"ANTES DE LA MEDIANOCHE" Y "RITMO PERFECTO", ESTRENOS DEL 27 DE JUNIO

JUEVES  27 DE JUNIO DEL 2013.-

Hay solo dos estrenos en soporte fílmico.

RITMO PERFECTO

De Jason Moore, sobre el libro de Mickey Rapkin. Con Anna Kendrick, Anna Camp, Skylar Astin, John Bejamín Hickey, entre otros. Música de Christophe Beck y Mark Kilian. Duración: 112 minutos.

BUENA. MUSICALES DE VALÍA CON POBRE GUIÓN

Musicales bien coreografiados, voces estupendas, caracterizan esta película cuyo elenco coral lo encabeza Anna Kendrick, la coprotagonista de Amor sin Escalas, el film que rodara junto al afamado George Clooney por el que fue nominada a los Oscars. Y es por esta actuación de Kendrick y por la calidad de los musicales que la calificamos como buena dado que, por el guión, debería ser mala. Pobre, sin una línea argumental desarrollada, tiene parlamentos demasiados esquemáticos y clishés que sirven para sostener, solamente, las secuencias musicales.

Anna Kendrick es una joven adolescente que ingresa a la universidad donde trabaja su padre y se suma al grupo coral The Bellas opuestas a los masculinos Treblemakers. Se trata en un certamen intercolegial de coros a capella cuya final se lleva a cabo en el Lincoln Center de New York, por lo que podemos presumir que la casa de estudios está en esa ciudad. No hay referencias de locaciones, salvo la que indicamos.

De principio a fin, los jóvenes se reclutan en diferentes grupos para el concierto final y, en el mientras tanto, hay interesantes versiones musicales rapeadas y otras melódicas. No hay nada más que pueda interesarnos o llamarnos la atención. Anna Kendrick es una joven de larga experiencia en el teatro musical y solo por eso se entiende que haya aceptado este rol. En definitiva, un buen film para ver por cable.

Elsa Bragato

ANTES DE LA MEDIANOCHE

De Richard Linklater. Con Ethan Hawke, Julie Delby, Seamus Davey-Fitzpatrick, Jennifer y Charlotte Prior, Walter Lassally, entre otros. Música de Graham Reynolds. Duración: 108 minutos.

EXCELENTE. UNA SAGA DE AMOR MEMORABLE

Tercera película, y tal vez la última de la comedia dramática qeue Jesse y Celina iniciaron a los 20 años en “Antes del amanecer” (1995), se reencontraron a los 30 en “Antes del anochecer” (2004) y 9 años después en este film “Antes de la medianoche”, enfrentando el pasado, el presente y el futuro del matrimonio.

El guión pertenece al director Richard Linklater y la pareja protagónica, Hawke y Delpy, y está ambientado en Mesenia, Grecia, donde un escritor expatriado, Patrick (Walter Lassally), invita y aloja a Jesse y Celine junto a sus pequeñas mellizas (Jennifer y Charlotte Prior). Jesse, antes, despidió a su hijo (fruto de su primer matrimonio, el que confiesa en la segunda película), en el Aeropuerto de Kalamata, quien regresa a Chicago con su madre.

En esta oportunidad, la pareja disfrutará, gracias al amigo, de una noche en un hotel lujoso con la finalidad de distenderse y recuperar el romanticismo, sin la preocupación por las hijas ni los problemas laborales cotidianos.

Y es aquí, antes de la medianoche, donde la pareja vuelve a tener esos diálogos que nos retratan, que nos recuerdan hechos vividos, que nos suenan en el alma como reales y cercanos a cada uno de nosotros. Celine está cansada de ser la musa inspiradora de su marido y éste siente la necesidad de estar cerca de su hijo mayor por los problemas que tiene en su país natal.

La pareja enfrenta un cierto desgaste que, como en las anteriores oportunidades, va a resolver con sus diálogos, ejes de esta trilogía, tan cercanos a nosotros, como dijimos, y tan medulares como cotidianos. La verdad de estos diálogos es el secreto de estas realizaciones de Linklater y de las notables actuaciones de Ethan Hawke y de la también directora y actriz Julie Delpy. Caminan sin rumbo y dialogan, se dicen verdades tremendas, fuertes, románticas, que emocionan, que nos tocan de lleno, sin filosofías baratas sino con la misma espontaneidad diaria en la que uno puede sentirse absolutamente reflejado. Resulta un film entrañable, emotivo, profundo, disfrutable ciento por ciento, que nos recuerda a “Escenas de la vida conyugal”, del genial Ingmar Bergman, con las diferencias filosóficas del caso.

