"LA INFIEL" Y "LOS ELEGIDOS", LO MEJORCITO DEL JUEVES 25 DE OCTUBRE

JUEVES  24 DE OCTUBRE DEL 2013.-

Siete estrenos de cine nos hacen pensar que hay mucho para mostrar (dos de los films son nacionales) pero es todo lo contrario. Hay que desbrozar la maraña para no perder ni dinero ni tiempo. Veamos:

l) TIEMPO DE CAZA, de Mark Steven Johnson. con Robert De Niro y John Travolta, nos cuenta la historia de un ex combatiente americano y su encuentro con un soldado serbio. Es una suerte de “Tom y Jerry” entre humanos, de torturas físicas mutuas espantosas, con poco diálogo y muchos gritos de espanto y dolor. Las actuaciones de sus protagonistas, los únicos en el film, son rutinarias. El odio y la comprensión entre un serbio y un americano. Pretensiosa y brutal. Regular.

2) LA TOMA, de Sandra Gugliotta. Apenas un poco más de 60 minutos que permiten que sea un largometraje. Un documental sobre la toma del secundario Nicolás Avellaneda en el 2010. Puede serle útil a los padres y alumnos de esa casa de estudios y, en general, para verse retratados en una pantalla grande, sus conflictos de clases, sus relaciones. No nos convence este estilo de documentales. No lo calificamos.

3) LOS ELEGIDOS, de Scott Stewart. Ciencia ficción al servicio de las abducciones alienígenas, esta vez atacan a los hijos de una joven pareja que se va a vivir a una casa. La historia es similar a otras tantas películas (la casa, la pareja joven, los hijos abducidos, los estudiosos de estos fenómenos). Más de lo mismo, pero… buena, mantiene en vilo.

4) KICK ASS 2, de Jeff Wadlow. Tiene violencia extrema entre adolescentes que quieren limpiar la ciudad de delincuencia, pero no se sabe quién es más delincuente. Los chicos, enmascarados, juegan a tirarse tiros en el pecho, a sacarse las manos de un hachazo o cuchillazo. No hay humor y la violencia porque sí desagrada y mucho. Yanquilandia de humor tosco y brutal. Mala.

LA DECEPCIÓN DE LA SEMANA

ADORO LA FAMA

De Sofía Coppola, con Israel Broussard y Katie Chang, Emma Watson, entre otros. Música de Brian Reitzell. Duración: 90 minutos.

REGULAR. CHICOS RICOS ABURRIDOS EN HOLLYWOOD

Sofía Coppola regresa a la pantalla con el bagaje de su apellido, su papá en la producción, y una buena línea narrativa que pierde fuerza rápidamente. Los hijos de los productores relacionados con el cine en Hollywood se sienten atraídos por la riqueza de las famosas como París Hilton y Linsay Lohan, entre otras. Y deciden, a instancias de una de las adolescentes de la secundaria, ir a sus mansiones y robarles. El guión está basado en hechos reales ocurridos en el 2009. Pronto se pierden las referencias fundamentales: las familias y la escuela donde se conocieron. Y solo se ven las salidas a los boliches, los robos aún bajo los “ojos” de cámaras de seguridad, y el fumar y aspirar todo tipo de drogas. Sofía Coppola, que conoce ese mundo adolescente como nadie, pierde el hilo conductor para dejarse ganar por estos placeres dañinos que filma con delectación, utilizando todos los planos posibles y hasta un virado a sepia interesante.

Hay incongruencias que, suponemos, se debe a la manera de encarar la ficción: que una famosa deje bajo el tapete de entrada su llave luego del primer robo millonario, que las cámaras de seguridad no hagan reaccionar a la policía sino luego de mucho tiempo, que ninguna celebridad se haya quejado públicamente luego de ver invadida su casa la primera vez. Nada de esto sucede y hace no  creíble el guión aunque haya pasado más o menos así. No hay guardias, no hay nadie en las mansiones.

