IRON MAN 3, PALABRAS ROBADAS, LE PRENOM Y POR UN TIEMPO, ENTRE LOS ESTRENOS JUEVES 26 ABRIL

JUEVES 25 DE ABRIL DEL 2013.-

Hay cinco estrenos. No comentamos “Tabú”.

IRON MAN 3

De Shane Black. Con Robert Downey Jr., Gwylney Paltrow, Don  Cheadle, Guy Pearce, Ben Kingsley, Rebecca Hall, entre otros. Música de BrianTylor. Duración: 130 minutos.

EXCELENTE. PERFECCIÓN TECNOLÓGICA SUSTENTAN ESTA TERCERA PELÍCULA

Que llegue Robert Downey Jr en el personaje de Iron Man 3, este excéntrico millonario que se inventa un traje a prueba de todo y busca la justicia, es un atractivo más que especial para los fans pochocleros, entre los que nos ubicamos cuando la realización alcanza esta perfección tecnológica.

De alguna manera, el film es más de lo mismo. Tony Stark, el personaje de R.Downey Jr, sigue con su bella novia (Paltrow), tiene nuevos y poderosos enemigos que apuntan ahora a la Casa Blanca (los tiempos políticos reales encuentran su parangón en el cine). Hay puntos de contacto entre esta nueva entrega de la saga y el film número 1, la ironía  de Tony, sus humoradas, que son afines al propio Robert Downey jr (recordemos su actuación en un film poco nombrado: “El solista”) por su manera de ser desenfadada. Tony no podía ser muy diferente.

En este caso, como dijimos, los malvados apuntan a la Casa Blanca. Y Tony Stark lucha con todo, hasta perder su fortaleza, atacada por helicópteros con misiles, como ha ocurrido en los otros films, si bien dentro de contextos diferentes.

Contar qué le pasa a Tony Stark en esta nueva película no lo vamos a hacer. Es el secreto que develará el espectador. Sí vamos a destacar la técnica impecable, con una ingeniería de sonido trabajada y espectacular, una banda sonora de Brian Tylor estupenda que cuenta con una variada percusión y un “brass” brillante, además del aporte del 3D. Todo junto configura un armazón donde el protagonista puede moverse seguridad.

La acción y la comedia, inseparables y efectivas, en una simbiosis perfecta, van llevando la trama de este thriller a ilimitados goces estéticos y emocionales, de ésos que los fans de los “tanques” siempre buscan y que el público, en general, agradece.

Dos detalles a manera de prólogo y epílogo respectivamente: el comienzo es en la ciudad de Berna, Suiza, en 1999, donde aparecen los nuevos personajes de esta tercera película (Guy Pearce y Rebecca Hall, con la novia de Tom Stark) y, en el final, sugerimos quedarse hasta que terminen todos los créditos, entre 10 y 15 minutos, para tener la sorpresa o el bonus track del film, del que no adelantamos nada. Hay que quedarse! Un film de superacción que entretiene de principio a fin y que siempre deja algún subtema picando, desde el poder de una clase alta hasta el poder del Estado, la sensibilidad de algunos y la maldad de otros, y la eterna lucha por hacer prevalecer el bien. No es poco!

NR: Iron Man 1 se estrenó en el 2008, bajo la dirección de Jon Favreau, con la participación de Jeff Bridges en el papel del padre de Tony Stark. La música era de Ramin Diawadi, y duró 126 ‘ La segunda película llegó en el 2010, con el mismo director y otro músico, John Debney, durando 124 minutos.

Carlos Pierre

PALABRAS ROBADAS

De Brian Klugman y Lee Sternthal. Con Olivia Wilde,Bradley Cooper, Dennis Quaid, JEmery Irons, entre otros. Música de Marcelo Zarvos. Duración: 102 minutos.

MUY BUENA. PLAGIO LITERARIO EN UN JUEGO DE CAJAS CHINAS

Un escritor lee frente a un grupo de personas enfervorizadas su nueva novela, narrando la historia de un escritor fracasado que encuentra un manuscrito y se hace famoso. Le ocurre a este personaje en su vida pero el verdadero autor es un anciano que, en su juventud, en la Segunda Guerra Mundial, encontró al amor de su vida en la ciudad de París.

