LAS VOCES, A ROMA CON AMOR, LA ERA DEL HIELO 4, CÓMPLICES, ESTRENOS JUEVES 28 DE JUNIO

JUEVES 28 DE JUNIO DEL 2012.

Hay cuatro estrenos, incluyendo un film nacional.

LAS VOCES

De Pablo Torre. Con Jean Pierre Noher, Ana Celentano, María Socas, Wanda Brenner, Alejandro Awada, entre otros. Música de Luis María Serra. Duración: 92 minutos.

MUY BUENA. DRAMA SOBRE LA LOCURA, EL CINE Y EL AMOR

Estamos frente a un film intenso, melancólico, profundo, de gran solidez. La locura, el cine, el retrato de época, son los temas que sostienen la película de Pablo Torre, el hermano de Javier e hijo de Leopoldo Torre Nilsson. Pablo es además novelista y generador de climas poco frecuentes en el nuevo cine nacional. Estamos frente también a excelentes actuaciones de Jean Pierre Noher, Ana Celentano, y todo el elenco, guiados por una muy buena dirección actoral. Los “menos” del film no son tantos como para que no le demos una calificación que acerque al público al cine.

“Juan”, encarnado por Jean Pierre Noher, es un paranoico y solitario artista de variedades que trabajaba como “número vivo” en los cines de los 50, un ventrílocuo apesadumbrado como su propia existencia, gris y alejada de la realidad. El director nos muestra la Buenos Aires de aquella década del 50 en la que tanto el cine como la radio cubrían las necesidades de fantasías de la gente. En el caso del film, muchas de estas fantasías fueron los fantasmas de “Juan”: la disputa con el propietario del cuarto que alquilaba, la confusa muerte de éste que le reclamaba los alquileres atrasados, el acoso posterior de la policía y su amor incondicional hacia una muñeca de porcelana. Hay aquí un hallazgo de Noher y es la ventriloquía, para destacar.

Pablo Torre es autor del guión, impregnado del mundo fantástico del cine que tanto conoce, y que apoya en el film con afiches que desafían al tiempo y al olvido: Zully Moreno y Arturo de Córdova en “Dios se lo pague”(1947), por ejemplo. Surge también el fuerte acento novelístico del film en los personajes y en el clima profundo y desgarrador logrado. Y no es en vano: Torre es avezado novelista de obras literarias relacionadas con el cine: “El amante de las películas mudas”, “La ensoñación del biógrafo” y “Adiós fiel Lulú”. Esta impronta literaria actúa de un modo amplificador y beneficioso en la película cuya crítica abordamos.

El film alterna entre la década del 50 (muy bien lograda) y la actual, plantea la extraña relación de Juan con Ema (Ana Celentano) y el fruto de la misma que es Clara (María Socas). Ema era la encargada del guardarropas del cine donde Juan hacía los números vivos. Una niña muy extraña que ronda por el superpullman de esa sala comienza a suplantar el amor y determina la fijación de Juan por su destrozada muñeca de porcelana. La niña está encarnada por Wanda Brenner, hija de María Socas y el hijo del querido Ben Molar. Uno de los quids del film es la inquietud que Ema le deja a su hija: descubrir quién fue su padre.

El entramado de la narración está muy bien planteado por Pablo Torre, donde aparecen la locura, la enajenación, el aislamiento, el amor, la desolación, y el cine como un eje por momentos visibles y, en otros, sutil, subyacente. Un film nacional diferente, creativo, bien narrado y con excelente elenco.

Carlos Pierre

A ROMA CON AMOR

De Woody Allen. Con Alec Baldwin, Roberto Benigni, Penélope Cruz, Judy Davis, Jesse Eisenberg, Greta Gerwig, Ellen Pagen, Woody Allen, entre otros. Música de Domenico Modugno. Duración:

MUY BUENA. FRESCO ROMANO EN UN AMENO “JUEGO DE LOS OPUESTOS” ENTRE AMORES Y DESENCUENTROS EN LA BELLA CIUDAD ETERNA

Woody Allen nos retrata Roma como realizador y como amante del séptimo arte. El film tiene un plano secuencia fantástico al comenzar que nos introduce en las calles romanas hasta detenerse en un muy itálico policía con la tarea de sincronizar el tránsito. A partir de allí, Allen nos retrata cuatro historias a manera de pantallazos e incluye ciertas secuencias breves que, en realidad, son tributos a films italianos históricos.

Con la habilidad que le conocemos, apelando también a su manera especial de actuar, Allen nos mete en la vida de un arquitecto norteamericano, John (Alec Baldwin) y su reencuentro con una ciudad muy especial como es Roma, su encuentro con un joven colega y el enamoramiento que éste sufre por una joven coqueta, Mónica (Ellen Page). Mientras esto ocurre en Roma, Jerry (Woody Allen) está viajando a la Ciudad Eterna con su esposa Phyllis (Judy Davis), con la idea de encontrarse con la hija de ambos y conocer al prometido. Aparecen así, en medio de esas confusiones –que no son tales- narrativas de Allen, dos personajes muy peninsulares como Giancarlo (el notable tenor italiano Fabio Armiliato), que canta cuando se baña y entusiasma al “regisseur” jubilado que encarna Allen, y Leopoldo Pisanello (Roberto Benigni), una suerte de mediático que despierta un día rodeado de paparazzi, el estilo opuesto de la propia vida de Benigni reconocido como un gran actor de teatro clásico en su país. Leopoldo debe aprender a convivir con su fama, mientras que Giancarlo merece estar en un escenario y Jerry es el descubridor que está esperando. También hay homenajes al cine italiano con la aparición (entre otras) de Ornella Muti, la bellísima morocha de tantas comedias de Adriano Celentano, mientras una pareja de provincianos se ve metida en secuencias hilarantes por desconocimiento de la vida de la ciudad (“Milly”, “Antonio”, “Anna” –Penélope Cruz-).

Hay entonces cuatro hilos conductores que convergen en Roma, familias que pasan por diferentes estados emocionales y que entrecruzan sus destinos (siempre hay un personaje que es pariente de alguien del otro grupo familiar), y homenajes bien logrados a personajes muy especiales de la cultura italiana, desde el humorista a la prostituta, el canto lírico y la belleza, basándose en el juego de los opuestos, la fama y el anonimato, el talento genuino y el comercial, el amor y el amor “de ocasión”.

Film muy agradable, simpático, con excelente elenco y un Woody Allen que divierte con su embarullada forma de hablar y parlamentos en los que el tinte psicológico siempre está presente. Para disfrutar de Roma y sus personajes más entrañables. Si le gusta el estilo Allen, ésta es su película, de vuelta ya a los conflictos familiares en tono de sátira.