Carlos Pierre

"GUERRA MUNDIAL Z", LA SUPERPRODUCCION DE ESTE JUEVES 20

JUEVES 20 DE JUNIO DEL 2013.

Hay cuatro estrenos que incluyen, además de las dos críticas, “Monsters University” y “Bárbara”, film alemán de Christian petzold.

GUERRA Mundial Z – 3D

De Marc Forster. Con Brad Pitt, Mireille Enos, Fabrizio Zacharee Guido, entre otros. Basda en el libro del inglés Max Brooks. Música de Marco Beltrami y el grupo inglés MUSE. Duración: 116 minutos.

MUY BUENA. SUSPENSO AL POR MAYOR EN UNA RENOVADA HISTORIA

Desde que George Romero inventó a los zombies, no solo sus películas tomaron a estos seres muertos que reviven y son feroces sino diferentes cinematografías. De las mejores películas han sido “Exterminio” 1 y 2, por ejemplo. En el caso de “Guerra Mundial Z”, o “guerra zombie”, estamos frente a un guión que le da una buena vuelta de tuerca y remoza la invasión zombie desde un lado que empieza a ser común en el mundo global: las pandemias virósicas. Hay algunos puntales sociopolíticos que destacamos: la transmisión de los virus a través de los vuelos internacionales (la gripe aviar, el cólera, la gripa A son algunos de los últimos ejemplos que nos azotan), la salvación –cuestionable- de algunos elegidos en inmensos portaviones de la ÓTAN que invaden el Atlántico Norte y el Sur (llamativo y real), la elección de un niño sudamericano como “salvado” y es la primera vez que ocurre en los films de catástrofes terráqueas, y la elección de Corea del Sur como país-laboratorio. Esto no es al azar. La industria de Hollywood suele ubicar la acción de muchos de sus guiones en países donde hay bases norteamericanas o bien se inician buenas relaciones comerciales desde China hasta los países árabes(Syriana). Esta vez le tocó a Corea del Sur que estuvo y sigue estando sobre el tapete por el belicismo de Corea del Norte, más que sabido a través de las noticias diarias y la fracasada guerra de Vietnam. Además de menciones sobre Israel que van a llamar la atención. El film se rodó en Malta, Budapest, Escocia y Londres.

Técnicamente el film resulta impecable por la acción y el suspenso que se vive a pocos minutos de iniciarse y las secuencias con grandes movimientos de masas. La fotografía es un gran logro en este caso por la diversidad de tomas y la agilidad del montaje-edición. Es impactante la acción que se realiza en el avión que transporta el agente “Gerry Lane” junto a una colega israelí a tierras coreanas. A tener en cuenta! Marc Forster, el realizador, tiene títulos en su haber como “Monster’s ball”, gran película, pero ésta era la primera superproducción por lo que debió afrontar no pocos problemas durante la filmación. Tuvo la ayuda de Brad Pitt para quien también es un debut en estas lides tan específicas.

En cuanto a la propuesta en sí, tiene los gags típicos de las películas de zombies pero como “clishés” y para desanudar en algo la tensión del espectador. Y estos personajes están tratados con la fiereza que tienen como rasgo distintivo pero sin primeros planos, en la mayoría de los casos, por lo que no es un film sangriento sino de tremendo suspenso. Tampoco se buscó “lo gore” sino el planteo de una pandemia, diferente en este caso, que viene siendo frecuente en la última década. Hay un mensaje al respecto y no está demás.

Brad Pitt cumple con una muy buena actuación, creíble, y la dota de esa cuota de comicidad en los momentos culminantes que nos llevan a aplaudir al protagonista convertido en héroe. Para eso fue contratado, además! Nos entretuvo de principio a fin. Es para pasar un momento de suspenso muy bien realizado, dejando de lado alguna cosita poco comprensible del guión en el traslado de sus personajes de una ciudad a otra. La pasamos por alto. Lo demás es impecable dentro del género, más de lo mismo pero muy bien realizado.