Se habla de “cajas chinas” o de “matrioska” porque se trata de una pequeña caja encerrada en otra más grande y así sucesivamente, teoría de la conspiración muy actual y es, en verdad, lo que le ocurre al escritor que logra la fama con un libro que no le pertenece. Bradley Cooper, que vive un gran momento profesional, es este hoy escritor afamado que, paseando por el Central Park, se encuentra con el verdadero autor. El anciano (Jeremy Irons) no le reclama beneficios económicos pero le hace sentir vergüenza, arrepentimiento y una gran culpa por su hecho.

Hay caídas en el guión que han desmerecido el producto final: dos de las tres tramas presentadas no ocurren, están contadas y la última, interpretada por Dennis Quaid, tiene una gran falta de emoción por lo que es difícil que el espectador se sienta atraído. Contar y no accionar es una de las falencias de muchas películas aunque estén bien realizadas. El cine es palabra en acción. Imagen que cuenta.

También la narración ofrece dificultades para ser seguida debido a los relatos extensos, al carácter discursivo que toma el film más que de acción misma. Y la historia medular no sorprende porque, en principio, los plagios literarios siempre existieron y, en segundo lugar, es muy escasa la novedad o el giro dado a esta cuestión en este guión. Tiende a la moralina, al consabido consejo y a ejemplificar el buen accionar y las consecuencias de la codicia en este caso.

Destacamos las actuaciones de Jeremy Irons y Bradley Cooper, un poco menos la de Dannis Quaid y festejamos la recreación de la Francia post guerra mundial, elementos que valorizan el film más allá de su complejidad narrativa y de este juego de “uno dentro del otro” que no resulta muy eficaz. El síntesis, el escritor del escritor encerrados ambos en una misma novela.

Carlos Pierre

LE NOM

De Matthieu Delaporte y Alexandre de la Patelliere. Con Patrick Bruel, Valerie Banguigui, Charles Berling, Guillaume de Toncuedec, Judith El Zein, Francoise FAbian, entre otros. Música de  Jerome Rebotier. Duración: 109 minutos.

BUENA. EL JUEGO DE LAS PALABRAS DEL TEATRO AL CINE

Mientras Arturo Puig se luce como director de la obra teatral “Le prenom”, con gran éxito en la cartelera porteña, viene de Francia la “matriz” arrasadora hecha película, la obra llevada al cine, por lo que el espectador argentino tiene dos posibilidades no excluyentes para conocer este texto.

El ambiente del film es el del teatro. Y, por momentos, se hace difícil no pensar en que vemos una obra en un auditorio y no una película. Para no quedar encerrados teatralmente, los directores ilustraron cinematográficamente los caracteres de los personajes. Con ilustrativas imágenes, siempre acompañadas por ese aire intelectual propio del cine galo, un comienzo veloz, nervioso, va introduciendo a cada uno, que luego devendrán en conversaciones y discusiones, el Poder de las Palabras en definitiva y la carga inconciente colectiva que le asignamos, por sociedades, por culturas, por experiencias. Lanzándolas, diciéndolas, las dotamos de una vida y con un significado que puede hacer mella en quien las escucha.

Una cena, un sábado, cinco personajes, dos niños que apenas son mencionados porque duermen, son los personajes que debatirán la cuestión a partir de un hecho muy familiar: buscar el nombre de un niño en gestación. El padre lanza “Adolfo” y desata una discusión tremenda. Es un nombre ligado directamente a Adolf Hitler y no a otro personaje, y los franceses padecieron la invasión de las fuerzas nazis, generándose odios profundos. Como dato curioso, mientras se escucha lo que sucede alrededor de este nombre, “Adolfo”, suena desde reproductor la música de Richard Wagner, uno de los gestores del antisemitismo.

Estamos frente a una comedia francesa, muy ágil, divertida, con ese sesgo tan especial de esta cultura que es el toque intelectual. La familia, las discusiones políticas y la sinrazón, en definitiva, de las discusiones acaloradas. Muy interesante.

CARLOS PIERRE

POR UN TIEMPO

Escrita y dirigida por Gustavo Garzón. Con Esteban Lamothe, Ana Katz, MoraArenillas, Patricio Contreras, Sebastián Wainraich, Jorgelina Aruzzi, entre otros. Música de Fernando Cabrera. Duración: 85 minutos.

MUY BUENA. AUSPICIOSO DEBUT DE GUSTAVO GARZÓN COMO DIRECTOR

Esta ópera prima de Gustavo Garzón, a quien pertenece también el guión, nos muestra el bagaje artístico de alguien avezado en el arte de la actuación, conocedor de los recovecos del alma de los personajes o de cómo encontrarlos rápidamente, y nos muestra también una sensibilidad especial para el tratamiento de la relación padre-hijos, que conoce por su propia vida.

