TRES MONOS, AMOR DE MADRES, YOGI LA PELÍCULA, LA CASA MUDA, LA MENTIRA, DE AMOR Y OTRAS ADICCIONES, ESTRENOS 27 DE ENERO

JUEVES 27 DE ENERO DEL 2011.

HAY SEIS ESTRENOS. EL MÁS INTERESANTE, QUE COMENTAREMOS, “TRES MONOS”, EN DVD.

TRES MONOS

De Nuri Bilge Ceylan. Elenco turco. Sonido: Murta Senurkmez. Duración: 109 minutos.

MUY BUENA. EL PODER, LA DOMINACIÓN, EL PERDÓN, CUATRO PERSONAJES Y UN PROFUNDO TEXTO AUDIOVISUAL

Nuri B. Ceylan es muy conocido en nuestro país. En 1999 el BAFICI lo premió por Nubes de Mayo. Con Lejano obtuvo el gran premio del jurado de Cannes y con esta película, lamentablemente presentada en DVD, logró la Palma de Cannes en el 2008.

Estamos frente a un director que analiza los sentimientos humanos, las relaciones de pareja y las filiales, y, en este caso, el poder del dinero y el dominio del trabajador. Nada menos. Quien tiene poder y dinero hoy en día hace lo quiere. Y, de alguna manera, influye en la vida cotidiana de los que están bajo su mando. En Turquía y aquí nomás.

El tema es más que interesante y la narración audiovisual de Ceylan es tan cuidada que, como bien han dicho críticos del exterior, cada escena parece un cuadro de algún museo de arte. El título tiene que ver estrechamente con lo que sucede en el film: nadie ve, nadie habla, nadie escucha. No está basado, como se dice, en “el cuento japonés de los tres monos” sino en la tradición japonesa que surgió de una talla de madera de tres monos en Japón ubicada como adorno de la tumba del emperador Tokuyawa (dinastía desde el 1603 al 1868) por el nieto de éste.

A partir de este no ver, no hablar, no escuchar, los cuatro protagonistas convergen en situaciones de dominación mutua: el poderoso invita a su empleado a pagar un accidente de tránsito en la cárcel por dinero, luego seduce a su mujer, necesita limpiar su imagen. El ex convicto perdona a su esposa, mientras algo pasará en su vida que lo llevará a actuar como el dominante empleador y político.

Como si fuese un jugador de ajedrez, Ceylan ubica a sus personajes en situaciones límites que tienen un tratamiento visual especial. Los temperamentos están “domados”, solo surge la explosión de amor de la esposa infiel. Pero nadie se atreverá, aún superando todos los límites de llegar más allá. El poder y el dinero pueden más que las propias convicciones o que, sencillamente, la moral social. Es una película adulta, bien contada, con silencios que hablan más que las palabras, con hechos estremecedores que no saldrán a la luz, pero que existieron. A pesar del DVD, siempre de mala calidad, si puede, no deje de verla.

Elsa Bragato

DE AMOR Y OTRAS ADICCIONES

De Edward Zwick. Con Jake Gyllenhall y Anne Hathaway. Música de James Newton Howard. Duración: 113 minutos.

REGULAR. EXTRAÑA COMBINACIÓN DE PROPAGANDA MÉDICA CON ROMANCE MELODRAMÁTICO

El fim está bien realizado, pero hay que esperar más de 60 minutos para entrar de lleno en la relación romántica que juegan Jake Gyllenhall y Anne Hathaway. El comienzo, hasta pasada la hora de película, nos habla del Zoloft y del Prosac, dos drogas antidepresivas, y de cómo el personaje de Gyllenhall quiere imponer al primero en calidad de visitador médico. Luego se le agrega el descubrimiento del Viagra, pero no tiene el peso narrativo de las dos primeras marcas que mencionamos.

La película da la impresión de tener recursos económicos de la farmacéutica que produce el Zoloft, dado que hasta se indica tantísimas veces su razón social. P

La relación romántica entre los protagonistas, bien actuada, tiene otro condimento “medicinal”: la enfermedad de Parkinson de Maggie, a cargo de Hathaway. Y Jamie (Gyllenhall) viene a ser el candidato ideal para vivir con ella, dentro de una relación libre, con mucho sexo quasi explícito, y un gran desorden en el pequeño dpto., además de escenas un tanto escatológicas a cargo del hermano de Jamie.

Nos recuerda a otras películas que se hicieron con el aval económico de nuevos celulares. Aquí se quiere imponer el Zoloft por sobre la historia romántica y demostrarnos que se puede ser feliz aún padeciendo una enfermedad como el Parkinson, algo que no dudamos. De haberse filmado la historia sin la propaganda médica, tendríamos un melodrama redondo, bien hecho. De esta manera, los actores son excelentes pero el film resalta más el aspecto “farmaceútico” que el romántico. Rara avis. Se deja ver si usted tolera tanta propaganda médica. Lo mejor viene en los últimos 40 minutos.

Elsa Bragato

EL OSO YOGI

De Eric Brevic. Con Anna FAris, Tom Cavanagh, entre otros. Música de John Debney. Duración: 80 minutos

BUENA. SIMPLOTA Y EFECTIVA

En vez del tradicional “Yogui” tenemos a “Yogi”, que tiene alguna diferencia en la pronunciación. Un error en los afiches y en el título.