Elsa Bragato

LA PASIÓN DE MICHELANGELO

De Esteban Larraín. Con Sebastián Ayala, Patricio Contreras, Aníbal Reyna, entre otros. Música de Ricardo Santander. Duración: 98 minutos. Chile.

BUENA. LA RELIGIOSIDAD POPULAR EN TIEMPOS DEL DICTADOR PINOCHET

Esteban Larraín es un joven realizador chileno de 38 años que encara su filmografía en el plano político y social, con algunos rasgos lejanos del buen cine español. Éste es su segundo largometraje (el primero fue “Alicia en el país” sobre una niña boliviana que busca trabajo en Chile). “La pasión de Michelangelo” no trata sobre el afamado Buonarrotti sino  un caso real de un joven llamado Miguel Angel, adolescente huérfano de la localidad chilena de Peñablanca, que moviliza en los 80 a la prensa chilena y al pueblo por sus visiones con la Virgen María en plena dictadura de Pinochet.

La Iglesia trasandina envía a un sacerdote jesuita, que encarna Patricio Contreras, para investigar al joven. El jesuita arrastra una crisis de fe. Prima facie, le cree a este adolescente, de aspecto aniñado, quien toma un vuelo de popularidad incontrolable, practica curaciones, sufre los estigmas de Jesús. Sin embargo, Pinochet y sus secuaces le prohíben a la Iglesia el culto a la Virgen en Peñablanca, dado que Miguel Angel se ha convertido en un agitador de masas peligroso para los fines de la dictadura. Abandonado, Miguel Angel es humillado, como el propio Jesús, y sufre la pasión con rasgos evangélicos.

La filmación se realizó en Villa Alemana, en Chile, en medio de un paisaje rústico y campesino, que nos remite a las tierras de Cristo. La música incidental de Ricardo Santander tiene una característica especial: el sonido de un violoncello agonizante como leit motiv que acompaña con desgarro el sufrimiento del protagonista.

Es un buen film que logra un relato bíblico, en sus fundamentos, en Sudamérica, y plantea aspectos sociales y políticos siempre candentes en nuestras tierras: la Fe y el descreimiento en pugna, las necesidades de una y otra para las políticas de los dictadores sangrientos locales, con buenas actuaciones y una avanzada solidez narrativa.

Carlos Pierre

"EL HOMBRE DE ACERO" Y "EL GRAN CASAMIENTO", ENTRE LOS ESTRENOS JUEVES 13

JUEVES 13 DE JUNIO DEL 2013.-

Hay cuatro estrenos que incluyen el nacional “La huella del doctor Ernesto Guevara”, de Jorge Denti, sobre el “Che” antes de ir a Cuba, y la película dinamarquesa “La cacería” de Thomas Vinterberg.

EL HOMBRE DE ACERO

De Zack Snyder. Con Kevin Cotsner, Russell Crowe, Amy Adams, Henry Cavill, Michael Shannon, Diana Lane, entre otros. Música de Hans Zimmer. Producción: Christopher Nolan, entre otros. Duración: 148 minutos

REGULAR. DESANGELADA Y APOCALÍPTICA PRECUELA DE SUPERMAN

Rara sensación es la que se tiene luego de ser la muy extensa “El hombre de acero”. ¿Un cómic, un blockbuster de explosiones, una precuela, o un juego de playstation espacial? Nos quedamos con las dos últimas: es la precuela de Superman a manera de playstation espacial, donde monstruos y negros aviones supercósmicos atraviesan los espacios y se estrellan, destruyéndose mutuamente, aniquilándolo todo. Dos horas y 20 minutos de atronadoras explosiones y una falta de lineamiento del espacio del film a la manera de fotonovela. Desangelada y apocalíptica, esta versión de Superman sintetiza toda la violencia que no queremos en el siglo XXI.

Dónde estamos? Sabemos que empezamos, junto con el futuro superhéroe, en Kripton. Pero luego, dónde? Se cae en el cinturón de asteroides? Estamos detrás de Saturno, o bien cerca de la Tierra? Dónde ocurren semejantes batallas espaciales? En algún momento apareceremos en Kansas, es la otra seguridad que tenemos.

