LOVING VINCENT, EL SEDUCTOR, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 26 DE OCTUBRE DEL 2017

JUEVES 26 DE OCTUBRE DEL 2017.-

Varios estrenos llegan a los cines del país, como ocurre todas las semanas. Amplia y variada cartelera para todos los gustos. Entre estos estrenos, está el supertanque “Thor, Ragnarok”, de Taika Waititi, con Chris Hemsworth en el protagónico. Las siguientes son algunas críticas sobre la película:

"Aunque tampoco es decir mucho, 'Thor: Ragnarok' es fácilmente la mejor de las tres películas de 'Thor', o quizá es que piense eso porque por primera vez los guionistas y yo coincidimos en una cosa: los films de 'Thor' son absurdos." De Peter Debruge, Variety.

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"En un mundo de portentosos blockbusters cada vez más oscuros, es una alegría ver uno sacando las luces de la discoteca. (...). De Phil Semlien, Time Out.

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"Ofrece a Chris Hemsworth la oportunidad de encontrar el tono cómico (...) Lo hace de manera experta, y el humor de autoburla es muy bienvenido dado lo soso que es esencialmente Thor." De Sheri Linden, The Hollywood Reporter.

EL PEQUEÑO VAMPIRO

De Richard Claus.

“Basada en personajes creados por  Angela Sommer-Bodenburg, la autora de las novelas de El Pequeño Vampiro, archivendidas en Estados Unidos, El pequeño vampiro resulta de una impecable factura visual y argumental. Con guion de Larry Wilson (Beetlejuice) y Karey Kirkpatrick (Pollitos en fuga), la historia es redonda y divertida, y también bien maniobrada por Uli Edel (El cuerpo de la evidencia), su director, que debuta en una película infantil contenido por un equipo de primera que incluye créditos de lujo tanto en vestuario como efectos especiales. Por el lado actoral, el pequeño Jonathan Lipnicki, a través de cuyos ojos vemos esta oscura y a la vez optimista historia, cumple su labor con sabiduría y justicia”. De Karina Noriega, Cineismo.com

También se estrenan varios documentales que ya fueron exhibidos en el interior del país. Héroe corriente, de Miguel Monforte, 2014, sobre los caídos en Malvinas y la tarea del ex combatiente Julio Aro para que se reconozcan a sus compañeros que hoy son NN y están enterrados en el cementerio de las islas. Esta tarea tiene apoyo internacional. Además, se exhibe Mujer entera, de Ulises de la Orden, 2015, un doloroso y necesario retrato de la esclavitud sexual bajo la concepción machista del “debut” con prostitutas, entre otros temas como la trata.

LOVING VINCENT

Guion y dirección de Dorota Kobiela y Hugh Welchman. Música de Clint Mansell. Duración: 94 minutos. Reino Unido- Polonia.

XXXXX- UNA JOYA DEL CINE

La vida y obra de Vincent van Gogh no son más que la encarnación misma del martirio y sufrimiento del artista incomprendido por la sociedad a través de los siglos.

“Loving Vincent” es una monumental y laboriosa animación de la artista plástica polaca Dorota Kobiela y del productor Hugh Welchman, ambos directores de cine, rindiéndole tributo al pintor holandés. No es un homenaje más: es una obra de arte, una joya cinematográfica fuera de lo común.

Algunos datos dan cuenta del tesón y dedicación puestas al servicio de esta verdadera obra de arte, que mantiene la impronta de van Gogh con esas pinceladas que solo él fue capaz de poner sobre el lienzo. Por ejemplo, más de 100 artistas de todo el mundo pintaron 120 obras icónicas para expresar una realidad expresionista fuera de lo común. Utilizaron la aplicación Painting Animation Work Station durante 5 años , en los estudios de Danzica y Wroclaw en Polonia, empleando óleo sobre tela hasta lograr cada uno de los 62.450 fotogramas que se necesitaban para adaptar las obras de va Gogh a la animación.

