"ABZURDAH", "UNA ESPÍA DESPISTADA", "CHAPPIE", LO MEJOR DE ESTE JUEVES 4

JUEVES 4 DE JUNIO DEL 2015.-

Diez estrenos, algunos nacionales, de diversos géneros y contenidos ingresan a la pantalla de las salas nacionales. Entre ellas, “Abzurdah”, el segundo largometraje de Daniela Goggi basado en el libro homónimo de Cielo Latini, con el debut de Eugnenia “China” Suárez y uno de los mejores actores del momento, Esteban Lamothe. La bulimia desde la mirada adulta de Latini es tratada aquí a través de una relación iniciática sexual y las consecuencias del rechazo masculino posterior a la joven (Suárez), disparadores de la enfermedad llamada bulimia. Es interesante cómo se narra este proceso enfermizo sin juzgamientos. Los datos que se aportan le quitan dramaticidad a una historia que empezó muy bien, con muy buenas actuaciones. Le sigue “Alfonsina”, documental sobre la poetisa, de Christoph Kuhn, “Su realidad”, documental-ficcionado de Mariano Galperín sobre una gira europea del músico Daniel Melingo. La propuesta muestra “la otra cara” de un tour con elementos surrealistas. Una propuesta también interesante y diferente. Finalmente llega “Cuatro de copas”, de Pablo Yotich, muy bien filmada, con la presencia de Federico Luppi, Gerardo Romano, Miriam Lanzani y Ricardo Fort, un año antes de su trágico fallecimiento. El propio Yotich actúa narrando la vida de un grupo de jóvenes que, por razones personales, viajan al Sur donde se desencadena la historia, rodeada de paisajes maravillosos. La animación semanal es “Naruto”, décimo film sobre el personaje y el séptimo sobre Naruto Shippuden, una saga que comenzó hace 15 años. Con esta película de Tsuneo Kobayashi se cierra la saga. Acción, una batalla contra el cosmos, aseguran entretenimiento.

SPY, UNA ESPÍA DESPISTADA”

De Paul Feig. Con Melissa McCarthy, Jason Statham, Jude Law, Rose Byrne, entre otros. Música de Theodore Shapiro. Duración: 120 minutos.

BUENA. DESOPILANTE ESPÍA

La notable actuación de la actriz Mellisa McCarthy nos permite disfrutar de una comedia inesperada sobre los agentes de la CIA . Secundan a la actriz de la famosa serie “Mike and Molly” (le valió un Emmy) nada menos que Jude Law, en una parodia del legendario James Bond (hasta la música de Shapiro toma en cuenta algunos acordes de la banda original de Bond), y Jason Statham, otro de los “forzudos” del cine de acción que se burla de sí mismo y de sus personajes.

En tono de comedia ágil y con muchísima acción, se pone sobre el tapete a la propia agencia de inteligencia norteamericana donde sus empleados trabajan en lugares aparentemente agradables… siempre y cuando no muevan un mueble o arreglen una lamparita eléctrica porque, entonces, saldrán ratas y palomas que los acompañarán en sus tareas. Son gags muy bien realizados que logran la carcajada inmediata.

Un film anterior presagió “Spy”: “Chicas armadas y peligrosas”. Las mujeres en acción suelen tener tanta efectividad como los varones; el caso es si ocurre por “accidente” o bien porque están dotadas para semejantes luchas. Además, Melissa McCarthy sufre de obesidad y juega con esta condición suya de manera tal que se transforma en un personaje que adoptamos en forma inmediata. Un gran logro del film que se aparta de las bellezas adolescentes para regalarnos el protagonismo de una mujer normal, de bello rostro y con muchos kilitos de más. Melissa tiene un carisma a toda prueba, es el eje del film, y es una de las grandes comediantes actuales. Y resulta fantástico verla en luchas cuerpo a cuerpo con varones y mujeres especializadas en artes marciales mientras ella tiene los conocimientos básicos que aplica con una destreza admirable. Debemos destacar las coreografías de estas peleas que permiten el lucimiento de quienes participan.