El film es humano, cotidiano, sin golpes bajos, y campea airoso entre la comedia y el drama, sin caer en excesos, manteniendo un gran acento autobiográfico, tal como el mismo Garzón lo afirmó. Es una historia familiar, profunda, en la que un hombre exitoso (Esteban Lemothe) está casado felizmente (Ana Katz) y ambos esperan al primer hijo.  Sin embargo, un amor del pasado se hace presente a través de una hija adolescente (Mora Arenillas), cuya madre está muy grave y el padre debe cuidarla justamente “por un tiempo”. Fruto de una relación ocasional, irrumpe en el hogar consolidado de su padre produciéndose entre ambos rechazos y reencuentros, muy bien tratados por Garzón.

Resulta más que positivo que un excelente actor, un intelectual de pura raza como Garzón, se inicie como director en un metier que ha transitado desde otro lugar pero que conoce muy bien. Un agradable film nacional.

Carlos Pierre

"LAZOS PERVERSOS" Y "ROA" ENTRE LOS SIETES ESTRENOS DE CINE, JUEVES 18

JUEVES 18 DE ABRIL DEL 2013.-

Hay siete estrenos confirmados, incluyen el film nacional “La vida anterior”  y la coproducción argentino-colombiana “Roa”.

LAZOS PERVERSOS

De Park Chan-Woo. Con Nicole Kidman, Mia Wasikowska, Matthew Goode, entre otros. Música de Clint Mansell. Duración: 99 minutos.

MUY BUENA. TERROR ERÓTICO EN UNA NARRACIÓN ATRAPANTE

Park Chan-Woo debuta en el cine de Hollywood con Lazos perversos. El director surcoreano, brillante en el género sangriento, no abandona su línea pero consigue un apabullante clima de erotismo contenido y creciente que mantiene atado al espectador a la butaca.

La historia que nos presenta tiene pocos personajes, una mujer que queda viuda (Nicole Kidman) con una hija adolescente (Mia Wasikovska) y un hermano del padre (el hombre fallecido) que aparece, elegante y misterioso, acosador refinado (Matthew Goode, el actor de Match-Point). Un piano, una  mansión, y pocos personajes más que van desapareciendo mientras el film desarrolla una narración morosa, con fruición por el erotismo en los más mínimos gestos de los personajes.

El secreto de ese tío atrae a la sobrina, pero en el medio está su madre, que se abandona la sensualidad de la amistad que el hombre le propone. A partir de la mitad del film, empezamos a enterarnos de otros personajes, sus relaciones con el tío, y una idea argumental que conocemos, previsible. No obstante, la maestría de Chan-Woo logra que, aunque se intuya, disfrutemos de un goce estético visual y temporal que hacen que este film de género sea muy atractivo, muy fascinante, especialmente para sus fans. Un aire fresco sangriento, brutal, con sensualidad y gestos de deseos contenidos nos atrapan en una historia que, sin la perfección estética del director surcoreano, no se habría logrado.

Elsa Bragato

TU AMOR, MI PERDICIÓN

De Louis-Do de Lencquesaing. Con Louis-Do de Lencquesaing, Ada Cervi, Marthe Keller, Alice de Lencquesaing, entre otros. Música de Emmanuel Deruty. Duración: 93 minutos.

BUENA. LA VIDA QUE CORRE SIN DARNOS TREGUA

Louis-Do de Lencquesaing debuta en el largometraje, luego de ser protagonista y de codearse con los grandes realizadores del cine francés actual, y lo hace con guión, dirección y actuación. Trabaja con su hija en la vida real, Alice, como Camille, compone a un escritor que debe convivir no solo con su hija sino con su madre Mina (Marthe Keller) que acaba de enviudar, y un amor que se le cruza, Ada, a cargo de la italiana Valentina Cervi. Ada es una mujer fuerte pero vulnerable y, a pesar de tener pareja e hija, se enamora de este hombre que tiene el aspecto de un perdedor, de alguien que ve la vida pero, por alguna razón profunda, teme vivirla aunque la vive.

El título en francés, Al Galope, resume esta idea: la vida nos pone frente a opciones de las que no podemos escapar en forma constante. El título en castellano, Tu amor-Mi perdición, trivializa la relación de este protagonista masculino que nos cuenta en off lo que le sucede, además de padecerlo y disfrutarlo con su hija, su amante y su madre. Pero, haciendo honor al título en francés, la vida nos corre, corre por sí misma.

