PANTALLAZOS (CRÍTICAS DE BRAGATO Y PIERRE)

AQUÍ ESTÁN NUESTRAS CRÍTICAS E INFORMACIÓN GENERAL SOBRE CINE

jueves, 29 de agosto de 2013

"REALITY" Y "DECLARACIÓN DE VIDA", LOS MEJORES ESTRENOS DE ESTE JUEVES 29



Hay siete estrenos comerciales este jueves. “Las crónicas del miedo 2”, de Simon Barret, Jason Eisener y Gareth Evans, mejora la primera película pero no deja de ser otro festival de horror, con cámara en mano y archivo, al estilo de “The Blair witch Project”, más de lo mismo, un tanto mejorado. En el caso de “Amenaza roja”, de Dan Bradley”, estamos frente a otra de guerra norteamericana que ha cambiado el enemigo: en este caso son los norcoreanos, de acuerdo al nuevo orden geopolítico. Un grupo de jóvenes hará frente a esta invasión a USA con una consigna que es de temer y frecuente: “Crearemos el caos” para vencer al enemigo. Recordamos el film homónimo de 1984, al que solo se le cambió la nacionalidad del enemigo nacional. Acción y adrenalina con ausencia de famosos. En el caso de “One direction, Así somos”, estamos frente a un documental que atraerá a las fanáticas del grupo juvenil británico creado en el 2010 y que se presenta en el 2014 en nuestro país, con localidades agotadas. Sus vidas, sus carreras, la gira, los viajes. Para fans, nada más. La nacional “Quiero morir en tus brazos”, de Víctor Jorge Ruiz (su cuarto largometraje, recordar “Flores amarillas en la ventana” de 1996), reúne a Roberto Vallejos y Melina Petriella en los protagónicos, está filmada en Esquel y en el lugar natal del director, Alto Río Senguer, incluyendo a lugareños como actores. Hace foco en tres momentos históricos: el derrocamiento de Perón, los 70 y el neoliberalismo de los 90. Nos habla sobre el éxito de un hombre y la pérdida, por buscarlo, de sus afectos más entrañables. Por momentos, es un policial también. Bien filmada.
También se inicia la semana del Festival de Cine "Nueva Mirada" para niños, con entrada gratuita, en el cine Gaumont.
LAS MEJORES PELÍCULAS DE LA SEMANA
Son dos, Reality y Declaración de vida
REALITY
De Matteo Garrone. Con Aniello Arena, Loredana Simioli, Nano Paone, Graziella Marina, Nello Iorio. Música de Alexandre Desplat. Duración: 115 minutos.
MUY BUENA. HONDURA EN UNA COMEDIA DRAMÁTICA CON ANÁLISIS DE LA REALIDAD Y LA TEVÉ
Matteo Garrone abordó un tema social en el sur de Italia con “Gomorra”, del 2008, donde mostró crudamente el flagelo de la mafia y el tráfico de drogas, pero en “Reality”, sin apartarse de los conflictos sociales, entra en el tono de la comedia dramática al desnudar otra trama de los famosos formatos llamados “realities”. Su protagonista es Luciano (Aniello Arena) quien se anota, a instancia de su familia, en este tipo de ficción televisiva, acudiendo a los estudios Cinecittá en Roma.
“Luciano” vive bien en Nápoles, tiene una pescadería, un buen matrimonio con “María” (Loredana Simioli), está inmerso en la realidad napolitana espontánea y terrenal. Sin embargo, el sueño de ingresar al reality se convierte en una pesadilla en su vida por lo que comienza a maquinar extrañas ideas, que ya ingresó, que está viviendo en “un reality”, y llevado por este ensueño va regalando todas sus pertenencias. Para él, lo único factible en su vida es ingresar a ese show televisivo de cualquier manera y cree que así lo logrará o bien que ya es parte del mismo por sus actitudes insólitas.
Garrone repite afortunadamente esa manera tan escenográfica de mostrar sus historias con una ampulosidad impactante, con un manejo deliberado de secuencias donde los planos largos están realizados de manera tal que el espectador se siente apabullado por semejante fotografía.  Como ejemplo, en el comienzo se muestra un casamiento y aparecen altivos caballos blancos tirando de una carroza nupcial, con gran soporte musical del compositor Alexandre Desplat.
Hay que destacar la maestría del realizador al presentar, secuencia tras secuencia, la transformación del protagonista en pos de un sueño irrealizable porque, de ese casting, ha sido rechazado. Y el contraste que ofrece entre la realidad descarnada napolitana y la inmersión paulatina y creciente en su sueño de pertenecer a la fábula televisiva.
La denuncia de este film de Matteo Garrone está justamente en las fantasías irrealizables que movilizan los medios audiovisuales, el trastorno de la personalidad que generan, siempre con ironía y un tono sostenido de comedia. Agregamos que esta película ganó el Gran Premio del Jurado en el festival de Cannes 2012 y también, ese mismo año, el David de Donatello a la mejor fotografía, de Marco Onorato, que hemos destacado, entre otras distinciones. El gran peso del film recae en el protagonista, un hombre común a quien un recurso televisivo trastoca su vida, sus sueños, su personalidad. Muy interesante.
Carlos Pierre
DECLARACIÓN DE VIDA
De Valérie Donzetti. Con Valerie Donzetti, Jeremie Elkaim, Elina Lowensohn, entre otros. Música clásica. Duración: 100 minutos. Apta para mayores de 16 años.
MUY BUENA. EL AMOR Y LA LUCHA POR LA VIDA DE UN HIJO
