"EN PRIMERA PLANA" Y "EL REY DEL ONCE", LO MEJOR DEL JUEVES 11 DE FEBRERO 2016

JUEVES 11 DE FEBRERO DEL 2016.-

Se anuncian seis estrenos, algunos de ellos sin funciones para los críticos como “Zoolander 2”, secuela de la homónima estrenada en el 2001, con dirección y protagonismo de Ben Stiller junto a Owen Wilson, inmersos en una enfrentamiento con otra empresa del mismo rubro. Es interesante el elenco que los acompaña como Benedict Cumberbatch y Will Ferrell. Y añadimos a este estreno el de “DeadPool”, antihéroe de la factoría de Marvel Comics, bizarro y guarro, que viene con buena aceptación general. En estos casos, siempre decimos que la elección es la del amigo lector.

El REY DEL ONCE

Guión y dirección de Daniel burman. Con Julieta Zylberberg, Alan Sabbagh, Usher Barilka, Elvira Onetto, Adrián Stoppelman, Elisa Carricajo, entre otros. Duración: 80 minutos.

BUENA. MUNDO BURMAN

Daniel Burman es considerado uno de los mejores directores argentinos, con relevancia internacional. Este film, “El rey del Once”, abre en estos días la Sección Panorama Especial del Festival de Berlín. Transcurre en el barrio del Once, un lugar que, por su ascendencia judeo-polaca, Burman conoce muy bien. Lo demostró en la inolvidable “El abrazo partido”, las calles, los negocios del Once, el estilo de vida judeo-argentina, las tradiciones, el fundamentalismo, y la necesidad de un hijo de ver a su padre, tema recurrente.

En este caso, retoma la relación padre-hijo: “Usher” es el padre y su hijo es “Alan” (Alan Sabbagh). Se basa en los objetivos de la Fundación Pele Ioetz, nacida en octubre del 2006, que cumple con la misión de acercarse y aliviar a la comunidad judía más necesitada. “Alan” construyó su vida en New York, donde comienza esta historia, es un exitoso economista, pero debe regresar a Buenos Aires convocado por su padre, omnipresente en toda la película. No lo veremos, pero está. “Alan” se involucra en la fundación y su humanitaria tarea, siendo ayudado por una joven mujer muda (Julieta Zilberberg). Ya en el Once, se convierte en el “delfín” o sucesor paterno.

La película se mete hondamente en el mundo judeo-argentino, en sus tradiciones fundamentalistas, con secuencias en léxico hebreo. Muestra una sociedad apegada a tradiciones que no se conocen. Constituye una curiosidad cultural, existe, está, y la desconocíamos. Es decir, Daniel Burman vuelve al mundo en el que nació, y, en este sentido, resulta valioso que muestre su propia esencia, las raíces de su cultura. Si bien hemos visto mucho cine israelí que desnuda tradiciones con ceremonias familiares que no suelen trascender, es el primer film nacional que descubre la otra cara del barrio del Once, tradicional barrio judío de Buenos Aires: más allá de los negocios, del regateo, hay un mundo religioso, de rígidos principios, que obra como rector. Interesante, críptico por momentos, Burman vuelve al cine con el corazón en la mano.

Carlos Pierre

EN NOMBRE DEL AMOR (THE CHOISE)

De Ross Katz. Con Teresa Palmer, Benjamín Walker, Tom Wilkinson, Brett Rice, entre otros. Música de Marcelo Zarvos. Duración: 109 minutos.

BUENA. EDULCORADA CON BUEN MENSAJE

Nicholas Sparks es uno de los novelistas más exitosos siendo sus obras llevadas al cine, tales como Message in the bottle (1999), A Walk to Remember (2002), The Notebook (2004), Nights in Rodanthe, Dear John (2010), La última canción (2010), The Lucky One (2012), Safe Haven (2013), The Best of me (2014) y The longest ride (2015). En este caso, “The choise”, la undécima novela llevada al cine, nos cuenta la vida de “Travis Parker” (Benjamín Walker), veterinario quien logró todo, buen trabajo, buen pasar económico, pero sin pareja. Una suerte de solterón que no se arriesga a compartir su estilo de vida. Pero, aparece una vecina, “Gabby Holland” (Teresa Palmer), con su perrita que va a dar a luz. El flechazo se produce porque “Travis” es capaz de “elegir”. Se anima. Y de ahí en más su vida será una elección tras otra, elegir la mujer que ama, esperarla, luchar por ese sentimiento, por ese amor.

