"SANGRE DE MI SANGRE", "RAMS", "CUANDO LAS LUCES SE APAGAN", ESTRENOS JUEVES 28 JULIO 2016

JUEVES 28 DE JULIO DEL 2016.-

Cinco estrenos llegan a los cines del país. Italia, Islandia, Argentina y Estados Unidos tienen propuestas diferentes e interesantes.

RAMS

De Grimur Hakonarson. Con Theodor Juliusson, Sigurour Sigurjónsson, entre otros. Fotografía:  Sturla Brandth Grøvlen. Música de Atli Orvarsson. Duración: 93 minutos.

MUY BUENA. LA SENCILLEZ DE LA EXCELENCIA

Rams significa ovejas en noruego. Es la historia de dos hermanos , Kiddi {Theodor Juliusson) , un hombre rudo y alcohólico, y Gummi {Sigurour Sigurjónsson}, más tranquilo y sobrio. Son pastores de ovejas en un valle muy remoto de la escarpada Islandia. Pero pastores al uso noruego, con una tecnología acorde al nivel social elevado de ese país nórdico, Noruega, que contiene a esta pequeña isla de no más de trescientos mil habitantes.

Ambos crían carneros del mismo linaje ancestral con orgullo y tesón. Sin embargo, están separados, no se hablan desde hace cuarenta años. A raíz de la competición anual  que se realiza en el pueblo premiando al mejor animal, ambos pastores se enteran de la dramática novedad: todo el ganado está infectado por “la tembladera”,  enfermedad mortal que  afecta el sistema nervioso central. Y los rebaños deberán ser sacrificados.

Este drama rural tiene dos puntas: una, los dos hermanos que no se hablan; otra, las ocho ovejas que Gummi  escondió para que no fuesen al matadero. Surge un hecho, una proeza inesperada, en medio de ese paisaje inhóspito, pleno de nieve y agreste soledad, añadiéndole el orgullo que los hermanos sienten por sus respectivos rebaños, a los que criaron con tesón y enorme sacrificio.

Tomas largas nos muestran el paisaje desolado, de profundo aislamiento a través de una fotografía sobrecogedora que enriquece una historia rústica y esencialmente humana, trasluciendo una fina ironía y sosiego como contrapeso del mal momento que deben enfrentar los hermanos. Si bien es una historia sencilla con el enorme peso del rigor del paisaje y la implacable peste, surge la humanidad de estos dos hermanos que, por sobre las enormes diferencias, se unen en los sentimientos de abnegación y amor por el oficio y la vida misma, ésa que les ofrece el entorno abrumador de la isla. La narración que propone Hakonarson (el mismo de “Summerland”), nacido en Islandia, es conmovedora, conocedor como es de su propia tierra, con una inquisidora y tierna mirada hacia el alma humana.

La película fue premiada en el Festival  de Cannes, en la sección Un Certain Regard, en el Festival del Cine Europeo y el de Valladolid, como Mejor Película, galardones que se merece por contenido, actuaciones y diseño de arte. Para ver.

Carlos Pierre

NO RENUNCIO!!! (QUO VADO?)

De Gennaro Nunziante. Con Checco Zalone, Eleonora Giovanardi, Sonia Bergamasco, Maurizio Micheli, Azzurra Martino, entre otros. Música de Luca Medici. Duración: 86 minutos.

MUY BUENA. LA ITALIANIDAD AL PALO

Cifras notables de taquilla arrojó esta película en las salas de Italia. El humor de la dupla Nunziante – Zalone es uno de los más prestigiosos de la península y, en esta cuarta película que hacen, alcanzan otro éxito: una recaudación de 65 millones de euros (muy cercanos a lo que recaudó la sofisticada “Avatar”) y más de 9 millones de espectadores.

Tanto Gennaro Nunziante como Checco Zalone nos hablan de la “italianidad”, de esa esencia que no se puede olvidar ni remover del alma ni del corazón. La historia se centra en “Checco”, quien vive muy cómodo con sus padres, es soltero aunque tiene una eterna prometida, “Penélope” (Azzurra Martino). Todo cambia cuando su situación laboral se torna inestable: es obligado a aceptar una indemnización en su seguro trabajo o bien lo transferirán muy lejos del hogar. La “dottoressa Sironi” (Sonia Bergamasco), la nueva autoridad de la empresa, le da traslado a un laboratorio en el Ártico ante la negativa de “Checco” de aceptar indemnización. Allí conoce a la científica y conservacionista Valeria con quien empieza a convivir en Noruega. Pero pronto descubrirá que en ese hogar hay niños de diferentes padres, y tiene un shock profundo bien latino: la cuestión es rara y no tiene nada que ver con su crianza y sus costumbres. ¿Será otro más en la colección de la libertaria Valeria?