Esta es la primera vez que Yogi llega al cine y lo hace con un film modesto pero eficaz para los superchiquitos de la familia. Vive en su parque de siempre, Jellystone, que los políticos quieren expropiar, y lo acompaña Boo Boo. Nada nuevo. Yogi ama las canastas de picnic e idea una serie de trampas para hacerse de ellas cuando las familias van a disfrutar de un recreo.

Y el guardaparques se enamora de una ecologista. Los actores de carne y hueso interactúan con los dos muñecotes digitales, Yogi y Boo Boo. No está mal.

Común, simplota, efectiva. Insistimos: para los chiquitos. Los papás se aburrirán un poquito, nada más.

Elsa Bragato

LA CASA MUDA

De Gustavo Hernández. Con Florencia Colucci, Abel Tripaldi, Gustavo Alonso, entre otros. Música de Hernán González. Duración: 78 minutos. URUGUAY

BUENA. TERROR EN TIEMPO REAL CON PRESUPUESTO MÍNIMO E INGENIO

Filmada en una sola toma, o sea en plano secuencia o tiempo secuencia con una cámara fotográfica digital, nos muestra el terror en tiempo real. Gustavo Hernández debuta con el pie derecho. A nivel internacional, tuvo importantes logros en el Festival de Cannes último así como en el del nuevo Cine Latinoamericano de La Habana y tiene hasta una remake de Hollywood titulada “Silent House”. El presupuesto fue de 6000 dólares, mínimo, y la iluminación se basó en dos faroles. La locación fue una casona rural abandonada, en el interior del Uruguay.

Está basada en un hecho real ocurrido en Tacuarembó, Uruguay, en 1944, cuando un doble asesinato conmovió al pueblo. Ambientado en la actualidad, sus tres personajes sufren el escondido terror que alberga la extraña casa. Un padre y su hija adolescente la habitarán mientras el dueño del inmueble les ofrece reacondicionarla con la sola condición de que no suban a la planta alta. De aquí en más, se puede suponer qué hacen padre e hija-

Galería de fotos pegadas en las paredes a manera de madeja o de engaño no solo confunde a los personajes sino también enrarece la comprensión de la narración, poniendo a prueba al espectador.

El final-final, ése que no esperamos, está después de los títulos, ojo con esto. Hernández logra su objetivo: hay una sobrecarga de dramatismo, la casa “muda” habla demasiado, y hay cierto tono moralista un tanto fuera de tiempo. Sin embargo, nada empalidece el aterrador resultado del film.

Carlos Pierre

LA MENTIRA

De Xavier Giannoli. Con Gerard Depardieu, Francois Cluzet, Emmanuelle Devos, entre otros. Música de Cliff Martínez. Duración: 130 minutos.

MUY BUENA. ATRAPANTE HISTORIA DE UN TRUHÁN ENAMORADIZO

Xavier Giannoli nos regaló una joyita con Gerard Depardieu en el 2006 titulada “El cantante”. En este caso, va por otro camino, otra idea y otra historia, pero con la misma solidez narrativa y de realización. El film está basado en un hecho real ocurrido en Francia: un ex convicto urdió un fraude a una comunidad. Experto en engaños y trampas económicas, el personaje central arma esta simulación grandiosa e infrecuente con una empresa faraónica: continuar la autopista de la zona cuya construcción estaba detenida desde hacía dos años.

De esta manera, daría trabajo al pueblo. Pero también estafó a los empresarios locales al reunir todo su dinero en pos de algo que no pensaba llevar a cabo.

Éste es el quinto film de Giannoli, francés de 38 años, que es también autor del guión. Y vuelve a desplegar una interesante gama de aciertos: el aporte de dos notables actores como Cluzet y Devos; el recurso de una fotografía grandilocuente, la música de Clift Martínez al mejor estilo de Hollywood con una muy destacable armonización.

El oscuro pasado del truhán junto a la ternuda que va despertando por diferentes situaciones que vive genera una empatía con el espectador. Es realmente un film diferente que vale la pena ver.

Carlos Pierre

AMOR DE MADRES

De Rodrigo García. Con Naomí Watss, Samuel L. Jackson, Annette Bening, Jimmy Smits, entre otros. Música de Ed Shearmur. Duración: 126 minutos.

BUENA. LA ADOPCIÓN EN UNA CINE-TIRA

Rodrigo García, primer hijo de Gabriel García Márzquez, es escritor de historias para mujeres. Y esta película, que guiona y dirige , no es la excepción. La adopción es la idea argumental, estructurada en torno a tres mujeres. Una adolescente de 14 saños da en adopción a su hija recién nacida. Pasan los años sin superar esa decisión temprana. Aparece entonces la hija de esta mujer con sus propios problemas y la trilogía se completa con una joven negra que es estéril y quiere ser madre.

Las historias se van entrelazando a lo largo de dos horas y la narración audiovisual se va acercando más a una telenovela que a una historia cinematográfica por situaciones que, en cine, resultan forzadas, y no sucede lo mismo en la ficción televisiva.

