LAS VENTAJAS DE SER INVISIBLE Y SIETE PSICÓPATAS, CON LA ESPECTACULAR STEP UP EN 3D, ENTRE ESTRENOS JUEVES 29

JUEVES 29 DE NOVIEMBRE DEL 2012.

Hay nueve estrenos que incluyen tres films nacionales. Y dos documentales entre estos últimos: Gricel, docu-ficción sobre la musa inspiradora de este tango, y El impenetrable, documental sobre el “impenetrable paraguayo”. Ganó el premio del público en el  27 festival de cine de Mar del Plata. Se agregó a último momento Zuloak, documental sobre esta banda de música.

Asimismo hay dos películas más convencionales pero no menos taquilleras: Step up 4- La revolución es el film musical del siglo XXI, con espectaculares “flash mob” o  “danza flash”, cuya primera entrega fue en el 2006 y resultó un éxito de recaudación, y Juegos de Muerte, con la sangre y el terror convencionales del género aunque con nuevos tips en sus protagónicos.

 “Las malas intenciones” es un film peruano del 2011 que nos cuenta la vida de la pequeña Cayetana en la década del 80 en medio del terrorismo naciente en el país hermano y llega a la cartelera porteña prácticamente sin difusión.

SIETE PSICÓPATAS O NO TE METAS CON EL PERRO

De Martín McDonagh. Con Colin Farrell, Sam Rockwell, Christopher Walken,, Woody Harrelson, entre otros. Música de Carter Burwell. Duración: 110 minutos.

BUENA. ALOCADA COMEDIA, OSCURA Y SANGRIENTA

El título, “Siete psicópatas o no te metas con el perro”, alude, en primer término, a los fatales Siete Jinetes del Apocalipsis y, luego, al psicópata dueño del perro porque, si se intenta robarlo, uno se las verá con la incontenible y loca violencia del amo.

El film se sustenta en cuatro pilares: el escritor Martin (Colin Farrell), su amigo (Sam Rockwell), el socio de éste (Christopher Walken) que es un hombre religioso con un pasado violento, y el gángster psicópata (Woody Harrelson) cuyo amado perro es secuestrado por una recompensa.

En principio hay que destacar al realizador Martin McDonagh, el mismo de “Asesinato en Brujas” o “En Brujas”, según la traducción al castellano de “In Brugge” y su afición por los “malos” seriales en tono de comedia melodramática. En este caso, Colin Farrell es el guionista que no tiene ideas, alcohólico empedernido, que pergeñó una historia de siete psicópatas pero la realidad truculenta se le mezcla con su escrito. Estamos frente a una comedia con matices oscuros, negra, y con situaciones impredecibles, de ritmo vertiginoso. MacDonagh tiene mano firme para orientar su narración entre la risa, la extravagancia, con diversión teñida de sangre y mucho desparpajo. Los roles están muy bien definidos, cada uno de ellos va in crescendo en su patología a lo largo de la costa Oeste de los Estados Unidos y en esto vemos la maestría del director. Plena de Persecuciones, la trama está perfectamente construida, con cada uno de los cabos pronto a ser atades en un desenlace grandilocuente.

La película ostenta una pátina inteligente donde la diversión termina con violencia, con toques a lo Tarantino. Obliga a la atención del espectador porque el protagonista, Colin Farrell, se ve sumergido en su propia historia pero, en definitiva, se trata de la propia realidad violenta y trágica.

Las locaciones finales son espectaculares, secuencias filmadas en el desierto norteamericano, el mismo de tantos films de cowboys; en este caso constituye un escenario por demás convincente para la acción descontrolada que se genera. Es un juego macabro y alocado, una propuesta diferente, atrapante.

Carlos Pierre

DULCE DE LECHE

De Mariano Galperín. Con Ailín Salas, Camilo Cuello Vitale, Marcos Rauch, Florencia Raggi, Paula Ituriza, Luis Ziembrowski, entre otros. Música de Fabián Picciano. Duración: 86 minutos.

BUENA. COMEDIA ÁGIL SOBRE EL AMOR ADOLESCENTE, SIN PRETENSIONES

Historia del primer amor adolescente que nace a través de un frasco de dulce de leche cuando Luis (Camilo Cuello Vitale) y Anita (Ailín Salas) entrecruzan sus vidas. La ocasional rotura del frasco le permite a Luis el pretexto simple y mágico de reponerlo, iniciando así un romance en la ciudad de Ramallo, una ciudad muy bien retratada y afín a la propuesta.

Uno de los aciertos de Mariano Galperín es la elección de la pareja protagónica porque Cuello Vitale y Salas fueron compañeros de la escuela primaria y pudieron entonces alcanzar una elocuente química en la película. La trama enfrenta a este amor juvenil con los padres y maestros de los adolescentes, empecinados en reencauzar sus vidas según sus rígidos cánones sin tener en cuenta la libertad irreverente de los más jóvenes.

Hay escenas de gran belleza visual y se observa la mano profesional de Galperín, que ha sido realizador de videoclips para Alejandro Lerner, Soda Stéreo, Charly García, entre otros artistas nacionales. Surgen así secuencias muy sugestivas y, además, un acertado “tempo” vivaz, que le da frescura a la narración.

Son muy logradas las actuaciones de Florencia Raggi como la madre de Luis y la de Marcos Rauch como el amigo del joven, convertido en su ocasional rival por la conquista amorosa de Anita.

La banda sonora de Fabián Picciano acompaña con precisión este amor adolescente y contribuye al clima alegre y despreocupado que campea en la historia. Como referencia de un amor adolescente encontramos “Melody”, 1971, con guión de Alan Parker. “Dulce de leche” ganó el premio MovieCity a la mejor película nacional del 26 Festival de cine de Mar del Plata. Se deja ver.

Carlos Pierre

LAS VENTAJAS DE SER INVISIBLE

De Stephen Chbosky, también autor de la novela y del guión. Con Logan Lerman, Ezra Miller, Emma Watson, Paul Rudd, Joan Cusack, entre otros. Música de Michael Brook. Duración: 103 minutos.