El título del film es “Dónde voy”, Quo Vado?, una leve diferencia de conjugación respecto del famoso film “Quo Vadis? (Dónde vas), de 1951, cuando Jesús se lo pregunta a Pablo y éste regresa a Roma. Aún con las diferencias históricas notables, Quo Vado? tiene un sentido similar: no alejarse del lugar de pertenencia, valorar lo que se tiene, y, aún sin perder el sentido de la aventura, no negar la propia esencia donde puede encontrarse la esperanza de lo diferente pero preservando lo que se es.

La actuación de Checco Zalone, músico también y reconocido conductor de televisión en su país (codirector del film en sus rubros técnicos y autor de la banda sonora bajo el apodo Luca Medici), recuerda a la del extravagante Sacha Baron Cohen, quien no tiene tapujos para decir las cosas menos correctas o sociables cuando se le ocurre.

Sin duda, “Quo Vado” o bien “No renuncio!” es un fiel retrato del sentimiento italiano, lo cual explica el suceso logrado, y, de alguna manera, la empatía que produce en otros países como el nuestro con fuerte raigambre “tana”. Simpática narración. Disfrutable.

Carlos Pierre

SANGRE DE MI SANGRE

Escrita y dirigida por Marco Bellochio. Con Pier Giorgio Bellochio, Roberto Herlitzka, Lidiva Liberman, Alberto Bellochio, Alberto Cracco, entre otros. Música de Carlo Crivelli. Duración: 107 minutos.

MUY BUENA. EL ATAVISMO DE BELLOCHIO

Hablando de la italianidad, la mirada de Marco Bellochio es la más penetrante y compleja de la semana en “Sangre de mi sangre”, un título que sintetiza esa búsqueda íntima del realizador a través de un film de difícil abordaje, poco inasible e imperfecto que, sin embargo, derrama los sentimientos de Bellochio sobre su atávico sentido peninsular. La belleza visual, trabajosa y artística, resume la visión espiritual, ésa que Bellochio siente, de su propia gente, de su pueblo natal, Bobbio, un juego de lógica pura que nos permite inferir la esencia, etérea, del realizador.

La historia de “Sangre de mi sangre” tiene dos partes: la primera ocurre en el siglo XVII donde, en un convento franciscano, una monja, “Benedetta”, será sometida a la Inquisición por haber seducido a un capitán, quien terminó suicidándose. La purificación de la monja abre la lente de la cámara de Bellochio para mostrar imágenes sobrecogedoras. De ese siglo y ese convento, oscurantismo puro, se salta al presente, donde el “Conde” (Drácula) ve quebrada su pacífica existencia actual cuando un millonario ruso decide comprar su vivienda, lugar donde la monja Benedetta fuese enclaustrada siglos atrás. Esa locación es el punto de unión del que hay que sacar conclusiones.

Y, en ambas, Marco Bellochio (recordar, por ejemplo, I pugni in tasca , 1965), relata un muestrario que pasa por diversos géneros: desde el histórico thriller religioso hasta el no convencional personaje del “Conde” teniendo en ambos casos una crítica sociopolítica aguda, impura, compleja, de todos los sustratos que conforman la italianidad.

En este mix de personajes y situaciones que, como torbellino, meten al espectador en historias inesperadas, Marco Bellochio vuelve a regalar una película de signo muy propio, de marcado atavismo y de acentuada crítica a la hipocresía, a la corrupción, a la crueldad, en una singular síntesis. Y, como para no dejar duda de que esto lleva su sello, trabaja con sus hijos Pier G. y Elena Bellochio.

Es una película que exulta libertad absoluta, nada convencional, difícil pero bella a la vez, en la que Marco Bellochio rinde tributo a su Bobbio natal (pequeño pueblo de la Emilia-Romagna) a su manera, mostrando el dolor, la rabia y la gloria de haber nacido allí. Bella e inasible, compleja y atrevida, inusual e imperfecta. Para espectadores atentos.