Entre otros actores que secundan a McCarthy están Miranda Hart como su asistente, altísima y torpe, enamoradiza y generosa, en su rol, y el “tano manoseador” que encarna Peter Serafinowics, con expresiones y gestos desopilantes.

Más no se puede pedir para disfrutar de una comedia de dos horas donde la escatología está ausente y el humor sobresale a través de una gran actriz como Melissa McCarthy. No se la pierda y quédese hasta el final de los créditos porque hay un gag muy divertido…

Elsa Bragato

JESSABELLE

De Kevin Greutert. Con Sarah Snook, Mary Webber, Joelle Carter, Ana de la Reguera, entre otros. Música de Anton Sanki. Duración: 90 minutos.

BUENA. ESPÍRITUS QUE BUSCAN VENGANZA

Encuadrada en el género del terror y sus típicos gags, “Jessabelle” está protagonizada por la australiana Sarah Snook, en una buena interpretación. No podemos pedirle peras a los olmos por lo que el film y su elenco transita por los vicios y virtudes del horror-terror, desarrollando la historia sin apresuramiento ni abrupto desenlace.

Hay un equilibrio entre los golpes terroríficos, lo estrictamente “gore” o sangriento, las pesadillas, los aparecidos, sin dejar nada librado al azar, es decir, hay un desarrollo minucioso del devenir de los personajes (excesivo por momentos) en una exuberante Louisiana, donde el Vodoo es una religión ancestral tanto como en Haití.

“Jessabelle” sufre un terrible accidente, queda en silla de ruedas,  y vive en una vieja casa con su padre, desconociendo lo que allí se oculta, que se tornará en una tremenda venganza contra la joven. En esa venganza se sustenta el Vodoo, la “aspiración” de los espíritus o su manejo a través de ancestrales rituales que, según los entendidos, suele ser mortal para la víctima elegida. En el caso del film, Jessabelle ignora el peligro que se cierne sobre ella y que, de a poco, irá descubriendo en los pantanos de la zona, típicos y escondedores de tragedias.

Una madre ausente (Joelle Carter) aunque presente en retratos y recuerdos y un pretendiente del pasado (Mark Webber) suman elementos para acrecentar el terror parsimonioso de la película. Insistimos en esta buscada lentitud y detallismo del film porque, en definitiva, quiebran el impacto emocional, al que se llega entre muchas idas y vueltas narrativas. Como dato aportamos que uno de los mejores films sobre ritos religiosos de la región fue “Corazón Diabólico” (1987) con Mickey Rourke.

Más allá de cualquier consideración, en un film que sigue los cánones del terror utilizándolos desde un ángulo menos convencional, la película tiene un público cautivo y ofrece un entorno diferente y atractivo para un género que siempre es taquillero.

Carlos Pierre

CHAPPIE

De Neil Blomkamp. Con Hugh Jackman, Sharito Cooply, Dev Patel, Yolandi Visser, Sigourney Weaver, Watkin Tudor Jones, entre otros. Música de Hans Zimmer. Duración: 120 minutos.

BUENA. LA CONCIENCIA HUMANA EN EL TAPETE

A los 36 años, Neill Blomkamp es considerado uno de los mejores realizadores de ciencia ficción. Lo precede la notable Sector 9 y Elyseum donde, mundos futuristas, distópicos y cercanos en el tiempo. Fue un gran film. Ahora Blomkamp se imaginó a una Johanesburgo que requiere de robots o Inteligencias Artificiales (el film de Spielberg fue un gran fracaso) para bajar la criminalidad. Hay una oficina que los produce y allí están el joven Deon, encarnado por el inglés de ascendencia hindú Dev Patel (“Slumdog millonaire”), y su competidor Vincent (Hugh Jackman), que lo cela y persigue. La jefa está a cargo de la “mamá de los aliens” en el cine: la altísima Sigourney Weaver.

Las investigaciones de “Deon” producen un robot especial, “Chappie”, con desechos de otros robots, que cuelgan inanimados en una serpentina como reses en espera del “chip” que les dé vida. “Deon” preparó un chip especial con el que puede darle “sentimientos” a uno de ellos. Es secuestrado por matones, encabezados por “Ninja”, un afeado Watkin Tudor Jones, y su compañera “Yolandi”, la rubísima Yolandi Visser, entre otros. “Chappie” será un matón más, imitando los gestos de sus “mamá y papá”, aunque reconoce a “Deon” como su creador.