MUY BUENA. COMEDIA INTELIGENTE SOBRE EL AMOR, LA AMISTAD Y LA LIBERTAD ESPIRITUAL

El ingreso a la preparatoria de un adolescente tímido e inexperto con el peso de ser un “don nadie”, un “invisible”, un “marginal” para los demás, deja de ser una ventaja al enfrentarlo al aprendizaje de la vida: hay situaciones en las que nadie es marginal o invisible para el resto. “Charlie”, interpretado por Logan Lerman, es este joven que inicia estudios con el doloroso peso de la pérdida de su tía en un accidente y el suicidio de su mejor amigo. La calidez de Patrick (Ezra Miller), hermanastro de Sam (Emma Watson, la chica bella de Harry Potter) y homosexual de enorme carisma, le permiten enfrentar la nueva vida. Aparece la figura de Mr Anderson (Paul Rudd) como el profesor de inglés que lo alienta y lo introduce en la literatura, le facilita libros y le aviva el deseo de ser escritor.

El libro de Stephen Chbosky, director y guionista del film, es best seller entre los jóvenes norteamericanos. Ha gustado la tremenda honestidad del protagonista, según la crítica, y su forma epistolar, de ágil lectura: Charlie le escribe a un corresponsal anónimo.

Se produce gran empatía entre estos adolescentes y el espectador, uno puede reconocerse en esos gozos y tristezas, en esos llantos y risas. Lejos de la pátina de hipocresía que suele existir en la adultez por razones sociales, se observa una enorme sinceridad en el relato, sin golpes bajos ni sensiblería. La narración respeta el lema del autor: “Aceptamos el amor que creemos que merecemos”.

Coherencia e inteligencia imperan en esta comedia dramática, a través de un impecable tratamiento cinematográfico. Las actuaciones de los jóvenes actores son sólidas. Destacamos una secuencia antológica: los protagonistas atraviesan un túnel en coche con una melodía que desconocen pero que los extasia y Sam abre sus brazos como si fuesen alas. Hay mucha magia en la banda sonora elaborada con varios soundtracks estupendos. Por otra parte, surgen dos subtemas importantes: la bella amistad entre heteros y homosexuales y esa sensación de ser invisible para los demás o un marginal. ¿Quién tiene la verdad? ¿La sociedad, uno mismo, es autocensura? Muy interesante película.

Carlos Pierre

LAS CHICAS DE LA BANDA

De Geoggrey Enthoven. Con Marilou Mermans, Jan van Looveren, Lea Couzin, Lut Tomsin, Lucas van den Eynde. Música de Stef Caers, Olaf Janssens, Pascal Garnier & Tom Ketens. Duración: 98 minutos.

REGULAR. COMEDIA DEPRESIVA QUE TIRA ABAJO LAS ESPERANZAS

Es curioso el estreno de este film belga, de 2009, en detrimento de otras películas que no se han visto y que empiezan a estar nominadas para los grandes premios de Hollywood. En principio, se refiere a las “meisjes” o “señoritas” en neerlandés de hace 40 años que ahora, setentonas, intentan un volver a vivir. Todo comienza por la muerte del marido de  Marilou y su acercamiento a su hijo Sid, un “outsider” músico de hip-hop. La madre tiene la idea de recomponer la banda con sus amigas, setentonas como ella. En principio, el film debería motivarnos mejor sobre la tercera edad. Pero el montaje de la película tira abajo cualquier espíritu emprendedor: un accidente y una larguísima secuencia en un cementerio que, si bien nos enfrenta a los personajes y sus reacciones, pudo evitarse o apenas ser un “clip” arrancan con este comedia depresiva. El rearmado del grupo está, además, enfocado en los ensayos más que en las actitudes de las tres damas en cuestión, aunque existan algunos diálogos jugosos y una escena risueña con un guitarrista africano. La lentitud de estas secuencias le quita mérito a la narración en general. El problema de salud de una de las tres ex “meisjes” es repentino, solo aporta una cuota más de triste densidad y nos muestra a la tercera edad como un camino de infortunios cuando bien puede ser lo contrario: el accidente, el cementerio, los largos ensayos, las dudas de las señoras, la pérdida de la memoria de una de ellas, etcétera. Es decir, el film se queda a medio camino entre la comedia y el drama. Lo que comienza como un canto a la vida se quiebra y termina siendo algo denso. Hay una mirada demasiado oscura sobre la vejez que no aporta nada porque la idea y el título del film nos remiten a otra cosa: el rearmado de una banda. Lo prometido no es lo que veremos.

Elsa Bragato

ESTRENOS DE CINE DEL 22 DE NOVIEMBRE, BUENOS AIRES

JUEVES 22 DE NOVIEMBRE DEL 2012.-

Hay cuatro estrenos de cine este jueves en Buenos Aires.

NÉSTOR KIRCHNER LA PELÍCULA

De Paula de Luque. Música de Gustavo Santaolalla, música adicional de Iván Wyszogrod. Documental escrito por De Luque y Carlos Polimeni.

MUY BUENO. DOCUMENTO HISTÓRICO MUY BIEN REALIZADO

Paula de Luque realizó un excelente acopio de material para este documental sobre el ex presidente Néstor Kirchner, teniendo como aval su film anterior, Juan y Eva, una de las mejores películas sobre la historia de amor de Perón y Evita. Si bien la realizadora es una ferviente admiradora del kirchnerismo, no se puede dudar de la calidad del documental por, justamente, los documentos aportados, que incluyen entrevistas, y el valor histórico del mismo.

Este material se nutrió de más de 12 mil personas que aportaron anécdotas para reconstruir aspectos familiares y políticos de Kirchner durante el último medio siglo. Hay imágenes íntimas nunca antes mostradas como la de sus hijos Máximo y Florencia en la niñez y hasta la fiesta de casamiento de Néstor con la presidente Cristina Fernández, habla la suegra del ex presidente y su hermana menor, sin relación con la política.

Se destacan escenas que son históricas a esta altura como el impacto político demoledor para el ALCA durante la reunión de todos los presidentes sudamericanos en Mar del Plata, mostrándonos a un George Bush hijo molesto y confundido. También aporta un fuerte acento democrático el retiro de los retratos de la última dictadura militar.

Paula de Luque graficó con emoción la inmensidad de nuestra Patagonia, que incluye momentos sociales de las barriadas más humildes del sur del país. Hay sensibilidad al hacer planos de tantos rostros de trabajadores. Es el caso de un joven jujeño que pidió un violín en ocasión de la visita de Kirchner a la Quebrada de Humahuaca, al declararla Patrimonio de la Humanidad, y cómo se cumplió su sueño. A nivel banda sonora, se amalgaman la famosa Chacona de Bach con los ritmos porteños, resultando una fusión bella y emotiva.