Hay sólidas actuaciones como la de Annette Bening y Samuel L. Jackson, en un rol diferente, alejado del policial, encarnando a un apacible y maduro abogado. También destacamos a Naomí Watts, siempre eficaz.

Rodrigo García no se apartó de la indagación del mundo femenino que es su fuerte como escritor. Es un mundo melodramático, no exento de una primaria emoción tal como lo concibe García.

El film está dirigido al público femenino, hay muchas secuencias que provocarán empatía con la espectadora. Y, dentro del melodrama, esta película cumple con su objetivo. Agregamos que la banda sonora de Ed  Shearmur es excelente.

Carlos Pierre

ESCUPIRÉ SOBRE TU TUMBA, LOS VIAJES DE GULLIVER, LA VIEJA DE ATRÁS, EL TURISTA, ESTRENOS 20 DE ENERO 2011, BUENOS AIRES

JUEVES 20 DE ENERO DEL 2011.

Hay cinco estrenos. No comentaremos el film nacional “SIDRA”.

ESCUPIRÉ SOBRE TU TUMBA

De Steven Monroe. Con Sarah Butler, Jeff Branson, Andrew Howard, entre otros.  Música de Corey Allen Jackson. Duración: 106 minutos.

BUENA. FUERTE, SÁDICA, UN PLATO FUERTE PARA POCOS

Antes de realizar el comentario, debemos indicar que, en la década de los 70, algunos directores de Hollywood irrumpieron con un subgénero muy violento conocido como Rape and Revenge (violación y venganza). En 1978, Meir Zarchi dirigió y escribió el guión de “La vioelcnia del sexo o Tomar Revancha”, film que generó polémicas por sus escenas explícitas, cargadas de sadismo y morbosidad.

En los últimos años, no hay nada que no se haya visto en el cine, si recordamos Hostel, por ejemplo, entre tantos otros ejemplos. El director Steven R. Monroe tomó el tema y lo “aggiornó” ahora, cuatro décadas después, provocando el mismo impacto. En esta versión, una joven y bella escritora decide pasar sus vacaciones en una casa alquilada en un lejano pueblo para poder escribir una novela. Sin embargo, el lugar se verá invadido por cinco lugareños, cargados de violencia y de deseos sexuales reprimidos.

En esta aislada trampa en la que cae la protagonista, ocurrirán todas las violaciones morales y físicas imaginables y también inimaginables. Participan de estas orgías hasta el sheriff del lugar y un joven con retardo mental. Detalles no menores para atornillar al espectador a la butaca y horrorizarlo por el calvario al que es sometida la joven mujer.

A esta “primera etapa de horror” le sigue la revancha. Muy sangrienta, mutilaciones y atrocidades de todo tipo. Por supuesto, debemos decirlo para avisarle al espectador que no irá a ver un film de horror más sino quizás una sumatoria de horrores.

Un hallazgo del film está en los efectos especiales. Otro en la elección de la protagonista, una joven esmirriada que será capaz de una fuerza irrefrenable.

Es un film de culto, basado en la película mencionada al comienzo, “I spit on your grave” o bien “Day of the woman”, de 1978. No es un film para todos sino para los que son fanáticos de este subgénero. Quien se anime a ver “Escupiré…” no podrá sustraerse ni olvidar la perturbadora muestra de horror que hace Monroe, trazado ingeniosamente en un guión simple pero de impecable desarrollo. Escenas muy fuertes, repetimos. Solo para fanáticos.

Carlos Pierre

LA VIEJA DE ATRÁS

De Pablo José Meza. Con Adriana Aizenberg, Martín Piroyansky, entre otros. Música de Sergio Rojas. Duración: 115 minutos.

BUENA. PEQUEÑA HISTORIA SOBRE LA INCOMUNICACIÓN BIEN CONTADA

Con una cámara fija que muestra los objetiso más cotidianos y austeros, tales como una pava que hierve, las galletas sobre la mesa, los viejo s objetos que conviven con el presente de una mujer mayor, en primer plano, va armando la historia el director Pablo José Meza, galardonado en varios festivales. Detalles todos que hacen a la historia que nos contará.

De a poco, Meza hace aparecer la idea del guión y su desarrollo, una historia pequeña, austera y sórdida. La casa de la anciana y el joven provinciano que ocupa otro departamento serán los protagonistas de encuentros y desencuentros. La anciana solo pide una conversación diaria. El joven necesita un lugar para vivir sin pagar por no tener dinero, además de otros problemas familiares.

La relación es fría pero llevadera. Sin embargo, no tardarán en aparecer diferencias entre ambos. Saldrán a relucir la monotonía de la personalidad de la anciana, viuda, aferrada a una conducta elemental, así como la parquedad y el abatimiento del joven.

A manera de paneos, si bien cumple con una breve acción determinada, aparecen Atilio Pozzobón y Brenda Gandini (de gran actualidad por su personaje en Malparida, Canal 13).

Estamos frente a la segunda película de Pablo José Meza (la primera fue Buenos Aires 100 km -2004), que demuestra una buena dirección actoral y una cámara minuciosa que mueve con solvencia en interiores y exteriores. De esta manera retrata acertadamente el fluir concreto y sencillo de un barrio porteño.