Carlos Pierre

EL FRANCESITO

Documental de Miguel Luis Kohan. Producción, guión y fotografía de Miguel Luis Kohan. Música y diseño de sonodo: Gustavo ´Pomenarec. Duración: 85 minutos.

BUENA. BIOPIC DE PICHON RIVIERE

Interesante resulta este documental de Miguel Luis Kohan, quien tiene a su cargo todos los rubros técnicos de la producción, sobre una de las personalidades más destacadas de la psicología y fundador de la psicología social: Enrique Pichon-Riviere. Psicoanalista y psiquiatra francés, se afincó en el Chaco junto a sus padres. Lo llamaron “El francesito” y se nutrió de la exuberante flora y fauna chaqueña, entre solitarios pumas y voraces yacarés. Era, en buena medida, diferente al resto de sus pares que, aún así, compartía una infancia salvaje, lejos de lo urbano.

En este documental, hay interesantes entrevistas y una voz en off que va engarzando los diferentes momentos de la vida de Enrique Pichon Riviere. Así aparecen Vicente Zito Lema, Kosice, Horacio Carbone, Juan José Stagnaro, Alfredo Moffatt, entre otros, documentos antiguos y un hilo conductor que nos permite recomponer  la vida y obra de una de las personalidades más importantes de la psicología nacional e internacional, que cultivó su espíritu en la poesía francesa de Lautremont, Rimbaud, Baudelaire, los surrealistas, el análisis de la locura y la  neurosis, y el no tener miedo a nada, a enfrentar la vida y la enfermedad mental.

Miguel Kohan es un médico psicoanalista y cineasta que rinde tributo con este trabajo a uno de los grandes estudiosos que, aunque nacido en Francia (como Gardel) desarrolló su carrera en nuestro país, generando una escuela que tiene vigencia hasta hoy.

Carlos Pierre

CUANDO LAS LUCES SE APAGAN

De David Sandberg.Con Teresa Palmer, Gabriel Bateman, María bello, Billy Burke, Alexander Dipersia, entre otros. Música de Benjamín Wallfish. Producción de James Wan. Duración: 81 minutos.

MUY BUENA.

El cine de género tiene un nuevo maestro, James Wan, creador de “El conjuro” y de “Annabelle”, dos películas que han quedado en la historia reciente del mejor cine de terror. En el caso de “Cuando las luces se apagan” o bien “Lights out”, es el productor del  novel director de origen sueco, David Sandberg, que ha ganado premios por su corto “Lights out”. Para quienes tengan curiosidad, lo encuentran en Youtube y dura 3 minutos.

La idea de hacer un largometraje encontró en Wan a un productor decidido a invertir y direccionar la trama de esta madre de dos hijos, una bella adolescente y un niño pequeño, sometida mentalmente por un espíritu maligno, Diana, que la coptó cuando estuvo internada en su juventud debido a una depresión. La desaparición de los dos maridos, las fotos con “Diana” a su lado, un ser oscuro, negro, tal como se lo ve, y las investigaciones psiquiátricas que la mayor, “Rebecca”, encuentra, generan todo el clima que tanto Sandberg como James Wan necesitaban para esta historia surgida de un cortometraje.

Tomas subjetivas, sombras nefastas, el chirriar de puertas como un guiño al terror convencional, se van hilvanando para generar una altísima perturbación en el espectador de principio a fin. Lo convencional está pero se nota el manejo de producción aunque David F. Sandberg es, según se ve, un ferviente seguidor de James Wan. Los golpes bajos no existen sino el terror psicológico que suele ser más brutal que una secuencia “gore”.

Las luces se apagan tal como indica el título, tiemblan, se vuelven a encender, la cámara recorre pasillos y se frena en puertas cerradas con llave, un niño se cubre con las mantas, aterrorizado, en su cama, mientras la madre enfrenta a la sombra. La historia no es novedosa, pero está muy bien realizada al punto que las coincidencias con otras películas del género o los clishés se dejan de lado: la narración envuelve e inquieta hasta el segundo final. No se la pierda.

