JUEVES 31 DE OCTUBRE DEL 2013.-
Hay 10 estrenos en soporte fílmico este
jueves en Buenos Aires. Cinco son nacionales. Empecemos por señalar que alguna
que otra película no irá al circuito comercial como es el caso de “El loro y
el cisne”, de Alejo Moguillansky, un documental sobre el ballet que es
especialidad del realizador. “Olvídame”, de Aldo Paparella, con
Antonella Costa y Gonzalo Valenzuela, nos mete en el mundo del suspenso y del
horror. “María y el araña”, de María Victoria Menis (la directora de la
deliciosa “El cielito”), fue estrenada en Canal 7 y ahora llega al cine.
“Rush, pasión y gloria”, de Ron Howard, sobre Niki Lauda y James Hunt, es
una película elemental en su concepción sobre dos “héroes” de F1. La encuentran
en la esquina…
LA PELÍCULA DE LA SEMANA
EL ARTE DE LA GUERRA
De Won Kar-Wai. Con Ziyi Zhang, Tony Leung, Chiu Wai,
entre otros. Música de Nathaniel Méchaly y Shigeru Umebaysashi.
Duración: 124 minutos.
EXCELENTE. MAESTRÍA DE WON KAR-WAI EN UN FILM SUBLIME
Won Kar-Wai es uno de los realizadores
chinos (nacido en Shangai, criado en Hong Kong) profundamente admirado en
nuestro país por su potente creación de climas y su tan especial narración. En
este film (recordamos “El arte de amar”), rinde homenaje a Ip Man (Tony Leung),
profesor de Wing Chun, conocido como Kung-Fu, a su vez mentor del recordado
Bruce Lee.
“El arte…” está ambientada entre las
décadas del 30 y del 50 en una China convulsionada, luego de la caída de la
última dinastía imperial. Caos, división entre el norte y el sur, y la feroz
invasión japonesa, caracterizaron esos tiempos iniciales del comunismo
asiático.
Won Kar-Wai trabajó seis años en la
preparación del film y tuvo tres de rodaje y post-producción. El elenco no voló
por los aires sino que se aplicaron disciplinas de la cultura oriental tales
como la concentración y el control mental para regular el accionar del cuerpo.
La puesta en escena del realizador chino
es visualmente inigualable, plástica y conmovedora, incluyendo en esta
apreciación la fotografía de Phillippe Le Sourd. Hay una paleta de contrastes
que se engalana con la furiosa nieve en los cerezos en flor, por ejemplo. El
deleite continúa con los combates en interiores, el juego multifacético de
azorados espejos, y, en el exterior, el devenir azaroso de la sociedad china.
Gran despliegue de escenas muy violentas cuando ocurre la invasión japonesa le
permite a Won Kar-Wai desarrollar contrastes que, aún de origen trágico,
resultan maravillosos para el espectador como, por ejemplo, la sangre roja
sobre la nieve blanca (recordamos la inmortal metáfora de Shakespeare de “la
rosa en la nieve”).
La banda sonora incluye solos de cello
de uno de los compositores del film: Nathaniel Méchaly, maestro de los más
reconocidos en el mundo de la música clásica y del cine por su virtuosismo y
sus creativas melodías.
Más allá de contarnos la génesis de
Bruce Lee, Won Kar-Wai nos ofrece un film de belleza sublime, conmovedor en sí
mismo y atrapante.
Carlos Pierre
LA DECEPCIÓN DE LA SEMANA
CARRIE
De Kimberly Pierce. Con Chloe Grace Moretz, Julianne
Moore, Judy Grer, Ansel Elgort, entre otros. Música de Marco Beltrami.
Duración: 100 minutos.
REGULAR. MODESTA CONCEPCIÓN DE UN TRADICIONAL FILM DE
TERROR
Brian de Palma conmocionó en 1976 con su
“Carrie”, protagonizada por una muy juvenil Sissi Spacek. Apuntó entonces a desentrañar
los abusos en las relaciones humanas en especial aquéllos contra una
adolescente tímida que enfrenta su condición de mujer en medio de burlas de sus
compañeras o bien la enloquecida e
hipócrita religiosidad de su madre. Abuso materno, abuso de poder en el
secundario, crueldad. En el caso de Kimberly Peirce, la historia apunta al
efectismo, es decir, a hacernos temblar por los efectos especiales
utilizados, si bien son bastante modestos.
El género tiene seguidores y, en
especial, un público fiel como es el adolescente. No obstante, hay que marcar
las falencias de la realización que, en principio, golpea por el baño de
sangre, literal, de Carrie White.