El marco fotográfico es idílico, mar, bienestar, cielos azules. No deja de ser una comedia romántica con todos los clishés del género, desde el golpe bajo hasta la resurrección de los protagonistas. Sin embargo, el titulo en inglés (la elección) nos señala el camino del personaje principal: en la vida hay que jugarse, hay que determinar de qué lado se está. Hay que compartir, hay que bajar el propio “ego” o confort en pos del otro, del ser querido. Edulcorada, llena de miel, cumple un objetivo sano: entretener dejando un mensaje positivo. Nada más y nada menos.

Carlos Pierre

COMO SER SOLTERA

De Christian Ditter. Con Rebel Wilson, Dakota Johnson, Jake Lacy, Anders Holm, Aliso BRie y Leslie Marm. Música de Fil Eisler. Duración: 110 minutos.

REGULAR. DESENFRENO FEMENINO

Quedarse sin pareja en Manhattan es bien diferente a pasarlo en Buenos Aires. La película “Cómo ser soltera” nos muestra un estilo de vida lejano al común de las adolescentes y jóvenes mujeres de nuestro país. El descontrol, la ausencia parental, y los bares nocturnos, nos muestran una New York de la que Buenos Aires tiene muy poco. Sin embargo, la noche existe y hay que saber manejarse.

Es el caso de “Alice”, encarnado por Dakota Johnson (hija de Melanie Griffith y Don Johnson, protagonista de “50 sombras de Grey”, sin éxito en nuestro país) quien decide no convivir con su novio y darse un tiempo para casarse. Esta repentina soltería es algo desconocido para “Alice”, pero tiene la sorpresiva compañía de “Robin”, la estupenda actriz Rebel Wilson, quien la aconseja cómo bailar, cómo divertirse, qué beber, en el bar donde se reúnen otras chicas. El desenfreno sexual, la “otra” experiencia, llega a la vida de “Alice” hasta que quiere volver con su novio. Las cosas no serán como antes.

El film está basado en una novela de Liz Tuccillo, exitosa guionista y directora debutante de algunos capítulos de “Sex and the city” (serie TV), conocedora de todos los clishés que un film sobre mujeres solteras debe tener. “Alice” y “Robin” llevan adelante el guión junto a otras jóvenes actrices mostrando los desbordes y los conflictos que se producen cuando no se elige un camino más o menos coherente. La noche tiene sus bemoles para hombres y mujeres. Y de eso se trata, con escenas innecesarias y otras insulsas, ese famoso “más de lo mismo”. Obviamente, la película va dirigida a jovencitas mayores de 12 años, hay secuencias subiditas de tono y expresiones bizarras. Ni hace sombra ni echa luz.

Elsa Bragato

EN PRIMERA PLANA (SPOTLIGHT)

De Tom McCarthy. Con Michael Keaton, Mark Ruffalo, Rachel McAdamas, Liev Schreiber, John Slattery, Stanley Tucci, entre otros. Música de Howard Shore. Duración: 128 minutos.

MUY BUENA. PERIODISTAS EN ACCIÓN

Tom McCarthy escribe y dirige sus películas, como la exitosa “Win Win”, teniendo solo en dos la colaboración de otro autor. Éste es uno de los dos films: tomó el dramático caso de la pedofilia que se dio en la ciudad de Boston y que el grupo de investigación “Spotlight” del diario “Boston Globe” puso sobre el tapete a partir del 2001, publicando más de 600 artículo y generando un escándalo en la iglesia que todavía resuena en el Vaticano. Llama la atención el tipo de computadoras de la década del 90 de la redacción del Boston Globe, una cierta “antigüedad” que no se condice con el nuevo siglo, marcando esto como dato curioso.

 La llegada de un nuevo director de contenidos, o director periodístico, “Marty” (Liev Shreiver), reaviva la investigación del caso de pedofilia en el grupo “Spotlight” que dirige “Walter” (Michael Keaton) y que tiene a dos noteros estupendos como “Mike” (Mark Ruffalo) y “Sacha” (Rachel McAdams). Este grupo que publica casos especiales desconoce que mucha información llegó a la redacción sobre la propuesta del nuevo director y que les fue escondida. La búsqueda de hombres y mujeres que fueron abusados es la premisa para empezar a trabajar. Así como ubicar al célebre abogado que los defiende (Stanley Tucci, un actor imprescindible) y hasta a uno de los obispos acusados. Allí aparece el trabajo profesional del periodismo: la crítica, la divulgación de los hechos y personajes que conmueven a una sociedad para que la Justicia no se olvide y haga tronar el castigo de la ley. También se observa el trabajo sobre datos reales, 79 casos fundamentados, y no sobre suposiciones o dichos. Con pruebas contundentes.

