotros”, una divertida aventura romántica y de ciencia ficción, sustentada en una poco común visión cósmica, a tono con el veloz avance de la astronomía y astrofísica, respectivamente. A pesar pesar de cierta crítica de corto alcance cultural, estamos frente a una auténtica comedia.

¿Cómo no aceptar los planes de establecer una colonia experimental en nuestro vecino planeta Marte? Tal como ocurrió con la galardonada película “The Martian”, hay una colonia funcionando en el planeta rojo. Un grupo de astronautas, comandados por una mujer, emprende viaje a Marte, sorprendiendo a sus colegas con su embarazo y posterior parto lejos de la Tierra. Da a luz un auténtico “marciano” de origen humano, secreto que será guardado celosamente por la comunidad científica. En el centro de monitoreo terrestre está el científico “Nathaniel”, encarnado por Gary Oldman, a quien se le escapa un detalle tecnológico: pasados 16 años, el ya adolescente Gardner (Asa Butterfield) comienza una relación online con Tulsa (Britt Robertson). De Marte a la Tierra. Y finalmente viaja a nuestro planeta conociendo a la joven. El resto es el avance paulatino de su amor en medio de los majestuosos paisajes de Colorado, retratados con generosidad. Romanticismo, situaciones diferentes, si bien el cine conoció una maravillosa película similar llamada “Starman” con Jeff Bridges en 1984, vuelven a la pantalla con una historia agradable.

En los aspectos técnicos, la película de Chelsom tiene aspectos muy destacables; el guion original, la estructura narrativa sin fisuras y la ausencia de violencia y de ampulosos efectos, permiten vivir una historia diferente, disfrutando de dos horas donde hay emoción como para salir gratificado del cine.

Carlos Pierre

EL HOMBRE DE PASO PIEDRA

De Martín Farina. Con  Mariano Carranza, Martín Farina, Cecilia Nai Oleari. Música de Guillermo Alonso y Jorge Barilari. Duración: 78 minutos.

XXXXX- RETRATO DE DOS GENERACIONES

Martín Farina regresa al cine con un muy interesante guion, donde la cámara subjetiva tiene protagonismo otorgándole a este relato, casi manera de documental, una dimensión poética intensa.

Se trata de la vida de Mariano, un hombre de 63 años que vive en el departamento de Paso Piedra, Choele Choel, en Río Negro. Tiene una casa muy modesta, sin luz, un celular, un amplísimo terreno, una radio a pilas y su lugar de trabajo para armar ladrillos de barro. Hasta allí llega Martín, un joven que intenta documentar la vida de Mariano, y, en ese mientras tanto, ambos exponen sus puntos de vista sobre la vida, el amor, el trabajo, el futuro que, para Mariano,  es mucho más breve que para el joven Martín.

En este avance de los diálogos reside el encanto de esta película, por momentos silente, con una cámara que retrata el entorno de Mariano con enorme poesía. Hay muchos hallazgos en este nuevo trabajo de Martín Farina, en especial, la confrontación de dos generaciones, tratada con un sentido lírico infrecuente. También las tomas que realiza están pensadas, desde los primeros planos de Mariano hasta los planos largos de la inmensidad que lo rodea. Buen cine.

Elsa Bragato