Destacamos que no hay estridencias en este documental sobre el ex presidente Néstor Kirchner, donde se lo ve como lo conocimos: atípico y consecuente con sus ideales. Fuera de todo partidismo, de la misma manera que hemos visto los documentales sobre el Che Guevara, este film-documento sobre Kirchner aporta luz sobre la vida personal de uno de nuestros ex presidentes.

Carlos Pierre

LA CURVA DE LA VIDA

De Robert Lorenz. Con Clint Eashood, Amy Adams, Justin Timberlake, Matthew Lillard, John Goodman, entre otros. Música de Marco Beltrami. Duración: 110 minutos.

MUY BUENA. EMOTIVO Y CLÁSICO RETRATO DE FAMILIA, MÁS ALLÁ DEL BEÍSBOL

Unir a Clint Eastwood con el béisbol no es una novedad por ser fanático de este deporte y por haberle dedicado un par de films a este deporte: en esta película, producida por su empresa Malpaso, hay otros elementos en el guión que la hacen conmovedora, logrando secuencias de enorme emotividad jugadas por el propio Clint Eastwood. De allí que el béisbol, si bien es el eje de la vida de Gus Lobel, personaje de Eastwood, se transforma en anecdótico por los diferentes niveles del argumento. Y esto nos permite aceptar este film a pesar de que este deporte no sea el preferido de los argentinos. Caso contrario, huiríamos de la sala.

La Curva de la vida es prácticamente la traducción literal del título en inglés (Trouble with the curve), problemas con esa curva que da la vida de cada uno de nosotros al acercarse al final, la curva de las de pelotas de béisbol en el lanzamiento, la curva que provoca un accidente automovilístico, la curva que da la carrera de su hija en la ficción, una encantadora Amy Adams en el papel de Mickey. Justin Timberlake compone, a su vez, un personaje maduro como Johnny, con diferentes matices emotivos logrando uno de sus mejores papeles en cine.

Un viejo cazador de talentos para el equipo de los Atlanta Braves es cuestionado por los más jóvenes del directorio del club. Su hija, Mickey, es quien más conoce la tarea de su padre si bien es una exitosa abogada. Pero debe lamentar tener una mala relación con Gus, un hombre duro por haber enviudado joven y tratar de mantener a su hija lejos de situaciones que se irán develando a lo largo de la narración. La aparición de Johnny será controvertida pero también un bálsamo para este dúo de padre e hija.

Encontramos momentos de gran emotividad como el llanto de Gus frente a la tumba de su mujer, su preocupación por su hija que no ha demostrado nunca, así como el cambio de posición de Mickey al ver los problemas de salud que empieza a afrontar su padre para detectar nuevos talentos.

El film es clásico, un tanto previsible, pero narrado de manera tal que el béisbol ocupa un segundo lugar y no molesta como eje de la acción. Las actuaciones del trío protagónico es de gran nivel y nos permite emocionarnos y disfrutar de una historia de familia que, en muchos aspectos, nos va a golpear el corazón. Por otra parte, es significativo que Clint Eastwood, de 82 años, acepte un rol donde está en juego el final de la existencia, como en su vida real. Esto hace más creíble y tocante su personaje. No se la pierda.

Elsa Bragato

EL MINISTRO

De Pierre Schoeller, con Olivier Gourmet, Michel Blanc, Zabou Britman, Laurent Stocker, entre otros. Música de Philippe Shoeller. Duración: 112 minutos.

MUY BUENA. POLICIAL SOBRE LOS POLÍTICOS, FUERTE CRÍTICA

Estamos frente a un sólido film, con ritmo intenso, a pesar de tener muchas secuencias filmadas en interiores, con diálogos excelentes y extensos y la adrenalina propia de un policial. La primera secuencia es la alegoría exacta de lo que vendrá después: una mujer desnuda camina por una de las oficinas versallescas hasta meterse dentro de la boca de un feroz cocodrilo, o sea, la política como devoradora de los hombres que la ejercen, meros fusibles de los gobernantes.

Un secretario de transportes debe enfrentar un brutal accidente en las carreteras francesas, siendo altamente cuestionado por la población y sus superiores. Éstos tienen tiempo para otros menesteres mientras el turno de la desgracia le tocó a este secretario de estado(Olivier Gourmet). Para muchos franceses, el film reproduce algunas reuniones mantenidas por el ex presidente Nicolás Sarkosy. Si bien estos detalles aquí no los conocemos, el film logra transmitirnos la vida en las oficinas estatales, común a cualquier estado del mundo.

Siempre hay “alguien” del escalafón administrativo que pagará las consecuencias al enfrentar un hecho traumático como un accidente. Es el “fusible”, quien deberá munirse de mucha paciencia y agudeza intelectual para sortear los mil y un obstáculos que surgen en su camino.

El film es atrapante porque tiene, como dijimos, ritmo de thriller policial, incluso por varias secuencias de alto tono dramático. Y la vida en oficinas de estos ministros y secretarios estatales nos muestra los intereses de cada sector a través de diálogos y escenas muy logradas que no logran disminuir el interés por la historia.

Inteligente film con certeras apreciaciones, donde aparece el lado humano de quienes, en funciones, no suelen serlo, al menos como los ciudadanos necesitamos. Vale la pena, si bien decimos que la filmación en interiores y las largas charlas ministeriales pueden socavar un tanto la paciencia del espectador.

Elsa Bragato

EL ORIGEN DE LOS GUARDIANES

De Peter Ramsey y William Joyce. Con las voces de Chris Pine, Alec Baldwin, Jude Lawy, Isla Fisher, Hugh Jackmann, entre otros. Animación basada en la serie The guardians of the childhood, del propio William Joyce. Animación. Duración: 95 minutos.

BUENA. EL INICIO DE OTRA SAGA CON JACK FROST Y SUS AMIGOS, UN TANTO LÚGUBRE

William Joyce es ganador de varios premios por sus cortos. A raíz de una pregunta de su hija, cuando tenía 6 años, sobre la posible amistad entre Papá Noel y el Conejo de Pascuas, decidió escribir una saga de 13 libros titulada “Rise of the guardians”. El primer libro acaba de ser llevado al cine por Dreamworks en esta película “El origen de los guardianes”, que tiene en Jack Frost a su protagonista contra el mal.