La presencia de Christopher Nolan como productor ejecutivo nos asegura una ingeniería narrativa muy especial y espacial: nada queda en pie, New York se derrumba como los sueños de su muy buen film “EL origen”. Y extrañas y alargadas armas o algo similar penden del cielo neoyorquino lanzando láseres destructores como aquellas vainas de “Guerra de los mundos”. Es imposible no remitirse al trágico ataque del 11 de setiembre a las Torres Gemelas de New York porque se reproducen las escenas que vimos en los videos de la época con la gente corriendo por las calles y los edificios viniéndose encima (“El origen”, de Nolan). Nada grato para recordar. Muchas reminiscencias de hechos trágicos, de otros films de la “colección Nolan” (destrucción de un símbolo) que impuso en la trilogía Batman. Superman debió ser otra cosa.

La historia de Superman es respetada en su llegada al planeta (recuerdan “Starman” con Jeff Bridges?), con sus padres adoptivos (Diane Lane y Kevin Costner), la aparición de la periodista que está asombrada buscando al ser de otro planeta escondido en la zona de Kanzas, y la lucha de su padre biológico, encarnado por un potente Russell Crowe en Kritpon, donde se desarrolla gran parte del film. Por eso es precuela. Y se lo presenta como un “redentor”. “Vengo a salvar la Humanidad, por eso es la S”. Demasiado, no?

Nada de romanticismo: la periodista y este Superman no demuestran tener química, la chica es Amy Adams y hace lo que puede con este personaje de investigadora siguiendo a las fuerzas armadas que están en lucha como en la guerra de Kuwait o Irak. En dos escenas los protagonistas se acercan para darse un beso pero aquí no hay pasión sino un guiño a la hinchada: ojo, no se vayan, estamos viendo “Superman”!

La falta de lineamiento del personaje se transfiere a la narración. De pronto, este muchacho de Kansas asume quién es y, sin ninguna explicación, aparece con el traje de Superman. Su madre, en medio de un ataque feroz de los malvados de Kripton que le destruyeron la casa, le dice “qué bonito traje tenés”, como para cortar la sucesión de efectos especiales atronadores y despertar una carcajada.

Los 55 minutos primeros nos muestran Kripton y las batallas de esa raza por sobrevivir y la inmolación del padre biológico de Superman. La segunda hora es Kent en su casa, que ve cómo su padre adoptivo (Cotsner) es “disuelto” por un huracán, quedando solo con su madre y su perro. Hasta que aparecen los helicópteros de guerra, los tiros, las bombas, las naves aéreas estrellándose en la atmósfera terreste, es decir un caos excesivo, descomunal, con decibeles que aturden, que nos remiten a las guerras de Medio Oriente. Alguien se pregunta “Y quién salva a los Estados Unidos?”, y allí está Superman para decir “yo”. Una pregunta innecesaria y localista.

El malvado es Michael Shannon, semejante al “Joker”, inigualable de Hedge Ledger en Batman begins, también de Nolan. Semejantes, o idénticos. ¿Dónde queda Zack Snyder, el realizador? Es el mismo de “300”, film que nos da una idea acabada de lo que estamos viendo como narración audiovisual: el salto de una secuencia a otra, como si fuese un fotograma, con el protagonista ya ubicado en otra acción y con otro atuendo, siempre en un color más opacado. Este trabajo en el color es característico de Zack Snyder.

Hans Zimmer, gran compositor, siempre trabajó con Christopher Nolan y aquí no es la excepción. Pero su banda queda reducida a reforzar las explosiones con percusiones muy sofisticadas y trabajadas en postedición. Es una banda sonora con mucha ingeniería de sonido, estrepitosa, que se confunde con las explosiones y estruendos por lo que tiene la función estricta de música incidental. Podrá haber algún pasaje melódico, como en los créditos, pero no toca el corazón, solo daña los tímpanos.

Sobresaturación de efectos especiales, el Superman que nunca vimos en su Kripton natal, los mismos monstruos de siempre (serpientes cósmicas que atacan a Superman), planetas que explotan, y un protagonista que no dice nada: el joven Henry Cavill, que solo sabe gritar y es inexpresivo. Sus vuelos son de computadora, sale como por un tiro hacia el cielo, no hay impulso “vital” sino efecto especial y mucha tecla y “mouse”.