Se dejaron dos bloopers: la aparición de un brazo ¿de un técnico? en una escena y, en el marco de una puerta, sombras que no corresponden a los movimientos de las adolescentes. No se entiende tampoco la presencia del padre de las tres hermanas (entre las que está la ascendente Emma Watson, de la saga “Harry Potter”), un extra que no emite palabra en una charla de sobremesa. Ni la actitud de la madre que las alecciona en el dogma de una secta. Lamentable.

La justicia llega pero tarde. Por ahí se menciona a la cientología y uno se pregunta si es un reproche de Sofía Coppola hacia la secta religiosa. Hay seguridad en la filmación, oficio propio y familiar. Sin embargo, nos quedamos con “Perdidos en Tokio”…

Elsa Bragato

LA SORPRESA DE LA SEMANA

LA INFIEL

De Eitan Zur. Con Melanie Peres, Yossi Pollak, Suhell Haddad, entre otros. Música de Adrien Blaise. Duración: 102 minutos.

MUY BUENA. EL INTRINCADO LABERINTO DE LAS ALMAS HUMANAS

Thriller psicológico de poderoso contenido lírico, cuyo tema universal es la trágica relación de un hombre maduro con una joven a quien la dobla en edad. Y es un logrado desafío del realizador israelí Eitan Zur en esta ópera prima basada en la novela de Edna Mazya. El guión, poblado de sugestivos silencios, también pertenece a Mazya.

El título original es Hitpartzut X y es el resultado de la búsqueda de la autora en la astrofísica porque se refiere a una presencia cósmica como energía errante. Ésta, dispuesta a vagar eternamente como tantas otras energías, se encuentra con otra. Y se produce la feliz metáfora cinematográfica del encuentro entre el profesor de astrofísica en la ciudad de Haifa con su alumna joven y bella. Son dos energías erráticas que se chocan.

Eitan Zur analiza la convivencia de la pareja a partir de sus almas y de sus acciones, la infidelidad, la devoción ciega de uno de los dos hacia el otro, la culpa que carcome a uno silenciosamente, la irrenunciable y enfermiza actitud posesiva del otro. Lo notable de este film es que muestra sin estridencia, sin sobresaltos, las pasiones humanas, el laberinto intrincado de las almas. La narración visual también es de notable factura basada en planos justos de rostros y de una cámara que hurga más allá de los mismos. Le sumamos las actuaciones de Yossi Pollak como el esposo maduro que persigue, en silencio, a su joven y hermosa esposa, y también destacamos a Oma Porat como la madre del esposo engañado.

De allí que afirmamos que otro tándem de gran valor lo forman la fotografía de Shai Goldman y la música incidental de Adrien Blaise, que también incluye obras de Schubert, Brahms y Vivaldi.

Eitan Zur afirmó que había encarado este film con cierto pudor por el tema, alejado de la realidad compleja y bélica que rodea al Estado de Israel. Es una historia conmovedora.

Carlos Pierre

"CAPITÁN PHILLIPS" Y "CAÍTO", LO MEJOR DE ESTE JUEVES 15 DE OCTUBRE

JUEVES 17 DE OCTUBRE DEL 2013.-

Hay 9 estrenos de cine que incluyen cinco films y documentales nacionales. La semana pasada comentamos “La guerra del fracking” de Solanas, que se  pasó para este jueves sin previo aviso. No comentamos el estreno de “El problema con los muertos es que son impuntuales”, documental sobre los rituales a la hora de la muerte de los que participa Péculo, el empresario que creó los cementerios-parque privados en el país, como tampoco el film “Pies en la Tierra” de Mario Pedernera, sobre un hombre discapacitado de 33 años. Ni el pequeño film extranjero pero con suerte de ser estrenado en grandes salas titulado “La hermana”, de Ursula Meier, sobre la relación de dos hermanos.

LAS DOS PELÍCULAS DE LA SEMANA

CAPITÁN PHILLIPS

De Paul Greengrass. Con Tom Hanks, Barkhd Abdi, Catherine Keener, entre otros. Música de Henry Jackman. Duración: 134 minutos.