El tema es atrapante y perturbador; la película ya logró 6 nominaciones al Oscar y bien podría ser ganadora, peleándole el lugar a “El renacido” y “La habitación”. Sin embargo, para quienes no son periodistas, puede resultar un film un tanto claustrofóbico, críptico, encerrado en las discusiones de una redacción periodística que se plantea cómo encarar el tema, desde qué lugar, a quiénes entrevistar. La narración se agiliza cuando los noteros “Mike” y “Sacha” van en busca de los que fueron abusados, enfrentándose a historias conmovedoras, reales, generosas performances. Y logran descubrir a quiénes ocultaron información en el mismo diario, como el caso de “Ben” (John Slattery), dejando entrever las presiones de los obispos del lugar sobre algunos de sus periodistas.

Hay que destacar la cohesión del elenco, que ya recibió el SAG awards, por su actuación en conjunto e individual. Compacto, verosímil, es difícil elegir a un actor o una actriz para nominar. Mark Ruffalo es perfecto en su rol de notero, así como Michael Keaton vuelve en otro gran personaje (“Birdman” marcó su renacimiento actoral). Tucci, McAdams, Shreiver, entre otros, otorgan verosimilitud a cada una de sus performances. Es un elenco sobresaliente, bajo una dirección que tuvo en cuenta todos los aspectos narrativos: aún en la redacción, Tom McCarthy logra tomas breves, impactantes, que dan solución a los sostenidos diálogos que, como dijimos, pueden resultar arduas para el espectador. Es una película fuerte, tensa, que nos mete de lleno en una problemática que existe y que se vive de diferente manera en los distintos grupos sociales laborales: el periodismo tiene mucho que hacer aún.

Elsa Bragato

"CAROL", "CREED", "ANOMALISA", ENTRE LOS ESTRENOS DEL JUEVES 4 FEBRERO

JUEVES 4 DE FEBRERO DEL 2016.-

Diez estrenos de cine se anuncian para este jueves, aprovechando el largo fin de semana como atracción para el público: hay para elegir. Desde el terror convencional de “El niño”, de William Brent Bell, pasando por la animación de aventuras “Un gallo con muchos huevos”, producción mexicana de Gabriel Riva Palacio para los más chicos, hasta los documentales “Arribeños”, de Marcos Rodríguez, sobre el Barrio Chino porteño y “El hombre nuevo”, de Aldo Garay, sobre Stephanie, el travesti de Nicaragua que fue adoptado por una familia uruguaya y pudo volver a su país. Y las “oscarisadas” de las que ya damos cuenta.

CAROL

De Todd Haynes. Con Cate Blanchett, Rooney Mara, Kyle Chandler, Jake Lacy, Sarah Paulson, Sadie Heim, entre otros. Música de Carter Burwell. Duración: 118 minutos.

EXCELENTE. EL AMOR MÁS ALLÁ DE TODO

“Carol”, basada en la novela “The Price of salt” (El precio de la sal) de Patricia Highsmith, nos narra el inmediato flechazo entre dos mujeres, a quienes separan 20 años. Hay una atracción incontrolable. Tom Haynes toma en sus manos este guión, ícono como es del mundo gay, y construye un relato cinematográfico de intenso clima, de encuadres perfectos, de soberbia elegancia. Una de sus musas encara a Carol: la magnética Cate Blanchett y la querible Rooney Mara, con una frescura en su rostro y gestos que hipnotiza encarna a “un ángel caído del cielo”. Recordemos su “I’m not there”, de Todd Haynes, sobre Bob Dylan, donde Blanchett lució trajes masculinos, en un definido y clásico blanco y negro.

La sutileza narrativa de Todd Haynes, la depuración fotográfica, la ausencia de golpes bajos sin ostentación de la vida íntima de las dos mujeres (escenas medidas, insinuantes, breves), construyen un film de excelencia donde se narra la atracción fatal entre “Carol”, casada y con una hija, mujer de clase alta, distinguida, y la empleada del sector Juguetería de un shopping de Manhattan, “Therese Belivet” (Rooney Mara), días previos a la navidad de 1952.