Valerie Donzetti es una joven con larga trayectoria en el cine y el teatro francés que decidió contar su propia experiencia de vida junto a su marido, el actor Jeremie Elkaim, y el largo proceso de sufrimiento como padres para salvar a su pequeño hijo al que se le había diagnosticado un raro cáncer cerebral (tumor rabdoide, de altísima agresividad, que se desarrolla en la infancia y se produce en partes blandas como el cerebro).
Lejos de quedarse en la triste historia del pequeño, Donzetti cuenta su historia de amor con Jeremie, aquí personificando a “Julieta” y “Romeo”, como claro ejemplo (aunque consabido y algo ramplón) del amor que se tuvieron como marido y mujer. Desde los comienzos hasta las tribulaciones en el hospital público francés, al que está dedicado el film así como a “Gabriel”. La detección del tumor, los síntomas del recién nacido, los análisis y chequeos, la operación, la cirugía, el postquirúrgico, son contados desde un lugar diferente, que es el rasgo distintivo del film: no hay lugar para la lágrima sino para la vida misma. Esto lo explica muy bien el título en francés cuya traducción literal es “La guerra está declarada”. Una vez que se conoce al enemigo, “Romeo” y “Julieta” viven paso a paso, con desesperación, con locura, el proceso de su pequeño hijo. Pero se desestructuran y se permiten reuniones con los amigos, sonreir y confiar. La madre, más realista y sabiendo que había esperanzas. El padre más sumergido en el temor a lo peor dado el tremendo diagnóstico médico.
Es en este discurrir narrativo tan especial donde el film de Valerie Donzetti se hace único, especial, diferente: quiebra, desestructura, al mismísimo dolor, le pone vida a la vida de la pareja. Y la película no pierde ritmo ni pasión ni hondura. El drama está, pero la vida también. O se entregan al drama y la lágrima o renacen cada día, a pesar de las idas y venidas de la pareja, de sus quebrantos, de sus separaciones, de su objetivo de estar juntos hasta el final.
Lejos de ser una película lacrimógena, se trata de una propuesta optimista y con una narración que nos recuerda a la “nouvella vague” en algunos momentos, una escuela que sigue dejando huella en el cine francés contemporáneo. Muy interesante, fuerte. Una lección de vida y de guerra contra el pesimismo y la enfermedad.
Elsa Bragato
LA COMEDIA BARATONGA DE LA SEMANA
¿QUIÉN *&$% SON LOS MILLER?
De Rawson Marshall Thurber. Con Jennifer Aniston, Jason Sudeikis, Emma Roberts, Will Poulter, entre otros. Música de Ludwig Goransson y Theodore Shapiro. Duración: 110 minutos.
REGULAR. APOLOGÍA DE LA DROGA DE PRINCIPIO A FIN
No se sabe qué calificación ponerle a este desaguisado donde Thurber nos cuenta la vida de un pobre tipo, David (Jason Sudeikis) que vende drogas aún de adulto porque no sabe cómo ganarse la vida de manera decente, al servicio de un malvado en Denver, y su unión temporal con una stripper que interpreta Jennifer Aniston (en bruca caída profesional) además de dos hijos ficticios, marginales a su manera, el virgen e ingenuo Kenny (Poulter) y la sin techo “Casey” (Roberts). El tema es ir a buscar un cargamento enorme de droga a México pero, para no dar qué pensar a la policía aduanera, se “disfrazan” de “familia Miller”.
En estas andanzas se toparán con un matrimonio típico norteamericano, que odia la droga, el marido pertenece a la DEA, y tiene frustraciones sexuales. Más de lo mismo, con pizca de escatología y chistes burdos. La sonrisa sale sin poca naturalidad del espectador que se ha visto inundado por imágenes congeladas de distintas formas de presentación de la marihuana. La virginidad del adolescente pelirrojo es un tema que da para algunas secuencias poco felices como la picadura de una araña en uno de sus testículos y las fotografías de los mismos, hinchados a punto de reventar, o bien el frustrado robo de las llaves del camión del matrimonio formal que termina con el inicio de una reunión de “swingers” que no llega a más.Solo para que uno se ría con semejante y notable ocurrencia.
Ahora bien, el film es un éxito en los Estados Unidos, es una comedieta para pasar el rato, también es cierto. Nos hace ruido la apología de la droga por más que la DEA tenga su minuto de acción en contra de los dealers y los malos vayan a prisión. Pero tanto en el comienzo como en el final, la marihuana ocupa un lugar esencial en el film. Si bien no se ven fumatas, hay una burla a la autoridad que persigue a los dealers muy clara y no se entiende bien si éste es el objetivo del film o bien si es una excusa. Por el final, es el objetivo.
Recordamos que a Jason Sudeikis lo conocimos mejor en “Qué pasó ayer?” pero mientras allí funcionó la alocada aventura de una despedida de soltero, droga incluida, en “¿Quién c.. son los Miller?” la cuestión es diversa, el chiste es fácil, los gags son conocidos, y no hay un guión sólido que pueda explicarnos qué pasa con los Miller y por qué uno de los jóvenes, que tiene familia, se les acopla sin que asome preocupación de sus padres. Es raro. Para gastar en una diversión que, según se sea, puede traerle consecuencias…
Elsa Bragato