MUY BUENA. VIBRANTE DRAMA DE ACCIÓN SOBRE UN HECHO REAL

Paul Greengrass fue realizador de Ultimatum Bourne y de United 93, el mejor film sobre el ataque a las Torres Gemelas. Es notable su capacidad para filmar acción de manera verídica, conmoviendo al espectador. Con el libro “A captain duty”, del capitán Richard Phillips, logró otra espectacular película de acción que, aunque dura 134 minutos (incluidos los créditos), da la impresión de tener muchos menos, tal es la acción sinfín desarrollada con las cámaras y el nervio de Greengrass.

Tom Hanks, ganador de dos Oscars, admirado en Hollywood y todo el mundo, vuelve al centro de la acción con un film donde puede demostrar, especialmente en las secuencias finales, su capacidad. Los hechos posteriores al rescate ponen a Hanks en una situación actoral que solo le conocimos en Philadelphia.

El film cuenta la captura del barco Maersk Alabama en el 2009 por cuatro somalíes con metralletas. Es un buque cargado de alimentos para las zonas pobres de Africa, incluyendo Somalia. Pero debe cruzar la Cuenca Somalí, plagada de piratas, y solo por la actitud severa, serena, del capitán Richard Phillips, no hay más muertos que los que se muestran. Un hecho real, conmovedor, bien contado, con un clima de tensión logrado por las cámaras y el planteo de filmación de Greengrass y la música incidental de Jackman, a manera de reloj de bomba a punto de estallar.

En principio, da para pensar el despliegue naval de los Estados Unidos frente al rapto de uno de sus hombres, uno solo que amerita la llegada de un portaviones, dos buques de guerra, y un sofisticadísimo sistema de armas con capacidad de proyectar en una pantalla sus objetivos. Ya no es la luz infrarroja de los 80 sino la transmisión en imágenes y grabación al mismo tiempo de los “targets” a los que apuntan. Todo este arsenal debe luchar contra la porfiada actitud de los cuatro somalíes dispuestos a matar al capitán Richard Phillips. Exageración real frente a una mínima amenaza a la seguridad de un estadounidense.

Más allá de cualquier pensamiento que se pueda tener al respecto, o del estupor que causa el hecho de que los datos de cada ciudadano del mundo estén cargados en computadoras que no son las de nuestros países, estamos en presencia de un film de intensa acción, de principio a fin, sin descanso para el espectador, con secuencias impactantes a cada instante.

Marcamos algunos momentos cruciales: el abordaje de los somalíes al carguero norteamericano (en medio de potentes chorros de agua que salen del buque para hundir los gomones pirata) con una escalerita que parece de alambre retorcido; la captura del rehén, el bote salvavidas, la desesperación del capitán Phillips al arrojarse al océano (escena de algo impacto emocional), el intercambio de “capitanes”. En este caso, asombra la ingenuidad de uno de los captores, a cargo del ahora actor somalí estadounidense de 26 años llamado en la vida real Barkhad Abdi, que ceden al engaño del “hombre blanco”. Sin dejar de lado el “Scan-eagle” que es como para sentirnos espiados siempre.

Todo es nervio, acción sinfín, un Tom Hanks que no convence al comienzo pero que va ganando en calidad actoral cada segundo que pasa hasta la culminación del film (notable interpretación), dramatismo que no cesa, y una de esas películas vibrantes y conmovedoras. Dos opuestos: el veterano Tom Hanks en gran papel y el novel somalí Barkhad Abdi como el contrahéroe, ambos capaces de mantener en vilo a la audiencia y de cargar en sus espaldas con la columna vertebral del relato. No se la pierdan.

Elsa Bragato

RIDDICK

De David Twohy. Con Vin Diesel, Jordi Mollá, Matt Nable, entre otros. Música de GrameRevell. Duración: 114 minutos o bien 128 minutos en versión extendida.

BUENA. UN HÉROE AGÓNICO EN UN RELATO SOMBRÍO

Riddick es la tercera parte de este antihéroe furyano que encarna Vin Diesel. Las anteriores fueron Pitch Black y Las Crónicas de Riddick. Nos muestran al protagonista abandonado a su suerte en un planeta yermo, a punto de desaparecer porque una tormenta en el horizonte amenaza con calcinarlo.