Gran actuación de Adriana Aizenberg, más que probada actriz que nos ha regalado grandes trabajos. Éste no es la excepción. En síntesis, una historia pequeña, bien contada, seres anónimos que tienen una íntima pasión por la vida y buscan concretarla.

Carlos Pierre

EL TURISTA

De Florian Henckel von Donnersmarck. Con Angelina Jolie, Johnny Depp, entre otros. Música de James Newton Howard. Duración: 103 minutos.

REGULAR. UN “CHORLITO” PERDIDO EN VENECIA

En el momento de analizar el film, nos damos cuenta de que se han dado elementos preciosos para realizar una película estupenda sin lograrla. Llama la atención que Florian HEnckel Von Donnersmarck haya sido el director de La vida de los Otros, un hito del cine de los últimos años. Aquí contó con una pareja protagónica especial: el encanto de la superdelgada Angelina Jolie y la solvencia de Johnny Depp, más acostumbrado a personajes estrafalarios que a mostrarse como lo hiciera en Chocolate, y en esta película, a cara limpia y pura actuación. Por lo tanto, es raro verlo actuar sin máscaras. Recordamos que estuvo nominado a los Golden Globe por este film (la otra nominación fue por Alicia en el país de las maravillas).

El director además filmó en la ciudad de Venecia a la que, en este caso sí, tomó desde todos los ángulos, incluso zenitales, con un derroche de espectacularidad pocas veces visto. Sin embargo, no supo manejar el guión, con muchos flancos débiles, y se dejó ganar por la prepotencia de la fama de Jolie y de Depp además de la belleza de Venecia. No bastó.

Atrapados por la fotografía de la ciudad, algo que repetiremos hasta el cansancio, nos topamos con una Jolie encorsetada en fastuosos vestidos tanto en París como en el estupendo hotel Danieli de la ciudad de los canales, con cara de “aquí estoy yo” y nada más. Nada de actuación. Como modelo, mil puntos. Como actriz, en este film (para nuestro gusto, nunca), nada de nada.

Y la aparición de Johnny Depp, tal vez con algún guiño a algún personaje de Cary Grant en sus comedias policiales, es rara, como con timidez extrema, pero seguro de ella y de cómo manejarse. Hay una diferencia entre Jolie y Depp: ella hace poses y cree que así actúa. Él sabe que su personaje es sostén de la protagonista y actúa bien. Nada más que el guión no lo dejó lucirse salvo en un segundo plano. Depp será el “chorlito” que caerá en una trampa de consecuencias insospechadas.

La falta de pasión, el tono bajo con el que hablan los personajes, casi susurrándose, las escenas que uno cree que verá y no aparecen nunca, dejan un sabor agridulce: por un lado, está la fastuosa Venecia, en su máximo esplendor. Por el otro, una comedia policial que no termina de convencer con superfamosos y millonarios en los protagónicos, con pésima dirección actoral. Si se decide, no perderá su dinero porque habrá viajado en primera clase hasta la maravillosa Venecia aunque luego olvidará en pocos segundos la historia.

Elsa Bragato

LOS VIAJES DE GULLIVER

De Rob Letterman. Con Jack Black, Jason Segal, Emily Blunt, entre otros. Música de Henry Jackman. Duración….

MUY BUENA. ENTRE NEW YORK Y LILIPUT, UN JACK BLACK PARA CHICOS

Jack Black es un músico de rock que ha ido ganando espacio actoral en varios films muy taquilleros y buenos. Por ejemplo, Vacaciones, con Jude Law y Cameron Díaz. Y también recordamos su actuación en “Rebobinados”, un film “indie” muy diferente, que les recomendamos.

Recrear la historia del “gigante Gulliver” conllevó muchas peripecias técnicas que Rob Letterman ha podido resolver muy bien. Viene del campo de la animación, hombre ducho en peripecias de computación, siendo éste es su primer film para toda la familia.

Es convincente la realización donde se mezclan los seres humanos en su tamaño natural con otros personajes diminutos, también protagonizados por actores de carne y hueso. El encargado de una redacción logra, por una mentira hacia una editora de la que está enamorado, viajar a las Bermudas, donde deberá desentrañar el famoso “triángulo” y las desapariciones que allí se producen. Pero terminará en la isla de Liliput. Y el cuento de Swift, de 1726, ya lo conocemos. Gulliver será un “ diminuto “ muñeco en medio de los humanos normales con gags logrados y simpáticos especialmente para los chicos. A estos ingredientes bien desarrollados, y “aggiornados” (la isla de Liliput tendrá un centro a la manera de Broadway y la 42, por ejemplo), se le añade una historia romántica que ayuda a cerrar la propuesta narrativa de manera clásica. El encuentro entre el distribuidor de correspondencia y la editora tiene que tener un final, feliz o no.

Es muy interesante la fotografía, no solo por los efectos especiales que hemos enumerado muy por arriba pero que son imaginables en este film, sino por cómo se maneja la cámara de Letterman codo a codo con Black en sus caminatas por la estupenda New York, por ejemplo, y la relación entre el “gigante” a la fuerza y los pequeños habitantes. El “desborde” de Black del que algunos hablan se debe sencillamente a que él es el gigante y los demás, los diminutos. Black parece muy cómodo en este papel donde hace de aturdido al que le pasan cosas insólitas.