El tema del film, más allá de las persecuciones policiales, de los atracos, del “gore” y de la violencia (inevitables en el mix de policial con ciencia ficción), muestra una concepción metafísica inusual de Blomkamp: ¿qué puede pasar con “Chapppie” cuando su batería se acabe? ¿Se termina su cuerpo de chapas y su espíritu está condenado a morir? ¿Por qué su creador lo ha hecho “finito”? Este es el quid argumental, que zigzaguea entre el crecimiento del robot, de niño a matón, y la fiereza de sus compañeros entrenados para matar. Y llevar semejante tema, que hace a la condición humana, a una narración entre inteligencias artificiales y seres de carne y hueso denota la maestría de este realizador.

El aporte policial lo hace el personaje de Jackman con un robot monstruoso que no es aceptado para ser fabricado en escala pero que él hará funcionar de manera temible. “Chappie” contra el monstruo de chapas, como la tremenda “Freddy Vs Jason”.

Hay muchas secuencias muy fuertes, decapitaciones, uso de drogas, y la aceptación del “ser matón” como forma de vida, que desaconsejan el film para menores. Es una buena película que no queda desmerecida por cierta puerilidad de “Chappie”. En todo caso, son rasgos de ingenuidad ante la violencia generada por nuestras sociedades. No se la pierda.

Elsa Bragato

INVASIÓN ALIEN

De Pablo Yotich. Con Iñaqui Moreno y Brenda Pignolo. Música de Matías Miguel. Duración: 90 minutos.

BUENA. CINE INDEPENDIENTE ATRACTIVO

Ernesto Aguilar tiene una vasta trayectoria, fundamentada con éxitos en festivales de todo el mundo. En “Invasión alien”, con poco presupuesto y dos excelentes actores aborda la temática OVNI desde un lugar peculiar.

Una pareja formada en el lugar de trabajo se va hacia las afueras y hace el amor. Ella queda embarazada y he aquí donde empiezan a descubrirse situaciones extrañas. O todo es porque sí o bien los “aliens” tiene mucho que ver pensando en la sustracción de bebés para llevárselos a sus lejanos lugares de origen.

Si bien la primera parte del film denota la falta de presupuesto, incluyendo un audio malo y una pobre fotografía, los exteriores que se suceden marcan otra narración, con diferentes planos que enriquecen el relato. Lo más llamativo del film son los diálogos porque no son obvios. Hay mucha creatividad y muy buenas actuaciones tanto de Iñaqui Moreno, humano contactado por los “aliens”, como de Brenda Pignolo, por momentos teatral pero no exenta de franqueza frente a las cámaras. Es una película interesante, bien realizada a pesar de lo que hemos apuntado, que no cae en excesos y que plantea una ficción desde un lugar diferente.

Elsa Bragato

"TERREMOTO LA FALLA DE SAN ANDRÉS", "ZONDA", "PASAJE DE VIDA", ENTRE LO MEJOR DEL JUEVES 28

JUEVES 28 DE MAYO DEL 2015.-

Hay diez estrenos que renuevan la cartelera porteña. Incluyen las dos ficciones argentinas “El incendio”, de Juan Schnitman y “Congreso”, de Luis Fontal, dos directores de cine independiente. En el primer caso, Schnitman centra la historia en un joven matrimonio que debe afrontar la compra de un departamento. Son 90 minutos donde afloran los sentimientos de uno y otro, los encuentros y desencuentros, a través de una sólida narración. En el segundo caso, se trata de un grupo de jóvenes que buscan, a través de una reunión, el ir haciendo la vida, el futuro. Está muy bien filmada, si bien la estructuración de sus personajes resultó un tanto superficial. En el rubro documental, se estrena “Margarita no es una flor”, de Cecilia Fiel, sobre el caso de Ema Cabral, fusilada en la Masacre de Margarita Belén el 13 de diciembre de 1977. Fiel es periodista también e investigó no solo el fusilamiento de Ema sino que, a partir de esta militante, intentó dar un testimonio válido de un crimen de lesa humanidad a manos del “proceso” militar sufrido en el país. Como novedad, está el primer film dirigido, y también protagonizado, por Russel Crowe, “Camino a Estambul”, una historia centrada en la búsqueda de dos hijos que, por la primera guerra mundial, quedaron fuera de la familia. Es una historia conmovedora de amor filial, con muy buena recreación de la contienda bélica. Y sin calificar, indicando que las personas sensibles no concurran a verla, está “Historias de caballos y hombres”, de Benedikt Erlingsson, que muestra la interrelación de la vida y la muerte, y más…, entre el hombre y el caballo. Hay escenas que realmente repugnan y otras que ennoblecen el guión. Es un film que, en nuestro  país, puede generar polémicas y ciertamente herir sensibilidades.