Las primeras escenas fueron filmadas en un estudio con actores reales para luego ubicarlas mediante computación dentro de los cuadros más famosos de van Gogh. Es decir, las figuras que imaginó el artista cobraron vida dentro de sus propios cuadros. Las voces son de Aidan Turner, Saoirse Ronan (la dulce actriz de la película Brooklyn), Eleanor Tomlinson, Helen McCrory y Douglas Booth, entre otros.

La ambientación de las escenas son las obras más famosas de van Gogh: Campo de trigo con cuervos,  El dormitorio de Arlés, la Casa amarilla de la misma ciudad, y retratos de Pere Tanguy, el Doctor Gachet, el Jefe de Correos Joseph Roulin y el de su hijo Armand Roulin, de protagonismo excluyente a lo largo de toda la película, ya que es quien investiga si la muerte del pintor fue un suicidio o un asesinato, tema inquietante puesto a consideración del espectador.

Es asombrosa la maravilla visual alcanzada por esta animación, escena tras escena, donde los cuadros toman vida. Y es un más que justo tributo para quien, sobre 800 obras, solo pudo vender un cuadro en sus escasos 33 años de vida. La vida cotidiana y sus elementos fueron eternizados por van Gogh, y esta animación, que recrea las noches estrelladas y los negros cipreses cargados de color, es una joya del arte cinematográfico que no puede dejarse de ver.

                                                                       Carlos Pierre

UNA RAZÓN PARA VIVIR (BREATHE)

De Andy Serkis. Guion de William Nicholson. Con Andrew Garfield, Claire Foy, Tom Hollander, Hugh Bonneville, Diana Rigg, entre otros. Música de Nitin Sawhney. Duración: 117 minutos.

XXXXX – EJEMPLO DE VIDA

Basada en la historia real de sus propios padres, el productor Jonathan Cavendish llevó al cine esta biopic que es un ejemplo de vida: Robin y Diana Cavendish tuvieron una vida emblemática, superando con valentía e ingenio la fatalidad de la polio, que en 1958, estando en África, inmovilizó a su padre.

Diana (Claire Foy), a pesar de los consejos del director del hospital donde estaba su esposo, lo sacó llevándolo al nuevo hogar que había sido comprado con los últimos pesos del matrimonio. Y recomenzó la vida, nada fácil, de ayudar a su esposo a sobrevivir al drama que lo aquejaba. “Breathe” significa respiración relacionado con el elemental respirador de los 60 que permitió que Robin sobreviviera.

Fueron un ejemplo digno de imitar. Lucharon con la ayuda de un médico y de sus amigos cercanos. Robin abandonó la cama por una silla de ruedas con el respirador adosado, infaltable en su recuperación. Se rieron aún en la desgracia, hicieron fiestas, hasta viajaron al sol de España. En Alemania mostraron sus logros siendo mentores del método de sobrevivencia que habían logrado, inaugurándose una nueva era en la recuperación de la polio.

El excelente actor Andrew Garfield estuvo la mayor parte de la película o en la cama o en una silla de ruedas, dotando a su personaje de una gestualidad intensa y emocionante, tal como lo hiciera en “Hasta el último hombre”, de Mel Gibson. Si bien la dirección actoral es la base de las interpretaciones, también es cierto que los actores construyen sus personajes con sus propias sensibilidades, algo más que notable en Garfield. Jonathan Cavendish logró el objetivo de dejar un claro ejemplo de lucha, de sobrevida, de superlativo ingenio, en este drama no exento de dulzura y humor que él mismo compartió.

Carlos Pierre

EL SEDUCTOR

De Sophia Coppola. Guion de Sophia Coppola basado en la novela “The painted devil” de Thomas Cullinan. Con Colin Farrell, Nicole Kidman, Kirsten Dunst, Elle Fanning, OOna Laurence, Elle Fanning, entre otros. Música de Phoenix, en algunos tramos basada en el “Magnificat” de Monteverdi. Cinematografía de Philippe Le Sourd. Duración: 91 minutos.