Hay una excelente realización de de Lencquesaing, técnicamente fluido, rápido, y un mirar un poco por arriba de tantas situaciones que nos complican aún cuando no lo deseamos ni lo buscamos. La profundidad de los personajes se logra a través de sus vivencias más que con el hurgar de la cámara en el monólogo interior. Es un interesante planteo: la vida corre, está en nosotros dejarla correr o vivirla. Un film con un protagonista masculino puesto a develar su pasión, su razón de ser, sus ansiedades y sus temores, interesante, diferente.

Elsa Bragato

LA ESPERANZA DE UNA NUEVA VIDA

De Andrea Segre. Con Tao Zhao, Rade Sherbedgia, Marco Paolini, entre otros. Música de Francois Cuturier. Duración: 93 minutos.

BUENA. DOS ALMAS SOLITARIAS EN EL CORAZÓN DE VENECIA

Andrea Segre se presenta ante nuestro público con un film romántico diferente, filmado en Venecia y su espectacular marco natural. Desarrolla la historia de un amor que hoy es posible: una joven china (Tao Zhao) debe trabajar en un bar en la ciudad de los canales y encuentra un relación paternal con algo más en otro inmigrante, ex yugoslavo, adoptado por los italianos, Bepi (el serbio Rade Sherbedgia, que fue el fabricante de las varitas en Harry Potter y las Reliquias de la Muerte). La poesía les sirve de unión en esta amistad profunda, empática, con la soledad de los inmigrantes, la adaptación a otras tierras, la pérdida de los afectos familiares: un poeta chino, Qu Yuan, con este Bepi, apodado “el poeta” por hacer rimas.

El film comienza auspiciosamente pero luego decae en largas charlas de los habitués al bar (atendido por chinos), en el que trabaja  Shun Li en grado de esclavitud. Comen camarones al aire libre, hacen la clásica filosofía de bar y, si bien resultan simpáticos, los diálogos son consabidos, quitándole mucho ritmo a una historia preciosa que se diluye.

Hay una secuencia que sí nos toca el corazón: la visita de Shun Li a la casucha de Bepi en medio del Gran Canal, entre la isla Giudecca en el fondo y la Piazza San Marco, alejado de todos, como la misma protagonista de su hijo de 8 años hasta que pague lo impuesto por sus patrones. En ese encuentro semipaternal hay mucha poesía, desde la convincente actuación de Tao Zhao hasta la atractiva composición de Rade Sherbedgia de este “Bepi”, padre y abuelo, pescador y rimador compulsivo, solitario y generoso.

Hay saltos narrativos que, si bien se comprenden, resultan un tanto exagerados y nos alejan de ese núcleo prearmado: la relación de dos almas solitarias. La fascinación del espectador por esa pareja protagónica, una china y un serbio, se pierde en un final previsible y lejos de la poesía planteada en el inicio.

Elsa Bragato

21, LA GRAN FIESTA

Guión y dirección de Jon Lucas y Scott Moore. Con Miles Teller, Justin Chon, Sylar Astin, Sarah Wright, entre otros. Música de Lyle workman. Duración: 92 minutos.

REGULAR. FIESTA DESCONTROLADA, MÁS DE LO MISMO

Un joven americano, de origen oriental (Justin Chon) cumple 21 años y sus dos amigos de la infancia (Miles Teller y Skylar Astin) lo llevan a festejarlo en una alocada rueda de bares nocturnos. El descontrol se apodera de los tres, haciendo peligrar la entrevista del aventajado estudiante cumpleañero para ingresar a la facultad de medicina.

Jon Lucas y Scott Moore, conocidos por el guión de la irreverente y exitosa “Qué pasó en Las Vegas”, encaran este primer largometraje con un argumento harto repetido y, por lo tanto, desteñido, pletórico de viejos y conocidos clishés basados en las bromas juveniles, con desbordes etílicos y amorosos. Aquí no se descontrolan treinteañeros como en “Qué pasó en Las Vegas” sino chicos del secundario que caen en secuencias escatológicas, en fiestas con abundante alcohol y consecuencias previsibles. No obstante, es un film que puede funcionar para los más jóvenes, de impetuosas hormonas, que van a reírse con situaciones que los adultos, si no las pasamos tal cual, las conocemos de alguna manera. No vale la pena abundar en más detalles ni argumental ni de realización: es una más.