TERREMOTO. LA FALLA DE SAN ANDRÉS 3D

De Brad Peyton. Con Dwayne Johnson, Kylie Minogu, Carla Cugino, Alexandra Daddario y Paul Gimatti, entre otros. Música de Alexandre Desplast. Duración: 114 minutos.

BUENA. ¿EL GUIÓN? BIEN, GRACIAS.

Impresionantes efectos especiales y electrizantes secuencias de rescate nos hacen saltar de la butaca apenas comienza el film. La aparición de Dwayne Johnson, “La Roca”, como rescatista-bombero que es piloto de helicóptero, sonríe a cámara y allí viene una duda: ¿hay un guión sólido o es “otra más” de efectos computarizados? Y, en verdad, sucede esto último a partir de saber que la falla de San Andrés puede provocar uno de los más terribles terremotos de los que se tenga noción para la Humanidad.

Sin embargo, la recreación es alucinante. Cuando vemos al ayudante de Paul Giamatti (un científico experto en sismología) en las entrañas de un gigantesco dique midiendo las “pulsaciones” de la tierra, comprendemos que el desastre telúrico está cerca.

Desde Los Angeles hasta San Francisco, la tierra tiembla de una manera brutal y la película lo muestra a través de efectos notables e impresionantes, como dijimos. El tema pasa por el guión. La historia romántica familiar de Dwayne Johnson hace desvanecer la fuerza de este cataclismo que, en sí mismo, es más contundente que el salvataje inverosímil que emprende “Ray” junto a su ex esposa “Emma”. La búsqueda se centra en “Blake”, la hija de ambos, que ha quedado atrapada en un edificio que se va hundiendo en una ciudad arrasada por un tsunami, posterior al choque de las placas tectónicas. Que en medio de tamaño desastre haya tiempo para que todo se detenga y tenga lugar un beso, nos habla de demasiada tilinguería. Que los únicos sobrevivientes que se ven recorriendo, en un bote con motor fuera de borda, la destruida San Francisco, es muy poco creíble. La puesta en escena es solo para los protagonistas, tan solo dos, en busca de una tercera y un joven junto a su hermano menor que, con alevosía del guionista, se enamoró de la adolescente. Demasiado ramplón y consabido así como es inverosímil el tiempo que la dulce “Blake” pasa sin respirar como para no tener consecuencias neurológicas. Destacamos la banda sonora del último ganador del Oscar, Alexander Desplat, uno de los diez mejores compositores contemporáneos. Las locaciones elegidas son australianas con secuencias en Los Angeles y San Francisco.

La película es atrapante. Descomunales efectos. El guión, lo de menos…

Elsa Bragato

ALUNIZAR

(Land on the moon)

Guión y dirección de Pepa Astelarra y Lucas Larriera. Documental de 100 minutos de duración. Música de Miguel Tennina.

BUENA. TEORÍA ARGENTINA SOBRE LA APOLO XI

El documental de Astelarra y Larriera recrea el primer paso del hombre en la Luna, 40 años después, en nuestro país, concretamente en una desolada salina. Los dos realizadores analizaron el material de archivo que existe sobre el tema y observaron un detalle que los llevó a emprender una investigación inquietante: el disparador de todo fue “un brillo” que observaron al lado de la escalerilla de descenso (Apolo XI) del astronauta Neil Armostrong.