miércoles, 28 de agosto de 2013

CINE ARGENTINO EN MIAMI POR ADRIANA BIANCO




 CINE ARGENTINO dedicado a COLOMBIA
 En BIBLIOTECA-UNIVERSIDAD NOVA de BROWARD
La Biblioteca Alvin Sherman del Condado Broward- La Universidad NOVA Southeastern, el Consulado de Argentina en Miami y el Consulado de Colombia en Miami, invitan a Cine Club Argentino, que se desarrollará de forma gratuita, durante los domingos (8,15, 22, 29) de septiembre a las 2pm. Con los auspicios de Broward Cultural División, Art Works, y Broward County Library Florida.
Las películas serán comentadas por la actriz y periodista Adriana Bianco, ganadora del Cóndor de Plata-(Oscar argentino) y organizadora del ciclo.
“Exhibiremos películas argentinas y colombianas,-dice Bianco- entre ellas, el bello film “El Ángel del acordeón” de la directora María Camila Lizarazo. A su vez, se rendirá homenaje al cantor de tangos Carlos Gardel, muerto en Colombia, con el  film “El exilio de Gardel” de Pino Solanas y al gran escritor colombiano Gabriel García Márquez, presentado por el escritor colombiano Luis Miranda. El evento es un punto de encuentro para la comunidad hispana y  un verdadero intercambio cultural.”
El ciclo se inaugurará el domingo 8 de septiembre a las 2 pm con el film “Soñar no cuesta nada” una co-producción argentino-colombiana.
El domingo 15 de septiembre se contará  con la presencia de: Cónsul General de Colombia Sra Martha Jaramillo,  Presidente de la Universidad NOVA Dr.  George L. Hanbury y  Directora de la Biblioteca Alvin Sherman, Lydia Acosta. En esta ocasión se entregarán los Premios Cine Argentino-Adriana Bianco-2013, al destacado periodista colombiano Enrique Córdoba, creación de la artista suizo-argentina Ingrid Kaufmann.  
La editorial Alfaguara donará libros, entre los presentes. Tendremos la presentación del grupo musical colombiano Barrio Abajo, y del cantor argentino Rodrigo Aragón. Refrigerio cortesía de Café Colombiano.
El festival de cine argentino, es acompañado de la exhibición de arte:
“Naturaleza: símbolismo, místicismo y color “,  de los reconocidos artistas plásticos Jorge Cavelier, Sebastian Spreng e Ingrid Kaufmann, en la Galeria de Arte de  la Biblioteca Alvin Sherman.
Domingos 8, 15, 22, 29 de SEPTIEMBRE a las 2pm. NOVA Univ.- De Santis Building-Knigth Auditorium. 3100 Ray Ferrero, Jr. Boulevard. Davie- Fort Lauderdale. Fl.33314.  Te 954 262 54 77 o 954 963 9628.
Domingo 8 de septiembre-2pm:
SOÑAR NO CUESTA NADA. Dirección: Rodrigo Triana. Film basado en un hecho real, Dilema ético en el marco de la Colombia moderna. No apta para menores. Subtítulos en inglés.
Domingo 15 de septiembre-2pm:
EL ÁNGEL DEL ACORDEÓN. Dirección: María Camila Lizarazo. Film sobre un niño y su acordeón en la costa atlántica colombiana. Una historia de música y amor. Subtítulos en inglés. Presentación del grupo musical colombiano Barrio Abajo por Oscar Romero. Exhibición de Arte en la Galeria y recepción.
Domingo 22 de septiembre-2pm
HOMENAJE A GABRIEL GARCIA MÁRQUEZ, escritor colombiano.
Palabras del escritor colombiano Luis Miranda. Presentación de un film largometraje. Cena en un restaurant colombianoPal’Rancho.
Domingo 29 de septiembre -2pm:
EL EXILIO DE GARDEL. Dirección: Fernando Solanas. Homenaje al cantor de tango Carlos Gardel que murió en Colombia. Un film sobre el exilio, la historia y la música argentina. Actuación del cantor argentino Rodrigo Aragón.
                            ENTRADA - PARKING   y  CAFE COLOMBIANO GRATIS

jueves, 22 de agosto de 2013

"JOBS", "ROAD JULY", LOS DOS MEJORES FILMS DE LA SEMANA, JUEVES 22




JUEVES 22 DE AGOSTO DEL 2013.-

Hay siete estrenos, de los cuales tres son nacionales. Además se inicia la II Semana del Cine Documental Argentino en el cine Gaumont, hasta el 28 de agosto. Vamos a comentar algunos de los estrenos

LA ANIMACIÓN SEMANAL

ZAMBEZIA

De Wayne Thornby. Música de Bruce Retief, Duración: 83 minutos. Origen: Sudáfrica, 2011-12-

BUENA. PÁJAROS EN LUCHA

Zambezia, de acuerdo a este film sudafricano, es una ciudad donde las aves viven en paz, ubicada cerca de las cataratas Victoria, entre Zambia y Zimbabué, límite con Madagascar y, en parte, con Sudáfrica. Estas cataratas rivalizan en imponencia con las del Iguazú. Hasta allí viaja un halcón y tendrá que aprender a convivir de otra manera y hasta de ser el salvador de sus congéneres por un tremendo peligro que los acecha.