Carlos Pierre

ROA

De Andrés Beiz. Con Mauricio Puentes, Catalina Sandino, Santiago Rodríguez, Rebeca López, entre otros. Coproducción Colombia-Argentina. Música de Iván Wyszogrod. Duración: 91 minutos.

BUENA. UNA MIRADA HACIA EL “BOGOTAZO” DE LOS 40

Basado en los hechos violentos, ocurridos en la década del 40 en Bogotá, Colombia, a raíz del asesinato del político y abogado Jorge Eliécer Gaitán, esta ficción histórica de Andrés Beiz intenta analizar esa muerte, colocando en el centro de la historia, como “pivot”, a Juan Roa Sierra (Mauricio Puentes).

Roa fue un personaje ambiguo que cabalgó entre una personalidad endeble y un afán de alcanzar una meta sobresaliente en el mundo político de su época. Falto de trabajo, extremadamente pobre, deambuló por Bogotá en búsqueda de algo para sobrevivir. Y se acercó al líder Gaitán, gestando su plan criminal.

Rasgos importantes de esta película son la fotografía de la Bogotá de los 40, una recreación generada con pocos recursos pero eficaces (Guillermo Nieto, director de fotografía), que nos muestran el colorido de las calles, la vegetación prodigiosa y las montañas imponentes. Destacando también el vestuario de época y los usos y costumbres de aquellos años, con excepción de algunas frases que son actuales.

Las escenas lentas y minuciosas son importantes en este film y hay que valorarlas en su justa medida porque reflejan, de manera indirecta, el carácter dubitativo y sumiso del protagonista. Roa es un empedernido violento pero camuflado en su carácter opacado y gris. El director Andrés Beiz no se mete en los detalles del asesinato y sí, en cambio, en la personalidad de Roa, el asesino material o el ideólogo de un hecho que marcó a fuego a la sociedad colombiana de entonces.

Es una película interesante que nos muestra un hecho histórico a partir de uno de sus protagonistas, un argumento infrecuente en los films latinoamericanos que, además, poco se difunden en la Argentina.

Carlos Pierre

LA VIDA ANTERIOR

Guión y dirección de Ariel Broitman. Con Elena Roger, Sergio Surracco, Esmeralda Mitre, Juan José Camero, Adriana Aizenberg, entre otros. Música de Pablo Sala. Duración: 94 minutos.

REGULAR. TRAICIÓN AMOROSA EN CLAVE MELANCÓLICA Y FATAL

El matrimonio entre una joven alumna de canto (Elena Roger) y un chelista (Sergio Surracco) se ve sacudido por una cantante misteriosa y extraña (Esmeralda Mitre). Ambas estudian con una avezada maestra de canto (Adriana Aizenberg), pero en ese ambiente musical surgen juegos de seducción, celos y admiración, entre las dos jóvenes alumnas y el chelista, donde la traición sale a relucir de un modo determinante y fatal.

Entre las aguas musicales, Elena Roger navega con acierto realizando un contrapunto entre el tango y la ópera; Juan José Camero compone a un bandoneonista anciano y decadente, sus solos fueron interpretados por el maestro Néstor Marconi para el film.

En líneas generales, es un film muy pretencioso, con una morosidad que atenta contra el desarrollo natural del guión. En alguna medida, debido a la inclusión de extensos pasajes cantados. Esto rallenta el film que no es musical pero pretende serlo, que es un melodrama y a gatas llega a serlo basándose en el triángulo amoroso. De todas maneras, son logradas las locaciones interiores y también muchos exteriores rodados en la ciudad de Colonia, Uruguay. En todas estas secuencias, y como idea subyacente fundamental, hay un dejo melancólico y fatal que contribuye a la morosidad apuntada.

El argumento está basado en la novela La maestra de canto de Silvia Arazi, ex modelo y cantante lírica, que presenta una alteración lineal del tiempo, según la protagonista (Elena Roger), quien consigue triunfar y permanecer en el canto con la Serenata de Shubert, leit motiv que se escucha a lo largo de la película.

Destacamos que la alusión al violoncellista del Octeto Buenos Aires es un dato inexacto en el tiempo: fue el maestro José Bragato  el único cellista de ese octeto quien hoy tiene 97 años por lo que no se condice con la edad del protagonista. Si se mencionó, debió hacerse con veracidad y teniendo en cuenta el tiempo transcurrido: el Octeto Buenos Aires debutó en 1955 y duró casi dos años más bajo esa denominación.

