JUEVES 14 DE FEBRERO DEL 2013.-
Hay seis estrenos en fílmico. No comentamos “Mala” de Adrián
Caetano ni el muy buen documental “El árbol de la muralla”, ambas argentinas.
LOS MISERABLES
De Tom Hooper. Basado en el
musical francés estrenado en 1980. Con Hugh Jackman, Russell Crowe, Anne
Hathaway, Sacha Baron Cohen, Helena Bonham Carter, Eddie Redmayne, Amanda
Seyfried, entre otros. Duración: 137 minutos.
MUY BUENA. GRAN HISTORIA ÉPICA QUE TRASCIENDE LA CLÁSICA
COMEDIA MUSICAL
LA HISTORIA Y EL ARGUMENTO DEL MUSICAL
“Los miserables”, escrita
por Víctor Hugo, fue publicada en 1862. El gran escritor romántico fue un
defensor acérrimo de la libertad en todas sus manifestaciones, de los derechos
de los pueblos y, en esta obra, acerca los estereotipos de aquellos personajes
que amó y que odió de su propia sociedad. La historia está inspirada, según
Víctor Hugo, en un personaje que detestó y fue Vidocq, criminal francés quien,
ya redimido, fundó la Policía Nacional Francesa. La ubica en la Revolución de
1830, que sucedió a las Tres Gloriosas Jornadas que llevaron al trono a Luis
Felipe I de la casa de Orleans, obligando a Carlos X, de los Borbones, a huir.
Se impuso la monarquía parlamentaria y, desde Luis Felipe I, los reyes no
tuvieron condición divina sino que eran ungidos por el pueblo. Es el período en
el que surge el movimiento obrero y se apoya el sufragio.
Dentro de este contexto
histórico, Víctor Hugo ubicó a sus personajes: Jean Valjean (Hugh Jackman) es
prisionero por haber robado un mendrugo de pan, su vida está en manos del
implacable policía Javert (Russell Crowe). Valjean es liberado y logra rearmar
su vida teniendo una gran empresa. Una de sus empleadas, sin que él lo sepa, la
frágil Fantine (Anne Hathaway), es echada a la calle por su capataz. Tiene una hija pequeña, Cosette ( ese rostro de nena
que caracteriza toda publicidad de esta gran obra). Fantine muere y Valjean va
hasta el hogar de los Thenardier (posaderos que ofrecían cerveza y
prostitutas), encarnados por Sasha Baron Cohen y Helena Bonham Carter (esposa
de Tim Burton), para hacerse cargo de la pequeña. Ambos huyen y viven en una
casa de las afueras ocultos de la mirada del feroz policía Javert.
Pasa el tiempo, y , en un paseo
por la ciudad, Cosette , ya una jovencita
muy bella, se enamora de Marius (Eddie Redmayne), revolucionario quien, junto a
sus compañeros, dará batalla a las fuerzas leales a Carlos X de los Borbones
armando las barricadas. Aparece Eponine (Samantha Barks), que está enamorada de
Marius y finalmente le dice dónde vive Cosette.
Marius es herido en la sangrienta lucha, lo salva Valjean, perseguido
por Javert. Los jóvenes podrán vivir su amor mientras Valjean confiesa que se
ha enamorado de Cosette. Javert no soporta su propia maldad y se suicida. El
amor y la libertad triunfan con un añadido sociopolítico: es un sacerdote quien
le ofreció salvación a Valjean y su imagen aparece nuevamente sobre el
desenlace. Es este sacerdote quien le regaló dos costosos candelabros de plata
de un altar para que Valjean pudiera venderlos y sobrevivir justo cuando Javert
lo iba a encarcelar nuevamente por ladrón. Víctor Hugo unió la visión de una
iglesia cercana a los pobres con la lucha sociopolítica. Pero los miserables
siempre están, encarnados por el matrimonio Thenardier, corrupto y venal.
DE LA LITERATURA AL MUSICAL Y AL
CINE
La obra de Víctor Hugo fue
llevada al teatro en 1980. El compositor
es Claude-Michel Schönberg y los letristas Alain Boublil y Jean Marque Natel,
basados en el texto de Víctor Hugo, la convirtieron en musical. El productor británico Cameron Mackintosh
(quien ha participado del film como productor) se encargó de que la obra fuese
adaptada al inglés en 1982, trabajando con los realizadores franceses y Herbert Kretzmer, siendo estrenada en
Londres en 1985. Desde ese entonces, es uno de los más grandes musicales épicos
concebidos. El argentino Gerónimo Rauch, ex “Mambrú”, fue Jean Valjean en
España y actualmente realiza la versión inglesa en Londres. En 2010 la obra
cumplió 25 años y se inició un “revival” de la misma en España y Londres. Es curioso que nadie recuerde el debut en
el Teatro Apolo de París en 1982 de esta obra, hecho que queremos destacar. No
es un musical inglés sino francés.
TOM HOOPER Y SU VERSIÓN CINEMATOGRÁFICA
Llevar al cine un musical épico es un trabajo notable, difícil, casi
imposible especialmente por tratarse de un relato épico. En este sentido, Hooper
supo suplantar el escenario por las tomas en primer plano de los personajes.