XXXXX- ATRAPADO SIN SALIDA

Sophia Coppola retoma la novela de Thomas Cullinan, The painted devil, que fuera llevada al cine en 1971 por Don Siegel con Clint Eastwood como el cabo “John McBurney” que resulta herido durante la guerra de Secesión (1861-1865). En este caso, el protagonista es Colin Farrell. “John” es rescatado por una de las jovencitas que estudian en una escuela femenina de Virginia, comandada por una directora –Nicole Kidman-, con una ayudante –Kirsten Dunst-. Cinco chicas de diferentes edades están al cuidado de estas dos mujeres.

La más pequeña, Amy (Oona Laurence), encuentra al soldado herido y, aun siendo “yanqui”, lo lleva a la vieja mansión escolar donde será atendido por Miss Martha (Kidman), quien le sutura una tremenda herida en su pierna izquierda. A partir de este momento, las cinco estudiantes como las dos gobernantas comienzan a inquietarse ante la presencia de ese joven hombre atractivo. Celos no confesados por quién pueda acercársele van surgiendo bajo una pátina de extremo respeto a Miss Martha, quien lo invita todas las noches con una copa de brandy. No obstante, el cabo “John” solo mira con devoción a Edwina (Kirsten Dunst).

Varios elementos hacen de este film un ejemplo de iluminación, de fotografía, de puesta en escena: desde la ambientación lograda con velas hasta los largos vestidos blancos de las mujeres, rodeadas de paredes y muebles oscuros, creando la sensación de un fuerte desenlace. Un hecho en especial desmadra los contenidos deseos sexuales hacia John que se vislumbran en un erotismo denso.

Coppola vuelve a dirigir a Kirsten Dunst, su heroína de “María Antoinette”, 2006, a quien, aun en un rol secundario, le da protagonismo para el desenlace y el final del film. Hay un innegable buen gusto en la puesta, un cuidado extremo en los encuadres y en la narración que fluye sin detener la tensión creciente. Es una película atrapante aun cuando le falta cierta pasión en los roles de Miss Martha y de Edwina, fundamentales para la acción. Entre el thriller, el “elegante” gore y el noir, es decir, ese género impreciso que describe un micromundo tétrico o, en este caso, colores opuestos que otorgan una remarcada tenebrosidad. Por ejemplo, las cenas a la luz de las velas donde se ven los rostros como en cuadros de Rembrandt. Lo oscuro es la antesala del drama por venir.

Como curiosidad, destacamos que en los créditos se señala que la banda sonora tiene influencias de la obra “Magnificat” de Monteverdi. La única secuencia en la que se distingue es cuando las niñas y Miss Martha junto a Edwina, cantan un tema religioso para alegrar a “John” en su recuperación. Además éste fue ubicado en la sala de música de la escuela.

Excelente realización, con algunos altibajos en el guión (la apresurada declaración de John a Edwina) que, sin embargo, no hacen mella en un relato realizado con mano maestra. Sophia Coppola recibió el premio a la mejor dirección en el reciente Festival de Cannes.

Elsa Bragato

EL FUTURO LLEGÓ

Documental del Grupo de Cine Insurgente. Cámara de Ignacio Guggiari. Sonido de Lucho Corti. Música de Carlos Servin. Foto fija de Carolina Magnaterra. Asistencia de Andrés Novas. Duración: 97 minutos.

XXXXX- PROGRESO VS ESCLAVITUD SOCIAL

La historia se sitúa en Ingeniero White, el puerto de Bahía Blanca, donde desde finales del siglo XIX se asentaron muchos inmigrantes, entre ellos, croatas, atraídos por la llegada del tren –entonces, ingleses- y la posibilidad cierta de trabajo. Este progreso fue momentáneo pero ayudó, en esos años, a crear un pueblo-ciudad que aún subsiste aunque con condiciones socioambientales muy diferentes.