No encontramos mayor diferencia con otras historias, el bien y el mal a manera de clishés, con dibujos bien realizados pero que no aportan originalidad. Claro, desde el punto de vista del adulto. Para los más chicos, otro film de animación para pasarla bien.

Elsa Bragato

LA PELÍCULA DE LA SEMANA

JOBS

De Joshua Michael Stern. Con Ashton Kutcher, Josh Gad, Lesley Ann Warren, entre otros. Música: John Debney. Duración: 128 minutos.

BUENA. STEVEN JOBS EN UNA BIOPIC CRUDA

Steve Jobs fue un visionario, encarnado por Ashton Kutcher en un verdadero desafío actoral (por lo general, es actor de “comedietas”), el genio de la computación, dueño de un espíritu empresario en busca de notoriedad y dinero. Vivió intensamente, tal como lo refleja el film de Joshua Michael Stern, teniendo un carácter dictatorial y férreo, buscando la perfección aún a costa de despojarse de amistades que lo acompañaban en su meteórico camino.

Fue un joven hippie en San Francisco, que andaba descalzo o en zapatillas, con un paso muy singular, pequeños saltitos, llevando en vilo su gran estatura (Kutcher da en el rol). Visitó la India, se alimentaba solo con frutas y en su lugar de trabajo tenía una gran fotografía de Albert Einstein, su guía intelectual. A los 19 años se asoció con su amigo Steve Wozniak (Josh Gad) para fundar Apple y, desde ese momento, tuvo como objetivo llevar al mundo la revolución tecnológica (los ordenadores personales, la producción de gráficos por computación, la famosa Pixar –hoy unida a Disney-, la renovación de la industria musical con los Ipod, Ipad e Iphone, etcétera).

Esta biopic o biografía es parcial porque solo toma 20 años de su vida, desde sus comienzos en 1976 hasta 1996, cuando recupera el mando de Apple, la empresa que él había creado y perdido. El realizador Stern nos ofrece un retrato de Jobs iluminado pero también nos muestra a una persona fría, sin miramientos a la hora de dejar en el camino a sus más estrechos colaboradores. La gloria debía ser para él y nadie más.

Se trata, además, de una historia de vida que nos produce reparos por el comportamiento despiadado de Jobs que le permitió acceder a una fortuna incalculable, ocupando el puesto 11 de los más ricos del mundo, en su momento, según la revista Forbes. Es un film interesante, con el otro lado de un genio de la computación y sus miserias y egoísmos. En los créditos del final aparecen los protagonistas reales, y encontramos parecidos en los actores que los interpretaron en el film. Hay una apuesta a la similitud notable en el casting, dentro de una temática que, en esta oportunidad, nos acerca la vida, en un tramo sustancial, de Steve Jobs, fallecido tempranamente a causa de un cáncer. Ashton Kutcher, el “Jobs” del  film, realiza un excelente trabajo, especialmente si tenemos en cuenta sus anteriores participaciones como “baby-face”.

Carlos Pierre

LA RAREZA SEMANAL: SÓLIDO Y CONMOVEDOR FILM MENDOCINO

ROAD JULY

De Gaspar Gómez. Con Federica Cafferata, Francisco Carrasco, Betiana Blum, Mirtha Busnelli, entre otros. Música de Maxi Amué. Duración: 88 minutos.

MUY BUENA. UN VIAJE A LA PATERNIDAD

De singular calidad es este film del mendocino Gaspar Gómez, donde encara una “road movie” con un padre que se acaba de enterar de que lo es, Santiago, de origen chileno, y su  hija Julia de 10 años. El personaje de Santiago lo encarna el actor chileno Francisco Carrasco, afincado en el país hace 15 años, específicamente en Mendoza, donde se rodó la película, mientras que el protagónico de Julia lo compone la sorprendente Federica Cafferata, de 13 años hoy, quien tiene una firme carrera en distintos países sudamericanos.

Hay dos abuelas fuertes, a cargo de dos grandes actrices: la materna, que compone Betiana Blum, y la paterna, Mirtha Busnelli. Diferentes clases sociales pero con la misma pasión por conocer a esa niña que es su nieta y que, a raíz del fallecimiento de su joven madre, se acaban de enterar de su existencia. Santiago no puede creer ser padre y resulta ser comprendido en este asombro interior por su pequeña hija Julia, que lo saca de más de un apuro en el camino hacia la casa de la abuela materna, en un viejo y semiaveriado Citroen 3CV.

Es en este largo tramo donde el film gana en hondura y donde aparece la profunda simplicidad de un hombre joven que debe adaptarse a que esa niña, que lo mira, es nada menos que su hija, a quien nunca antes había conocido por una decisión de la madre.