La primera secuencia introductoria es acertada: un enorme pájaro alienígena se lanza a mordisquear un brazo humano semienterrado en una superficie agrietada. Es el de Riddick que está vivo, cuando se lo cree muerto. Pero esa mano es suficiente para iniciar la acción del film.

La primera parte, además, del film, está muy delimitada y es silente, sin parlamentos, con el accionar desesperado del protagonista que lucha contra feroces coyotes alienígenas, adoptando uno como mascota. Lo rodea un paisaje árido y desolador, con connotaciones del oeste americano. Hay criaturas acuáticas, cangrejos que atacan, y que emergen del lodo. Riddick solo cuenta con su faro de emergencia que se puede ver desde otro planeta. La segunda parte se produce con el arribo de una raza de mercenarios que buscan recompensa por capturar a Riddick. Lamentablemente son hispanos y resulta bastante molesto que los “salvajes” y los “malvados” sean de esta parte del largo continente americano. La tercera parte se centra en el duelo de Riddick con otro personaje (lo tiene que descubrir el espectador…) que viene a cobrarse una deuda personal.

El film tiene flashbacks que son los únicos que nos remiten a los anteriores de la saga y las únicas referencias posibles para comprender que estamos ante el mismo héroe que da nombre a las crónicas. De ser un antihéroe ganador a este hombre dejado a su suerte hay un largo trecho y solo se comprende si se considera a la película como una transición entre las dos realizadas y las que ya están en marcha, dos más.

En cierta medida, hay decepción porque los antihéroes o héroes o protagonistas de sagas tienen características especiales que aquí no se ven si bien Riddick está en una situación que solo una fuerza personal poderosa puede superar. Es un film muy sombrío, un testeo de futuras aventuras, un Riddick que puede ser un perdedor sin más razones que las que permiten hacerlo renacer casi de sus propias cenizas. El ingenio esta vez ha escaseado o bien se ha contagiado del mundo estéril que presenta. Esperemos la próxima para ver si Riddick vuelve a ser quien era.

Carlos Pierre

LA TRAMPA DE LA SEMANA

APUESTA MÁXIMA

De Brad Furman. Con Justin Timberlake y Ben Affleck, producción de Leonardo Di Caprio entre otros, música de Christophe Beck. Duración: 91 minutos.

REGULAR. ABURRIDO RELATO SOBRE LAS APUESTAS

Sin más atractivos que los dos actores protagónicos, con bellos paisajes de Costa Rica, Apuesta Máxima (Runner Runner) es realmente un fiasco para el espectador. Cuenta el caso de Rickie, a cargo de Justin Timberlake, que apuesta al póker vía internet para poder pagar la universidad. Pero es descubierto y echado, además de haber perdido a manos de un timador los dólares que le quedaban. Decide investigar y viaja a Costa Rica donde conoce a uno de los líderes de las apuestas “online”, Ivan Block, que encarna un poco convincente Ben Affleck (mejor director que actor).

Vivir de las apuestas, del “gambling”, resulta más que tentador para Rickie que caerá en diversas trampas aunque deslumbra con su capacidad al temible Block. A pesar de que se muestra a los centroamericanos como violentos, a pesar de que se intenta dejar a esta parte del mundo como una zona de pecados de diversa índole, no hay emoción alguna, no hay momento en el que uno pueda identificarse con los personajes. Todo transcurre en un tono medio dentro de una historia previsible y ligeramente aleccionadora, siempre sobre las mismas bases: está mal apostar, hay que ser honestos. Sin nervio en la narración audiovisual, se siente que se perdió el tiempo al salir de la sala. No la recomendamos.

Elsa Bragato

LA SORPRESA DE LA SEMANA

CAÍTO

De Guillermo Pfenning. Con Luis Caíto Pfening, Guillermo Pfenning, Marinha Villalobos, Romina Ricci, Juan Bautista Stagnaro, Bárbara Lombardo. Producción de Pablo Trapero. Duración: 70 minutos.