A través del relato de ex ferroviarios, de directivos del museo de la ciudad donde se encuentran maquinarias de los ferrocarriles así como juegos didácticos para los chicos, el aporte de vecinos y de trabajadores del polo petroquímico que sucedió a la pesca y al ferrocarril (por ese puerto se trasladaban los granos a Inglaterra), se logra un potente relato sobre las consecuencias de la destrucción ambiental. Una de las empresas alojadas es Petrobras, la brasileña, que, junto a otras firmas, ha provocado escapes de cloro y otras substancias así como explosiones y la muerte de obreros por las mismas sin que los vecinos encuentren respuesta de las autoridades policiales y judiciales hasta el momento.

Es decir, se ejemplifica fehacientemente que el progreso provocó esclavitud social y tal impunidad que la pesca no existe más, aunque salgan uno o dos barcos diarios, y que la sociedad que subsiste sepa que está bajo la severa amenaza de muerte por intoxicación cuanto menos.

Este tipo de material cinematográfico, que siempre apoyamos desde estas páginas, tendría que tener difusión en las escuelas secundarias de todo el país. Resultan aleccionadores y hacen a la conciencia colectiva de una nación.

Elsa Bragato

VEREDAS

De Fernando Cricenti. Con Ezequiel Troncoso, Paula Reca, Alan Sabbagh, Ana Pauls, Paloma Contreras, entre otros, con participación especial de Fernando Bravo. Música de Fabián Picciano. Duración: 71 minutos.

XXXXX- HISTORIA DE ENCUENTROS

“Veredas” nos cuenta la historia de dos jóvenes, Federico (Ezequiel Troncoso) y Lucía (Paula Reca), que se encuentran casualmente en las calles de un barrio cuyas veredas recorrerán persiguiendo al novio de Lucía. La joven desconfía de su soltería, y cree que es padre de un niño.Para Federico la vida es bastante vacía, ha roto su noviazgo, y parece que el “nihilismo” se apoderó de su espíritu por lo que, sin saber muy bien cómo,  se suma a esta pesquisa de Lucía, es decir, deja hacer al destino. Así recorren veredas persiguiendo al joven novio o ex de Lucía.Alguna fiesta, algún encuentro, un taxista bastante incorrecto, matizan esta historia a la que le falta pasión en el desarrollo de los personajes. Esto no significa que la narración sea despareja: Fernando Cricenti maneja muy bien la realización de una historia pequeña. Pero el guion no lo ayudó. No obstante, los sentimientos de celos adolescentes puede atraer al público joven. Fernando Bravo hace una aparición como tal y a través de anuncios telefónicos, un aporte simpático para esta historia de amores y desamores.

Elsa Bragato

UN PAPA SINGULAR, GEOTORMENTA, SINFONÍA PARA ANA, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 19 DE OCTUBRE DEL 2017

JUEVES 19 DE OCTUBRE DEL 2017.-

Siete estrenos de cine llegan a las pantallas del país, en un “mix” de géneros: ciencia ficción que cae en el romanticismo y tragedias que terminan en noviazgos. Además del terror y de una animación nacional.

AMITYVILLE, EL DESPERTAR

De Franck Khalfoun (Estados Unidos). Una más de la saga Amityville de la que ya se estrenó un film la semana pasada.

“Lo poco bueno que hay en esta cinta reciclada son las actuaciones de los protagonistas, la eficaz atmósfera del veteranísimo fotógrafo Steven Poster, y que su atrabancada producción con dificultades y retrasos en su estreno pueden volverla de culto. Un churrazo de culto, obviamente…”, de José Felipe Coria, Diario El Universal (el estreno fue retrasado más de un año).

OTRA MADRE

De Mariano Luque (Argentina).