Observamos una cámara muy ágil, muy sólida, de Gaspar Gómez, con un plano secuencia inicial importante, preciso. Hay una excelente fotografía tanto de los paisajes naturales como de los interiores, buenos planos, sin caer en clishés lo que habla de un estilo propio y maduro de Gaspar Gómez. La banda sonora de Maxi Amué también es importante porque está bien ubicada. No solo hay música incidental sino que el director se permite los silencios en medio de los diálogos, y un trabajo de sonido, remarcamos, poco frecuente en el cine nacional.

Solo hacemos hincapié en localismos y frases escatológicas que están fuera del entorno familiar propuesto por el film. Un muy buen film, intimista, para disfrutar y emocionarse.

Elsa Bragato

II SEMANA DEL CINE DOCUMENTAL ARGENTINO

CINE GAUMONT, 23 AL 28 DE AGOSTO

La Asociación de Directores y Productores de Cine Documental Independiente de Argentina (ADN) inicia esta semana con material diverso, de alta calidad. Se exhiben “Imágenes paganas” sobre Federico Moura (conjunto Virus), “Años de calle” de Alejandra Grinschpun, “Boxing club” de Víctor Cruz, “Huellas” de Miguel Colombo, “El latir de los llanos” de Eduardo Sánchez, “Mika, mi guerra en España” de Fito Pochat y Julio Olivera, y “La toma” de Sandra Gugliotta. Comentamos “Mika, mi guerra en España”, de Pochat y Olivera.

“MIKA MI GUERRA EN ESPAÑA”

De Fito Pochat y Julio Olivera. Documental basado en el libro homónimo de Mika Etchebehere.

EXCELENTE. RESCATE HISTÓRICO DE UNA PERSONALIDAD POLÍTICA ARGENTINA

El acopio de documentales de la guerra civil española, acaecida a partir de 1936, es notable en este film que incluye una nota realizada a la protagonista en 1984. Mika Feldman de Etchebehere tomó el apellido de su esposo, Hipólito, ambos nacidos en la Argentina (ella, en Moisés Ville, Santa Fe, en 1902, y él, en Santa Fe, de familia francesa, en 1900). Se conocieron en la universidad en Buenos Aires y rápidamente se unieron a la corriente trostkysta tras vivir la semana sangrienta en Buenos Aires. Recorrieron el sur del país, ella como odontóloga ambulante, hasta parar en Esquel y juntar dinero para viajar a Europa. Primero recalaron en Berlín, luego pasaron por Francia y finalmente, vía Cataluña, se unieron a las fuerzas anarquistas del Puom para luchar contra la dictadura española. En la primera batalla, el asalto de Atienza, falleció Hipólito. Mika quedó al frente siendo nombrada “La capitana” por los combatientes.

Es singular conocer la historia de combatientes de todo el mundo, de filiación anarquista, que se sumaron a la guerra civil española, en la que intervinieron tropas alemanas y hasta otras enviadas por Stalin, aviación incluida, para sofocar a los rebeldes que era una gran mayoría. De esos grupos, por ejemplo, surgió Ramón Mercader, el futuro asesino de Trostky, cuando Stalin confirmó su creciente traición a sus ex camaradas de lucha.

Mika cuenta su historia de lucha, la unión con Hipólito, su viudez temprana y sus convicciones hasta poco antes de morir. En 1939, terminada la guerra civil, tras sufrir cárcel, vino al país escapando de la ferocidad de Hitler contra los judíos. Regresó a París en 1945, permaneciendo hasta su muerte en 1992 a los 90 años. Vale añadir que en 198 ayudó a los estudiantes parisinos en sus famosas barricadas, que quedaron en la historia como “mayo del 68” y, cuando en 1976 tomó el poder la dictadura militar en nuestro país, organizó un meeting a favor del pueblo argentino. Dejó el legado de su libro, base de este excelente documental.

Hay un gran valor histórico, resulta esclarecedor, y un acopio de material, como dijimos al comienzo, de enorme contundencia. Para aprender. Muy bueno.

Elsa Bragato

CAZADORES DE SOMBRAS: CIUDAD DE HUESO

De Harald Zwart. Con Lily Collins, Jamie Campbell Bower, Alec Kevin Zegers, entre otros. Música de Atli Osvarsson. Duración: 130 minutos.

REGULAR. ÉXITO EDITORIAL SIN SUSTENTO CINEMATOGRÁFICO, UN GRAN PASTICHE

Estamos frente a una novela juvenil escrita por Casandra Clare, con gran éxito de ventas en los Estados Unidos. En total son 5 novelas de una saga que procura comenzar y afianzarse como “El señor de los anillos” o “Crepúsculo”. Por lo que vimos, está muy lejos… No entusiasma aunque le reconocemos la capacidad de atrapar a los adolescentes, ávidos de fantasía y acción.

En este caso, se echó mano a toda la tradición existente de demonios, vampiros, hombres lobos y demás seres sobrenaturales, repetidos hasta el hartazgo, en un pastiche que no tiene ni gracia ni conexión con el espectador medio.

La fotografía es sólida, recorre Brooklyn y Toronto, Canadá, con sofisticados efectos especiales: luchas con aires marciales de los llamados “cazadores de sombras”, guerreros mitad ángeles y mitad humanos, que vienen protegiendo desde siempre a la Humanidad de las fuerzas del mal, tremendas en su sombría brutalidad.