Jack Frost es un personaje de la literatura nórdica, Jack Escarcha o Jack “Congelado”, y su origen es triste: un niño que muere ahogado al romperse el hielo de un lago por salvar a su hermanita. Esta primera secuencia de la película animada es tocante, superada por la reanimación de Jack Frost gracias al poder de la Luna.

El Polo Norte está conmocionado, allí viven Papá Noel, el Conejo de Pascuas y el Hada de los dientes, que reemplaza a nuestro querido Ratón Pérez: sombras envuelven la Tierra. Es que el Mal o Pitch quiere que el mundo pierda la alegría llenando el espíritu de todos con pesadillas y oscuridad. Jack Frost tiene, en sus amigos, aliados maravillosos y debe enfrentar a Pitch. Las secuencias son de gran esplendor visual basadas en la más reciente tecnología en 3D. Asombran la fidelidad en los rasgos de los personajes y la plasticidad alcanzada en las secuencias de lucha. Hay ritmo de principio a fin.

Hay luchas de poderes, el Bien vs el Mal, y, como trasfondo, el niño Jack Frost que supera su origen como tal. El film no trasunta la alegría de otras producciones animadas y, aunque sea una creación estupenda, no podemos negar  que la historia nace de una manera trágica como es la muerte de un niño. Una maravilla de la tecnología, una historia más profunda que otras surgida de la pluma de William Joyce, y un texto muy dramático, tenso, un thriller que sin duda merece una explicación de los padres por la primera secuencia, la del niño ahogándose en el lago. Reconocemos que la simpatía de otros personajes, aquí muy preocupados, balancean bastante las luchas de Frost con Pitch, una figura cercana a la personificación de la Muerte de Ingmar Bergman en algún film memorable. Y sabemos que a los chicos les va gustar tanto como los va a angustiar.

Elsa Bragato

CREPÚSCULO PARTE 2 Y AMOR A MARES, ENTRE LOS FILMS DEL JUEVES 15

JUEVES 15 DE NOVIEMBRE DEL 2012.-

Hay cincos estrenos de los cuales cuatro son nacionales, incluyendo un documental.

No comentamos Días de Pesca de Carlos Sorín ( a la que recomendamos aún sin haberla visto), Un amor de película ni el documental indicado, De los barrios, El Arte.

CREPÚSCULO, AMANECER PARTE 2

De Bill Condon. Con Kriesten Stweart, Robert Pattinson, Taylor Lautner, peter Facinelli, Ashley Greene, Michael Sheen, entre otros. Sobre la novela de Stephenie Meyer. Música de Carter Burwell. Duración 115 minutos.

MUY BUENA. ESPLENDOR VISUAL PARA UN FINAL ÉPICO

Encarar historias de amor en una época de tecnología es una tarea casi imposible. Las críticas llueven y, para nuestra modesta opinión, no tienen razón de ser. Que la Saga Crepúsculo haya prendido tanto en los jóvenes nos indica que este tipo de género sigue teniendo adeptos en todos los siglos. Desde los folletines del XIX hasta los “love stories” del XX y hoy, con la tecnología de punta, con Crepúsculo.

Estamos frente a un final a toda orquesta, plena de coraje, de amor, de lazos familiares, entre vampiros y lobos enfrentados. Hay una explosión visual magnética y emotiva a la vez, y en esto hay que destacar la labor del director de fotografía, Guillermo Navarro.

La historia de Crepúsculo, en este final-final que obligó a desdoblar el último film en dos, Bella ha sido mamá de Renesmee. Bella se siente más viva, es ya un vampiro y tiene una fuerza poderosa. Pero hay características simpáticas: Bella es “vampiro vegetariano”.

Sobre esta segunda parte, podemos contar poco, salvo detenernos en el fenómeno cinematográfico en sí que aporta un novedoso sentido épico a través de una fotografía colosal cuando encara la batalla entre los Volturi y los Cullen.

Y un dato muy actual: la mala información que provoca enfrentamientos brutales.

Se lograron detalles propios de la literatura nórdica: la lucha entre los Cullen y Volturi en una planicie de nieve endurecida, donde “la sangre estará sobre la nieve”, acaso una metáfora de Shakespeare de “una rosa desangrándose en la nieve”. La búsqueda del contraste en los colores, la magnificencia de la tecnología para la épica.

Además, el realizador Bill Condon aporta, en la secuencia inicial de títulos, una idea muy original para la banda sonora, contando con el aporte del compositor Carter Burwell: insertó los temas musicales de cada uno de los films de esta saga por lo que hay una síntesis musical que colabora, como un protagonista más, en la definición de los personajes y sus acciones.

Hay varias secuencias para destacar por su suspenso y belleza visual: la de la caza y la de la batalla son estupendas.

Los personajes también tienen evolución, desarrollo, desde Bella, que temía ser vampiro, hasta esta otra Bella, ya mamá y aceptando su condición vampírica. Los actores se han adecuado a sus roles, se nota empatía, conocimiento de los roles. Todo esto conforma un film muy grato, muy bien realizado, que suma esfuerzo de producción y un elenco consustanciado con las historias que deben jugar.

Agregamos que este cierre de la saga constituyó dos películas filmadas en forma simultánea, con dos bases: tomas interiores en Baton Rouge, Estados Unidos, y tomas exteriores en Vancouver, Canadá. Además se realizaron secuencias en el Caribe y los protagonistas completaron escenas en el Stawamus Chief Provincial Park en Squamish, el 29 de abril del 2011.

Es un film para disfrutar, sobresaltarse y emocionarse, especialmente para quienes son sus fans, con todo el lujo de la producción de ultísima generación. Es decir, una historia romántica propia del siglo XXI, con toques “dark”. Rescatamos enfáticamente el género romántico.

Carlos Pierre

AMOR A MARES, UNA HISTORIA ENCUBIERTA

De Ezequiel Crupnicoff. Con Luciano Castro, Gabriel Puma Goity, Paula Morales, Miguel Angel Rodríguez, Pompeyo Audivert, Nacho Gadano, Germán Krauss y Luisa Kuliok, entre otros. Duración: 91 minutos.

BUENA.

Un majestuoso crucero que parte de Buenos Aires y pasea por Río de Janeiro, Málaga, la isla de Malta, es el ámbito donde se desarrolla esta comedia de género, a la manera de Billy Wilder, según las palabras del realizador Ezequiel Crupnicoff. De allí su impronta de otras décadas que siempre deben ser revalorizadas, especialmente cuando se ha hecho una producción que luce en pantalla a través de buenos encuadres y una fotografía cuidada.