“Otra madre” presenta una mirada interesante sobre la maternidad de las distintas generaciones, mostrando su lado luminoso como también los desafíos y el desgaste que esto conlleva. Criar niños, trabajar, sostener a una familia y pensar en uno mismo, una tarea compleja que solo una madre puede tener”, de Samantha Schuster, Cinefiloserial.com.ar

UN PAPÁ SINGULAR

Guion y dirección Mike White. Con Ben Stiller, Austin Abrams, Jenna Fischer, Michael Sheen, entre otros.  Música de Mark Mothersbough. Duración: 101 minutos-

XXXXX- UN NUEVO BEN STILLER

Comedia agridulce y reflexiva que hace reflexionar sobre un padre que no es nada especial ni “singular” quien se replantea sus elecciones de vida y la falta de un éxito notorio cuando viaja de Sacramento a Boston para buscar una universidad para su hijo. Ben Stiller, quien había anunciado su retiro de papeles no comprometidos, retoma el estilo de “La vida secreta de Walter Mitty” donde las tribulaciones de un hombre común y sus reflexiones sobre la vida dejaron a un lado al brillante cómico que siempre fue.

El viaje de “Brad” (Stiller) junto a su hijo Troy  (Austin Abrams)desencadena una crisis de confianza en sí mismo al comparar su vida con la gloria social de sus amigos de escuela. A diferencia de la mayoría, la sociedad consumista está lejos de la tarjeta de crédito de Brad. No obstante, recurre a ellos para darle una gran oportunidad a su hijo que es, a pesar de su edad, un notable pianista. Los cuatro compañeros tienen el éxito en las manos en Hollywood, en bestsellers, en las finanzas. Estas situaciones, que son límites para Brad, mellan su espíritu y, en algún punto, lo rebelan. Sin embargo, un concierto de flauta y violín (las deliciosas Humoresques de Antonin Dvorak) que interpretan dos amigas de su hijo le dan el motivo fundamental para comprender que sus convicciones están en las antípodas del consumismo glorioso.

Ben Stiller es ideal para este rol donde, con gestos y solidez interpretativa, encuentra la revaloración de este viaje profundamente emocional: la necesidad de darle valor a su mujer Melanie (Jenna Fischer) y a su propio estilo de vida, dejando de lado el pragmatismo social reinante. El aspecto más interesante del film está en estas reflexiones que muestran el universo masculino, las exigencias sociales que un hombre tiene, y las frustraciones también cuando la gloria o el éxito está en lo exterior. Brad se lo plantea con profundidad: el fin individual de la vida no está en los oropeles sino en uno mismo.  Esta visión del alma y su “pelea” con un falso razonamiento sobre el éxito es el elemento sustancial de esta película que, más allá de algunas carencias narrativas, logra en Ben Stiller a un soberbio intérprete.

Carlos Pierre

SINFONÍA PARA ANA

De Virna Molina y Ernesto Ardito. Con Isadora Ardito, Rocíio Palacín, Rafael Federman, Ricky Arraga, Rodrigo Noya, Vera Fogwill, Javier Urondo, Mariana Carrizo, Manuel Vicente, Segio Boris, Federico Marrale, Mora Recalde y Leonor Courtoisie. Fotografía de Fernando Molina. Sonido de Gaspar Scheuer. Producción de Aníbal Garisto. Escenografía de Daiana Rosenfeld. Vestuario de Samanta Babic y asistencia de Julieta Bendersky. Duración: 120 minutos.

XXXXX-HOMENAJE A LA LUCHA ESTUDIANTIL

Basada en la novela homónima de Gaby Meik, los reconocidos documentalistas Virna Molina y Ernesto Ardito realizaron este primer largometraje de ficción donde se retrata la vida estudiantil de los años 70 en el Colegio Buenos Aires, esa explosiva mezcla de amor adolescente, política incipiente y rebelión que se vivió en aquella década. Como detalles de producción, el elenco fue elegido entre alumnos y ex alumnos del colegio mencionado y, por primera vez, el Buenos Aires abrió las puertas para una filmación.