La actriz Lily Collins compone a una joven que comprueba que su madre desaparece de la casa en Brooklyn, de modo violento, dejando todos los muebles hecho pedazos. La infortunada mujer fue raptada por seres malignos, hecho que la hija comprueba tras una extraña visión. Una runa (caracteres de la escritura nórdica utilizados para leer el futuro) y la presencia de los “cazadores de sombras” la ayudan en su lucha por su madre.

Hay un dejá vú constante en el espectador: cada secuencia parece haber sido vista, y esto produce mucha monotonía en la platea, teniendo en cuenta –además- la duración del film. La música minimalista de Atli Ovarsson no contribuye a ahuyentar la somnolencia y da la impresión de haber sido escuchada muchas veces antes. Sin duda, se inicia una saga, sin la majestuosidad de “El señor…” ni su sustento histórico-ficción. Ya toleramos a un Lincoln, nada menos, cazando vampiros, ¿por qué no un pastiche de sombras malignas, redentores ángeles, en un ambiente gótico y beligerante? Film pasatista que no deja nada.

Carlos Pierre

jueves, 15 de agosto de 2013

"CORAZÓN DE LEÓN", "CAUSAS Y CONSECUENCIAS", "LA PARTE DE LOS ÁNGELES", ENTRE LOS ESTRENOS DE CINE JUEVES 15



JUEVES 15 DE AGOSTO DEL 2013.-

Hay siete estrenos, entre ellos, cuatro films nacionales que incluyen dos documentales y una ficción: A la Cantábrica, de Ezequiel Erríquez, Aire de chacarera de Nicolás Tacconi y Sip’hoi, el lugar del manduré, de Sebastián Lingiardi. El cuarto film, Corazón de León, es el que comentamos.

CORAZÓN DE LEÓN

Guión y dirección de Marcos Carnevale. Idea original de Betiana Blum y Marcos Carnevale. Con Guillermo Francella, Julieta Díaz, Nora Cárpena, Mauricio Dayub, Nicolás Francella, entre otros. Música de Emilio Kauderer. Duración: 100 minutos.

MUY BUENA.COMEDIA EFECTISTA CON EFICAZ PAREJA PROTAGÓNICA

“Elsa y Fred” fue un film consagratorio para Marcos Carnevale, quien nos enterneció por ese amor en la vejez que nos contó. Ahora nos deleita con otro amor pero diferente. “Corazón de león” es una comedia romántica que tiene, entre quienes la idearon, a Betiana Blum, gran actriz, que actuó en “De esto no se habla”, película de María Luisa Bemberg donde también se narró un amor diferente. Recordemos que Marcello Mastroianni vino especialmente a filmar esta película y que Betiana Blum fue la argentina que recibió el beso de ficción del gran actor italiano. Por eso, esta historia de amor diferente tiene un sabor parecido a aquel film donde Blum participó.

La pareja protagonista está formada por Guillermo Francella como un exitoso arquitecto a quien le faltan 45 centímetros de  estatura para ser un hombre común. Su crecimiento se detuvo por un mal funcionamiento de la glándula pituitaria. Y su pareja es una abogada que encarna la encantadora Julieta Díaz. A ambos les sobra amor y valor para superar tal diferencia de estatura y lograr el beneplácito de una sociedad prejuiciosa.

La película tiene múltiples atributos que la hacen muy buena, plausible. Por empezar, el elenco que secunda a la pareja principal, desde Nora Cárpena como la azorada madre de la hija abogada, a Mauricio Dayub (¿quién olvida “El amateur”?) como el esposo de la protagonista, a Nicolás Francella, hijo en la ficción y en la realidad del arquitecto que encarna Guillermo Francella. Otro de los aciertos son las secuencias, que resultan desopilantes, generadas por esta pareja desigual en altura, sumado a las impactantes locaciones que han sido muy bien filmadas. Incluyen las playas de Río de Janeiro, un plus fantástico.

Merece atención la exigencia en las tomas relacionadas con la pareja protagónica por el uso de encuadres diferentes y de “chromas” (fondos sin escenografía), donde tanto Francella como Díaz tuvieron que trabajar sin ver al otro, un desafío técnico superado con creces.

Guillermo Francella aporta su carisma y su credibilidad, con esa personalidad avasallante que lo ha distinguido a lo largo de su carrera, y la escasez de altura lograda por la tecnología no hace mella en sus dotes histriónicos, en ese diálogo permanente que tiene con la cámara aunque no se dirija al público.

No todo pasa por lo visual y lo físico sino que Carnevale le da lugar a la introspección, especialmente en el personaje de Francella y su relación con su hijo, sus miedos al rechazo, y el temor también de perder a su nueva pareja. Hay un juego actoral entre Francella y Díaz válido, logrado, que, de principio a fin, atrae al espectador. Un film más que taquillero.

Carlos Pierre

LA PARTE DE LOS ÁNGELES

De Ken Loach. Sobre un texto de George Fenton. Con Paul Branningan, William Ruane, Jasmin Riggins, Gary Maitland, entre toros. Música de George Fenton. Duración: 101 minutos.