Elsa Bragato

LA ERA DEL HIELO 4

De Steve Martino y Michael Thurmeier. Con voces de John Leguizamo, Jennifer López, Ray Romano, Jeremy Renner, Nick Frost, entre otros. Música de John Powell. Duración: 87 minutos.

BUENA. LA ARDILLA SCRAT Y SU BELLOTA EN NUEVAS AVENTURAS CON LOS MAMUTS Y EL FIERO TIGRE

Resulta agradable esta cuarta película animada de los estudios Blue Sky con la ardilla Scrat y su bellota. Esta vez, al querer guardar (la clava en algún lugar de la Tierra) su bellota gigante, Scrat cae en el centro de la Tierra y provoca la división de la masa terráquea. Los animales sienten que el suelo se parte quedando separados la familia de mamuts y sus amigos. Hay varios personajes nuevos, entre los que destacamos a la abuela de Sid.

Los mamuts tienen problemas con la hija adolescente, Peaches, rebelde que quedará en una parte de la Tierra fragmentada por culpa de Scrat mientras su padre, Sid y Diego se encuentran aislados en un iceberg en alta mar enfrentando a piratas comandados por un fiero orangután, Tripa, que cuenta con una mano derecha encantadora: Shira, una tigresa de bello pelaje gris y filosos colmillos.

Las aventuras que se suscitan están centradas en el reencuentro de los animales protagonistas y la defensa, cada uno en la parte de la tierra en la que quedó, de la sobrevivencia propia y familiar.

Solo acotamos que la aparición de Scrat, que en la película anterior fue más destacada, es escasa, tan es así que resulta un personaje anecdótico y sin fuerza dentro del relato cuando es el generador de todos los males y bienes de la saga. Debieron darle a este simpático “ojos gigantes” más participación. Por lo demás, la música de John Powell es, por momentos, majestuosa, y las situaciones generadas, los conflictos, en la trama son divertidos. Pero pesa la ausencia de la ardilla.

Elsa Bragato

CÓMPLICES

De Frederic Mermoud. Con Cyril Descours, Nina Meurisse, Joana Preiss, Gilbert Melki, Hervei Cagari,Emanuelle Devos, entre otros. Duración: 93 minutos.

BUENA. COMPLEJO RELATO SOBRE LA PROSTITUCIÓN MASCULINA Y SUS CONSECUENCIAS EN UN THRILLER FUERTE

No está Jean Reno ni tampoco aparecen los efectos especiales de Hollywood. No obstante, el francosuizo Frederic Mermoud encara un thriller policial francés de gran envergadura. Es decir, hay énfasis en el desarrollo narrativo a partir justamente del desarrollo de los personajes con diálogos y en secuencias que van dando solidez a cada uno de ellos.

“Cómplices” alude a la realidad afectiva y, por lo tanto, la complicidad de una joven pareja de enamorados, la que componen Vincent y Rebecca, así como, paralelamente, la amistad y complicidad laboral y, en cierta medida, afectiva, que mantienen los policías (Gilbert Melki y Emanuelle Devos) a cargo del caso del homicidio de un joven, cuyo cuerpo es encontrado en el Ródano.

En la pareja de jóvenes se da la complicidad afectiva (desencadenante del drama que vivirán) en altísimo grado: Cyril Descours es “Vincent” y obtiene dinero como prostituto masculino. Se enamora de “Rebecca” (Nina Meurisse), ambos jóvenes de clase media, y la lleva a vivir situaciones de gran riesgo físico al comprometerla en sus aventuras sexuales. La juventud hace que no puedan ver el peligro al que se exponen, peligro que termina con la vida de Vincent y que es el comienzo del relato.

La narración propuesta por Frederic Mermoud es excelente al iniciar la historia en ese cuerpo que está flotando en el Ródano y luego ir desarrollando con flashbacks la vida del occiso y de la novia. Además, va proponiendo de manera inteligente diferentes posibles autores del hecho, mientras muestra escenas fuertes de prostitución masculina sin llegar a ningún tipo de extremo. La sugerencia es el arma de Mermoud para su narración.

Por otro lado, la complicidad laboral de los policías, “Hervé” y “Karine”, evita los riesgos a los que tuvieron en su relación “Vincent” y “Rebecca”, es decir, se involucran en el caso buscando a los eventuales asesinos pero evitan involucrarse en la relación afectiva, casi como consecuencia natural del trabajo que tienen. Pero este no involucrarse permite desnudar sus soledade. No obstante, será “Hervé” quien nos proporcione elementos muy sugestivos dentro del guión que, a la manera de Agatha Christie, van dando vueltas de tuercas a una narración sin previsibilidad hasta promediando el film. Mermoud supo generar climas intensos en muchos momentos sin caer en el mal gusto aunque mostrándonos las escenas de sexo con una frontalidad y sugerencia poco comunes. Nos mantuvo atentos de pe a pa.

Elsa Bragato

SOMBRAS TENEBROSAS, UN SUCESO FELIZ, UN AMOR IMPOSIBLE, ENTRE LOS ESTRENOS DE ESTE JUEVES 21 DE JUNIO

JUEVES 21 DE JUNIO DEL 2012.-

Hay cuatro estrenos. No comentamos el film nacional “La plegaria del vidente” que, por otra parte, ha tenido buena repercusión en la crítica nacional.

SOMBRAS TENEBROSAS

De Tim Burton. Con Johnny Depp, Michelle Pfeiffer, Eva Green, Helena Bonham Carter, entre otros. Música de Danny Elfman. Duración: 113 minutos.

BUENA. DESHILVANADA HISTORIA DE VAMPIROS CON ROMANTICISMO KITSCH

La relación entre Tim Burton y Johnny Depp viene de larga data: van ocho films juntos a lo largo de 22 años. Tim Burton y su especial “autismo” cinematográfico (según la definición de su esposa, la actriz Helena Bonham Carter) y Johnny Depp y su afición por los personajes caricaturescos y límites, forman una dupla inconfundible. Varios hallazgos tienen juntos, entre ellos, “Sweeney Todd”, un musical de Stephen Sondheim (el letrista de “West Side Story”, que cumple 50 años de su estreno) que llevaron al cine de manera impecable aunque no lograron una gran repercusión en la taquilla nacional.

En el caso de “Sombras tenebrosas” estamos frente al producto menos logrado de ambos (Depp tiene que ver también con la producción). El film nos cuenta la venganza de un hombre que murió enterrado vivo hace 200 años y reaparece por un hecho fortuito en 1972 en una casa venida a menos cuya familia es conducida por Michelle Pfeiffer, siempre bella. Aparece entonces una impronta de Los Locos Adams como otros tantos guiños que habrá a lo largo del film, desde Cumbres Borrascosas hasta la saga Crepúsculo. Estos guiños generan secuencias simpáticas pero no engarzadas de manera suficiente con el relato general.