Con voz en off de “Ana” (Isadora Ardito), presenta las circunstancias vividas en aquellos años, el mundo de los adolescentes que reaccionan ante el despido de un profesor, así como el surgimiento de la figura de la joven politizada que se enamora y atrae para su grupo el joven inexperto. En aquellos años, el temor, el miedo a “desaparecer”, era ya algo más que una sensación. La historia se ubica a partir de 1974, un año bisagra en la violencia. Los adolescentes probaron los límites de las fuerzas de represión sin conocer los alcances brutales de la misma. Los padres de los alumnos estaban al tanto de que algo más pasaba y trataron de que sus hijos se alejaran de cualquier grupo político. Muchos de ellos sufrieron en carne propia la desaparición de sus hijos. La “política” de los jóvenes estudiantes de los 70 fue toda conmoción e idealismo: enfrentamientos entre los peronistas y los de izquierda, las diferentes agrupaciones estudiantiles del colegio y la interacción, están recreadas a la perfección.

Además de mostrar con fidelidad las circunstancias políticas, Molina y Ardito retratan con profundidad el amor adolescente, la política que los unía y desunía al mismo tiempo, mientras vivían sorprendidos por la imagen del General Perón en su ataúd transmitido durante días por la televisión, el rock de la época y los sueños de libertad propios de esa etapa de la vida.

Molina y Ardito trabajaron encuadres y medios planos con real destreza, sin forzar la narración. Ésta fluye desde el comienzo, se enriquece con los inserts de videos de época (incluyendo tomas de la mítica “La pasión de Juana de Arco”, filmada en 1928 por Carl Dreyer con María Falconetti) y alcanza plenitud en el encuentro de los jóvenes, el refugio en el primer beso, y ese espíritu de eternidad a cada paso que daban propio de la edad, magníficamente logrado. Es el personaje de Ana quien nos introduce en este ejercicio de la memoria por lo que el relato puede ser fragmentado pero tiene hilación por sobre lo que se ve; el clima logrado permite que el espectador sienta, vibre, se emocione. Los flashback no son tales porque la historia se revive en la pantalla como si la conciencia de “Ana” susurrara sus miedos, sus amores y sus convicciones.

Recordar esa década través de una intachable narración basada en hechos reales (del Colegio Buenos Aires desaparecieron 108 alumnos, y la historia se basa en el caso de Magdalena Guilardo, de 15 años, detenida y desaparecida el 8 de julio de 1976) es cubrir un bache generacional a fin de que la memoria siempre esté y el “nunca más” siga vigente.

Esta película acaba de ganar el premio de la crítica como mejor film en el último festival llevado a cabo en la ciudad de Moscú. Es un film de referencia, esclarecedor, que los adolescentes deben ver, acompañados por sus padres. El  “nunca más” se torna una voz permanente en la conciencia de todos.

Elsa Bragato

MÁS ALLÁ DE LA MONTAÑA

De Hany Abu-Assad. Con Idris Elba, Kate Winslet, Beau Bridges, entre otros, además de un noble perro. Fotografía de Mandy Walker. Música de Ramin Djawadi. Basada en la novela homónima de Charles Martin, escritor contemporáneo norteamericano. Duración: 112 minutos.

XXXXX-REMANIDA HISTORIA PERO ATRAPANTE

Nada es nuevo. Sin embargo, esta historia de supervivencia en las montañas atrapa desde el principio por la lograda actuación de dos grandes intérpretes: Kate Winslet como la reportera gráfica “Alex Martin” y el oscarizado Idris Elba como el neurocirujano “Ben Bass”. Previsible en el comienzo y en el final, tiene un cuerpo narrativo con mucho suspenso, atractivo y perturbador al mismo tiempo.