BUENA. CONMOVEDOR DOCU-FICCIÓN

El reconocido actor Guillermo Pfening, de larga trayectoria en cine con Pablo Trapero, Eliseo Subiela, Paula de Luque, Lucía Puenzo, entre otros, así como con una aquilatada carrera televisiva en Campeones, Valientes, Costumbres Argentinas, Doble Vida, y teatro en diversas oportunidades, se lanza como director de largometrajes. Parte de su cortometraje “Caíto” que logró el premio Georges Meliés en el 2004. Es sobre la vida de su hermano Luis Caíto, quien se moviliza en un cuatriciclo en la ciudad de Marcos Juárez, Córdoba, a raíz de una enfermedad.

Es un docuficción de Guillermo Pfening quien, con el apoyo de actores, cámaras y luces, pergeñó una historia de amor para su hermano cuando le manifestó su deseo de ser padre. Es documental porque nos muestra a Caíto en su vida diaria, con su kinesiólogo, su trajinar en la silla de ruedas por la ciudad, en boliches, con amigos. Siempre emprendedor, entusiasta, querible y querido por familiares y amigos. La ficción surge por la inserción de la historia de amor que Pfening organiza para su hermano, mostrando su enorme generosidad y amor por Caíto, que es un ejemplo de superación y de lucha por la vida.

Hay mucho amor en este film, se produce una rápida empatía con el espectador. Y nos deja una verdadera lección de fraternidad. Breve pero contundente, bien realizado.

Carlos Pierre

SOLO

De Marcelo Briem Stamm. Con Patricio Ramos y Mario Verón. Música de Francisco Bendomir - Tamara Moser. Tema "No vas a volver" compuesto e interpretado por Mike Zubi. Duración: 80 minutos.

MALA. ELEMENTALIDAD Y CELULARES PARA UN RELATO POBRÍSIMO

Si bien “Solo” tiene una buena fotografía inicial y el director utilizó bien los espacios escénicos, pronto se reduce a un encuentro casual claustrofóbico, previsible, y sin mayor encanto visual. Julio y Manuel son los personajes protagónicos, interpretados por Patricio Ramos y Mario Verón. Hay una tercera que no es discordante.

El primer plano inicial dio indicios de algo bien realizado. Pronto caemos en la trampa de que los diálogos serán elementales y que el celular es el gran protagonista de varias secuencias, artilugio que evita filmar lo que se nos “cuenta” y que, siempre, desluce cualquier narración audiovisual.

De a poco, los cuerpos de los dos jóvenes, que se invitan vía chat a una noche de placer, van dejándose ver, al principio con pudor, luego casi como en un film condicional. No hay profundidad en los personajes, todo se reduce a una venganza que no tiene sentido alguno, a largas escenas de besos, y a una incapacidad literaria supina para darle carnadura a personajes y diálogos.

Aunque el film haya sigo aclamado en el exterior, como se indica en la excelente gacetilla, nos parece muy pobre para retratar una relación homosexual, remanida por lo previsible, y poco respetuosa de la elección sexual de los personajes. Con mucho ingenio podemos suponer que es un alerta roja sobre lo que puede significar una cita a ciegas. No obstante, el doble juego de quién es el malo, quién es el que miente, si uno u otro, y la resolución de la trama, no aportan nada porque nada hay en el guión salvo el gusto, el placer, de mostrar a dos jóvenes desnudos besándose, intentando amarse y a uno de ellos que, repentinamente, inventa una venganza. Siendo nuestro país una nación de avanzada en su legislación sobre las parejas homosexuales, esta película no le hace honor. La elementalidad en su máximo exponente.