“Carrie White” está protagonizada por
Chloé Grace Moretz a quien este rol no le cae bien. Cierta afectación en sus
gestos nos sacan del clima denso propuesto. Julianne Moore, gran actriz, está
reducida a una estereotipada madre que ha concebido a su hija como una
enfermedad terminal y solo encuentra paz en una devoción religiosa enfermiza.
Sus gritos nos aturden desde antes de comenzar los títulos, nos congelan en la
butaca. Es un papel escaso para tamaña actriz, un personaje que le va
“apretado”: considerar que Moore “ha gritado bien” es muy poco.
La resolución del film, conocida de
antemano, luce tosca y hasta básica, con el aporte de la computación para que
la telekinesis de Carrie sea efectiva y produzca la prevista masacre.
Hay un mérito: mantiene en vilo de
principio a fin aunque el desarrollo de los personajes sea lineal, sin
profundidad. Una cámara poco inquieta la de Kimberly Peirce, quien debutó con
“Boys dont cry”. Entretiene pero no deja nada e incluye, sin atenuantes,
crueldad animal. A Peirce le faltó “despeinarse”…
Elsa Bragato
UN CAMINO HACIA MÍ
Escrita y dirigida por Mat Faxon y Jim Rash (The
Descendents). Con Steve Carell, Toni Collette, Liam James, entre otros. Música
de Rob Simonsen. Duración: 103 minutos.
MUY BUENA. ALGO MÁS QUE UNA HISTORIA DE VERANO
Los reconocidos realizadores de “The
descendants” (Oscar al mejor guión) debutan con “Un camino hacia mí” y actúan
en el film también. Nos presentan una comedia aleccionadora, eficaz, con muy
buenos diálogos y la presencia de la imbatible Toni Collette, una australiana
capturada por Hollywood que no necesita de efectos especiales para demostrar su
enorme capacidad actoral.
El guión sobre la adolescencia, este
“adolecer” de tantas cosas en esa bella y difícil etapa de la vida, se encauza
firmemente de la mano de Faxon y Rash. De a poco, y con los personajes que se
requieren (el protagonista, el antagonista, el dador, etcétera) para el
entramado dramático, nos relatan el camino nada fácil de Liam James, entre su
madre y el pretendiente de ésta. Surge el antihéroe en el rol del empleado del
parque de agua (Sam Rockwell) y el subtema amoroso con la empática Annasophia
Robb).
Es una historia simpática, atractiva,
donde la timidez de un joven adolescente está muy bien concebida (contracción
de hombros del joven actor, por ejemplo) porque puede ser una debilidad inicial
pero no determinante como para no construir un camino de vida.
Las escenas son fluidas, con muy buenos
diálogos, conformándose una comedia disfrutable, amable, sobre la adolescencia,
las relaciones familiares, los nuevos amigos, el nacimiento de un romance.
Deliciosa película.
Carlos Pierre
EL DOCUMENTAL DE LA SEMANA
DIXIT
Guión y dirección de Alcides Chisa y Carlos Eduardo
Martínez. Música de Sergio Iglesias. Imágenes de archivo: María Flores. Duración:
134 minutos.
MUY BUENO. TESTIMONIO IRREFUTABLE SOBRE LOS CENTROS DE
TORTURA
Enorme valor testimonial, sustentado en
material de archivo que fuese rescatado de los informativos televisivos durante
la última dictadura militar, entre los años 1976 y 1983, ofrece “Dixit”. Este
recorrido documental, tristemente esclarecedor sobre la “vida” infrahumana en
los centros clandestinos de detención, nos habla sobre más de 500 centros
reconocidos no solo en la ciudad de Buenos Aires sino también en la provincia,
en Cordoba, Tucumán y Neuquén. Chiesa y Martínez señalan que, en un comienzo,
el material en VHS fue decepcionante dado que mostraba un “país ideal” donde no
había ni conflictos ni protestas. En 2003, cuando se anularon las leyes de
impunidad contra los dictadores, se abrió las puertas a una dolorosa realidad,
trágica: la de los centros de detención, lugares de secuestro y tortura.
Recién entonces, a lo largo y ancho del
país, la gente, el habitante común, se animó a hablar sobre los horrores que
practicaban los militares contra sus conciudadanos. Desgarradores imágenes surgieron
a la luz, vejaciones de todo tipo, y ese material, ocultado a sabiendas,
permitió las posteriores condenas.