La sorpresa está en el final y es la que anuncia algo interesante en la secuela con este nuevo actor. Será un éxito de taquilla, sin duda, pero, para quienes amamos el cine, esto no es más que una superproducción de efectos especiales para un domingo aburrido.

Elsa Bragato

EL GRAN CASAMIENTO

Guión y dirección de Justin Zackham. Con Robert de Niro, Katherine Heigl, Diane Keaton, Susan Sarandom, Robin Williams, Ben Barnes, Amanda Seygried, entre otros. Música de Nathan Barr. Duración: 89 minutos.

BUENA. COMEDIA TRIVIAL PARA UN ELENCO ESTELAR

El inminente casamiento del hijo adoptivo de un matrimonio disfuncional, de clase aristocrática, trae discordias a sus miembros tanto de relación como religiosas. Don Griffin (Robert De Niro), separado de Ellie (Diane Keaton) convive con quien fuera la mejor amiga de su mujer, Beba- Susan Sarandom. El hijo adoptivo de ambos se casa y hay que invitar a la la madre biológica del joven (el inglés Ben Barnes componiendo a un colombiano), de origen colombiano trastoca la normalidad de las parejas y surgen algunos gags que, según con qué ojos se los mire, serán divertidos o banales.

En realidad, este film viene siendo fustigado porque es más d e lo mismo y, muchas veces, nos resulta inaceptable que estrellas como las que aparecen en este elenco coral hagan papeles menores a los que les conocemos. Sin embargo, sería bueno aceptar que esto sucede y que los integrantes del elenco se divirtieron filmando juntos.

Lo más interesante del film es el guión inspirado en la comedia francosuiza Mon frere se marie, de Jean Stephane Bron y el mayor orgullo del director Zackham es haber dirigido a semejantes estrellas en un entremés semidivertido.

La locación es el lugar donde vive Zackham: Greenwich, en Connecticut, donde hay un altísimo nivel social. Y, por razones también sociales, los gags son de menor tenor. Se basan en las miserias humanas que, ante situaciones límites, afloran en ricos y pobres. Para quien espere una comedia brillante y aspire a desternillarse de risa, esta comedia no va. En cambio, será bienvenido quien desee ver un buen tratamiento cinematográfico con cierto refinamiento que supera al guión y que se sustenta en actuaciones siempre buenas, aún en roles que podrían considerarse de menor valía. Es una comedia bien realizada, a pesar del director.

Carlos PIerre

"MERCEDES SOSA EL DOCUMENTAL" Y "DESPUÉS DE LA TIERRA", ENTRE LOS ESTRENOS DE CINE JUEVES 6

JUEVES 6 DE JUNIO DEL 2013.-

Hay siete estrenos que incluyen cuatro nacionales, dos documentales y dos ficciones.

Comentamos cuatro de los estrenos de cine.

MERCEDES SOSA, LA VOZ DE LATINOAMERICA

De Rodrigo H.Avila. Sobre una idea de Fabián Matus. Música de Diego Avila. Dureción: 110 minutos.

MUY BUENO. LOGRADA REVISION DE LA VIDA Y OBRA DE MERCEDES SOSA

Mercedes Sosa, bien llamada la Voz de Latinoamérica, tiene el tributo de este documental gracias a un trabajo de investigación y aporte de material inédito sobre la vida de esta cantante inigualable. El documental de Rodrigo H. Ávila pone luz a una trayectoria plagada de triunfo y de detractores. Porque todo lo que Mercedes Sosa afrontó, una vida personal entreverada con la política, fue objeto de halagos y rechazos.

El trabajo de recopilación duró 3 años. Luchadora , idealista, conoció y padeció el exilio en París. No fue solamente su canto para Argentina sino para toda Latinoamérica, para el mundo, el que la llevó al más alto pedestal de las cantoras populares.

Les dio cabida a voces nuevas y a otras consagradas. En su largo peregrinaje de canciones alternó con Chico Buarque, Milton Nascimento, Pablo Milanés, Isabel Parra. Supo alentar a Charly García, Fito Páez, Teresa Parodi, León Gieco, Víctor Heredia, Abel Pintos, a quienes hizo “hijos musicales”.

La voz de su hijo Fabián Matus ilustra muchos instantes del documental, vicisitudes salpicadas con retribuciones artísticas. Fueron 60 años de arte inclaudicables.