Elsa Bragato

"GRAVEDAD", "BLUE JASMINE" Y "ABRIL EN NEW YORK", LO MEJOR DE LA SEMANA

JUEVES 10 DE OCTUBRE DEL 2013.-

Hay seis estrenos entre los que se incluyen dos nacionales: el documental “La guerra del fracking”, de Fernando Pino Solanas, que circula fuera del circuito comercial. Es el séptimo documental del político y cineasta sobre temas nacionales, ahora enfocado al perjuicio ambiental, desde su óptica, con algunas charlas con habitantes del lugar, que se producirá con la explotación del yacimiento Vaca Muerta. El film cuenta con la voz en off de Solanas y con un bien marcado fin político habida cuenta la proximidad de las elecciones legislativas. Está muy lejos de sus primeros documentales y nos muestra el cambio ideológico de Solanas, ubicado hoy en los grupos mediáticos, muy lejos de los intereses de los argentinos. Es un informe televisivo y no cinematográfico.

1)       LA MEJOR PELÍCULA DE LA SEMANA

GRAVEDAD

De Alfonso Cuarón. Con Sandra Bullock, George Clooney, Ed Harris, entre otros. Música de Steven Pric. Duración: 90 minutos.

EXCELENTE. UN FILM PARA “VIVIRLO”

Alfonso Cuarón expresó que deseaba que el espectador sintiera el efecto de la no gravedad, que se metiera en el cosmos junto con los protagonistas y viviera física y emocionalmente las dificultades de respirar, la desesperación por volver a la Tierra y las condiciones inhumanas del espacio. Lo logró. Muy poco se puede contar de un guión que se limita a tres personajes y a la desesperante situación que viven. El resto lo pusieron las actuaciones, notable en el caso de Sandra Bullock (ya se habla de que podría ser la ganadora del Oscar 2014) por ser el eje del desgraciado suceso cósmico, y el centenar de computadoras que ocuparon un set diferente, inusual. Para Cuarón, y por lo visto es así, el espacio es un lugar inhabitable para el ser humano y, en definitiva, es la Tierra y su gravedad la que nos permiten vivir.

La doctora Ryan Stone (Sandra Bullock) y el comandante Matt Kowalsky (George Clooney) enfrentan la imposibilidad de “hacer pie” en el espacio cuando la astronauta se desprende del cordón que la ata a la estación espacial. Un cordón que nos hace pensar en el umbilical: la gravedad nos ata a la Tierra, nos permite vivir como en un gigantesco vientre materno. El comandante Matt intentará ayudarla, mientras desde Houston, hay indicaciones precisas que no siempre se pueden llevar a cabo. Esa voz es la del gran actor Ed Harris, que no aparece pero se oye.

Alfonso Cuarón tuvo que esperar dos años para realizar el film hasta que se crearan los efectos especiales que necesitaba y surgiera la nueva generación de genios de la computación que trabajaron con él y los actores en el extraño set cinematográfico (ubicado en Londres). Así pudo recrear la tragedia de esta mujer astronauta que emprende su primer viaje espacial, sin saber que la esperan la falta de oxígeno y los residuos satelitales, además del Hubble y la compañía cercana de una estación rusa.

La película se inscribe en la historia de los films espaciales que son hitos como “2001, Odisea del espacio”, los “Alien”, “Apolo XIII” (aquí actuó Ed Harris, papel por el que obtuvo un premio SAG como mejor actor de reparto), o bien “Solaris”. Con el añadido de la tecnología de punta que hoy ofrece la informática. Sin duda alguna, Cuarón ha desafiado las leyes físicas con ingenio, y ha nutrido a un film, donde el silencio cósmico es otro protagonista, de un notable nervio y dramatismo como pocas veces hemos experimentado. Los planos secuencias, los planos cortos, demuestran la maestría alcanzada por Cuarón y su equipo aún manejándose en situaciones cinematográficas no convencionales. Una aventura que solo el cine actual nos puede ofrecer.

Elsa Bragato

2)       LA MEJOR PELÍCULA DE LA SEMANA

BLUE JASMINE

De Woody Allen. Con Cate Blanchett, Alec Baldwin, Sally Hawkins, Bobby Cannavale, Peter Saragaard, entre otros. Música: jazz tradicional. Duración: 98 minutos.