Este documental es un aporte muy valioso
para la memoria de los argentinos. Estamos frente a un testimonio
irrefutable de esa oscura historia que provocó la dictadura militar de los
70. Se impone un vehemente “nunca más”. No deje de verlo.
Carlos Pierre
LOS HÉROES DE LA SEMANA
ESCAPE IMPOSIBLE
De Mikael Hafström. Con Sylvester Stallone, Arnold
Schwarzenegger, Jim Caviezel, Vinnie Jones, entre otros. Música de Alex Heffes.
Duración: 115 minutos.
BUENA. ENTRETENIDO POLICIAL QUE REÚNE A DOS GRANDES
DEL CINE DE ACCIÓN
Reunir a Stallone y Schwarzenegger es
apostar a dos marcas registradas del cine de acción de los últimos 30 años.
Juntos son más que dos ídolos de fuerte contextura y gran magnetismo. Es una
pareja que se las trae y que se disfruta.
La película está ambientada en un
presidio de máxima seguridad, de improbables escapes de los reclusos. Un
experto en seguridad (Stallone) prueba sus teorías no convencionales en el
diseño de cárceles. Tras ocho años de testear, viviendo en las cárceles y logrando
un singular éxito en sus huídas, al hacerse pasar por terrorista es secuestrado
y llevado a una cárcel muy especial llamada “la tumba”.
Su “alter ego”, otro preso con
condiciones no comunes (Schwarzenegger), lo ayuda con su fuerza para escapar de
un alguacil médico (Jim Caviezel) y de su mano derecha, un guardia
superviolento (Vinnie Jones). Tarea difícil para los dos superhéroes el escape
de esa cárcel ubicada en medio del mar.
Se producen dos facciones: la de los
reos y la de los carceleros, en medio de sistemas de seguridad infalibles
monitoreados por sistemas digitales de última generación.
Nuestros dos héroes, maduros y bien
plantados en la escena, hacen gala de los poderes que les hemos conocido y logran
sorprendernos y entusiasmarnos. Sin duda, la dirección de Mikael Hafström es
inteligente y acertada, echando mano a una inagotable batería de efectos
especiales.
Hay aciertos en el guión que generan
suspenso, algunos gags conocidos pero rejuvenecidos por los efectos especiales
actuales, y, si bien no hay un aporte al cine de acción, es un film muy
entretenido y divertido de principio a fin, disfrutable.
Carlos Pierre
UN FILM PARA PENSAR
LA GUAYABA
De Maximiliano Guerra. Con Lorenzo Quinteros, Marilú Marini,
Nadia Ayelén Giménez, Bárbara Peters, Raúl Calandra, entre otros. Música e
interpretación: Raúl Barboza. Duración: 87 minutos.
BUENA. DRAMA VALIENTE Y VALIOSO SOBRE LA TRATA DE
PERSONAS
La película de Maximiliano Guerra, con
sus más y sus menos, nos mete de lleno en el doloroso y espinoso tema de la
trata de personas. “Florencia” (Nadia Ayelén Giménez) es la personificación de
tantas niñas engañadas y secuestradas para prostituirlas y vejarlas en todo
sentido. Con sus 17 años y todo el candor de esa edad en una joven del interior
del país, vive en las afueras de Puerto Iguazú, tiene una vida muy pobre pero
digna junto a sus padres y sus cuatro
hermanos. Se entretiene jugando alrededor de un árbol de guayaba, fruto
tropical.
La engaña una mujer que le promete
trabajo, y la encierra en un mísero bar, donde es drogada y prostituida. Su
verdugo es el dueño del bar (Lorenzo Quinteros). Una secuencia desgarradora nos
muestra a la jovencita dibujando en su sucia habitación un cielo con muchas
estrellas gracias a una birome que un cliente le regaló. Marilú Marini irrumpe
en la vida de esta joven de manera insólita. Y es el “quid” del argumento.
Este film sirve para ilustrarnos cómo se
“trabaja” secuestrando a jóvenes muy pobres en el Noroeste del país. Se estiman
unas 27 millones de personas que son víctimas de la trata de personas con todo
lo que significa: explotación laboral y sexual, trabajos de servidumbre de todo
tipo. Las cifras son escalofriantes: hay, desde el 2008 hasta la fecha en
nuestro país, 3500 víctimas por trata de personas.
Es una ficción valiente, valiosa, para
saber cómo se opera en este delito y saber que existe el número 145 para
hacer denuncias al respecto. No lo olvidemos.
Carlos Pierre
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