Es decir, mientras en la versión teatral los personajes conviven en distintos
sectores y, cuando les toca su parte, un seguidor los ilumina sin que el resto
del elenco tenga que salir por el foro, en el cine la cuestión fue resuelta con
el primer plano súbito, casi con “zoom”, mientras los efectos digitales lo
ubicaron en otra locación. O bien en otra escenografía.
Este manejo de la cámara con los efectos digitales fue efectivo pero
le restó emoción a la mayoría de las canciones que el elenco cantó en vivo
en el estudio (un hecho poco frecuente en el cine). De todas maneras, fue la
mejor solución cinematográfica. Hugh Jackman es un avezado actor de
musicales en Broadway y dotó a sus interpretaciones de fuerza. Russell Crowe es
un buen cantante de bandas (tuvo una hasta el 2005) y también un buen actor
teatral. Pero sus parlamentos cantados suenan más a recitados que a emotivas
canciones, como en realidad lo son. En el caso de Anny Hathaway, su “Fantine”
es emotiva y la actriz lográ una muy buena perfomance vocal. No ocurre lo mismo
con Amanda Seyfried como “Cosette” adulta, cuya voz es muy poco agradable. Los
Thernadier tienen temas más briosos y alegres por lo que las cualidades vocales
pasan más desapercibidas (Sasha Baron Cohen y Helena Bonham Carter).
El hallazgo de Cooper es el montaje cinematográfico: la
resolución con primeros planos de los solistas que, en teatro, comparten el
espacio. Las barricadas, que forman parte de los momentos más emotivos del
musical, no se apartan de la realización teatral y esto sí llama la atención.
Quedan pequeñas, notándose la “costura” de la escenografía. En la versión
argentina, que parece que nadie recuerda (elenco encabezado por Carlos Vittori,
Juan Rodó y Elena Roger, 2000), la finalización del primer acto con las
barricadas, prestos los revolucionarios a la lucha, se unió el gran tema
“Escuchas al pueblo cantar?” a la Marsellesa, dotando al musical de una emoción
vibrante e inolvidable.
Las secuencias que más nos impactaron por realización en todos los
aspectos, incluyendo el vocal, fueron la inicial con Hugh Jackman bajo el
látigo de Russell Crowe, “Fantine”- Anne Hathaway en las calles y su muerte, la
salvación de Marius por Valjean recorriendo las cloacas parisinas, la miserable
alegría de los Thernadier, y las luchas. El suicidio de Javert-Russell Crowe es
una buena secuencia pero se descubre fácilmente la utilización de los efectos
especiales, restándole impacto.
A pesar de la falta de emoción en las interpretaciones, con excepción
de Hugh Jackman y, en cierta medida, de Anne Hathaway aunque resulta muy
afectada, la película de Tom Hooper tiene el enorme logro de llevar el
musical más notable al cine. Notable por sus personajes y por su
reivindicación de las libertades del ser humano, surgidos de la noble pluma del
gran Victor Hugo.
Para quien no ame la ópera o no disfrute de los parlamentos cantados de
pe a pa, como ocurre en esta obra, no es la película indicada para ver. Ya no
estamos en los 60 cuando “Los paraguas de Cherburgo”, con música de Michel
Legrand, rompía todos los moldes y Catherine Deneuve alcanzaba el estrellato
con una taquilla inolvidable por “hablar cantando”.
Los Miserables según Hooper nos gustó pero no nos conmovió. Reconocemos
el gran esfuerzo. Sin embargo, el tratamiento dado al musical en sí no nos
convenció.
Destacamos los temas más famosos: “i dreamed a dream”- “Soñé un sueño”
(que popularizó en los últimos años la inglesa Susanne Boyle), “Escuchas al pueblo cantar?” y la inicial
“What have I done?”-“Qué he hecho.
No olvidemos que es un musical francés y que en la Argentina tuvo una
de las mejores representaciones.
Elsa Bragato
“5-5-5”
De Gustavo Giannini,
con Antonio Birabent, Gonzalo Suárez, Belén Chavanne, con participaciones
especiales de Norman Briski, Daniel Fanego, Nancy Anka, Ricardo Bauleo, Pochi
Ducasse, Rolando Graña, Adrián Yospe y Atilio Pozzobón. Música de Antonio
Birabent (“5-5-5”). Duración: 125 minutos.
BUENA. DIFÍCIL
INCÓGNITA DE PARRAVICINI
Este film tardó bastante en ser estrenado y coincide con la llegada de
algunos asteroides, según la NASA, a la Tierra, en estos días de febrero.
“Gabriel” es un profesor que encarna muy bien Antonio Birabent, una alumna se
le acerca, lo ayuda a superar el mal trance con su esposa, pero desaparece.
“Gabriel” encuentra entonces motivos
para investigar la profecía “5-5-5” de B.Parravicini.