La reaparición de “Barnabas Collins”, personaje de Depp, genera situaciones límites: transformado en vampiro como consecuencia de su enojada novia, una bruja de 200 años, mantiene una relación fatal con ella, “Angelique” (Eva Green); la noche de sexo entre ambos es uno de los pasajes más logrados de la película por lo estrambótica y caótica que resulta, con resultados desastrosos para la casa. Son seres descomunales que se aman de ese modo. También resulta simpática la intervención de Helena Bonham Carter como la “psicóloga” que vive en la casona para solucionar los múltiples problemas de la insólita familia

El film no tiene una coherencia argumental sólida y se reduce a secuencias logradas. Tim Burton resumió los más de 1000 capítulos de la serie homónima en casi dos horas de cine y faltó el guionista que condensara la médula de la historia para que la narración lograra un hilo conductor creíble. Los efectos especiales, más que necesarios en historias vampíricas, están: paredes que sangran, cuadros con figuras vivientes, entre otros. Pero no alcanzan para darle coherencia a un relato prometedor que queda en eso. La extravagancia de Tim Burton y su genialidad así como la osadía de Johnny Depp que lo aleja de personajes convencionales, esta vez no alcanzaron para ofrecer un producto redondo, de pe a pa. Es un film previsible con momentos muy convencionales.

Nota de Redacción: Tim Burton y Johnny Depp trabajaron juntos en “Edward Scissorhands” (1990), “Ed Wood”, “Sleepy Hollow”, “Charlie y la fábrica de chocolate”, “El cadáver de la novia” (voz de Depp), “Sweeney Todd”, “Alicia en el país de las maravillas” y “Sombras tenebrosas”.

Elsa Bragato

UN AMOR IMPOSIBLE

De Lasse HAnsström. Con Ewan McGregor, Emily Blunt, Kristin Scott Thomas, entre otros. Música de Darío Marianelli. Duración: 107 minutos.

BUENA. UTOPÍAS DE UN ORIENTAL DENTRO DE LA POLÍTICA CONSERVADORA OCCIDENTAL

El sueco Lasse Hallström (realizador de la recordada “Chocolate”) encara esta comedia romántica con muchos elementos a favor: un best seller del 2006 de Paul Torday y un muy atractivo y profesional elenco. La historia es extravagante: un jeque yemenita, experto pescador deportivo, quiere introducir salmones en su país –Yemen del Norte-, trayéndolos desde Escocia. Su representante es la eficiente Emily Blunt y su consultor, un muy británico científico del Departamento de Pesca y Agricultura que encarna Ewan McGregor, quien descree de la titánica tarea sugerida por el jeque.

Kristin Scott Thomas encarna a la jefa de prensa del premier británico (el film está ubicado en la época de Tony Blair a quien sarcásticamente se lo alude sin identificarlo). Esta mujer manipula el proyecto de manera de dejar bien parado al primer ministro, echando mano a artimañas y una excesiva propaganda.

La fachada del film es esta historia donde se mezclan utopías de un millonario oriental con un determinado planteo político conservador occidental. El trasfondo es la comedia romántica, trada de manera especial: entre los personajes surge el amor (McGregor y Blunt), pero no hay acercamientos físicos sino encantamiento y timidez.

Hay que subrayar otro elemento: la novela original está armada en base a emails, memoranda, cartas, artículos de prensa y fragmentos del diario del doctor especializado en pesca. Esto dificultó el armado del guión porque hubo que recrear a los personajes dentro de un espacio y tiempo definidos para poder narrar la historia. Y ésta es la debilidad: la falta de carnadura de los personajes que están bien esbozados pero que carecen de solidez. Es decir, fue necesario “extraerlos” de esos fragmentos con los que se armó la novela (bien planteada dentro del género literario) para “armarlos” en una narración audiovisual. Se “deslizan” sobre sus roles pero no se meten en ellos.

La película tiene el atractivo de las locaciones elegidas: las montañas Atlas de Marruecos (en Yemen no fue posible por su postura antioccidental) y la escarpada geografía de Escocia. Estas condiciones de los terrenos obligaron a un notable esfuerzo de los técnicos con un logro: una fotografía que sobresale, así como la banda original que escribió el gran compositor Darío Marianelli, de notable factura en su orquestación.

Hay secuencias del film cuya resolución resultan muy convencionales, observándose entonces una relación directa con la forma de la novela y la dificultad de su adaptación. Es una comedia romántica con un sabor político muy “british” que hay que comprender para pasar un agradable momento. Nada más que eso.

Carlos Pierre

UN SUCESO FELIZ

De Remi Bezançon. Con Louise Bourgoin, Pio Marmal, Josiane Balaski, Therry Fremont, entre otros. Duración: 107 minutos.

BUENA. MANUAL DE AUTOAYUDA PARA PADRES PRIMERIZOS

Para Remi Bezançon, este film sobre las vicisitudes del embarazo, el puerperio y los flamantes padres primerizos, fue una suerte de catarsis personal como, aseguró en reportajes, sus anteriores films. Del inicial enamoramiento, Bezançon pasa al embarazo y las alegrías e incertidumbres que plantea aunque con el optimismo de los flamantes futuros padres. No hay alternativa que el director deje de analizar y, como se sabe, no siempre son situaciones ajenas a los inconvenientes que tiene la mujer, desde su cuerpo y los cambios hasta la relación con la pareja. Las preguntas de la protagonista “Bárbara” son comunes a todas las mujeres: nadie le avisó lo que le pasaría que, por otra parte, se trata de hechos conocidos desde que el hombre está en la Tierra.

Es cierto que la llegada de un hijo (una nena en este caso) provoca un cismo importante en la pareja. La mujer descuida otros aspectos de su vida familiar, especialmente su relación marital, y esto deviene en no pocos problemas conyugales. Todo está narrado con detalle, sin ayuda de música incidental. Así como resulta empático el encuentro de la futura pareja en el inicio del film luego éste decae porque el tema es interesante pero un tanto árido. Sin embargo, es una buena comedia, casi a manera de “manual de autoayuda” que está destinado al público femenino especialmente por la revisión de la conducta de la mujer en esas circunstancias. Como hecho a destacar, Louise Bourgoin y Pio Marmal (la pareja protagónica, Bárbara y Nicolás) trabaron amistad por indicación del realizador varios meses antes de manera que existiese química a la hora de filmar. Existe, nada más que la narración afloja a poco de comenzar.