Se preguntan entonces si no fue otro  el astronauta que bajó antes que Armostrong y dio ese famoso primer paso que, desde el 20 de julio de 1969, ha recorrido el mundo en una fotografía icónica. Otros de los interrogantes planteados es por qué la NASA pudo hacer algo así, si fue por seguridad, o bien para que el final de ese alunizaje fuese “como de película” y sin contratiempos. Si los hubo, no se conocieron.

Para poder demostrar estas temerarias inquietudes, los realizadores armaron un símil del descenso en una salina. Se contactaron con la socióloga Mirta Varela, quien escribió un libro sobre la televisión argentina, buscaron los registros de aquella transmisión original, y analizaron el armado televisivo de las imágenes del “Cordobazo” para señalar que, en aquellos años, la carencia de tecnología obligaba a los canales de televisión a pegar, editar, el material que se recibía. Y eso pudo ocurrir con el “alunizaje” y esa “primera pisada del hombre en la Luna”: Armstrong pudo tomar la fotografía de la pisada de un colega que bajó antes que él…

A fin de fortalecer esta teoría, dialogaron con Mónica Cahen D’Anvers, invitada a Cabo Cañaveral para ver el despeque del Apolo XI y la llegada a la Luna, coincidiendo con la socióloga Varela sobre los medios de entonces, muy escasos. Lo cual no quiere decir que Armstrong haya “fraguado” la fotografía de su pisada lunar.

Bien podemos llamar a este documental como “Segunda Teoría de la Conspiración”, sumándose a la ya existente teoría de la conspiración que sostiene que el hombre nunca llegó a nuestro único satélite cósmico. Interesante, inquietante y un buen motivo, en todo caso, para un documental de ciencia ficción nacional.

Carlos Pierre

ZONDA, FOLKLORE ARGENTINO

Documental de Carlos Saura. Director de fotografía: Félix Chango Monti. Coordinación musical: Lito Vitale. Duración: 85 minutos.

BUENA. CÁLIDO VIENTO MUSICAL

Como el viento “zonda”, este documental del maestro Carlos Saura rinde cálido homenaje al folklore argentino. Basándose en su experiencia en este tipo de trabajos, Carlos Saura indaga y recorre el folklore nacional luego de haberlo hecho con “Tango”, nominado al Oscar. Utilizó módulos móviles, de diferentes materiales y formatos, para conformar un espacio escénico elástico, de acuerdo a cada artista, donde la combinación de espejos, grandes y pequeños, pudieran situarse más cómodamente de acuerdo a la luz y al “tiro” de cámara.

Con generosidad, Carlos Saura le da lugar a la música y la danza, desde la zamba pasando por la chacarera, la tonada, la copla, hasta el chamamé y el carnavalito. Hay un desfile de grandes artistas (nos recuerda, con diferencias técnicas y conceptuales, a los filmes nacionales de los 60 y 70) que son la raíz profunda de nuestra música autóctona: Soledad Pastorutti, Jairo, Jaime Torres, Pedro Aznar, Liliana Herrero, Los Carabajal, Horacio Lavandera, entre otros. E incluye, en nostálgicos videotapes en blanco y negro, a Mercedes Sosa y Atahualpa Yupanqui.

De norte a sur, de este a oeste, Carlos Saura muestra nuestra cultura musical, rica, generosa en ritmos y en protagonistas, enmarcándola en una narración atrapante y más que disfrutable. Este documental debe darse en las escuelas de todo el país. Es absolutamente didáctico y necesario. Aún con una visión “turística” del folklore, hace más de 40 años que en nuestro país no se reúne a las voces nacionales para un film de esta naturaleza.

Carlos Pierre

PASAJE DE VIDA

Guión y dirección de Diego Corsini. Con Chino Darín, Miguel Angel Solá, Carla Quevedo, Charo López, Javier Godino, Alejandro Awada, Manuel Callau, Andrea Frigerio, entre otros. Música de David Muñoyerro. Duración: 112 minutos. Coproducción hispanoargentina.