EXCELENTE.POTENCIA DRAMÁTICA EN UN FILM ANTOLÓGICO DEL GRAN WOODY ALLEN

Blue Jasmine significa Jasmine triste, la protagonista como un alma en pena, interpretada por una soberbia Cate Blanchett, engañada muchas veces por su esposo (Alec Baldwin), un financista con antecedentes de fraudes y estafas, que no tiene miramientos en aprovecharse aún de las finanzas de su cuñada (Sally Hawkins) y de la buena fe de su mujer.

Woody Allen nos cuenta su nueva historia en dos tiempos, la doliente historia de la “triste Jasmine”, dama elegante, de la alta sociedad neoyorquina, narrando en forma alternada su esplendor y su ocaso, primero en New York y luego en San Francisco, en la modesta casa de su hermanastra. El día y la noche unidos.

Woody Allen le ha dado un vuelco sorprendente a su carrera regresando a su hogar, New York (vive en la 5ta Ave con vista al Central Park), y dejando atrás su paso europeo por Londres, España, París y Roma. Reingenia su talento intacto y profundo, se reinventa a sus casi 80 años, regalándonos una historia conmovedora.

Cate Blanchett (una seria candidata al Oscar) le da una carnadura a su rol que toca el alma del espectador, desde la dama refinada a la alcohólica y adicta a los antidepresivos. Es la típica mujer que no quiere ver la realidad. Refugiada en la casa de su pariente en San Francisco, sin dinero, aparece la otra Jasmine, la que vive una pesadilla entre la mediocridad y la indigencia.

Es un personaje que descubrimos en la realidad, que también nos lleva a pensar en las vivencias de Woody Allen, en su ex mujer Mía Farrow quien tal vez no vio el enamoramiento de su marido de una hijastra, la adicción a la “felicidad química”. Aquí no hay humor sino una inmensa piedad sobre la condición humana.

Woody Allen crea una heroína, toma una nueva musa , y se adentra en el alma de la mujer. Jasmine es tibiamente altiva en su pobreza con pequeños destellos de un esplendor pasado en un presente que le resulta indigno.

Hay dolor en este regreso del director a New York, dolor en la historia, en las calles de la ciudad que ama y conoce tanto. Y nos hace respirar desde la energía imperativa de Manhattan hasta la vida opuesta en un barrio obrero de San Francisco.

Este contraste social así como la narración en dos tiempos diferentes le dan al film una dinámica atrapante. El jazz que ama Allen es la música incidental (ninguna novedad en el realizador) y eligió en forma especial la melodía “Blue Moon”.

Notable film de enorme madurez con grandes actuaciones y un profundo conocimiento de las miserias humanas. El maestro Allen ha vuelto con una potencia dramática que estremece. No se la pierda.

Carlos Pierre

LA NOCHE DEL DEMONIO 2

De James Wan. Con Patrick Wilson, Rose Byrne, Barbara Herskey, Ty Simpkins, entre otros. Música de Joseph Bishara. Duración: 105 minutos.

BUENA. ENTRE LA VIDA Y LA MUERTE, SUSPENSO Y CONVENCIONES

James Wan nos sorprendió este año con “El conjuro”, un film muy bueno, casi de excelencia dentro del género. En el caso de “La noche del demonio 2”, el terror que conoce tan bien el malayo Wan se instala, pero remite constantemente a personajes del primer film, por lo que no está demás verlo de nuevo. No obstante, haciendo abstracción de la primera película, resulta comprensible que el pequeño Josh se conecta con el mundo de los muertos e ingresa al mismo, poseído por un espíritu maligno que acumula cadáveres en un cuarto, sentaditos y tapados con sábanas.

El pequeño Dalton, hijo del matrimonio que intenta terminar con los espíritus que los invaden, tiene el poder de Josh. Y éste,  el padre de familia, está dominado por un espíritu asesino. Se ve una secuencia del pasado, cuando Josh mata a Elise, y aquí James Wan permite una sutil confusión entre pasado y presente que mantendrá durante todo el film manteniendo en vilo al espectador que deberá agudizar su atención.