El tema es conocido en el cine: un escritor, abandonado por su esposa, vive sumido en una crisis creativa (Luciano Castro en un papel un tanto diferente a los que realiza en televisión). Y su agente literario (Miguel Angel Rodríguez) lo induce a que realice un crucero donde vivirá seguramente muchas historias y podrá llevarlas al papel.

Se producen equívocos, que son el “quid” de las comedias, y el escritor quedará en medio de una trama de engaños y malentendidos, útiles para el género. Juegan un rol chispeante El Puma Goity y Paula Morales.

Si bien la trama gira en torno a la literatura, no hay el menor asomo de lo “intelectual”, para bien de la propuesta.

Luciano Castro aporta su galanura, más que probada en otros medios, y es una grata sorpresa la labor de Paula Morales en cine (la hemos visto también en TV), que tiene una secuencia especial con el escritor. Goity, Audivert, Miguel Angel Rodríguez y Nacho Gadano, ofrecen gracia y soltura profesional en medio de tantos enredos y maraña de camarotes.

Se podrá decir que esta realización tiene tufillo a otras épocas del cine pero es justo decir que, en el arte y en el propio cine, no hay un declarado progreso en las  historias sino que todo pasa por la forma de encarar lo ya conocido bajo el sol.

El tratamiento cinematográfico de Crupnicoff es bueno y hay que resaltar, además, que no le haya importado recurrir a efectivas fórmulas del cine norteamericano del 50 y 60. Nos parece una buena comedia que merece nuestro apoyo.

Carlos Pierre

COSMÓPOLIS Y LA NACIONAL NI UN HOMBRE MÁS, LOS TOPS DEL JUEVES 8

JUEVES 8 DE NOVIEMBRE DEL 2012.-

Hay seis estrenos, cuatro son nacionales. No comentamos Otros silencios ni La casa.

COSMÓPOLIS

De David Cronenberg. Con Robert Pattinson,Juliette Binoche, Mathieu Amalric, Samantha Morton, Paul Giamatti, entre otros. Música de Howard Shore. Duración 110 minutos.

MUY BUENA. FUERTE RETRATO DE LA DECADENCIA SOCIAL O DE LOS JÓVENES VIEJOS DEL CAPITALISMO

David Cronenberg nos tiene acostumbrados a películas frente a las que nadie queda indiferente. Por momentos, se piensa que es una estética rebuscada y, finalmente, se cae en la cuenta de que el autor nos está mostrando la vida misma con una maestría notable. Porque, en la vida misma, el deterioro es inexorable.

El film está basado en el relato homónimo de Don DeLillo editado en 2003 y llega al cine nada menos que con Cronenberg. Y su protagonista es Robert Pattinson quien también aparece en la cartelera de este jueves en el film Bel Ami, totalmente opuesto a éste.

Eric Parker es el personaje de Pattinson y nos muestra a un hombre de negocios de Wall Street cuya vida, por falta de tiempo y por seguridad, transcurre en una limousine. Las tomas y encuadres de Cronenberg son realmente magníficas si bien la narración incurrirá en extensos diálogos dentro de la “limo” (que incluye escenas de sexo) por momentos irritantes o cuanto menos aburridos. Sin embargo, nadie puede negar el valor de esos parlamentos, ricos en contenido, y, solo con un poco más de atención, se accede a un texto movilizador.

El objetivo del film es mostrarnos el deterioro físico, espiritual y social que se sufre. A veces, por circunstancias externas, otras por el mismo devenir de la vida. Y en este sentido Cronenberg utiliza a esa estupenda “limo” como eje de este subtema que es el “todo” del film, más allá de los personajes. Es también, y tal vez en forma específica, el retrato de la caída del capitalismo, al menos como se lo concibe en Wall Street.

La banalidad de los hechos, la vida de los que no tienen nada como entorno de un automóvil que lo tiene todo, la ausencia aparente de sentimientos impuestos por razones económicas, la necesidad del amor en forma tácita, y el origen de uno mismo en otro contexto, se van sumando de manera natural a la vida de Eric Parker, a su “limo” chocada, vapuleada, semi destruida por los oprimidos.

De pronto, encontramos en Eric Parker a un “joven viejo”, a un hombre que lo tiene todo pero que piensa como alguien que se despide de la vida. Tiene necesidades de joven pero sus apetencias, en el fondo, son de otra índole. Y buscará la forma de llegar a aquellos seres que le pueden dar la vuelta de tuerca que necesita y que no es precisamente la que el espectador espera. He aquí el “quid” del relato, imprevisible, otro logro de Cronenberg.

El film puede causar rechazo, puede irritar en buena parte de su narración pero es imposible estar indiferente al caso de Parker, a su soledad social y personal, y a su condición de joven que lo ha vivido todo sin quererlo. “Hacerse” el adulto le costará muy caro.

Cronenberg filmó con enormes dificultades dentro de una “limo”, buscando ángulos novedosos y mostrándonos la vida real a través de sus ventanillas, la única vida real que Parker conoce durante buena parte de su vida como financista. La nada de lo existencial está presente y Cronenberg la resuelve sin cortapisas. Es un film austero en su producción pero muy rico en su temática. Movilizador, perturbador, que nos deja un mensaje muy claro sobre la vida que llevamos, la que nos quieren hacer llevar y dónde presumiblemente está la vida real a la que a veces le damos la espalda. Las consecuencias pueden ser devastadoras.

Elsa Bragato

NI UN HOMBRE MÁS

De Martín Salinas. Con Valeria Bertuccelli, Martín Piroyansky, Juan Minujín, Emme, Luis Ziembrowski, entre otros. Música de Alejandro Franov. Duración: 83 minutos.

MUY BUENA. ENREDOS EN UN “NOIR” INTERESANTE

El director y guionista Martín Salinas, de vasta carrera en el desarrollo de proyectos para Warner Brothers, MGM, Universal Estudios y ABC Network, entre otros, en los Estados Unidos, México y Argentina, ha realizado una comedia delirante, llena de enredos, ubicada en la magnífica selva del Iguazú, que le otorga una magia adicional a la interesante trama.

El film comienza de un modo alocado e intempestivo cuando la pareja formada por Valeria Bertuccelli y Juan Minujín extorsiona a un familiar y huyen con un raptado, al que tienen maniatado en el baúl del coche, además de cien mil dólares como botín. Un choque en una ruta enmarañada, dos muertes y el comienzo de una segunda narración, también atrapante.