Elsa Bragato

LA TRAICIÓN, CHIMPANCÉS, ALBERT NOBBS, PROMETEO, DESMADRE, FUERA DE JUEGO, CINE DEL JUEVES 14 DE JUNIO

JUEVES 14 DE JUNIO DEL 2012.-

Hay siete estrenos. Tres de ellos son argentinos, divididos en dos ficciones y en el documental, que no comentamos, “Parapolicial negro”, de Valentín Javier, sobre la Triple A..

CHIMPANCÉS

De Alastair Fothergill, Mark Linfield. Duración: 75 minutos. Documental.

MUY BUENA. LA VIDA DEL CHIMPANCÉ OSCAR FILMADA CON NOTABLES DETALLES

Walt Disney Studios fue pionero en la realización de documentales sobre la vida animal. Basta citar “En el valle de los castores”, de 1950 y “El desierto viviente”, de 1953. Con la tecnología actual, se echó mano a una captación profunda del reino animal, analizando la superviviencia incluso en lugares inhóspitos para la presencia humana.

“Chimpancés” fue filmada en plena selva africana, en los enmarañados bosques donde habitan estos monos, parientes nuestros más o menos lejanos. En este cas, enfoca la historia de Oscar, pequeño chimpancé, miembro de una importante familia de su raza. Y así se inicia un itinerario de su vida, de cómo va creciendo e imitando los usos y costumbres de los mayores, de cómo se provee de alimentos. En su caso son las nueces, que come rompiéndolas con golpes de una piedra. O el deleite que le producen las hormigas a las que engancha en un palito que mete en el hormiguero. El detonante en la vida de Oscar es la muerte de su madre luego de sufrir el ataque de un felino. Oscar siente la orfandad más básica que es remediada por un hecho insólito dentro del grupo: es adoptado y criado por un veterano líder chimpancé, que deja de lado su investidura para protegerlo y enseñarle a vivir en comunidad.

Las instancias de peligros límites y violentas no son mostradas con fruición de la cámara sino sugeridas, como el caso de la muerte de Oscar o bien cuando el grupo sale a cazar monos más pequeños. Tampoco la cámara se engolosina mostrando las peleas por el territorio entre grupos antagónicos.

Hay que decir que este film fue realizado por un equipo técnico sacrificado, que se internó en los bosques y se expuso a las acechanzas propias de la vida salvaje, entregándonos esta historia real y emotiva de un pequeño chimpancé.

Las lluvias, el mundo silencioso de los insectos, el crecimiento de las plantas, cuentan con secuencias maravillosas, rodadas en cámara lenta, que nos permiten disfrutar de momentos inasibles de la naturaleza para el ojo humanos. Son todos atributos de este documental exuberante y, a la vez, didáctico. Es para toda la familia; uno sale del cine con emoción en el corazón.

Carlos Pierre

LA TRAICIÓN

De Steven Soderbergh. Con Gina Carano, Ewan McGregor, Michael Fassbender, Antonio Banderas, Michael Douglas, Bill Paxton, entre otros. Música de David Holmes. Duración: 93 minutos.

MUY BUENA. THRILLER DE AVASALLANTE ADRENALINA CON EL SURGIMIENTO DE UNA NUEVA “MUJER MARAVILLA”

Steven Soderbergh sigue sorprendiéndonos con productos nobles. El realizador de “Traffic” toma a una luchadora profesional, Gina Carano, sin experiencia actoral, y la transforma en la protagonista de este film de acción que gira en torno al espionaje internacional. Crea una nueva mujer maravilla con un tinte sesentista, sin las armas y los efectos aparatosos actuales. Con el nombre de “Mallory Kane”, Gina Carano asume el rol de una especial luchadora de ficción que se trenza con cualquier hombre que se le ponga en el camino. La lucha es de igual a igual, desparramando un repertorio de trompadas a las que les añade las patadas voladoras, más saltos y corridas, sin miramientos con el sexo opuesto. Los pone de espaldas y los mata.

La película está filmada en Barcelona, Dublin y los Estados Unidos. Hay pura acción, atrapante, casi sin diálogos, con derroche de adrenalina que asombra al espectador.

Soderbergh sigue filmando y encarando desafíos argumentales que suelen ser buenos, atractivos para el público, y taquilleros. Fanático de las cámaras digitales, rodó muchas secuencias con estas cámaras y a puro vértigo para luego compaginarlas en forma inmediata. Y son el “quid” del film, la rapidez avasallante y el ritmo compulsivo. A estos aciertos técnicos, Soderbergh le añade la creación de una nueva vengadora en la figura de Gina Carano, que va a asombrar por sus habilidades. Esto es tan así que el mismo realizador (muy admirado por George Clooney) dijo que, sin ella, no habría abordado este film, delicado, vertiginoso, con sutil humor y cierto erotismo, dotado además de una fotografía que deslumbra dentro del género.

La música de David Holmes y la textura de muchas secuencias nos remiten a otras décadas, como indicamos al comienzo. Pero el objetivo está alcanzado plenamente, incluyendo a una pléyade de actores que sustentan la labor protagónica de la debutante Carano. De este elenco no podemos dejar de mencionar al nuevo “fetiche” del cine norteamericano, Michael Fassbender, a quien vemos esta semana también en “Prometeo”. Estamos frente a un thriller atrapante de principio a fin.

Carlos Pierre

PROMETEO

De Ridley Scott. Con Charlize Theron, Naomí Rapace, Michael Fassbender, entre otros. Música de Marc Streitenfeld. Duración: 122 minutos.

REGULAR. CONFUSA MEZCLA DE TEORÍAS FILOSÓFICAS CON MONSTRUOS MUY CONOCIDOS

La decepción es la sensación que deja este tanque de Hollywood, dirigido por Sir Ridley Scott, quien, en algún momento, habló de “precuela” de su famoso “Alien”, la intención del film que toma otros rumbos insólitos, especialmente desde lo conceptual.

El guión es flojísimo. Desde el comienzo se mezclan distintas teorías, que no se desarrollan, apenas esbozos que confunden, desde el hombre-robot y su gestación hasta el origen de la raza humana y la existencia de Dios o no. Todo esto dentro de una nave espacial que elige un planeta y un punto específico para investigar sin mayores explicaciones al espectador, ubicados en el 2059.

A medida que avanza la narración, se observa una delectación de Sir Scott por la holografía, prácticamente el único efecto especial diferente que emplea hasta el hartazgo. Lo demás lo vimos en muchas películas y con mayor desarrollo tecnológico. Los personajes tampoco son convincentes. Charlize Theron es la jefa de esta misión donde se mezclan seres en hibernación, hombres-robots y humanos comunes que hasta fuman (en ambientes cerrados…), despertares nauseabundos y equipos computarizados de cirugías espeluznantes que, sin embargo, vienen a ser lo más novedoso (ver una cesárea sin anestesia realizada por estas máquinas resulta la secuencia más espeluznante y atractiva del film).