Si bien el terror es atrapante, el guión resulta convencional, bien realizado, y mucho menor que “El conjuro”, donde hubo una gran creatividad de parte de James Wan basándose en hechos reales. No obstante, es un film que tendrá excelente taquilla. Destacamos la ausencia de lo “gore” y, en su lugar, la presencia del terror psicológico, terreno en el que James Wan es un maestro.

Elsa Bragato

ABRIL EN NUEVA YORK

De Martín Piroyansky. Con Carla Quevedo, Abril Sosa, Matt Burns, entre otros. Música de Fernando Salamea. Duración: 77 minutos.

BUENA. COMEDIA ROMÁNTICA EFECTIVA

Martín Piroyansky hace su debut en el largometraje “Abril en Nueva York” con 26 años. Con mucha técnica en el manejo de la cámara, al estilo del video clip, nos introduce en la historia de Valeria y Pablo quienes intentan sobrevivir en New York, ella como mesera (como anécdota, Matt Damond se enamoró de una mesera argentina, hoy su esposa y madre de sus dos hijos) y él como músico callejero, si bien esto último no está muy definido. Las borracheras de Pablo y su ineptitud para un trabajo convencional hacen tambalear a la pareja, mientras aparece un yorker atildado, Ben (Matt Burns), que se enamora de la argentina.

El comienzo del film es auspicioso, la cámara nerviosa y ágil de Piroyansky hace un collage de New York muy interesante. Luego se maneja con primeros planos, no cae en ningún exceso como es habitual en el cine nacional, y nos relata la relación de los jóvenes con sus idas y venidas. Y he aquí donde aparecen algunas debilidades que están dadas por la linealidad del guión. La historia transcurre con las vicisitudes de la pareja sin ahondar como ocurre en “My blueberry nights” (2007) de Wong Kar Wai. Teniendo a este film como referencia de una simple historia de amor, la comparación odiosa surge. No obstante, no le restamos mérito a Piroyansky porque su historia, aún sin honduras, está bien narrada. El personaje de Pablo es el que menos consistencia tiene, aunque resulta atractivo y empático. Un muy buen comienzo para Martín Piroyansky que se nos muestra con una vena especial para la comedia romántica pura, sin comicidad barata o personajes televisivos.

Elsa Bragato

LOS QUIERO A TODOS

Guión y dirección de Luciano Quilici. Con Leticia Mazur, Ramiro Agüero, Margarit Molfino, Valeria Lois, Alan Sabbagh, entre otros. Música de Martín Boss y Tomás Carnelli. Duración: 75 minutos.

MALA.FILM CORAL QUE NO APORTA NADA

Es difícil analizar, dar a conocer, los elementos de un film que no trasuntó nada, que, en todo caso, nos dejó una amarga sensación de pérdida de tiempo, tratando de analizar personajes y narración o bien urdimbre narrativa. Y tampoco es grato calificar de “mala” a una producción nacional. Pero es así en nuestra modesta opinión.

Seis amigos treinteañeros salen a pasar un día fuera de la ciudad, sienten que ya no tienen el fuego de la adolescencia, y están con desencanto y a la irónica mirada de sus relacionadas gastadas. Ya no sienten pasión por la literatura, la política, el cine. El presente es menos intelectual y más práctico: sexo cargado de cinismo y desesperanza.

Si los protagonistas sienten en sus roles desencanto, ni qué hablar del espectador que intenta aferrarse a algún rol, encontrar el sabor agridulce que el director intenta imprimirle a la historia, o peor todavía, ponerle atención al día de campo, tan estereotipado que no provoca nada. Se hace muy difícil central la mirada en un personaje dentro del fluir aburrido de la propuesta, con atisbos de un nihilismo que existió en los 60 pero que, en los últimos 30 años, es producto de una subordinación al consumo, del tener todo a mano y del no tener voluntad para recrear la vida desde otro plano espiritual. Lo lamentamos. Esta primera obra de Quilici no nos convenció para nada. Y solo estamos hablando del guión.

Carlos Pierre