Alex debe llegar en punto para casarse mientras que Ben tiene una neurocirugía urgente en un niño. El aeropuerto se cierra por tormentas y alquilan una avioneta que se arriesga a salir, comandada por Walter (Beau Bridges) quien sale junto a su perro. Pero sufre un ataque en pleno vuelo y el avión se estrella. Sobreviven Alex, Ben y el perro. Y aquí comienza lo más atractivo del film: la supervivencia en medio de la nieve, los aludes, algún animal salvaje que ataca, la forzada caminata hasta otro lugar más acogedor, la amistad naciente entre ellos así como el enojo entre ambos porque cada uno le reprocha al otro el haber subido a esa avioneta, el perro que los guía, aún perdiéndose en la nieve.

Idris Elba y Kate Winslet, tan diferentes, hacen gala de sus respectivas capacidades actorales. Y logran una buena química que surge con más fuerza en algunas secuencias que en otras. Por supuesto, hay muchos elementos que no cierran porque no son razonables en semejantes condiciones inhóspitas como pocas. Y el final, que obviamente callamos, no sorprende. Es aquí donde Hany Abu-Assad no conforma al espectador que conoce la obra del director palestino: demasiado dulzón, almibarado pero también… humano. He aquí el quid de este relato: su humanidad, que solo dos grandes actores pueden transmitir. Y un perro…

Elsa Bragato

GEO-TORMENTA

De Dean Devlin. Con Gerard Butler, Jim Sturgess, Abbie Cornish, Andy García, Ed Harris, A. María Lara, Eugenio Derbes, Daniel Wu, entre otros. Fotografía de Roberto Schaefer. Montaje de Rosen, Lebenzon y Refoua. Música de Pinar Toprak. Duración: 109 minutos.

XXXXX- CIENCIA-FICCIÓN POCHOCLERA

Los efectos especiales son los grandes atractivos de este film que tiene fallas narrativas importantes. Es el primer largometraje de Dean Devlin, estrecho colaborador de Roland Emmerick, el gran generador de “tanques” sobre siniestros terrestres. Y el “maestro” se ve en esta concepción cinematográfica de Devlin que no sale tan mal parado. En este caso, corre el año 2019; los satélites que rodean la tierra, encargados de controlar el calentamiento global, tienen un desperfecto y comienzan a producirse siniestros terribles: las calles de Tokio explotan con magma que destruye calles y derrumba edificios como si fuesen de papel; en Dubai las olas son gigantescas y arrasan con los más altos edificios del mundo; en las costas de Río de Janeiro las aguas se congelan y petrifican a los playeros, mientras que en pleno desierto de Afganistán un patrulla norteamericana encuentra una aldea congelada incluyendo a sus habitantes… como en la mítica Pompeya.

Solo un hombre puede detectar por qué están sucediendo y ése es Jake Lawon (Gerard Butler), quien es el generador del sistema de satélites. Se enfrenta a su hermano menor, Max Lawson (Jim Sturgess) quien es ascendido y echa a Jake hasta que las circunstancias lacrimógenas y finales lo obligan a darle la razón. Jake se traslada a la estación satelital (deja a su hija), reconstruida con una magnificencia extraordinaria, donde deberá detectar el “virus” implantado que ha enloquecido a los satélites.

Hay escenas controversiales como el “vuelo” de Jake y su compañera de la base en pleno cosmos, bastante poco posible, así como la “salvación” del presidente de los Estados Unidos Andrew Palma a cargo de Andy García. Un coche que explota por un misil les es arrojado en plena calle y el auto se incendia: nadie pudo quedar vivo. Sin embargo, desde algún extraño lugar (del set…) surgen el presidente Palma vivito y coleando junto a la agente que encarna Abbie Cornish y “Max Lawson”, el hermano de Jake, que se dio cuenta del complot.

La película es mero entretenimiento de clase B. Es una rama de los grandes tanques de Hollywood que tienen menos sentimentalismo aunque catástrofes similares. Pierde mucha fuerza por el entuerto entre los hermanos siendo absolutamente previsible. No es la mejor película sobre el tema aunque pone un alerta rojo sobre los satélites que monitorean la atmósfera terrestre y la capacidad que tendrían para generar catástrofes nada naturales. Con pochoclo, pasa. Burda y melancólica a la vez.