 “Carol” no se lleva bien con su esposo, quiere separarse, hay algo en su personalidad que define como “no puedo desprenderme de mi naturaleza” que no le permite ser la madre que querría. Para el marido de “Carol”, “Harge Aird” (Kyle Chandler) no es novedad que su mujer sea bisexual y quiere que la pequeña hija viva con él. Un detective privado lo ayuda para corroborar que su mujer tiene otra pareja femenina.

La nochebuena le permite a “Carol” buscar a “Therese” e iniciar una breve road movie para estar a solars con su joven novia. La amiga de “Carol” vislumbra que hay otra mujer y acepta la decisión incontrolable de “Carol” por amar a “Therese”.

En estas idas y venidas matrimoniales de “Carol”, su pequeña hija y su enfurecido marido, el personaje de éste queda muy deslucido y tal vez sea la única crítica que se le puede hacer al film. Falta una mayor definición de ese rol. Y pone sobre el tapete un serio cuestionamiento ético: la mujer y su relación con la maternidad.

La música incidental de Carter Burwell, la inserción de las famosas melodías populares de los 50, recrean una década especial, post-guerra, donde nada podía dejarse ver. La rigidez de aquella sociedad fue violentada muchas veces por estos amores repentinos, cargados de una sublimidad que solo un realizador de notable sensibilidad como Todd Haynes pudo retratar.

Carlos Pierre

BUS  657: EL ESCAPE DEL SIGLO (HEIST)

De Scott Mann. Con Robert De Niro, Jeffrey Dean Morgan, Dave Bautista, Gina Carano, entre otros. Música de James Edward Barker, Tim Despie. Duración: 93 minutos.

BUENA. LO MISMO PERO CON DE NIRO

“Heist” es un vocablo que significa “atraco a mano armada” y es un género policial que sintetiza tiros, persecuciones, con estrepitosos efectos especiales. Esta película es eso, nada más. Con el agregado de un gran elenco encabezado por el multifacético Robert De Niro, cuyo trabajo es de “taquito” y  eficiente.

De Niro encarna a “Pope”, el “PAPA”, de un casino, que se niega a ayudar a uno de sus “crupiers”, “Vaughn” (Jeffrey Dean Morgan), cuando le pide dinero para atender la enfermedad de su hija. Esto desata una gran furia en el hombre quien se asocia con “Cox” (Dave Bautista) para planificar un superatraco a las arcas del casino. Nada sale bien y los dos ladrones se escapan en un autobús, el 657, tomando de rehenes a los pasajeros.

Hay suspenso, muchos automóviles destrozados, espectaculares corridas por las autopistas, que asegura entretenimiento. Pero los diálogos son muy poco ingeniosos, absolutamente triviales, las escenas determinantes están resueltas con un facilismo inverosímil, que van minando la idea inicial de una superpelícula policial. Ni siquiera es “el gran escape” que pretensiosamente se indica en el título en castellano. Es un atraco, nada más, con Robert De Niro haciendo de las suyas frente a las cámaras que tan bien conoce.

Carlos Pierre

CREED: CORAZÓN DE CAMPEÓN

De Ryan Coogler. Con Sylvester Stallone, Michael B. Jordan, Tessa Thompson, Tony Bellew, Graham Mc Tavish. Música de Ludwig Göransson. Duración: 133 minutos.

MUY BUENA. INTENSO REGRESO DE “ROCKY BALBOA”

Por séptima vez vemos a “Rocky Balboa” en pantalla encarnado por su creador, Sylvester Stallone, en una película con mucha nostalgia y muy actual también. Ese querible personaje, que tanto dinero le generó a la industria de Hollywood, se transforma en el entrenador de “Adonis Johnson” (Michael B. Jordan), hijo de un famoso boxeador que cayera bajo los puños de Rocky.

Filmada en Filadelfia y en Londres, la película nos muestra a Rocky a cargo de su restorán al que llega este joven impetuoso que tiene buena “trompada” y que solo aspira a que Balboa lo entrene.