Theron tiene su parcela “terrestre” en una suerte de loft cósmico adosado a la nave. Resulta ridícula tanta humanidad terrestre en medio del planteo del film: monstruos amurados, pulpos con tentáculos que se meten por la boca y destripan, aguas viscosas que generan aliens, y hasta el alien mismo cuya aparición no tiene razón de ser ni siquiera como precuela.

Rescatamos de tanta debilidad argumental, plagada de escenas desagradables (vómitos, secuencias terribles al quemar con antiguos lanzallamas a los compañeros infectados) a Naomí Rapace, la actriz que saltó a la fama por ser la protagonista de la adaptación de los films suecos basados en la trilogía de Stieg Larsson. Tiene una actuación convincente aunque no son creíbles ni el personaje ni las circunstancias que debe vivir. Todo es previsible, ya visto.

En el personaje de Rapace está el “quid” tan oculto en el argumento de Prometeo, y hay que esperar bastante para que Scott se digne a traerlo al primer plano del interés del espectador. Es la pista a seguir luego de tanta confusión, holografías de muertos vivos, y monstruos de una cabeza y miles de tentáculos, amurados en paredes azules-grises, con jeroglíficos que son similares a otros conocidos en la Tierra y que hablan de la gestación de la humanidad gracias a los extraterrestres.

Más allá de la pobreza de los efectos especiales, apenas salvada por la holografía, está la pobreza y confusión conceptual del film. La mezcla, sin desarrollo, de hipótesis filosóficas muy respetables, que han devanado los sesos de los grandes de la filosofía de todos los tiempos y de las religiones del mundo, nos puede hacer creer que estamos frente a una película con “densidad argumental” y no es así. Es confusión por tanta teoría: se está en el cosmos, pero la jefa vive en un loft terrestre; se mantienen vivos a seres humanos y se está dirigido por un robot (Michael Fassbender) con la ayuda de un anciano que aparece en forma holográfica, ¿vivo o muerto?; los muertos traspasan a humanos y robots, también holográficamente, y trabajan en la generación de vida a través de extraños huevos que laten en un oscuro túnel de un planeta inhóspito. ¿Hacia dónde va Scott? ¿Hacia la búsqueda del “Alien” que justifique sus antológicos films de 1979 y 1982 o hacia la búsqueda de Dios? Todo junto, buena melange, y éste es el mérito del film unido a que, de manera insólita, entretiene de principio a fin: poner todo junto y hacernos creer, o intentar al menos, que estamos ante la resolución de uno de los grandes mitos del cine contemporáneo: los aliens. Entretiene, sí, a partir de lo ya visto. Para fans de Ridley Scott.

Elsa Bragato

EL SECRETO DE ALBERT NOBBS

De Rodrigo García. Con Glenn Close, Mia Wasikowska, Brendan Gleeson, Brenda Fricker, Aaron Johnson, Mark Williams, entre otros. Música de Brian Byrne. Duración: 113 minutos.

BUENA. NOTABLE ACTUACIÓN DE GLENN CLOSE EN UN FILM SOBRE

LA ELECCIÓN SEXUAL EN ÉPOCAS DE OPRESIÓN

Glenn Close interpretó a su “Albert Nobbs” hace 30 años en el off Broadway. La historia de esta mujer, abusada en su niñez que busca refugio en una imagen masculina para sobrevivir en una sociedad machista y conseguir trabajo, se basa en un cuento del inglés George Moore, y en la adaptación teatral del mismo de Simone Benmussa. A la hora del guión, también Glenn Close intervino así como es una de las productoras ejecutivas de la película, destino de las grandes estrellas de Hollywood que superaron los 50 años.

“Albert Nobbs” es el nombre de esta mujer travestida como hombre que ingresa a un hotel a los 14 años y se convierte en la mano derecha de los dueños. Casi no habla, musita, y lleva un orden exasperante en su pequeña vida y en todo lo que hace. No sabe lo que es el amor, cree que ama cuando piensa en armar una familia, como la que no tuvo, y para la que afanosamente va guardando las propinas durante 30 años en un lugar secreto de su pequeño cuarto. Su sueño es abrir una tabaquería, tan comunes en Europa, y en ella se imagina a la joven mucama del hotel como compañera.

El film conserva la estructura teatral: siete escenarios movibles que, en el cine, se plantean con unidad. Pero no es difícil ubicarlos en un escenario “mental”. La realización es, en este sentido, de gran valor, con una recreación de la vida de Dublin del siglo XIX muy preciosista.

Y el problema narrativo está en el sobrevuelo del realizador Rodrigo García (el hijo mayor de Gabriel García Márquez, a quien hemos conocido en otras realizaciones) en los personajes: resulta lineal la construcción de los mismos, no hinca la cámara, no se detiene en ellos, los esboza, con la salvedad de Glenn Close que conoce a su Albert Nobbs al dedillo y lo demuestra, resultando una de las actuaciones más logradas de la actriz que mereció el Oscar por esta interpretación y no así Meryl Streep por su ministra británica.

Para “Albert Nobbs” no existe otra identificación que su nombre, no sabe cómo se llamaba antes, y desconoce las virtudes de ser mujer. Una pareja homosexual de mujeres le abre la posibilidad de pensar en un hogar y busca a una joven mucama como destinataria de su amor “virtual”, creyendo que amar es decirle a otro “me quiero casar con vos”. Sin duda, estas secuencias son las más significativas del film y las que muestran la hipocresía del siglo XIX, hipocresía que sea mantenido prácticamente hasta no hace poco. ¿Por qué Albert Nobbs se niega a ser mujer? ¿A qué teme? ¿Sabe realmente que significa ser mujer? Son algunos de los temas que nos plantea este personaje críptico y desgraciado que encarna Glenn Close. Pero, insistimos, están planteados, nada más.

Encontramos secuencias que no tienen mucha explicación dentro de la propuesta: la mano derecha de los dueños de un hotel que abandona su trabajo sin avisar para realizar pequeños paseos por Dublin no resulta creíble, aunque sea una exigencia del guión para darle cierto desarrollo al protagónico. Sin embargo, resulta interesante el planteo de la elección sexual, en unos personajes por convicción, en otros por desconocimiento. Así como el planteo, nada más que eso, de las secuelas psicológicas en la mente de una mujer producidas por violaciones físicas y violencia psicológica en la niñez. Glenn Close, magnífica, como otras actuaciones. El pase del teatro al guión… muy endeble.

Elsa Bragato

DESMADRE

De Jazmín Stuart y Juan Pablo Martínez. Con Claudia Fontán, Florencia Otero, Luz Cipriota, Nazareno Casero, entre otros. Música de Sebastián Escofet. Duración: 105 minutos.