La mujer va a parar a una hostería precaria, regenteada por un joven solitario, que encarna Martín Piroyansky. Pero la cuestión se complica: el ocultamiento de los cadáveres, los dólares que sirven para intercambiar favores y apremios, sumado a la aparición escalonada de personajes insólitos y desconectados entre sí, la novia ausente del encargado, Emme, dos monjas, una rústica pareja de lugareños, todos son involuntarios partícipes de los enredos risueños y muy logrados por Martín Salinas.

Sin duda, Salinas se lanza al largometraje con mucha excelente, transitando el “género noir”, a través de una narración vertiginosa, de buena riqueza visual, con interesantes diálogos y enredos de personajes. Es un muy buen comienzo en el largo para quien conoce ya de qué se trata el cine. No la va a pasar mal.

Carlos Pierre

OTRO CORAZÓN

De Tomás Sánchez. Con Fabián Gianola, Mariano Torre, Elena Roger, Lito Cruz, Carlos Moreno, Betiana Blum, Beatriz Spelzini, Adriana Aizenberg, Pepe Novoa, Patricia Sosa, entre otros. Música de Javier López del Carril. Duración: 88 minutos.

REGULAR. LAS DONACIONES DE ÓRGANOS EN UNA TRAMA CON MUCHOS ALTIBAJOS

Un buen guión y una pléyade de actores de primer nivel no consiguieron cristalizar un relato dirigido por Tomás Sánchez que pudo ser sólido. Lito Cruz y Betiana Blum resultan muy opacados por la ambientación que se les ha dado en las secuencias, así como las excesivas canciones interpoladas en la historia a cargo de Elena Roger y Patricia Sosa desviaron el curso y el interés de la trama, relacionada con un trasplante cardíaco. Dos hermanos (Fabián Gianola y Mariano Torre) adoptan posturas diferentes para encarar la dolencia de su padre, encarnado por Carlos Moreno. Surge un subtema interesante en el personaje de Mariano Torre quien se obsesiona por salvar a su padre y se aleja de su mujer (Elena Roger) a punto de dar a luz. ¿Complejo, hijo dominado?

Dos locaciones bien diferencias, como el campo y la ciudad, ayudan a dar marcos distintos a lo que sucede: lo que acontece en el ámbito rural es muy formal, carece de emoción. En cambio, los hechos en la ciudad, donde el padre de familia necesita un corazón para seguir viviendo, resulta empático, sensible, tocante.

En realidad, este film tiene el objetivo de promover los trasplantes, la donación de órganos, contando con el apoyo del INCUCAI y de la Fundación Favaloro. Sin embargo, aunque los hechos se muestran y son contados, le faltó un poco de vuelo para no caer en el cine de los 60 y no resultar disonante al mezclar canciones (aunque tengan alguna razón argumental) con la necesidad de una donación de órgano y una situación familiar cuanto menos compleja. Tema interesante no resuelto satisfactoriamente, de acuerdo a nuestro modesto punto de vista, al menos con los parámetros del cine actual.

Carlos Pierre

BEL AMI

De Declan Donnellan y Nick Ormerod. Con Robert Pattinson, Uma Thurman, Kristin Scott Thomas, Christina Ricci, entre otros. Música de Lakshman Joseph de Saram y Rachel Portman. Duración: 102 minutos.

BUENA. LA AMBICIÓN EN UN FILM DE ÉPOCA LOGRADO

La novela de Guy de Maupassant, publicada en 1885, Bel Ami, resulta un guión más que atractivo para llevarla al cine, hecho que no fue desaprovechado por Declan Donnellan y Nick Ormerod, de vasta trayectoria en puestas teatrales. La trama ocurre en París, en 1890, y es un fiel espejo de nuestra actualidad sin distorsión por el paso de los tiempos. La fama y la riqueza logradas por seres mediocres y el poder y la influencia del periodismo en la política como “cuarto poder” están retratados en el final del siglo XIX con realismo e inteligencia y nos inquieta: todo sigue igual.

Georges Duroy (Robert Pattinson) es un joven apuesto y sin escrúpulos que llega a París procedente de Argelia, donde pasó dos años en el ejército. Sin dinero, se encuentra por casualidad con Charles Forestier (Philip Glenister) a quien conoció en Argelia y ahora trabaja en un influyente diario parisino, casado con una inteligente mujer (Uma Thurman). Surgen entonces amistades femeninas de la alta burguesía que Duroy sabe aprovechar rindiéndolas a sus atributos, como Virginie Rousset, Clotilde de Maelle y la propia Madame Forestier (Thurman), un personaje fuerte que se transforma en la contracara el ambicioso Duroy. Cae en su trampa pero lo hace sufrir. Nada le resultará gratis al pretencioso joven.

Bel Ami es el apodo que le pone la pequeña hija de una de estas mujeres, Virginie Rousset, que protagoniza Kristin Scott Thomas, “bello amigo”, un nombre que termina siendo su “nickname” en el ascenso social, frío e inescrupuloso, que Duroy encara a través de las sábanas más ricas de la época.

La historia es atrapante pero tenemos a un Pattinson que no logra sacarse la inmovilidad expresiva de su rostro. O su capacidad histriónica se basa en ser hierático o bien tiene mucha “saga Crepúsculo” sobre su espalda. La ambientación está lograda porque se muestra a París en sus dos caras, la reluciente y la miserable, y hay una búsqueda de detalles de época que muestran el desvelo del Diseño de Arte. A Pattinson lo rodea un elenco de notables por lo que, entre ellos y el sólido libro que sustenta al guión, el film resulta agradable y, en algún punto, inquietante por su similitud con nuestro presente. La novela es mucho más.

Carlos Pierre

SKYFALL, FRANKENWEENIE, ENTRE LOS ESTRENOS DEL JUEVES 1 DE NOVIEMBRE

JUEVES 1ro DE NOVIEMBRE DEL 2012.-

Hay siete estrenos, tres de los cuales son nacionales y se incluye, entre éstos, una coproducción con Uruguay. No comentamos el thriller nacional El sexo de las madres, de Alejandra Marino ni el documental peruano “Sibila”, de Teresa Arredondo sobre la vida de su tía Sybila, presa 15 años por su presunta vinculación con Sendero Luminoso.

FRANKENWEENIE

De Tim Burton. Guión de John August. Sobre una idea original de Tim Burton. Largometraje animado con la técnica StopMotion, en 3 D. Voces de Martín Landau, Winona Ryder, entre otros. Música de Danny Elfman. Duración: 97 minutos.