El film nos lleva a los cuadriláteros de entrenamiento, con los diálogos entre Rocky y su joven pupilo muy cálidos, lográndose un clima nostalgioso y afectivo a la vez. En el reparto se incluyen boxeadores profesionales, sparrings del joven “Adonis” y en plena batalla del ring; se viven escenas de tremendo realismo, sangrientas también, como sucede en cualquier cuadrilátero del mundo. “Algo” va a determinar el alejamiento de “Rocky Balboa” con el tiempo, el único golpe bajo de la película, perdonable porque el resto es muy atractivo.

Sylvester Stallone realiza una de sus mejores actuaciones, sin afectaciones, sintiendo profundamente el personaje que él mismo creó, al que dota de un gran sentimiento: el pasado que vuelve y el presente que lo ayuda a recuperar afectos. Stallone acusa su edad real (70 años) ayudando al joven hasta donde puede, mostrando el cansancio real por el entrenamiento y poniéndose límites.

Es una película muy disfrutable. Para quienes nunca vieron a ‘Rocky Balboa’ en acción, es un buen acercamiento al ícono del box en el cine. Y para quienes lo conocimos, nos deja una sonrisa de satisfacción porque es una buena película con muy buenas actuaciones, intensa, a puro puño.

Elsa Bragato

ORGULLO, PREJUICIO Y ZOMBIES

De Burr Steers. Con Sam Riley, Bella Heathcote, Jack Huston, Douglas Booth, Matt Smith, Charles Dance, entre otros. Música de Fernando Velázquez. Duración: 108 minutos.

REGULAR.  NOBLEZA DESCASTADA

Seth Grahame-Smith es un exitoso escritor norteamericano, productor de televisión, que escribió un “spin off” del clásico de Jane Austen, “Orgullo y prejuicio”, llevada al cine en el 2005. Burr Steers toma el libro de GRahame-Smith y genera la película que analizamos. Tiene pocos films como antecedentes, si bien es un muy conocido productor de televisión y guionista de TV y cine. Recordamos la película del 2003 “Hoy to lose a guy in 10 days”, insípidamente romántica.

En el caso de “Orgullo…”, toma los personajes de Austen, a su vez “relanzados” por el escritor Grahame-Smith, las cinco chicas casaderas, que viven en la comarca de Meryton, cercana a Londres, ciudad invadida por los zombies. Las chicas han sido bien instruidas en artes marciales por su padre, así que van por la vida con cuchillos en las ligas y dispuestas a todo. Habrá flechazos amorosos, rechazos, idas y venidas, y secuencias que intentan provocar risa pero nos sacan apenas sonrisas. Y, en el medio, las masacres de los zombies.

Es decir, el packaging es perfecto: vistoso, bien de época, con situaciones que se extienden sin remate y con la matanza de los zombies que aprenden a camuflarse. Tienen una particularidad: absorben, chupan, los cerebros. Y solo quien ve marcas en los cuerpos puede darse cuenta de que ese pariente o amigo es un monstruo dispuesto a matar.

Se mezclan el thriller, el film de época, las batallas, un poco de todo que resulta atractivo. Sam Riley, que encarna a “Darcy” (uno de los roles más importantes), hace gala de una gran falta de espontaneidad que, si bien su personaje no lo requiere, la actuación, sí. Duritos todos, escasa flexibilidad actoral, la película se reduce a los efectos especiales y a la reconstrucción de época. Entretiene pero, como producto cinematográfico, es pobretón.

Elsa Bragato

UNA FAMILIA ESPACIAL

De Enrique Gato. Animación y aventura. Origen: España. Música de Diego Navarro. Duración: 94 minutos.

BUENA. LA LUNA, CONFLICTO GENERACIONAL

El alunizaje en 1969 de los astronautas norteamericanos sigue produciendo conjeturas: ¿fue real? ¿O se filmó en estudios? Enrique Gato, realizador español, llega al cine con su segunda película animada en la que hay una evolución técnica aplaudida por sus compatriotas. En nuestro caso, la historia de tres amiguitos, que incluye a una simpática mascota (lagartija) Igor, y a un gordito pelirrojo, buenos surfeadores, nos resultó simpática pero con varios altibajos narrativos.

Desde las playas de algún lugar, con los chicos surfeando (solo tendrá unión con el desenlace de la película), saltamos a la visita al centro de veteranos de astronautas donde “Mike Goldwing”, el niño protagonista, no puede ver a su abuelo por un severo enfrentamiento familiar surgido por el viaje a la Luna de 1969. Un buen día llega el pedido de la NASA para reclutar a todos los veteranos en la materia y el papá de “Mike” también irá porque ha sido astronauta como su padre. Hay que evitar que el malvado “Carlson” llegue a nuestro satélite natural y se apropie de la bandera que los astronautas norteamericanos plantaron aquel 20 de julio de 1969.