MUY BUENA. ÁNGELES CAÍDOS EN SOCIEDADES IMPIADOSAS

Ken Loach es uno de los grandes directores británicos, generador del British Social Realism (“El viento que acaricia el prado”, ganadora de la palma de oro de Cannes en el 2006). Con un estilo simple y efectivo que apunta a la vida en las grandes ciudades y las consecuencias en sus habitantes, esta vez focaliza la acción en las ciudades de Glasgow y Edimburgo, en Escocia.

Loach encara desde el comienzo el aspecto social, es recurrente en este sentido: un joven con un pasado delictivo, encarnado por Paul Branningan, quien carga con el peso del guión de Paul Laverty, basado en el libro de George Fenton, también compositor de la banda sonora. Este joven intenta escapar del acoso familiar (es padre de un niño) y de la cárcel, realizando trabajos comunitarios con otros convictos. Hasta aquí, Ken Loach expone firmemente sus enunciados sociales. Pero, sin apartarse de ellos, le da un giro al guión llevando al protagonista a iniciarse en el secreto del arte del whisky, tan caro a Escocia, y a su degustación. Se mezcla así una luz en el destino del joven y también su “alma delictiva”, robando tres botellas del preciado licor por las que tendrá un futuro más que promisorio.

El título del film nos indica claramente de qué se trata el guión: “la parte de los ángeles” es el 2% del whisky que se pierde, que se evapora, en el proceso de elaboración. Y, por añadidura, remite al destino de un joven, un “ángel”, que lleva una vida sinuosa aún a su pesar con un entorno social que no lo favorece en su búsqueda de mejores caminos. Estamos frente a una comedia social que no elude el optimismo y que, por ser ficción, nos introduce en una “fábula social” interesante y, como siempre en el caso de Ken Loach, denunciando las injusticias de las sociedades actuales.

Carlos Pierre

CAUSAS Y CONSECUENCIAS

De Robert Redford. Basada en “The company you keep”, de Neil Gordon. Con Robert Redford, Susan Sarandom, Shia Labeouf, Stanley Tucci, Julie Christie, Terrence Howard, Nick Nolte, Brendan Gleeson, Chris Cooper, Anna Kendrick, Brit Marlin y Jackie Evancho, entre otros. Música de Cliff Martínez. Duración: 121 minutos.

EXCELENTE. LA HISTORIA Y SU PESO EN UN POLICIAL POLÍTICO

INTENSO

Robert Redford nunca abandona su posición política frente a una sociedad volcada más a las necesidades de Wall Street que a la de los pueblos del planeta. Su oposición a las guerras, al bloqueo a Cuba (fue uno de los primeros norteamericanos en dar conferencias en las escuelas cubanas de cine), entre otros ítems que hacen a su ideario, están vigentes. En esta película, que tiene títulos tan diferentes según los países donde se estrena (“Fíjate en tu compañía”, “Compañía peligrosa” o bien “Causas y consecuencias”), nos cuenta la historia de Jim Grant, un abogado viudo con una hija de 12 años a su cargo (la pequeña gran cantante Jackie Evancho), cuya identidad verdadera es descubierta por un joven aprendiz de periodista “Ben”, personaje que encarna Shia Labeouf, cuyo jefe (Stanley Tucci) está a cargo de la redacción del Albany Sun Times. Allí, en esa comarca, se esconde desde hace 30 años, “Nick Sloan”, o sea “Jim Grant”, buscado por el FBI por el robo de un banco de Michigan en 1985, donde murió un agente. Quien puede salvar a Nick-Jim es “Mimi Laurie”, una Julie Christie inmejorable. Y hay que encontrarla.

El planteo cinematográfico es excelente: el film comienza con documentales supuestamente de la época, tomados de las cámaras de seguridad en las que quedó registrado el asalto el banco. Y pasa rápidamente a un plano-secuencia donde Susan Sarandon, en su cocina, toma la decisión de entregarse y dar por terminada la persecución que también la alcanza. Es que todos formaron parte de los grupos revolucionarios anti Vietnam, llevando la revolución al terreno norteamericano. Robert Redford es el siguiente con un plano secuencia, en la cocina, preparando el desayuno para su hija.

La película tiene un corte clásico pero no convencional. De escenas nocturnas y casi sin movimiento se pasa a la luz del día de una ciudad como New York. Este recurso es usado varias veces y contribuye a darle agilidad y hondura a la historia que no se detiene solo en las vicisitudes de Nick-Jim sino que ahonda en la historia y sus consecuencias, y en cómo las puede digerir y resolver un joven periodista para quien publicar la novedad es, en principio, más importante que el daño que pueda provocar.

Robert Redford es provocador con este guión: “Mimi”, o sea Julie Christie, da pautas de sus convicciones al decir que no se entregará “ hasta que no se entreguen todos los políticos por todo lo que han hecho” o bien insiste en que “el sistema defiende a los super-ricos y joroba a todos los demás y al planeta entero”.  Susan Sarandon, apresada, le confiesa al periodista que los ideales no se abandonan ni aún con los errores que empieza a pagar. Los personajes tienen, cada uno, una razón de ser: Nick Nolte es el compañero de tareas que no abandona a sus ex colegas de militancia, papel breve pero sustancioso. O Brendan Glesson, que es el padre adoptivo de “Rebecca”, la primera hija de Nick-Jim y Mimi, dejada a sus mejores amigos para seguir en la lucha. También Richard Jenkins vuelve a ser un actor ineludible tanto como Chris Cooper como el hermano de Nick-Jim, o Anna Kendrick, como la ex novia del periodista (partenaire de George Clooney en “Amor sin escalas”).