Estamos frente a un producto inhabitual dentro de la cinematografía nacional, que reproduce la vida de cantantes y músicos, cayendo en la trajinada historia del triángulo amoroso más elemental. Luego no hay una evolución narrativa ni psicológica que nos permita hablar de un desarrollo que nos toque el corazón y nos sobresalte. Todo lo contrario: los pasajes musicales aletargan la historia de manera contundente y, aunque en algún caso se trate de una magnífica voz, no produce el efecto buscado. Nadie duda de la eficiencia de los actores. Pero el resultado (argumento, técnica)no nos tocó el alma.

Carlos Pierre

JUGANDO POR AMOR

De Gabriele Muccino. Con Gerard Butler, Jessica Biel, Uma Thurman, Catherine Zeta-Jones, Judy Greer, Dennis Quaid, entre otros. Música de Andrea Guerra. Duración: 105 minutos.

BUENA. COMEDIA LIGERA SIN PRETENSIONES

Comedia ligera y previsible, sale a flote por el carisma de su multiestelar elenco y por la reconocida trayectoria de su director, Gabriele Mucchino, ahora en las huestes de Hollywood. Muccino aborda el caso de un jugador de fútbol reconocido en Europa, que regresa a su país para reconquistar a su hijo y a su esposa, quien ya tiene otra pareja. Este jugador viene sin bienes por lo que necesita trabajar e ingresa como entrenador del equipo de fútbol del colegio donde está su hijo, al que quiere reconquistar.

En primer lugar, el tema del fútbol es muy novedoso para el público norteamericano y está tratado con solvencia narrativa y protagonizado por un galán como Gerard Butler, quien conquistó al público con “300”, que atrae a las demás mamás de los chicos del colegio, sedientas de pasión. Así aparecen Uma Thurman, Catherine Zeta-Jones y Judy Greer, quienes no escatiman en hacerle proposiciones amorosas al carismático entrenador. Dennis Quaid, un sólido actor pocas veces reconocido como tal, compone al sponsor del equipo de pequeñas estrellas escolares.

Calificamos de bueno al film porque tiene un gran peso su elenco multiestelar y la eficacia de sus actuaciones, por el director europeo que es un gran conocedor del fútbol y tiene una dúctil mano como realizador, y por la novedad del guión en tratar el tema del fútbol y no del béisbol. Finalmente, hay gracia y soltura en una comedia que no tiene más pretensiones que las de hacer pasar un buen momento.

Carlos Pierre

"PROFESOR LAZHAR", "OBLIVION", "911, LLAMADA MORTAL", ENTRE LOS ESTRENOS JUEVES 11

JUEVES 11 de abril del 2013.-

Hay seis estrenos, que incluye la nacional “Puerta de Hierro, El exilio de Perón”, de Víctor Laplace y Victoria Carreras. No la comentaremos como tampoco “Ausencia”, un film de Mike Flanagan del 2011 que incursiona en el terror con pequeñas variantes.

OBLIVION, EL TIEMPO DEL OLVIDO

De Joseph Kosinski. Con Tom Cruise, Morgan Freeman, Olga Kurylenko, Melissa Leo, entre otros. Música de Anthony González y M.8.3. Duración: 126 minutos.

REGULAR. UNA PELÍCULA QUE NO ES CINE

Ciencia-ficción híbrida por su convergencia con los juegos de la famosa play-station que distrae a nuestros pequeños, Oblivión, El tiempo del olvido ha tenido una difusión extrema que trajo al mismísimo Tom Cruise a la Argentina generándose gran expectativa. Lástima que el film es sumamente aburrido y no aporta nada, ni siquiera la línea o idea argumental es diferente a tantos otros films sobre la devastación de la tierra que hemos visto. Aquí tiene un agravante: la poca capacidad actoral de Tom Cruise aunque siga siendo galán y figurón carismático de Hollywood.