Elsa Bragato

ANIDA Y EL CIRCO FLOTANTE

Animación de Liliana Romero. Con las voces de Nicolás Scarpino, Gabriela Bevacqua, Adrián Navarro, Alejandro Parker, entre otros. Música original: Scatmusic. Duración: 76 minutos.

XXXXX- MAGIA Y COLOR EN ANIMACIÓN NACIONAL

Preciosa animación nacional que recorrió diferentes festivales obteniendo, entre otros premios, la Mención Especial del Jurado de Animación en el Festival del nuevo cine realizado en La Habana en 2016. Es la historia de Anida, una joven que lee el futuro y que no sale del circo flotante que regentea la villana Justine. Un buen día aparece traído por las aguas un joven, se llama Fígaro y le será encomendada la tarea de mago dado que el otro ha quedado encajonado en un truco propio. A Anida la sigue el sapo Vicente y a Fígaro, el conejo Valentino. Ambos animalitos saben mucho de los secretos del circo y ayudan a los jóvenes a ir desentrañando el pasado del mismo.

Hay escenas oníricas como el vuelo de Anida, la aparición de duendes un tanto malignos, la encantadora melodía de Fígaro al tocar con un arco un noble serrucho. Es decir, Liliana Romero recurrió a toda su imaginación y la de sus colaboradores para armar una historia con muchas aristas pero que, en definitiva, castiga a los malos y premios a los buenos y al amor.

La técnica empleada es la 2D Cut Out que se basa en la fotografía de figuras planas que solo muestran un perfil a las que se puede pintar, como los fondos también, para luego darles la movilidad tradicional al reubicarlas en sus escenarios. Hay riqueza de colores, que tanto atraen a los chicos, y varias canciones muy bonitas que introducen un elemento lindísimo dentro de la animación. Para chicos y papás. Hermosa historia mágica.

Elsa Bragato

PENDEJA PAYASA Y GORDA

De Matías Szulanksi. Con Mirta Wons, Ana de Vicentis, Florencia Benítez, Claudia Schijman. Núsica de Leo y Mateo Sujatovich. Duración: 74 minutos.

XXXXX- MUJERES DE ARMAS TOMAR

Matías Szulanski encaró este segundo largometraje donde lo gore y el absurdo se dan de la mano. Es un thriller que no deja de lado el humor aún en las situaciones más escabrosas. “Natalia López” (Mirta Wons) le encarga a dos mujeres que busquen una persona, la maten y le traigan los dos riñones porque su hermano necesita un trasplante. No siempre las cosas salen bien y “Gorda” se mete en un gran lío. Con flashback volvemos al comienzo de la historia cuando “Natalia” era la capomafia de un grupo d e mujeres y jóvenes varones. Las chicas, desparpajadas y con amoríos, salen en busca del cuerpo humano al que masacran a puras trompadas. No se muestra pero la sangre salpica la cámara y así, tal como viene, la arrancan los riñones.

En este tipo de situaciones extremas la ligan terceros que de alguna manera están involucrados por lo que la sangre no deja de correr. El lenguaje es procaz por momentos y las escenas tienen mucha violencia pero a manera de grotesco. Gente de mal vivir que conoce la droga y mata para conseguir lo que quieren. Por supuesto, Szulanski no pierde el humor y, con la exageración de los personajes, logra un film que atrapa y hace reir al mismo tiempo. Como una buena manera de introducirnos en la vida de cada grupo y de cada personaje, Szulanski divide en capítulos la narración. Sin duda, si bien el elenco está bien, Mirta Wons está fantástica como su colega Claudia Schijamn. Pero, en verdad, nadie desentona. Y con planos más bien cortos, Szulanski logra una película entre el thriller y el gore que orilla el absurdo.

Elsa Bragato