El film es redondo. Y tiene a su favor que no hay personajes de computación sino actores “empequeñecidos” o “agigantados”, según los momentos de la historia. Esto le da verosimilitud y lo hace muy atractivo. Obviamente, es para toda la familia. Al que no le gusten los cuentos para chicos, abstenerse. La relación entre el gigante, los liliputienses, la princesa, no es un plato digerible para todos. No obstante, no podemos calificarla con menos porque cumple su objetivo, no deja cabos sueltos y tiene una compleja realización donde todo marcha como la máquina de un reloj.

Elsa Bragato

SOMEWHERE, IMPARABLE, EL RETRATO DE DORIAN GREY, VOLVER AL FUTURO EN GRAN REESTRENO, 13 DE ENERO 2011, BUENOS AIRES

JUEVES 13 DE ENERO DEL 2011.

Hay cinco estrenos en la ciudad de Buenos Aires. No comentaremos ni Noches de Encanto ni Buen día, día, que es el Documental del Mes.

SOMEWHERE, EN UN RINCÓN DEL CORAZÓN

De Sofía Coppola. Con Stephen Dorff y Elle Fanning, entre otros. Mùsica de Phoenix. Duración: 96 minutos.

BUENA.  UNA HIJA DE HOLLYWOOD HABLA DE SU MUNDO. RELATO SIN IMPACTO PERO CON MUCHO ENCANTO, AUTOBIOGRÁFICO

Una larga secuencia, plano largo y cámara fija, de un circuito automovilístico y una Ferrari que pasa frente a cámaras, luego se pierde, se escucha el ruido de su potente motor, vuelve.  La estructura fílmica, formal, que nos presenta Sofía Coppola es la de un film “indie”. En su tercer film, la hija de Francis Ford Copppola, que produce la película, vuelve a los comienzos mostrados en “Perdidos en Tokyo”. Es decir, esa gran máquina de generar estrellas que es Hollywood y la soledad que los embarga, tan lejos de la fastuosidad que la sociedad les impone en la gran mayoría de los casos.

Curiosamente, luego de la primera secuencia, la cámara de Coppola se apoya en el luminoso cartel del Chateau Marmont (ex propiedad de Regina Bragato, residente en Palm Spring, CA, USA), un hotel pequeño al que van los actores para disfrutar de una vida tranquila y poder estudiar sus libretos sin el acoso de las fans. Allí hay fiestas nocturnas y todo lo que desee, chicas que bailan en los cuartos privados (Coppola se extiende en exceso durante la escena del baño del caño a cargo de unas mellizas rubias, cámara fija siempre, y resulta innecesario porque el film pierde timing)mujeres que se regalan por nada, y la vida solitaria de un actor, en este caso Johnny Marco, encarnado por Stephen Dorff. Separado, con una hija de 11 años, Cleo, a cargo de una futura gran estrella, la bellísima Elle Fanning, un buen día debe hacerse cargo de la niña porque la madre “necesita pensar” su futuro. El actor asume el reto, y viaja con su hija a Italia, es la figura de la famosa entrega d e los premios Gatto en Milán, disfrutan juntos de una vida que les resulta prestada (el lujo romano de las piscinas privadas, las fiestas con celebridades).

La unión padre-hija nos remite inmediatamente, por los sutiles detalles que va exponiendo Coppola en un relato con encanto pero sin impacto, a su propia vida, especialmente cuando su pequeña protagonista manifiesta el dolor que le causa la ausencia de sus padres a su papá.

Decimos que el film tiene encanto porque la vida de este actor papá y su hija nos transmiten ternura, descubrimiento mutuo, cariño, empatía. Y decimos que no produce impacto emocional porque la forma de la narración audiovisual tiene un tono menor, no busca sobresaltar al espectador sino contarle una historia. Por ser Sofía Coppola, con un estilo muy definido, nos parece que la construcción de la narración es muy simple, más de aficionado que de una hija de la meca del cine. No obstante, cumple con su objetivo y nos va llevando al climax poco a poco, tal vez no el deseado pero sí el más humano y comprensible.

Resulta interesante esta película y muy autobiográfica, tal como la misma Sofía Coppola lo dijo en varios reportajes. Y, si uno no lo sabe, igual se dará cuenta de que allí están los conocimientos que la vida misma le dio a la hija de Francis Ford Coppola, la vida de trabajo y rutina de un actor o productor y la fastuosidad de los eventos que lo alejan de lo sustancial: la familia. Sin duda alguna, Sofía lo vivió. Se deja ver porque, además, vemos Hollywood y cómo se desarrolla la cotidianeidad en un mundo que no es de fábula.

Elsa Bragato

IMPARABLE

De Tony Scott. Con Denzel Washington, Chris Pine, Rosario Dawon, entre otros. Música de Harry Gregson-Williams. Duración: 97 minutos.

MUY BUENA. UNA IDEA BÁSICA CON UNA REALIZACIÓN FUERA DE LO COMÚN, VIBRANTE, IMPACTANTE, ESTREMECEDORA.