Tom Cruise encarna a Jack Harper quien vive en la tierra devastada del 2074 por encarnizadas guerras nucleares. Supuestamente, los pocos humanos sobrevivientes están viviendo en una luna de un alejado planeta mientras aquí aparatos como conos invertidos suspendidos en el aire succionan el agua de los océanos para trasladarla hacia la comunidad cósmica. Su compañera (Vika, encarnada por Andrea Riseborough) es otra sobreviviente con quien forma “una pareja perfecta” y están comunicados con los lejanos congéneres (Sally a cargo de Melissa Leo) a través de un sofisticado sistema holográfico de computación que se abre generosamente sobre un escritorio y un panel vertical. Con solo hacer un “touch”, se corren aparatos, se orientan otros. Hay en la tierra una zona prohibida por la radiación pero Tom y su compañera pueden vigilarla porque cuentan con unas esferas gigantes que vuelan a enorme velocidad, se detienen y, si no reconoce, liquida con rayos láser. Hasta que Tom-Jack descubre que están matando a humanos y se hace alguna pregunta. ¿Oblivión, olvido, limbo? Morgan Freeman aparece en la 2da parte, bien marcada, y le da un poco de pimienta a este videojuego, luce anteojos oscuros, está vestido con harapos entre estilo romano e invención hollywoodense indicándole que pronto sabrá quién es porque, al parecer, Tom no sabe “algo”. Eso sí, tiene sueños extraños con una chica (Olga Kurylenko)  en el mirador del Empire State, ahora a ras de la tierra y a escasos minutos (esto sí que es ciencia-ficción) de Los Angeles.

No se  entiende cómo Tom-Jack se refugia en un pequeño paraíso donde hay una cabaña, un lago, y montañas que, en sus laderas, ostentan preciosos árboles. ¿Cómo llega? ¿Por qué él sabe que existe ese oasis en medio de una tierra árida? Preguntas que quedan sueltas y que no generan ningún subtema a analizar.

Eso sí, el film hace ostentación de los paneles holográficos a pantalla plena, de los tiroteos con rayos láser, y uno tiene la sensación que se puso a jugar con su hijo en el living con algún entretenido juego de la “play” más moderna. Larga hora en medio de paisajes que no dicen nada, entre gris, tierra ahumada y plateado. Hasta que “algo” que se transforma en una lucha a puñetazos entre Jack y “otro” ser da la clave de que ahí está pasando algo más. ¡Por fin!

Lo único no previsible es la tecnología que siempre aporta algo más para fascinación del público más joven como el avión estilo “mosquito” de alta gama que Tom-Jack pilotea a la perfección.

Es un film que no es película sino playstation. Tom Cruise tiene parlamentos elementales, cara de pócker la mayoría de las veces, y un buen adiestramiento físico que le permite lucirse como un cincuentón apetecible.

Morgan Freeman debe haber aceptado por el cachet, si no, no se entiende su presencia, y el resto del elenco hace lo que puede, muchas veces con muy poca convincente actuación de manual. Realmente nos defraudó porque, por si fuera poco, la historia no es nueva.

Elsa Bragato

TADEO EL EXPLORADOR PERDIDO EN 3D

Film de animación de Enrique Gato, ganador de tres premios Goya 2012. Música de Zacarías Martínez de la Riva. Duración: 90 minutos.

BUENA. ATRACTIVA PARODIA DE LA SAGA INDIANA JONES

“Tadeo Jones”, del 2004, es el primer cortometraje que España tuvo con este personaje creado por Enrique Gato. Se trata de un gran esfuerzo de la animación hispana que parodia “Las aventuras de Indiana Jones”. En el 2008 se comenzó a gestar este film, basado en el cómic Tadeo Jones y el secreto de Toactlum. Referentes directos son “El secreto de los Incas” de Jerry Hooper, protagonizada por Charlton Heston y la saga de Indiana Jones que ya mencionamos.

En este caso, el personaje protagónico, Tadeo Jones, es un soñador empedernido que tiene la veleidad de la arqueología. Trabaja en una grúa en Chicago y un imprevisto lo lleva al Perú, en búsqueda de la ciudad perdida de Paititi. Tadeo no está solo sino que lo secundan su perro Jeff, Sara, Belzoni, y Kopponen, además de Max Mordon, académico equivalente a una estrella del rock.

Se considera a este film español técnicamente brillante y, desde el punto de vista del guión, muy original dado que el personaje cruza el Atlántico hasta ubicarse en el Perú y el imperio de los Incas, tan caro al gusto español por el buen curso que le han dado a los tesoros históricos peruanos (subsisten juicios internacionales).

Hay elementos que producen gran empatía con el personaje: su simpatía y simplicidad; además, la pasión que tiene para llegar a ese mundo mágico que busca sin dejar de lado el gran talento de sus creadores que han invertido algo más que dinero: creatividad.

Un buen entretenimiento para los chicos y grandes.

Carlos Pierre

911 – LLAMADA MORTAL

De Brad Anderson. Con Halle Berry, Abigail Breslin, Morris Chestnut, Michael Emlund, entre otros. Música de John Debney. Duración: 95 minutos.