BUENA. EL PASADO QUE AÚN LASTIMA

La vida del realizador Diego Corsini tiene relación con la doble ciudadanía y situación social que viven los protagonistas de “Pasaje de vida”: es  un español, residente en Buenos Aires, hijo de argentinos exiliados por razones políticas en Madrid y, a su vez, sus abuelos de Galicia tuvieron que exiliarse durante la Guerra Civil española. Para Corsini, su corazón está partido en dos nacionalidades y herido por el genocidio de las dictaduras militares y gobiernos de facto que lastimaron a sus seres queridos.

Con esta propia vivencia, Corsini encara un film que está dividido en dos tiempos: el pasado militante, guerrillero de “Miguel”, compuesto por un gran Miguel Angel Solá. El “Miguel” joven está a cargo de un convincente “Chino” Darín que tiene una doble responsabilidad: la de protagonizar y la de encarar la fortaleza temperamental de Miguel Angel Solá. Y el presente de “Miguel”, enajenado, con una enfermedad neuronal, que ha quedado en el pasado. Está junto a su mujer, que encarna Charo López, a quien la argentinidad no le sale por más que quiera, compañera de militancia de “Miguel”. En su juventud está encarnada por la promisoria Carla Quevedo.

El amor, la pasión, los ideales, se entremezclan como el pasado y el presente en la mente de “Miguel”. Dos épocas, dos tiempos, dos realidades que conviven en su confusa memoria, o en su desmemoria aferrada al pasado. El ir y venir en el tiempo están subrayados en la narración, no quedan dudas de que Diego Corsini maneja esta dualidad con seguridad y a sabiendas. También marca el regreso de Miguel Angel Solá al cine nacional con un tema caro a sus sentimientos y sus ideales, que lo obligaron al exilio.

El título del film alude tanto a un momento en la vida de “Miguel”, es evidentemente “un pasaje de vida”, como también podemos encontrar una relación con el “paso” a la clandestinidad del movimiento guerrillero nacional. El film puede resultar polémico pero no hay dudas de que Corsini sabe de lo que habla por su doble ciudadanía, por el sufrimiento familiar de exilios constantes desde sus abuelos. Hay una excelente dirección de arte en la reconstrucción de época, una fotografía lograda, y una narración que, a pesar de cabalgar en dos épocas, no se desmadra. Para ver.

Carlos Pierre

MIL VECES BUENAS NOCHES

De Erik Poppe. Con Juliette Binoche, Nikolaj Coster-Waldau, María Doyle Kennedy, Larry Mullen Jr, Mireille Darc, entre otros. Música de Armand Amar. Duración: 111 minutos. Coproducción de Irlanda, Noruega y Suecia.

MUY BUENA. BINOCHE EN NOTABLE INTERPRETACIÓN

Erik Poppe, noruego, fue corresponsal de guerra en conflictos cruentos. Y considera que esta película, “Mil veces Buenas Noches”, es autobiográfica. Se plantea la profesión en sí y la relación con la familia, hasta dónde ésta queda relegada cuando la pasión por un oficio supera el amor por los seres queridos. Juliette Binoche compone a una madre de dos hijas semi adolescentes siendo reportera gráfica en Medio Oriente y Africa, donde enfrenta situaciones límites. Muchas de las que oculta a su marido, que cumple en el hogar las veces de madre y padre. Decidida a dejar su trabajo, la tientan para viajar al límite de Sudán y lo hace con su hija Steph (Lauryn Canny), quien vivirá con su madre un tremendo momento. Será el desencadenante de una difícil situación conyugal que la pondrá entre la espada y la pared. He aquí donde Binoche se revela como una actriz de matices insospechados, a cara limpia, sin temerle a las incipientes arrugas ni a la falta de “glamour”. Sus miradas, su gestualidad, enriquecen su rol: desde el horror ante una mujer-bomba hasta el dolor profundo del cuestionamiento de sus hijas, y el sufrimiento como mujer ante la rebeldía de su marido ante tanta soledad y responsabilidad. Todo está dicho en el rostro de Binoche. El “corte” que Poppe hace entre el trabajo de la reportera y la vida familiar no produce una ruptura en la tensión narrativa sino que la mantiene desde otro ángulo. Un film para pensar y para emocionarse.

Elsa Bragato