Denzel Washington es una marca registrada: donde actúa, uno tiene la garantía de que verá un film fuerte, con una actuación que nos conmoverá. Esta película no es la excepción. La idea del guión es elemental: un tren con 39 vagones y una carga química peligrosa arranca solo por una mala maniobra de su conductor que baja para cambiar la ruta de las vías. Este hecho bien pudo ser banalizado por la realización. Sin embargo, los encuadres, el trabajo del sonido en postproducción, hacen de este hecho una historia estremecedora. Se unen las actuaciones de Denzel Washington y Chris Pine que, además, plantean un tema candente: las jóvenes generaciones que van sustituyendo a los “viejos” en los trabajos y la competencia que se establece a nivel gremial y personal, el “elegido”, el por jubilarse, los temores de unos y otros en medio del frenesí de las locomotoras, de rieles, de aplastantes ruedas gigantes.

Es una película que recomendamos porque no hay nada que uno pueda criticarle. La forma es soberbia, el fondo es un poco más de lo mismo pero tan bien actuado, con tanta carnadura, que resulta impecable. Una idea básica con una realización fuera de lo común. Si le gusta aferrarse a la butaca, ésta es su película.

Elsa Bragato

EL RETRATO DE DORIAN GRAY

De Oliver Parker. Con Ben Barnes (el príncipe Caspian de Narnia), Colin Firth, Rebecca Hall, entre otros. Música de Charlie Mole. Duración: 120 minutos.

BUENA. OSCAR WILDE CON EFECTOS SIGLO XXI

La ambientación del film y los detalles de la vida nocturna del London West, el vestuario, y el clima que se va logrando hacen, de esta película, una gran realización. En este sentido, deberíamos calificarla como “muy buena”. Pero es tan solo buena porque tiene muchas secuencias en las que pierde su tempo, su timing, y se alarga innecesariamente. Basada en la obra del mismo título de Oscar Wilde, nos enfrenta a un joven de gran belleza que viaja a Londres y es iniciado en el hedonismo y los placeres de la vida nocturna más lujuriosa por Henry Wotton, a cargo del gran Colin Firth.

La vida nocturna, la aparición de una joven actriz que enamora al protagonista, las drogas y los placeres transforman al joven en una persona muy segura de sí, capaz de cualquier atrocidad como matar a otros, insinuar una incipiente homosexualidad, y tener su propio retrato que será su gran condena.

El relato tiene todos los elementos técnicos actuales por lo cual el director puede jugar con el espejo del ático que refleja la esbelta silueta y el bello rostro del joven Dorian, y su paso a la vejez cuando el hechizo se quiebra por un hecho fortuito aunque sabido por quienes conviven con él.

Esta película, con tan buen trabajo de forma y fondo (Ben Barnes y Colin Firth se adueñan de sus personajes), es muy interesante para quien ame ver narraciones audiovisuales puntillosas, de gran espectacularidad visual, de gran riqueza en las imágenes. Si le gustan las novelas, ésta es su película, con el aditamento del “thriller” y de los efectos especiales, muy bien añadidos tanto en el guión como en la realización.

Carlos Pierre

MÁS ALLÁ DE LA VIDA, LOS SANTOS SUCIOS, LOS PEQUEÑOS FOCKERS, ENREDADOS, LA EPIDEMIA, BAARIA, JUEVES 6 ENERO, 2011

JUEVES 6 DE ENERO DEL 2011.-

Hay seis estrenos, uno en DVD, Baaria, de G. Tornatore. Destacamos el primer estreno nacional del 2011: Los Santos Sucios, de Luis Ortega.

MÁS ALLÁ DE LA VIDA

De Clint Eastwood. Con Matt Damond, Cecile de France, entre otros .Música de Clint Eastwood. Duración: 129 minutos.

BUENA. EL MÁS ALLÁ EN UN RELATO CON DESNIVELES

La mano y la banda sonora de Clint Eastwood son inapelables: están presentes. A manera de tríptico, nos presenta una historia que, por su complejidad narrativa, tiene desniveles si bien, en algunos momentos, resulta muy atrapante y hasta conmocionante. Es impactante la escena inicial con el Tsunami en Indonesia. En estas primeras secuencias, queda planteada la idea del film (es recomendable prestar mucha atención al inicio de una película).  Esa recreación que toma a una de las protagonistas, encarnada por Cecile de France, es altamente conmovedora, estremecedora. La otra historia se centra en los Estados Unidos, en Matt Damond, un mecánico que es médium pero que se resiste a trabajar como tal porque no le ha ido bien al descubrir la vida de los otros con solo tocarles las manos. Y finalmente, el tercer protagonista es un niño que vive en Londres, que tiene un hermano gemelo que muere.

Esta complejidad argumental obliga a una narración audiovisual que va de aquí para allá, desarrollando cada historia, y buscando algún punto de unión. No es fácil encontrárselo por lo cual se alarga más de lo necesario la historia. Finalmente, habrá un denominador común para los tres protagonistas y sus subhistorias, esto es importante destacarlo porque es otro “alargue” en la narración propuesta que pudo evitarse. Pero no somos realizadores de cine sino comentaristas y no vamos a indicarle a Eastwood qué debió hacer. Simplemente informamos lo que verá el lector.