La película tiene un buen comienzo pero rápidamente cae en secuencias
muy extensas que, si bien nos explican el por qué de la soledad de “Gabriel”,
aletargan la narración en demasía. Pocos personajes: secunda a Birabent el
eficaz González Suárez (comerciales y hoy en “Mi amor mi amor”, Telefé), así
como la participación de grandes actores (Anka, Briski, Fanego, Bauleo, entre
otros) jalonan su búsqueda de certezas e interrogantes.
El tema es muy interesante, Antonio Birabent tiene muy buena actuación
junto a Gonzalo Suárez, y el elenco es un gran soporte para los dos
protagonistas. Sin embargo, quedan muchos interrogantes, ciertas elipsis inoportunas (cuando Gabriel se
reencuentra con la joven y ésta tiene un niño con sus mismos ojos claros,
mientras al lado de chica hay un supuesto marido que jamás tiene un plano corto
y se nota que es un extra sin permiso de hablar), y un efecto especial
sobre el final que tiene relación forzada con la profecía diagramada por Parravicini
(sobrino de Florencio Parravicini).
Nos da la impresión de que, con un poco más de presupuesto, se habría
logrado un film muy intrigante. O bien el montaje pudo ser más picado, más
ágil, generando una sensación creciente de thriller.
Elsa Bragato
DURO DE MATAR 5; UN
BUEN DÍA PARA MORIR
De John Moore. Con
Bruce Willis, Jai Courtnay, Mary Elizabeth Winstead, Sebastián Kock, entre
otros. Música de Marco Beltrami, con alguna “colaboración” de Beethoven.
Duración: 120 minutos.
BUENA. BRUCE WILLIS
COMO “TERMINATOR”
Hay que calificar como “buena” a este film sin argumento y con tiros y
efectos especiales increíbles solamente por estos últimos. El regreso de Bruce
Willis a su personaje más querido, John McClane fue un triunfo personal del
actor. Pero de 1986 a este film ha corrido mucha agua bajo el puente y hoy nos
encontramos con batallas campales de tiros, persecuciones, destrucciones de
edificios, helicópteros que cargan camiones rompiendo todo en su andar, rotura
de cristales al por mayor, sin mayor explicación.
En principio, el personaje McClane va en busca de su hijo Jack, a cargo
de Jai Courtnay, quien está en Moscú como agente secreto de la CIA y no se sabe
bien si tiene que proteger a un ruso por un expediente que tiene relación con
uranio y que va a declarar ante la justicia moscovita o qué. En definitiva, el
famoso preso es salvado tras una terrible y alocada explosión en la que aparece
insólitamente “papá” John en medio de tiroteos y de una calle que no es
precisamente tranquila dado que le pasan rozando los coches de los malhechores
y de su propio hijo.
Hay una secuencia inicial muy endeble: cuando John McClane llega a
Moscú, el taxista que lo traslada hacia donde está su hijo sabe hablar inglés.
¿Ruso o neoyorquino? Luego, la irrupción de Bruce Willis en medio de tiroteos y
de persecuciones por autopistas moscovitas tampoco se comprende – a los efectos
narrativos- porque, si bien sigue el camión o extraña comby de su hijo, lo hace
como quien conoce de memoria esos caminos. Y encuentra siempre la mejor forma,
estrafalaria y explosiva, para correrse de carretera aunque tenga que aplastar
coches con conductores. Un “sorry” es suficiente.
Nadie va a negar que hay entretenimiento puro pero se esperaba mucho
más de John Moore y de Bruce Willis, quien tiene buen ajetreo físico aunque
haya habido dobles en secuencias de enorme peligro. Nos entretuvo pero no hay
más para comentar. Tuvimos la rara experiencia de ver un film sin argumento.
Elsa Bragato
LA MULTITUD
BUENA.
De Martín Oesterheld.
Documental. Duración: 60 minutos.
BUENA. MULTITUDES
AUSENTES DE DONDE DEBIERAN ESTAR
Con un elocuente tratamiento documental, poblado de silencios y
sustentado por una fotografía abarcadora de dos espacios de diversión popular
como fueron la Ciudad Deportiva de Boca, construida durante el gobierno de
facto de Onganía, y el Parque de Diversiones Interama, inaugurado a finales de
la última dictadura militar, el realizador Martín Oesterheld muestra las ruinas
de un pasado que solo quedó en promesa. Hoy es desolación lo que tuvo que estar
poblado por multitudes.
En estos lugares hay otro tipo de multitud, de aglomeración anónima,
indigentes, empobrecidos inmigrantes, entre pastizales y basurales. Linderos a
estos dos espacios se levantan el barrio Rodrigo Bueno y la Villa 20. Sus
habitantes viven a espaldas de esa construcción actual que se levantan
imponentes, con la mirada puesta lejos de la precariedad exasperante.
Oesterheld expone con certero manejo de la cámara la desolación de dos
predios de las décadas del 60 y 70, en contraste con las torres habitadas
cercanas. Es una mirada sobre dos emprendimientos surgidos de períodos
militares, hoy silenciados y testigos mudos de dos épocas tristes. Resulta un
documental muy interesante.
Carlos Pierre
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