Tres unidades de fotografía se utilizaron en esta ciclópea recopilación de la vida no conocida de Mercedes Sosa. Argentina, Chile y Brasil, contribuyeron en gran medida a ilustrar el trazo artístico de la cantora tucumana.

Documental imperdible por el rescate de la mayor y mejor voz latinoamericana, gracias a la acertada idea y al empeño de su hijo Fabián Matus, en el preciso momento de la historia, antes que sobrevenga, como tantas veces, el olvido.

Una justa exposición de una voz imperdible, ahora plasmada en 110 minutos de valoración y admiración sin igual. Para ver y disfrutar.

Carlos Pierre

HERMANOS DE SANGRE

De Daniel De La Vega. Con Alejandro Parrilla, Sergio Bons,Jimena Anganuzzi, Coqui Sarli, Carlos Perciavalle, Juan Palomino, entre otros. Música de Pablo Boghi. Duración: 83 minutos.

BUENA. THRILLER SANGRIENTO A LA ARGENTINA

La débil personalidad y la lejanía de sus sueños más caros hacen que alguien acepte, al principio a regañadientes, a un amigo que, en una metamorfosis violenta, lo lleva a cometer junto con él actos criminales, desaforados y a mansalva. Éste es el planteo inicial de estos dos “hermanos no de sangre” sino de “la sangre derramada de otros”.

Se trata de la tercera película de Daniel De La Vega, quien sigue con el género thriller y gore, que le ha valido diferentes reconocimientos nacionales e internacionales. Es una auténtica “comedia negra”, si nos atenemos al concepto actual de esta clasificación y no al tradicional (por el tipo de iluminación que se utilizaba en los 40). Y tiene todos sus clishés: bizarra, cruel y reidera al mismo tiempo, sin ajustarse a los cánones del thriller convencional.

Sin duda, apunta a conservar los disparadores más genuinos reconocidos en De La Vega, o sea lo enrevesado de la trama y el distanciamiento deliberado del llamado sentido común. Neta posición tomada con el propósito de hacer un film de culto a rajatablas que produce elogios y rechazos por igual.

Daniel de la Vega siempre recurre a la colaboración de actores consagrados que apuntalan la calidad del relato y el marqueting del film. En este caso, están Carlos Perciavalle y Juan Palomino, quienes aportan sus respectivas solvencias actorales.

Entre el desparpajo y la violencia, la película no flaquea en su relato, en la dirección, aún en escenas más desbordadas de aparente incoherencia, buenos encuadres y una fotografía excelente, todos atributos reconocidos en los productos de De La Vega.

La orgía de sangre llega luego de que, en un principio, se pintara un juego distante entre los dos “hermanos”, y se salpica la platea!

Premiado en el 27 Festival Internacional de Cine de Mar del Plata como Mejor Película en Competencia Argentina 2012, este film confirma las cualidades como realizador de Daniel De La Vega y es un cheque al portador para quienes busquen emociones sangrientas.

Carlos Pierre

DESPUÉS DE LA TIERRA

De N. Night Shyamalan. Con Will Smith y su hijo Jaden Smith, entre otros. Música de James Newton Howard. Vioncello solista: Maya Beiser.

REGULAR. EFECTOS ESPECIALES REMANIDOS PARA UN GUIÓN MUY POBRE

Es raro este film que reúne nuevamente a Will Smith con su hijo, ya crecido, Jason Smith, prácticamente el gran protagonista de la película de Shyamalan, el padre de “Sexto sentido”, que aquí ha dejado de lado su intuición para desarrollar una buena historia. La tierra está devastada pero parece mejor que si estuviese habitada por el ser humano porque las especies se reproducen y la vegetación es abundante (los escenarios naturales de Puerto Rico ayudaron a la fotografía). Una nave espacial que recorre el cielo con Cypher- Will Smith como jefe de la expedición cósmica y su joven hijo Kitai- Jason Smith (también padre e hijo en la vida real) tiene un desperfecto y cae en nuestro planeta que está inhabitable. La cabina cae en una punta y la cola, con elementos tecnológicos que permiten lanzar los SOS de rigor, en la otra. Suficiente para que el joven Kitai se lance a buscar el socorro que necesita a fin de salvar a su padre quien es, junto a él, el único sobreviviente del “crash”. Y es todo el guión que hay.