Atreverse con el más allá teniendo una edad límite, 80 años casi 81 para Eastwood, es tener mucho coraje. Como hombre ateo, con súbitos momentos de misticismo, Eastwood no nos dice que debemos creer en el más allá pero lo muestra; no nos presenta la conversión de sus personajes como algo inapelable. Pero sí nos regala las tres historias que tienen que ver con la vida en el más allá: una protagonista porque la vive, el otro porque la ve con su mediunidad, el tercero porque la sospecha y necesita encauzar esa angustia que no se le revela como visiones.

Es un film interesante, complejo, al que le cuesta encontrar una unión entre tantas historias pero que finalmente la logra. En el “mientras tanto”, el espectador ve el desarrollo de vidas conmovidas por situaciones límites con actuaciones descollantes. Es un film interesante a pesar de los altibajos en el guión, bien realizado y, por momentos, con secuencias atrapantes.

Elsa Bragato

ENREDADOS

Film de animación de Walt Disney en 3D, doblada al castellano. Música de Alan Menken. Duración: 100 minutos.

MUY BUENA, ATRAPANTE HISTORIA DE UNA PRINCESA DE LARGOS CABELLOS CON FANTÁSTICA BANDA SONORA

Walt Disney, de acuerdo a las últimas informaciones, se despediría, luego de 75 años, de los cuentos de princesas (Blancanieves, Cenicienta, Pocahontas, entre otras) con Rapunzel, la protagonista de esta nueva historia de animación. La princesa es una adolescente de largos cabellos, que fue raptada y vive en una torre muy alejada. No hay mejor oportunidad para despedir a la galería de princesas con este film que sorprende por el alto grado de expresión de los personajes animados, por las excelentes canciones de Alan Menken (un “histórico” de éxitos musicales de Disney) y con lograda depuración en los personajes. Es decir, pocos pero fundamentales acompañando la historia de esta tan especial princesa, que saldrá de su encierro para sentir el palpitar de la vida. La siguen el camaleón Pascal, el caballo Máximus, el pícaro ladrón Flynn Ryder, una pandilla de matones, la bruja y captora Gothel y sus padres, los reyes que están desesperados.

Es una película atrapante para chicos y grandes por la calidad de la realización y por la historia, simpática, que tanto tiene que ver con los 21 metros de cabellos de la princesa Rapunzel. Para disfrutar a pleno y en familia.

Carlos Pierre

LOS SANTOS SUCIOS

De Luis Ortega. Con Alejandro URdapilleta, Luis Ortega, Emir Seguel, entre otros. Voz de Oscar Alegre. Música de Leandro Chiappe. Duración: 86 minutos.

BUENA. APOCALISPSIS CRIOLLO EN UN FILM DE BUENA FACTURA

Luis Ortega asombró con Caja Negra, aquel relato descarnado y, al mismo tiempo, pleno de mensajes de hace algunos años. Luego vino Monoblock, también interesante. En este caso, nos presenta a seis sobrevivientes del fin de una guerra, de una era, o los estertores de la Humanidad. Fiel a su estilo, personal más que cargado de influencias (si bien uno nunca puede sustraerse a su momento histórico y sus maestros), no abundan los diálogos, son más palabras, frases, expresadas en un silencio estremecedor, concordante con el hermetismo de los personajes. El relato se apoya en un montaje muy logrado, cuidado, que se plantea en un paisaje desolado de un pueblo de Colón, en la provincia de Entre Ríos (locación muy utilizada en nuestro cine).

En un guión árido pero profundo, los sobrevivientes buscan su salvación que está después de un río, dato que nos remite inmediatamente al mundo creado por Dante Alighieri. El Edén está más allá del río Fijman, en un tributo al poeta del grupo Martín Fierro del siglo XX.  Cada personaje tiene, en un bolsillo, un picaporte, que es el pasaporte a la meta. Todos abandonan el pueblo para salvarse en el Edén, salvo Monito, personaje a cargo de Martina Juncadella, que busca el amor. Y se quedará como la campanera de la iglesia una vez que estos “santos sucios” la abandonen. He aquí el “quid” del título. Santos por su destino, sucios por su Humanidad de origen pecador.

Como dato curioso, aportamos que en una de la escenas de este personaje aparece un cartel de carne envasada llamada “Liebig”. En alemán, “liebe” significa amar. Podemos suponer que es alguna derivación de esta última palabra.

Estamos frente a un film no apacible, no es fácil sino que convoca al espectador a armar un cuadro roto por una catástrofe cuyo origen se desconoce. Hay una muda sensación de angustia, un clima sobrenatural, bien logrado, que sobrevuela el film.

La música incidental de Leandro Chiappe acompaña las secuencias de manera acertada y también lo destacamos. La filmación es depurada, acertada elección de las locaciones y secuencias con tomas muy subyugantes que tienen peso por sobre las actuaciones, en algunos momentos poco acertadas. El final es abierto y tiene el secreto de una puerta que no podemos aquí descubrir.

Interesante regreso de Luis Ortega con un film inteligente.