EXCELENTE. UNA EMOTIVA HISTORIA AL ESTILO BURTON

En 1984, Tim Burton realizó un corto de menos de media hora con un niño de 10 años, Víctor, y su perro Sparky, mientras trabajaba como animador de dibujos en Walt Disney Corporation. Lo llamó “Frankenweenie” justamente. El largo que comentamos es la remake de aquel trabajo inicial suyo. Burton empleó las técnicas más avanzadas en animación como StopMotion, es decir, el trabajo cuadro por cuadro. Y el 3D que tanto apasiona a chicos y grandes.

Curiosamente, el corto original fue rechazado por la Disney en su momento. Y ahora se cumple esta “dulce venganza” del afamado realizador al concretarla en la misma empresa donde trabajaba y donde no fue aceptado e incluso despedido cuando se redujo el personal del departamento de animación.

Conocimos de Burton un bello y extraño relato en animación llamado “El cadáver de la novia”, y ahora, con características similares pero superadas nos llega la historia del perrito “Frankenweenie”, en blanco y negro con virajes al azul, característico del realizador. Asimismo la utilización del B y N es un homenaje a los films de terror de los años 30 como Frankestein (1931, Boris Karloff), Drácula (1931, Bela Lugosi) y El hombre lobo(1941, Lon Chaney Jr.), hitos en la historia del cine. Encontramos también una reverencia de Burton hacia su ídolo, Vincent Price y otros muchos guiños como el nombre de la tortuga “Shelley” en alusión a Mary Shelley, creadora de Frankestein alrededor de 1816 y esposa del poeta inglés Percival Shelley ( amigo de Lord Byron, ambos admirados por Jorge Luis Borges), mientras que la dueña de la perra caniche, vecina de Víctor, se llama Elsa, como la novia de Frankestein. La realización de la película animada requirió la creación de más de 200 muñecos y sets. Del personaje Víctor hay 38 títeres y del perro Sparsky, 15. Estas figuras no exceden los 70 cm de alto de promedio.

La historia es sencilla y emotiva: Víctor revive a su mascota Sparky, que fue atropellado por un automóvil. El acto de devolverle la vida nos remite inmediatamente a la del monstruo Frankestein: la electricidad de una tormenta de rayos actúa sobre dos tornillos ubicados a ambos lados de la cabeza del animal, plagado de cicatrices toscas. Sparky vivirá un tiempo encerrado, oculto, pero un buen día de escapa y se produce una invasión de animalitos muertos en la ciudad.

El film nos transmite todas las emociones posibles, en medio de una atmósfera tan bien lograda por Tim Burton que demuestra una vez más su maestría como realizador y también su capacidad poética para narrarnos una historia que, lejos de ser “horrorosa”, se transforma en un canto a la vida. Más que recomendable y, sin duda alguna, una joya del cine actual.

Carlos Pierre

SKYFALL

De Sam Mendes. Con Daniel Craig, Judi Dench, Ralph Fiennes, Javier Bardem, entre otros.  Música de Thomas Newman. Duración: 143 minutos.

EXCELENTE. ESPECTACULARIDAD Y JUEGO ACTORAL EN UN FILM ÉPICO INOLVIDABLE

Llega la película número 23 del Agente 007, James Bond, que cumple 50 años (el primer film fue en 1962, Dr No) con una trama, elenco y técnica insuperables. Sin duda, el mejor Bond de todos los tiempos que quedará como un hito del cine, de la misma manera que la trilogía de Batman por Christopher Nolan.

Remozar una saga que ha tenido tan grandes actores, tan bellas mujeres y tanta tecnología es, muchas veces, algo poco probable de lograr. Sam Mendes, reconocido por su inquietud como realizador, lo logra basándose en un elenco de notables actores como Daniel Craig, Javier Bardem y la siempre impagable Judi Dench. Y, por supuesto, la maquinaria de la ilusión del Hollywood actual.

En este caso, James Bond fracasa en la operación de rescate de un disco rígido, que contiene nombres de agentes secretos infiltrados en células terroristas, y se lo da por muerto. Tan solo “se lo da”. La pérdida de ese documento tecnológico produce un brutal atentado a la sede de M 16, que debe cambiar de lugar: se recurre al bunker que fuera de Winston Churchill durante la Segunda Guerra Mundial.

El enemigo clásico de James Bond debe ser malo, sarcástico, y cruel. Y surge en el personaje de Raoul Silva, que encarna Javier Bardem y que resulta un hallazgo artístico por el duelo actoral que entabla con Daniel Craig. Notables ambos. Y nos quedamos cortos con estos elogios. Un nuevo personaje es el de Gareth Mallary, a cargo de Ralph Fiennes, como el presidente del Comité de Inteligencia y Seguridad del M16.

Hay elementos del film que vamos a destacar, indicando que la historia trae novedades sorprendentes asegurándonos la continuación de la saga. Y sobre las que nada podemos decir.

En principio, se ahonda en la relación entre M y James Bond, que aporta muchos datos a la historia creada por Ian Flemming. Sam Mendes recurre a la mejor cinematografía para distintas secuencias: por ejemplo, la persecución por los techos de Estambul –de moda- (es el tercer film que nos muestra el Gran Bazar y los techos de Estambul, ideales para este tipo de “corridas”. “Búsqueda implacable”, “Argo” y ahora “Skyfall), con muchos planos secuencias, o bien la solitaria natación de James Bond en un piso altísimo de Shanghai, a la luz de la luna y rodeado de enormes cristales que dan un tinte azul. También destacamos la presencia femenina desde otro lugar: las escenas de amor se plantearon pero sin el desarrollo triple X al que muchas nacionales son afectas. Finalmente, hay una escena de tiros a quemarropa, entre uno de los tantos villanos que enfrentan a James Bond, que se desarrolla en un piso también muy alto y en medio de reflejos por los ventanales enormes donde la presencia real de uno y otro con las imágenes espejadas generan no solo un efecto visual estupendo sino también un suspenso creciente.

James Bond no es el mismo que en 1962: aggiornado sin perder su esencia, capaz de resolver casos imposibles y con más acción corporal que de armas dado que éstas han sido superadas por la tecnología del siglo XXI.