BUENA. LA RELACIÓN MADRE-HIJA EN UN FILM DE TINTE EXISTENCIALISTA

Jazmín Stuart, reconocida actriz de teatro y televisión (Mujeres asesinas, El hombre de tu vida, entre muchos otros trabajos), junto a Juan Pablo Martínez, dirigió esta película, luego de su experiencia de “El hombre que corría tras el viento” del 2009. En esta oportunidad, se basó en la novela “Para ella todo suena a Frank Purcel”, del mexicano Guillermo Fadanelli.

La historia se centra en “Carla” (Florencia Otero), una adolescente de 19 años, que representa el rumbo incierto de muchos jóvenes de su edad, con cierto desgano por lo que ocurre a su alrededor, criada sin su padre y con una madre (Claudia Fontán) que no ejerció su rol. La reaparición de ésta en su vida produce el conflicto que desarrolla la trama: su madre compite con ella, mantiene esa actitud de “des-madre”, y Carla cumple con el ritual de la vida en forma apática, desganada, vestida de negro, ocultando su belleza y su juventud y con incertidumbre sobre su elección sexual, ¿chicos o chicas?

El film trasunta amablemente este desencanto de la adolescente protagonista, cumpliendo casi a rajatabla con los enunciados de la novela original e impregnando el film de una pátina de ligero aburrimiento, como el que sufre Carla. La película tiene cierto reflejo de aquellas otras vivaces pero desencantadas de la “nouvelle vague”, ese tono casi existencialista de ver transcurrir la vida porque no queda otra que hacer. Es una propuesta válida.

Carlos Pierre

FUERA DE JUEGO

De David Marqués. Con Ricardo Darín, Diego Peretti, Carolina Peretti, “Chino” Darín, Fernando Tejero, entre otros. Música de Nico Cota y Macho Mañó. Duración: 103 minutos.

REGULAR. LOS DARÍN EN UNA HISTORIA SIMPLE Y SIN MAGIA

Este film trae una gran sorpresa: la presencia de Ricardo Darín en las secuencias iniciales que introduce a su hijo en la vida real, Chino Darin. No aparece en los créditos. Pero entendemos que debemos mencionarlo porque tiene un doble rol: el de lanzar a su hijo como protagonista de cine y el de su propio e innegable carisma además de una gran generosidad como actor y como papá.

La historia se centra en la muerte de un representante de jugadores (Ricardo Darín), “tío” del aburrido Diego (médico encarnado por Diego Peretti) quien le deja el encargo de que cuide a su representado (Chino Darín, aquí “Gustavo-César”) porque un representante español quiere quitárselo, personaje que encarna Fernando Tejero como “Javi”, casado con la argentina Ana (Carolina Peleritti).

El film tiene un desarrollo clásico, muy sencillo, sin pretensiones. Y es tan modesto que no tiene magia alguna: una historia de un joven futbolista que promete ser un futuro Messi en medio de los tiras y aflojes de un médico que no entiende nada del mettier y de un representante español que se maneja sin profesionalismo buscando pegar el golpe con un virtuoso del balón y tener una gran vida. El ritmo lo ponen los diálogos, las controversias entre Diego y Javi, los enredos que se generan, y el hecho de que el film esté rodado tanto en Madrid, Valencia y Buenos Aires. Poco se ven estas ciudades sino que sirven como telones de fondo para los parlamentos continuos entre los personajes. Mucha “chiacchera”, poco sustento.

Chino Darín tiene un encanto especial, diferente al carisma de su famoso papá, que resulta prometedor más para un galán romántico en esta etapa inicial de su carrera que para otro tipo de roles. Se maneja con soltura y tiene la belleza y la juventud necesarias, además de training actoral familiar (esto es innegable), para acceder a ese tipo de roles. Diego Peretti y Carolina Peleritti están más que probados en televisión y cine y siempre son cheques al portador. Fernando Tejero es un excelente actor también. Es decir, la película se apoya en demasía en los parlamentos al mejor estilo televisivo, carece de vuelo cinematográfico.

Elsa Bragato

PREMIOS CÓNDOR DE PLATA 2012, GANADORES

MEJOR PELÍCULA: LAS ACACIAS DE PABLO GIORGELLI

MEJOR DIRECTOR: CARLOS SORIN (EL GATO DESAPARECE)

MEJOR ACTOR: LUIS LUQUE (EL GATO DESAPARECE)

MEJOR ACTRIZ: BEATRIZ SPELZINI (EL GATO DESAPARECE)

MEJOR ACTOR DE REPARTO: CLAUDIO RISSI (ABALLAY, EL HOMBRE SIN MIEDO)

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO: VERONICA LLINAS (CERRO BAYO)

REVELACIÓN MASCULINA: ESTEBAN LAMOTHE (EL ESTUDIANTE)

REVELACIÓN FEMENINA: ELENA ROGER (UN AMOR)

MEJOR DOCUMENTAL: TIERRA SUBLEVADA 2: ORO NEGRO (DE FERNANDO PINO SOLANAS)

INNOVACIÓN ARTÍSTICA: AUSENTE (DE MARCO BERGER)

MEJOR OPERA PRIMA: EL ESTUDIANTE (DE SANTIAGO MITRE)

MEJOR GUIÓN ORIGINAL: EL ESTUDIANTE (SANTIAGO MITRE)

MEJOR GUIÓN ADAPTADO: ABALLAY, EL HOMBRE SIN MIEDO (FERNANDO SPINER, JAVIER DIMENT, SANTIAGO HADIDA, ADAPTACIÓN DEL CUENTO HOMÓNIMO DE ANTONIO DI BENEDETTO)

MEJOR FOTOGRAFÍA: ABALLAY, EL HOMBRE SIN MIEDO (CLAUDIO BEIZA)

MEJOR MONTAJE: LAS ACACIAS (MARIA ASTRAUSKAS)

MEJOR DIRECCIÓN DE ARTE: JUAN Y EVA (RODOLFO PAGLIERE)

MEJOR MÚSICA ORIGINAL: EL GATO DESAPARECE (NICOLAS SORIN)

MEJOR SONIDO: EL GATO DESAPARECE (JOSÉ LUIS DÍAZ)

MEJOR VESTUARIO: JUAN Y EVA (MARCELA VILARIÑO)

MEJOR CORTOMETRAJE: LUMINARIS (JUAN PABLO ZARAMELLA)

MEJOR PELÍCULA IBEROAMERICANA: BALADA TRISTE DE TROMPETA, DE ALEX DE LA IGLESIA. ESPAÑA

MEJOR PELÍCULA DE HABLA NO HISPANA: DE DIOSES Y HOMBRES (DES HOMMES ET DES DIEUX, DE XAVIER BEAUVOIS. FRANCIA

MADAGASCAR 3, MI SEMANA CON MARILYN, EL CUERVO, ACORRALADOS, ANDRIZZI X 2, CINE DEL JUEVES 7 DE JUNIO

JUEVES 7 DE JUNIO DEL 2012.-

Hay siete estrenos, dos de ellos nacionales.