A “Mike” lo ayudan sus amigos “Marty” y “Amy”, además de la mascota Igor. Y, con increíbles elementos de los 60, podrán superar fallas técnicas increíbles estando ya en la Luna. De a poco se van mostrando los por qué de tantos desencuentros familiares, si la historia de padre e hijo se repite, si pueden llegar a la Luna, si el nieto es el hacedor del reencuentro.

Lo cierto es que asistimos a altibajos, momentos tristes por el alejamiento del abuelo, pura ebullición otros con Carlson y sus seguidores, trajes de astronautas para chicos en los módulos lunares que solo se explican porque es ficción, es animación, y todo puede ser. El“surf” inicial, que desaparece a poco de iniciarse el film, carece de verosimilitud en la luna porque hay escasa gravedad y sin un motorcito… En fin, hay “licencias” de guión, aceptables en una ficción absoluta. A los chicos les pueden generar desconciertos.

Es claro el concepto de “la familia debe estar unida”, dicho y desarrollado en todas sus expresiones, desde la relación abuelo-padre-hijo hasta la amistad entre los niños, la buena relación de papá y mamá, y el rechazo y la lucha contra los malos. Agradable, con las salvedades hechas.

Elsa Bragato

ANOMALISA

De Charlie Kaufman y Duke Johnson. Basada en la obra de teatro radial de Charlie Kaufman de igual título. Voces de David Thewlis, Jennifer Jason Leigh y Tom Noonan. Música de Carter Burwell. Duración: 90 minutos.

BUENA. EXISTENCIALISMO SIGLO XXI

Charlie Kaufman es uno de los afamados guionistas de televisión y cine de los Estados Unidos. A su pluma se deben guiones como el de “Eterno resplandor de una mente sin recuerdos” o “El ladrón de orquídeas”, por las cuales fue premiado . Con “Anomalisa” ingresa al mundo del stop motion o también animación “manual” dado que no se utiliza computación ni tampoco dibujos. La propuesta de Kaufman, junto con Johnson, es un drama existencial sobre la mediocridad que nos rodea y la ausencia de “pathos” para vivir, el acomodarse a la rutina que se impone, a una sociedad de estándares y no de elecciones.

Es imposible sentir empatía inmediata con “Michael Stone”, este escritor de libros de autoayuda que viaja a Cincinnati para dar una conferencia, sumido en sus propios pensamientos, sin que nada del entorno le interese, ni siquiera su propia familia (mujer e hijo). En un hotel de la ciudad, encuentra una voz diferente, la de Lisa, una mujer simple y tímida con quien tiene una relación sexual del momento pero que despierta en Michael las ganas de recomenzar su vida desde cero. Hubo una “luz” que sacudió su alma, su espíritu, apagado por las convenciones.

Hay una serie de elementos que utiliza Charlie Kaufman para dar señales bien claras de la monotonía social en la que se vive: desde las máscaras de los personajes que, en verdad, son sus propios rostros aunque a veces se las caigan, hasta las voces que se utilizan: son una única voz masculina, la del actor Tom Noonan, mientras que David Thewlis compone a “Michael” y Jennifer Jason Leigh es “Lisa”, la única voz femenina, diferente, que logra atraer la atención del hombre medio, aburrido y sin pasión que encarna el protagonista.

“Lisa” es tímida e inculta, pero tiene algo que atrapa a “Michael”. Se considera “anómala” y “Michael” la llamará entonces “Anomalisa”. Esa “anormalidad” es la “normalidad” de lo diferente, esa luz que se busca para salir de lo cotidiano y que solo está en el interior de cada uno de nosotros.

Ver sexo entre dos muñecos, retacones con cabezas demasiado grandes, resulta, en algún punto, ridículo. Sin embargo, tiene el significado de lo común, de lo rutinario, que puede ser espléndido si así lo deseamos. En esta búsqueda de la repulsión por la rutina y la explosión espiritual ante el mínimo resquicio de ilusión, transita esta narración animada, un drama existencial que hay que recomendar. El hechizo de “Anomalisa” está en sus diálogos y en la perturbación espiritual que produce, no así en su forma, un tanto torpe.

Elsa Bragato