Elsa Bragato

 

"LA LEYENDA DE TARZÁN", "BAJO EL SOL", ENTRE LOS FILMS JUEVES 21 DE JULIO 2016

JUEVES 21 DE JULIO DEL 2016.-

Hay cuatro estrenos en esta semana de vacaciones de invierno, que incluyen dos potentes realizaciones como “La leyenda de Tarzán” y “La vida secreta de tus mascotas” dedicadas a toda la familia. También se estrenan la hispanoargentina “Paula”, primer largometraje del director pergaminense Eugenio Canevari, radicado en Barcelona, film que deslumbró en el Festival de Cine de San Sebastián, narrando la historia de una joven que sirve en la casa de patrones adinerados y queda embarazada. El tratamiento narrativo de los opuestos, o sea el universo íntimo de la joven y el poderío de los que más tienen, son el eje de este buen relato.

LA LEYENDA DE TARZÁN ( 2D Y 3D)

De David Yates. Con Alexander Skargard, Samuel L. Jackson, Margot Robbie, Christoph Waltz, Djimon Hounsou, entre otros. Basado en la tradicional novella de Edgar Rice Burroughs. Música de Rupert Gregson.Williams. Diseño de producción: Stuart Craig. Duración: 110 minutos.

BUENA. DESLUMBRANTE SELVA VIRTUAL

David Yates regresa con una superproducción luego de ser el director de los cuatro últimos films de la saga Harry Potter. El conocimiento de la dinámica de los efectos especiales no tienen secreto para Yates quien los utiliza de forma espectacular en esta remake del Hombre Mono. Remake porque se tuvieron versiones en el cine, series en la televisión con el legendario Johnny Weissmuller (falleció en 1984) y también versiones cinematográficas (se mencionan 89 films desde 1918 hasta el 2010).

Yates tiene en cuenta el original del escritor Edgar Rice Burroughts, que muchas veces se dejó de lado: la vida de Tarzán como John Clayton III, Lord Greystoke, heredero de otro entusiasta explorador de la zona del Congo donde nació John y se convirtió en Tarzán cuando sus padres (por distintas causas que en el film se muestran a través de breves flashbacks) murieron y fue adoptado por una simia Mangali llamada Kala, quien perdió a su bebé. En las series conocimos al chimpancé macho Chita. El film se ajusta al libro de Burroughs.

La historia tiene un trasfondo sociopolítico interesante: la explotación del Congo, que fuera dividido en 1884 en cuatro partes, por el rey Leopoldo de Bélgica, quien quedó a cargo de la costa más grande, donde explotaba el marfil de los elefantes y las minas de diamantes: el “congo belga”. Clayton-Tarzán es alertado sobre el destrato a los aborígenes y sobre un enviado por el rey belga, León Rom (Christoph Waltz), quien quiere apoderarse del lugar sin importarle la conservación de las especies ni la selva. “Tarzán” se casó con la bella “Jane” (la australiana Margot Robbie), Los acompaña un representante de los Estados Unidos, “G. Washington Williams” (Samuel L. Jackson), uno de los grandes investigadores del siglo XIX de la esclavitud oponiéndose enfáticamente.

“Tarzán”, “Jane” y “George” regresan al Congo y deberán sortear más de una hora de peripecias muy violentas, desde raptos hasta peleas sangrientas de Tarzán con los gorilas o mangali en este caso, el reencuentro con su madre simia Kala, los enemigos que comanda el jefe de una de las tribus del lugar, el incendio de las villas, la matanza de simios y seres humanos. Y la aparición del malvado “León Rom” a cargo del ganador del Oscar  Christoph Waltz quien queda pegado a los tics de su rol de nazi en “Bastardos sin gloria” de Quentin Tarantino.

Hay elementos para destacar y criticar: en primer lugar, el film tiene una laboriosa realización, con actores consagrados y la novedad de Alexander Skarsgard, actor sueco en el papel protagónico. La australiana Margot Robbie es Jane y tiene también la dosis de belleza y talento como para componer a esta esposa que conoció la selva tanto como su marido. La fotografía y el diseño de arte son destacados así como el montaje donde se suprimieron escenas para sintetizar de manera elegante, de acuerdo al director del film, la relación amorosa entre Tarzán y Jane.