MADAGASCAR 3: LOS FUGITIVOS

De Eric Darnell. Con Ben Stiller (león Alex?, Chris Rock (cebra Marty), Sacha Baron Cohen, entre otros, en las voces. Música de Hans Zimmer. Duración: 93 minutos.

MUY BUENA. EL SIMPÁTICO ZOO DE NEW YORK NOS SIGUE DIVIRTIENDO

En 3D, Madagascar 3 nos vuelve a deleitar, sin el “punch” de la primera película pero con mucha gracia y gran desarrollo de los personajes, a diferencia de los dos anteriores films. El león, la cebra, “la” hipopótamo y la jirafa se meten en líos novedosos y más románticos que antes buscando el camino de regreso al zoo de New York.

Los diálogos son picantes, incluso con alguna referencia política, los pingüinos están en su salsa improvisando aviones y otros medios de transporte insólitos, y el amor tiene lugar de la manera más simpática entre una zariguella y una osa un tanto bobalicona. Cada personaje muestra sus sentimientos y afloran la amistad, la cordialidad, la rabia, la nostalgia, la picardía. En este sentido, el film logra meternos más en el corazón de sus personajes principales. La música es la otra protagonista del film. Hans Zimmer no repite melodías, salvo el “Move it” pero en forma muy breve, y acude a las armonías más sentimentales.

La persecución que emprende una policía francesa a bordo de su poderosa moto provoca momentos de gran hilaridad, cazadora experta de animales cuyas cabezas adornan su hogar y su despacho, y le da el timing necesario al film que, como expresamos, se inclina hacia la nostalgia. Ser libres o volver al Zoo con un público que los ama pero donde están encerrados? He aquí el quid de este film, grato, simpático, con historias de circo, y la visita a diferentes ciudades europeas. Muy atractivo, para toda la familia. Todos van disfrutar de una hora y media a pura sonrisa.

Elsa Bragato

ANDRIZZI POR 2 (CINE EXPERIMENTAL)

EN EL FUTURO = BUENA

De Mauro Andrizzi. Con Luis Machín, Lorena Damonte, entre otros. Duraciçon: 62 minutos.

El futuro, como el amor, es una conjetura para el realizador, que despierta la ilusión de la espera pero desata la angustia de lo que aún no llega.

Mauro Andrizzi se sumerge plenamente en la ficción más experimental que puede y desea. Comienza con una larga secuencia de parejas besándose. Son tomas de variados planos en absoluto silencio. La narración recae entonces en el fantasma del realizador. Proliferan imágenes inquietantes, tal vez sus propios recuerdos y fantasías. Hay un logrado blanco y negro, un hombre vuela por Buenos Aires, acaso recuerda su infancia al pasar por sobre el zoológico. Este film fue premiado en el Festival de Venecia del 2010. Insistimos en que se trata de cine experimental.

ACCIDENTES GLORIOSOS = BUENA

De Mauro Andrizzi. Con Lorena Damonte, Alberto Suárez, entre otros. Duraciçon: 60 minutos. Narradora: Cristina Banegas.

Los accidentes automovilísticos son esculturas artísticas, instantáneas, armadas en segundos. Un fotógrafo que pasa por las noches con su auto busca el “accidente perfecto”.

Otras subhistorias sexuales se suman a este film del director marplatense. Y no duda en mostrar escenas artificiosas ni tampoco en caer en el ridículo. Este film fue premiado en el Festival de Venecia del 2011.

Mauro Andrizzi demuestra talento en estos dos films experimentales. Y eso nos hace esperar de él mucho más. Observamos convicción, valentía, lirismo y rebeldía. Pero es cierto que no son películas para la mayoría y que este tipo de cine debiera tener su propia sala de exhibición para no competir frontalmente con los estrenos comerciales, dotados de tecnología y guiones muy sólidos.

Carlos Pierre

MI SEMANA CON MARILYN

De Simon Curtis. Con Michelle Williams, Kenneth Branagh, Judi Dench, entre otros. Música de Conrad Pope, tema de Marilyn de Alexandre Desplat, solos de piano de Lang Lang. Duración: 99 minutos.

MUY BUENA. EVOCACION DE UN MOMENTO DE LA VIDA DE MARILYN MONROE

Michelle Williams (la viuda de Heath Ledger) compone a Marilyn Monroe sin imitarla sino metiéndose en la vida de la gran sexy del cine y buscando interpretar su vulnerabilidad frente a un medio descarnado que solo la quiso como “bomba” y desechó su innato talento para la comedia. Williams realiza una labor notable que mereció varios premios. No es Marilyn pero nos hace sentir que es Marilyn. He aquí el secreto actoral de Williams.

El guión se basa en dos libros, a la manera de diarios de filmación, que dejó el realizador Colin Clark, quien, a los 23 años y debido a las influencias de su distinguida familia británica, logró ingresar como cadete en la filmación de “El príncipe y la corista”, que dirigió y actuó Sir Laurence Olivier, una pieza antológica del cine más allá de cualquier falencia que se le pueda encontrar y a pesar de no haber tenido éxito cuando se estrenó (a Marilyn Monroe solo se la quería ver como una rubia tonta y bella). Fue el primer trabajo de Colin Clark.

El joven establece una cálida e ingenua amistad con Marilyn, quien lo toma como confidente: era la flamante esposa del escritor Arthur Miller, un casamiento que sacudió a la Meca del Cine a mediados de los 50, especialmente por el enorme desprecio que Miller llegó a mostrar por su hermosa mujer.

El film tiene varios méritos: la actuación de Michele Williams, quien compone a una deliciosa Marilyn sin querer imitarla (algo imposible por otra parte), recrea un momento real en la vida de la actriz, y tiene la calidez de la narración tradicional, apoyada en la reconstrucción de la época, tal vez uno de los períodos más felices de Marilyn Monroe por este film donde sintió que fue reconocida como actriz a pesar de sus discrepancias con Olivier (K. Brannagh). Muchos son los famosos que el film de Curtis recrea y uno tiene la sensación de sumergirse en un momento especial del cine del siglo XX, en un estilo de vida perdido y en medio de los rostros que inundaban las revistas del corazón de aquellos años. También quedan plasmadas las falencias afectivas de Marilyn Monroe que luego detonarían, especialmente cuando perdió su embarazo y Miller comenzó a destratarla.