BUENA. THRILLER SOBRE EL “911”

A la hora de buscar argumentos, los creativos de Hollywood no se dan tregua. Si la idea no es original, le buscan la marquita en el orillo y la dan vuelta. Ya vimos lo que pasa cuando una mujer es secuestrada en Santa Mónica, la bella Kim Bassinger, y solo un celular la salva (había que lanzar esa marca de celulares y no hubo mejor forma que inventar un film). Ahora es el 911. Hay 188 millones de llamadas anuales a este número en Los Angeles, una ciudad sitiada por la pobreza que muy poco se muestra. El centro de operaciones es llamado “la colmena” por los operadores porque se asemeja a un panal frenético. Y es el centro también de suspenso de este thriller.

La protagonista es Halle Berry, quien también visitó la Argentina para el lanzamiento aunque concedió pautadas entrevistas y logró poca repercusión. Una pena para quien es la primera actriz afroamericana en ganar un Oscar, mujer de notable belleza. En la película es una veterana operadora del Call Center del 911. Recibe una llamada apremiante de una joven que fue secuestrada por un peligroso sujeto (Michael Eklund), enfrentando una carrera contra la muerte. Este caso está separado del siguiente por una “impasse” de 6 meses. “Jordan” (Halle Berry) regresa al trabajo (hay que ver la película para enterarse qué le pasó!) y recibe una llamada semejante por lo que se aplica aún más al caso. Se involucra de manera personal, con la ayuda de su novio (Morris Chesnut), que es policía.

El film tiene a su favor el ritmo del thriller, la angustia que genera por los casos presentados, y deja pegados literalmente a los espectadores a la butaca. Nadie se va a aburrir si bien estamos ante un guión y actuaciones rutinarias. Halle Berry es una actriz con gran fibra emotiva y esto salva en gran medida a la escasa investigación psicológica que hay. Sin embargo, hay que recordar que los films de acción pura presentan secuencias a tal efecto y son escasos los que detienen la cámara para algo más que no sea lo previsible. “911-Llamada mortal” cumple con el objetivo de entretener desde el thriller, está bien realizado y es suficiente para atraer a los aficionados a la adrenalina pura.

Carlos Pierre

PROFESOR LAZHAR

De Philippe Falardeau. Con Mohamed Fellag, Sophie Nélisse, Emilien Néron, entre otros. Música de Martín León. Duración: 94 minutos.

MUY BUENA. UNA LECCIÓN DE CINE

“Profesor Lazhar” viene esperando unos seis meses su estreno. Se trata de un film notable en muchos aspectos, que recibió varios premios “Genius” en su país de origen, Canadá.  Y se basa en la obra de Evelyne de la Cheneliére.

El suicidio de una maestra congela, literalmente, la actividad de un colegio altamente preocupado por la educación en la escuela primaria, por la información que reciben los chicos y el cómo, por lo que el hecho de que dos pequeños hayan visto a la maestra colgada del techo les ha generado honda consternación pedagógica. Un hombre que busca asilo, Bachir Lazhar (Mohamed Fellag), consigue el cargo de maestro suplente. Pero no está de acuerdo con las medidas del colegio de no hablar de lo sucedido, del control que se ejerce sobre su actividad justamente por haber observado su rebeldía ante un “status quo” muy estricto. Sin embargo, se gana el corazón de ese grado de la escuela primaria y es algo contra lo que los directivos no pueden ir.

El secreto de esta película que es notable en muchos aspectos reside en la continuidad del “tempo” inicial, en ese ir plasmando la vida escolar, las charlas de los niños, la relación maestro-alumno y la relación directivos-maestros, con una gran sabiduría de lo que es hacer cine. No hay altibajos, no hay nada que haga saltar de la butaca a nadie, salvo los minutos iniciales que, en realidad, son de profundo dolor ante el suicido de la maestra. Y, muy sabiamente, se descubre el sufrimiento de Lazhar: el asesinato de su familia horas antes de viajar a Canadá. Una suerte de parangón entre la amargura que ha causado la muerte de la maestra y el dolor de Lazhar por lo vivido.

Por momentos, el film es duro e implacable, sin perder el tono amable. Duele ver la vida de Lazhar mientras que, como contrapartida, está la intensa actividad de los chicos, sus preguntas y la actitud del maestro frente a ellas. Preguntas nada fáciles que muestran otras pequeñas tragedias cotidianas.

Es una película muy bien realizada en todos sus aspectos, sin fisuras, con un ritmo interior que se mete en el corazón de la audiencia. Conmueve y nos obliga a la reflexión.

Elsa Bragato