Es realmente un film para no dejar de ver si se tiene interés por los policiales, los thrillers, y, por supuesto, la saga de James Bond. En la trilogía que, con esta película, filmó Daniel Craig, tan en duda para la primera “Casino Royale” (2006, la siguiente fue 007 Quantum, 2008), queda demostrada la capacidad del actor inglés que supo meterse en un personaje a medida de otros grandes actores y hacerlo suyo.

Como dato curioso, indicamos que en el film “Die another day”, del aniversario 40, también James Bond fallada en su trabajo.

Gran película de acción, épica, que nos deja sin aliento desde antes de los títulos hasta el final de los créditos, con calidad indiscutible. “Skyfall” o algo así como “caído del cielo” es el título exacto que define al protagonista en esta nueva superaventura. No se la pierdan: hay talento, hay grandes actuaciones, hay suspenso, hay acción y hay gotas de amor…

Elsa Bragato

¿Y AHORA ADÓNDE VAMOS?

De Nadine Labaji. Con Claude Baz Moussanwbaa, Layla Hakim, Yvonne Maalouf, entre otros. Coproducción de Francia, Líbano, Egipto e Italia. Música de Khaled Mouzanar. Duración: 110 minutos.

BUENA. VERSIÓN CORAL Y COLORIDA DE LISÍSTRATA

La joven realizadora NAdine Labaki (“Caramel) regresa con una propuesta donde las musulmanas y cristianas de un pueblo pequeño de un Líbano convulsioado se unen para distraer a sus hombres de las guerras, y les esconden las armas. De alguna manera, es el quid argumental de la comedia griega “Lisístrata”, de Aristófanes, que ya planteaba la desazón de las mujeres cuando sus hombres iban a la guerra y ellas quedaban solas. La historia se repite.

El film es coral, e incluye a actores no profesionales. El planteo narrativo oscila, a su vez, entre el drama de la guerra y las risas pueblerinas, con pasos coreográficos a cargo de las heroicas mujeres. Sin duda, hay influencia de la muy buena carrera como publicista de Labaki, quien rodó también clips musicales de famosos cantantes de Medio Oriente. De allí que los personajes de “Y ahora adónde vamos?” tengan cierta levedad sobre una árida tierra sacudida por el odio. A pesar de todo esto, la realidad está pintada con crudeza y alguna pizca de fantasía.

Cada secuencia es un verdadero mosaico de la cultura árabe y la cristiana. No están ausentes el Imán y el Sacerdote, la mezquita aledaña a la iglesia y la irrupción de un viejo televisor que les acerca el drama bélico, muy cercano y fatal.

Labaki hilvana una serie de sucesos a modo de capítulos de una novela y esto le ha valido una generosa taquilla, ubicando a su film como el tercero más visto detrás de Titanic y Avatar.

Magia y realidad, se sobrevuela una guerra intestina mostrando qué pasa fuera del frent, quiénes quedan solos y cómo el ingenio puede dejar de lado ancestrales creencias en pos de salvar la vida de los esposos y padres.

Agradable, otra visión cultural siempre muy interesante y una paráfrasis (o tour de forcé) de la antigua Lisístrata, que no ha perdido vigencia a pesar de haber sido escrita en el año 411 A.C.

Carlos Pierre

LOCOS POR LOS VOTOS

De Jay Roach. Con Will Ferrell, Zach Galifianakis, Brian Cox, John Lithgow, entre otros. Música de Theodore Shapiro. Duración: 85 minutos.

REGULAR. SECRETOS POLÍTICOS EN TONO BURDO Y PREVISIBLE

El tema daba para mucho, aún con los toques escatológicos y el mal gusto que siempre rondan este tipo de películas en las que se retrata, o se intenta al menos, lo que no se ve. La picardía deja lugar a la grosería, la delicadeza a lo explícito y la previsibilidad es el plato fuerte.

No obstante, “Locos por los votos” tiene momentos de hilaridad buscada con palabrotas, frases obscenas e insultos de grueso calibre que terminan por arrancarnos una risotada.

Un demócrata, Cam Brady (Will Ferrel) quiere ganar en su distrito un nuevo período pero inesperadamente y ante un grueso error suyo los hombres de negocios buscan a un candidato inexperto pero honesto en Marty Huggins (Zach Galifianakis), republicano.

El posicionamiento de uno y otro va surgiendo a través de un humor bien grueso que propone Brady y a trampas que lo llevan hasta la mujer del contrincante quien cae en sus redes, hecho filmado.

Es cierto que la película nos muestra cómo los poderosos mueven los hilos de la política, cómo se venden y compran fábricas y trabajadores sin que uno lo sepa, cómo la vida familiar queda postergada ante una campaña política y la propia vida del político. Lástima que el final es apresurado y previsible, ya sabemos qué pasará, y no resulta creíble en tiempos de tanta hipocresía. Alguna quedó al descubierto pero se observa que hay mucha más aún detrás de los rostros más ingenuos.

Un tema interesante tratado como una narración menor. Destacamos la presencia de actores como John Lithgow y Brian Cox y los mismos protagonistas. Pudo ser un gran retrato de una campaña política (su título en inglés es “The Campaign”) en tiempos de elecciones de los Estados Unidos. Quedó en esto… Tendrá muy buena taquilla a pesar de su elementalidad.

Elsa Bragato

EL CUARTO DE LEO
Dirección y guión: Enrique Buchichio. Con Martín Rodríguez, Cecilia Cósro, Gerardo Begérez, entre otros. Música de Sebastián Kramer. Duración: 95 minutos. Urugay-Argentina 2009.
REGULAR. BUENA IDEA CON MUY ENDEBLE DESARROLLO

Es proverbial la elaborada sencillez del cine uruguayo y esta película, El cuarto de Leo, no es la excepción. Se gesta un drama, una búsqueda del joven protagonista (Martín Rodríguez) interior y social muy profunda que, muy a su pesar, desarrolla en gran parte en su cuarto. Se siente incómodo, insatisfecho con la vida que afronta, se esfuerza por llevar una realidad que no desea. Trata de cumplir con su madre, con su novia, con su carrera, olvidándose de sus propios deseos. Internet lo ayuda a encontrar a alguien, se vislumbra algún triángulo amoroso, pero las cosas cambian. La historia de Buchichio está basada en momentos, encuentros de un alma con su identidad.Sin embargo, esta muy buena idea que incluye la homosexualidad, no encuentra el desarrollo pleno ni del personaje ni de la historia. Y nos deja con cierta sensación de qué pasará.

Carlos Pierre