Carlos Pierre

LA EPIDEMIA

De Breck Eisner. Con Timothy Olyphant, Radha Mitchell Danielle, entre otros. Música de Mark Isham. Duración: 99 minutos.

BUENA. ENFOQUE DIFERENTE EN UNA REMAKE “TERRORÍFICA”

Estamos ante la remake de la película de 1973 de Goerges Romero, ahora con una sofistacada técnica cinematográfica que incluye interesantes planos secuencias y planos abiertos. El género del terror, como bien sabemos, moviliza nuestra ancestral curiosidad y morbosidad por la sangre, y este film no es la excepción para nuestra movilización interior.

Hay a lo largo de La Epidemia o The Crazies secuencias de gran despliegue audiovisual, donde resaltan los movimientos de una población desbocada por un hecho fortuito (la caída de un avión militar que transportada armas bioquímicas en el lago de la zona). Un pueblo de Kansas, de apenas 1200 habitantes, se ve poblado de soldados y helicópteros que buscan el motivo de la “epidemia” de locura y sangre que se desata.

Si bien el guión se torna previsible a medida que avanza el relato, el suspenso se mantiene a partir del accidente inicial que desencadena la epidemia de locura. Como “zombies” los habitantes contaminados por las aguas del lugar se transforman en asesinos incluso de sus familiares, en una verdadera orgía de sangre y terror. Este género “gore” tiene muchos adeptos y, en este caso, encontrarán una narración audiovisual diferente para el desarrollo de una historia que mantiene los clishés propios del género, puestos al servicio del entretenimiento de los espectadores. Para amantes del terror.

Carlos Pierre

LOS PEQUEÑOS FOCKERS

De Paul Weitz. Con Ben Stiller, Robert De Niro, Owen Wilson, Barbra Streisand, Dustin Hoffman, entre otros. Música de Stephen Trask. Duración: 98 minutos.

BUENA. MÁS DE LO MISMO CON UN ELENCO SUPERESTELAR

Nada más que ver a tantas estrellas juntas produce un placer que, seguramente, el film no dará al espectador por sí mismo. Es que ya no hay muchas vueltas para esta historia de los Fockers donde el yerno vive enfrentado al suegro ex agente de la CIA.  Sin embargo, ver juntos a la Streisand con Hoffman o De Niro, es un placer que pocas veces tenemos.

El advenimiento de los mellizos, nietos de Robert de Niro en la ficción, convoca a un cumpleaños superestelar que tendrá de todo: desde escenas escatológicas en un hospital hasta gags conocidos pero no menos eficaces, y cierto letargo en la narración audiovisual, con cenas de poca eficacia, y la llegada del ex novio, que personifica Owen Wilson, además del ataque cardíaco de uno de los personajes. Reaparece la locura sexópata que encarna Barbra Streisand y el vuelco al flamenco de un Hoffman simpatiquísimo. Todos son segundos que nos mueven a sonreírnos y que nos hacen bien. Pero no mucho más.

El film se basa en los mismos estereotipados personajes de la primera historia de esta saga familiar, con pocos aciertos en los diálogos y cierta morosidad no conveniente para una comedia. A Stiller se lo ve demasiado serio, mientras que De Niro ensaya sus muecas de siempre y Streisand está sobreactuada. Hoffman se luce en un papel que hace de taquito. Y Wilson aletarga la acción. Y la realización es más que convencional.

En una primera lectura, sentimos que el film es más que olvidable. Sin embargo, no molesta aún con sus momentos menos agradables, no muestra escenas obscenas y, en definitiva, nos deja con una sonrisa. Es algo y, en tiempos de locuras sociales, no está mal ni sentirá que ha perdido su dinero. Es cierto, pudo ser mejor.

Elsa Bragato

BAARIA. LAS PUERTAS DEL VIENTO

De Giuseppe Tornatore. Con Francesco Sciana, Margareth Made, entre otros. Música de Ennio Morricone. Duración: 152 minutos.

MUY BUENA. EL “MUNDO TORNATORE” EN UN FRESCO DE REALISMO Y NOSTALGIAS

Giuseppe Tornatore nos regala, en este nuevo film, un fresco que se inicia en su natal Baaria en una familia. Recorrerá tres generaciones entre 1930 y 1980 y nos hará pasear por las tristezas y alegrías cotidianas de cualquiera de nosotros. En el caso de Tornatore, se suman la Segunda Guerra Mundial, el eterno enfrentamiento entre los comunistas y fascistas italianos, las arengas en el pueblo, el crecimiento del pequeño pastor y el encuentro con el amor, y las consecuencias que lo diario, lo que vivimos tanto en el hogar como fuera de él, van dejando en nuestra alma y nos van formando de tal o cual manera.

La música de Ennio Morricone no  hace más que acentuar los sentimientos profundos de esta historia que, para muchos, es autobiográfica, y que nos muestra la cotidianeidad de las familias, con los claroscuros propios entre mayores y menores, la juventud y la vejez, la adultez.

Extensa, profunda, sentimental: una pequeña obra maestra de la narración audiovisual de Giuseppe Tornatore. Y un reencuentro con un gran cine italiano, el de la narración, el de los personajes creíbles, el de la emoción.  

Elsa Bragato