Es notable cómo este elenco de grandes actores ocupa roles pequeños pero insustituibles, sin que Robert Redford y la por momentos inalcanzable Julie Christie pierdan protagonismo. No hay respiro. Hay que quedarse hasta el final porque allí recién se resuelve este policial-político que tiene tantos posibles análisis, desde las consecuencias del “hitlerismo” en la Europa actual, hasta el ahogo financiero a los países emergentes o la rebeldía de los “hippies” que se enfrentaron al poder del gobierno de USA en contra de la guerra en Vietnam, con consecuencias que no se desearon. Siempre está latente el alzamiento de los pueblos contra la injusticia, aún cuando la respuesta sea la muerte. Finalmente, una bocanada de aire fresco en medio de tanta atronadora tecnología.

Elsa Bragato

EN LA OSCURIDAD STAR TREK

De J.J.Abrams. Con Chris Pine, Zachary Quinto, Benedict Cumberbatch, Anton Yelchin, Zoe Saldana, Simon Pegg, entre otros. Música de Michael Giacchino sobre el original de John Williams. Duración: 133 minutos.

BUENA. ESTRUENDOS EN EL COSMOS

Mítica historia si las hay en el cine y en la televisión, donde vio su nacimiento, Star Treck regresa a la pantalla con la película número 12. Tecnología impresionante es la consigna del guión que no aporta más que convenciones. No obstante y a pesar de su duración (133 minutos), es atractiva especialmente para los seguidores de la franquicia.

“Kirk”, el joven actor Chris Pine, está a cargo de la “Enterprise” (notable fotografía de vuelos cósmicos), y se enfrenta con ingenuidad al malvado “Khan” (Benedict Cumberbatch, inglés con trayectoria teatral), mientras el “Sr. Spock” (Zachary Quinto) queda en un segundo plano por alguna cuenta a saldar. Destacamos la secuencia inicial cuando uno de los protagonistas debe meterse literalmente en el centro de un volcán en plena erupción, impactante. Luego sobrevienen hechos que nos mantienen atentos pero cuyas resoluciones son previsibles: desde hacerle caso al “malvado” de turno y caer en su trampa hasta la salvación a pesar de radiaciones mortales y puertas que se cierran cuando debieran abrirse.

Sin duda, hay tensión pero no novedad. Es sí emotivo ver al tradicional Sr Spock, el que conocimos en el Viaje a las Estrellas, el hoy octogenario Leonard Nimoy, a través de una pantalla para advertir sobre la maldad de Khan. Buen tributo.

Como ocurrió siempre con la historia de tantas décadas, el comienzo ocurre en el 2063 cuando los terrícolas encuentran a una raza extraterrestre, los vulcanos, ésos que tienen las orejas puntiagudas como los dos Spock. Y abarca hasta el año 2379. Entonces se inventaron aparatos para la ficción que hoy son de última generación, desde las tablets hasta holografías y el GPS. La banda sonora de Michael Giacchino es memorable: tomando la base del leit motiv creado por el gran John Williams, recrea el tema incluyendo coros, en un estilo clásico pero apabullante por la intensidad. Para fanáticos!

(Recordamos que la serie original de tevé comenzó en 1966 culminando en 1969. Y la primera película está datada en 1979)

Elsa Bragato

APRENDICES FUERA DE LÍNEA

De Shawn Levy. Con Vince Vaughn, Owen Wilson, entre otros. Música de Christophe Beck. Duración: 119 minutos.

REGULAR. UNA PROMO FÍLMICA

Se ve que, cuando escasea el trabajo en Hollywood, los actores inventan sus guiones, producen con sus ahorros y se asocian a grandes empresas como, en este caso, Google, para subsistir  y muy bien por cierto. “Aprendices fuera de juego” es el caso con dos simpáticos celebrities como Vince Vaughn y Owen Wilson, ya con sus añitos, quienes componen a dos hombres que se quedan sin trabajo y con osadía ingresan a una pasantía en Google donde no encajan con la rapidez y los conocimientos de los jóvenes. Logran armar un grupo que deberá sortear un problema para lograr ser empleados de la empresa. De esta manera, conocemos la sede de Google en California, y una serie de términos como “googleros”, “noogleros” que son los pasantes y “googlura” que es la capacidad de enfrentar desafíos.

El aporte de los dos veteranos buscavidas es la sabiduría que tienen y con eso ayudan a los jóvenes a enamorarse, a emborracharse, a tener sus primeras relaciones sexuales, a conocer la noche en boliches non sanctos. Es lo que ellos pueden aportar y habla bastante mal de los conocimientos de los cincuentones. Sin embargo, esto le permitirá ir sumando amistades y ayudar con el buen ánimo y comprensión al resto del grupo que muchas veces desfallece. Los “curtidos” saben cómo enfrentar el desánimo. Es el mensaje del film y el resto es más de lo mismo, una comedia pasatista con un “currito” millonario con la gran Google.

Elsa Bragato