Los efectos visuales son muy buenos, los viajes por las lianas de Tarzán resultan fantásticos, y la estampida de los animales del bosque tiene un trabajo real y virtual de significación. Sí, en cambio, se nota la pérdida de cierta mística en la leyenda de Tarzán, mantenida a través de las series televisivas, dado que el héroe está escindido entre su vida como Lord y la que puede tener en su cabaña en el árbol entre monos, elefantes, y tigres. Y queda de lado el planteo inicial de salvar la vida y la ecología del llamado entonces Congo Belga. La historia se circunscribe rápidamente a Tarzán y la lucha por recuperar a Jane y enfrentar a dos malvados: el jefe de la tribu enemiga y especialmente a León Rom. Es muy entretenida a pesar de estos comentarios.

Carlos Pierre

LA VIDA SECRETA DE TUS MASCOTAS (2D y 3D)

De Chris Renaud y Yarrow Cheney. Fotografía y edición de Ken Schretzmann. Música de Alexandre Desplat. Duración: 91 minutos.

BUENA. MASCOTAS REVOLTOSAS

El director de la saga “Mi villano favorito”, Chris Renaud, encara esta vez una historia simple y directa, sin vueltas a la hora de desarrollar la psicología de sus personajes, mascotas de todo pelo y color, entre gatos, ratones, perros, entre otras. Se dedica a la acción y a la simpatía o no que puedan generar los animalitos virtuales. Nos cuenta la vida de “Mac”, que es un mimado de su dueña, y de “Dulce” (la voz en castellano la puso el excelente actor “Campi” Campilongo), un perro callejero que tiene sus propias reglas. Los dos, a causa de la rivalidad que sienten, aprovechan el primer día que están juntos para salir del departamento e iniciar una serie de aventuras que los lleva a las cloacas neoyorquinas donde habitan mascotas muy malas. Peleas, la “perrera”, corridas por puentes y calles neoyorquinas para salvar el pellejo, caracterizan esta animación que entretiene desde el comienzo pero que no propone nada. Solo diversión sin moraleja. Siempre podemos inferir subtemas y, en este caso, es el amor a los animales que adoptamos. Aunque desconoceremos si, cuando cerramos la puerta, se comportan bien.

Es de destacar la notable banda sonora del maestro Alexandre Desplat, quien devuelve el sonido de las grandes bandas de jazz a través de melodías y orquestaciones de excelencia. Subraya así momentos decisivos y otros muy simpáticos de esta animación que derrocha alegría por sobre todos los conflictos planteados, la amistad por sobre los celos y el amor hacia las personas no humanas. Para chicos y grandes.

Elsa Bragato

BAJO EL SOL

De Dalibor Matanic. Con Tihana Lazovic, Goran Markovic, Nives Ivankovic, Mira Banjac, Slavko Sobin, entre otros. Música de Alen Sinkauz y Nenad Sinkauz. Duración: 125 minutos.

MUY BUENA. LAS GRIETAS DEL HORROR

Los pueblos en guerra es el punto de partida para el realizador croata Dalibor Matanic en “Bajo el sol” donde confronta tres décadas, dos países –Croacia y Serbia- y un solo amor a través del tiempo. En realidad, son tres parejas que se encuentran previo a la guerra entre las dos naciones, 1991. El amor entre un croata y una mujer serbia resulta prohibido y desesperante al mismo tiempo. Luego en el 2001, cuando aún las terribles matanzas no terminaron, y ya en el 2011 cuando todo parece tener un cauce normal.

He aquí el mérito de Matanic: redescubrir con la cámara que las guerras despedazan no solo lo material sino también el espíritu, concepto que se renueva en estos holocaustos regionales. Aún hoy, el prejuicio está latente, enamorarse del hombre o la mujer de un “pueblo enemigo” resulta un padecimiento eterno. Son pueblos que conviven con grietas de horror.

Dalibor Matanic se centra en la vida de estas tres parejas (los mismos actores en los tres casos) para desarrollar, desde lo pequeño y personal, el desgarro espiritual que ocasionan las guerras. No nos muestra batallas sino enfrentamientos entre pueblos, entre fronteras que no se ven pero se conocen, entre vecinos, y el resquemor que va generando aún cuando las metralletas dejaron de sonar. Nadie como Matanic para conocer desde la esencia misma el dolor de dos pueblos enfrentados ancestralmente. La excelencia del film radica en mostrarnos desde esos casos tan individuales e intimistas las consecuencias inmediatas y mediatas de estas luchas. Conmovedora, profunda película que

Elsa Bragato