Surge lo previsible: ese largo camino está plagado de “ursas”, horribles criaturas deformes con enormes bocas (ya vistas, ya conocidas, etcétera) que se comen humanos y no humanos, y de peligros varios. Un sofisticado sistema de hologramas permite que padre e hijo estén comunicados hasta que una “ursa” destruye el aparato de Kitai y lo deja a merced de sus temores e inventivas para sobrevivir y llegar a la otra punta del planeta.

No vamos a negar que la aventura o bien la desventura del joven Kitai atrapa por momentos, aunque no hay nada que no hayamos visto (montañas, túneles naturales, cuevas, lagos bajo tierra, selvas), tanto como aburren los lánguidos parlamentos que Kitai mantiene con su padre antes y durante la travesía. Son secuencias pesadas, plagadas de moralina, que, para muchos críticos norteamericanos, están relacionadas con las bases de la “cienciología”, la fe de Tom Cruise (le ha costado ya dos matrimonios), de John Travolta y otras “celebrities”. Nosotros no lo podemos asegurar. Desconocemos los fundamentos de esa fe tan cuestionada. Pero podría ser dado los consejos del padre al hijo y de ciertas actitudes que éste toma como arrodillarse para poder pensar mejor luego de un momento de gran perturbación por las luchas que enfrenta.

Sí llama la atención la letanía en los consejos paternos, la orden mencionada de arrodillarse y los sermones duros, sin sensibilidad que, en líneas generales, Kitai recibe.

El gran mérito del film es la actuación de Jason Smith, el protagonista prácticamente absoluto de esta aventura en la tierra deshabitada de humanos. El joven Smith ha crecido en edad y madurez interpretativa. Por lo demás, es una película más, más aburrida y previsible que otros films del género ciencia-ficción. La música cobra cierta envergadura al final dado que, en el comienzo, está basada en sonidos graves, profundos, irritantes. En los créditos asoma el violoncello de la artista israelí Maya Beiser, lográndose cierta calma.

Elsa Bragato

NADA ES LO QUE PARECE

De Louis Leterrier. Con Jesse Eisenbrg, Mark Ruffalo, Woody Harrelson, Mélanie Laurent, Morgan Freeman, Michael Caine, Isla Fisher, Dave Franco, entre otros. Música de Bryan Tyler. Duración: 115 minutos.

MUY BUENA. ATRACTIVO POLICIAL ENTRE LA MAGIA Y LA DELINCUENCIA

La magia no sería lo que parece. ¿Desaparece el conejo por la galera o es un embuste o ilusión? Si a este tema milenario añadimos que está ejercido, en esta ficción, por un grupo de forajidos llamados “Los cuatro jinetes”, tenemos un cóctel explosivo y un thriller fuera de lo común. Es la propuesta de esta película en la que los cuatro protagonistas roban cuantiosas sumas de dólares a los bancos e incluso al público que asiste entusiasta a sus funciones con algo del estilo de Robin Hood.

El realizador Louis Leterrier (Furia de Titanes, El transportador o El increíble Hulk) contó con ocho grandes artistas reconocidos por el público de todo el mundo desde Ruffalo pasando por Caine (hace tiempo que no aparece por estos pagos) y Harrelson hasta Freeman, entre otros, unos magos-delincuentes de ficción que tiene a todo el FBI detrás, corriendo por New York, Las Vegas y París.

La riqueza visual potente es uno de los atractivos del film en manos de dos directores de fotografía: Mitchell Amundsen, encargado de las vertiginosas secuencias de acción, y Larry Fong, supervisor de los sofisticados ilusionismos, con resultados espectaculares.

La banda de sonido también es fantástica y acompaña con estridente brillo y color al mejor estilo del reconocido compositor Brian Tyler, el mismo de “Rambo”, entre muchos exitosos films.

El producto final, el que vemos en pantalla, es alucinante en materia y forma, con despliegue visual pirotécnico y con un guión al que hay que seguir con mucha atención para no perder el sentido de la narración. Es, sin duda, un guión complejo porque tiene una mirada abarcadora que incluye a la magia y la delincuencia, una conjunción poco común, muy bien resuelta en esta puesta cinematográfica.

Película para entretenerse de principio a fin, manteniendo los ojos bien abiertos.

Carlos Pierre