Nos parece una película muy amable, agradable, una “biopic” de una semana en la vida de Marilyn Monroe, contada con verosimilitud e interpretada con excelencia por Michele Williams.

Elsa Bragato

EL CUERVO

De James McTeigne. Con John Cusack, Luke Evans, Brendan Gleeson, entre otros. Música de Lucas Vidal. Duración: 110 minutos.

BUENA. OSCURO THRILLER SOBRE EDGAR ALLAN POE

A manera de videoclips, ondulando entre la narración clásica y el thriller de impacto, El Cuervo retoma parte del cuento que hiciera famoso a Edgar Allan Poe y a éste, encarnado por John Cusack, un noble actor que lucha contra el viraje al azul del realizador y los fantasmas que asolaron la mente de Poe. El Cuervo fue el suceso de Poe que lo catapultó a la fama y le permitió vivir de su trabajo, algo por lo que siempre había luchado.

En la película, Poe es obligado por las circunstancias a buscar a un asesino serial que se inspira en sus cuentos para matar. La acción comienza en 1845, cuatro años antes de su extraña muerte, cuando se encuentran a una madre y una hija asesinadas y se descubre que habría relación con un seguidor de Poe, asesino, quien desea que el escritor vuelva a sus cuentos y abandone la crítica literaria.

En realidad, estamos frente a un film más de terror con la interesante recuperación, o al menos intenta hacerlo, de los últimos años de vida de Poe, acuciado por fantasmas, con muchas ganas de quitarse la vida y con muchas preguntas que no logró responderse. En este sentido, el realizador aporta algunos datos que resultan diferentes.

Las calles oscuras del siglo XIX, las noches cerradas, el andar de los carruajes, los gritos, la aparición de los cuervos como fueron concebidos en las ilustraciones de la época por Doré, añaden algo más a una historia de terror convencional, con cierto atractivo para los fans de este género y con un John Cusack que, si bien no sorprende, está correcto y consustanciado con su personaje. Por estas consideraciones no le ponemos regular.

Elsa Bragato

ACORRALADOS

De Julio Bove. Con Federico Luppi, Esther Goris, Gabriel Corrado, Gustavo Garzçon, entre otros. Duración 80 minutos. Argentina.España.USA.

BUENA. BUENAS ACTUACIONES EN UN GUIÓN FLUCTUANTE

Bien conocido y padecido fue aquel diciembre del 2011 cuando un decreto inesperado del gobierno congeló todas las cuentas bancarias, provocando una debacle económica en el país. A algunos, subrepticiamente, se les prometió rescatar sus ahorros de toda la vida. Esther Goris (Dorita) encarna a una ahorrista que lucha por rescatar su dinero.

“Acorralados” es una comedia dramática que se centra en Antonio, a cargo de Federico Luppi, un anciano que, desesperado en el final de su vida, adopta una actitud intimidatoria ante el banco que le niega sus ahorros. Con una granada en la mano y enorme desesperación, ingresa al edificio y enfrenta al gerente, protagonizado por Gabriel Corrado, quien tiene todo tipo de excusas. El drama de Antonio es que necesita ese dinero para sus remedios. Ya en el banco, Antonio toma rehenes que terminarán por sus aliados, generándose una batahola en una enardecida multitud frente a la entidad.

El novel realizador Julio Bove, graduado en los Estados Unidos, ha emprendido con este film un trabajo difícil que incluyó la dirección actoral de masas actorales, algunas veces en secuencias con cierta falta de espontaneidad que desmerecen en algo una historia muy interesante.

La calificamos como buena por el gran trabajo actoral de Federico Luppi, seguido por Corrado, Goris y Garzón, también en muy buenas perfomances, y esta convocatoria de actores de fuste es un punto a favor de Bove.

A pesar de estas fluctuaciones en la narración audiovisual, reconocemos en Julio Bove a un director con mucho futuro, con fibra cinematográfica como nos gusta decir, y del que esperamos trabajos redonditos en el futuro.

Carlos Pierre

MTV MOVIE AWARDS GANADORES 2012

_ Movie of the Year: "The Twilight Saga: Breaking Dawn – Part 1."

_ Best Male Performance: Josh Hutcherson, "The Hunger Games."

_ Best Female Performance: Jennifer Lawrence, "The Hunger Games."

_ Breakthrough Performance: Shailene Woodley, "The Descendants."

_ Best Comedic Performance: Melissa McCarthy, "Bridesmaids."

_ Best Cast: Daniel Radcliffe, Emma Watson, Rupert Grint and Tom Felton, "Harry Potter and the Deathly Hallows – Part 2."

_ Best Hero: Harry Potter, "Harry Potter and the Deathly Hallows – Part 2."

_ Best Music: LMFAO's "Party Rock Anthem," "21 Jump Street."

_ Best Kiss: Kristen Stewart and Robert Pattinson, "The Twilight Saga: Breaking Dawn – Part 1."

_ Best Fight: Jennifer Lawrence and Josh Hutcherson vs. Alexander Ludwig, "The Hunger Games."

_ Best On-Screen Dirtbag: Jennifer Aniston, "Horrible Bosses."

_ Best On-Screen Transformation: Elizabeth Banks, "The Hunger Games."

_ Best Gut-Wrenching Performance: Kristen Wiig, Maya Rudolph, Rose Byrne, Melissa McCarthy, Wendi McLendon-Covey and Ellie Kemper, "Bridesmaids."

_ MTV Trailblazer Award: Emma Stone.

_ MTV Generation Award: Johnny Depp.

MTV MOVIE AWARDS HOY A LAS 22 POR MTV, NOMINADOS

Película del Año

"Damas en Guerra" (Bridesmaids)

"Los Juegos del Hambre" (The Hunger Games)

"Harry Potter y las Reliquias de la Muerte (Parte 2)"

"Historias Cruzadas" (The Help)

"Crepúsculo: Amanecer (Parte 1)" (Twilight: Breaking Dawn)".

Mejor Actuación Masculina

Daniel Radcliffe por "Harry Potter y las Reliquias de la Muerte (Parte 2)"

Ryan Gosling por "Drive"

Joseph Gordon-Levitt por “50/50″

Josh Hutcherson por “Los Juegos del Hambre"

Channing Tatum por "Votos de Amor" (The Vow)

Mejor Actuación Femenina

Jennifer Lawrence por "Los Juegos del Hambre"

Kristin Wiig por "Damas en Guerra"

Emma Stone por "Loco y Estúpido Amor"

Emma Watson por "Harry Potter y las Reliquias de la Muerte (Parte 2)"

Rooney Mara por "La Chica del Dragón Tatuado"

Mejor Actuación en Comedia

Melissa McCarthy por "Damas en Guerra"

Kristen Wiig por "Damas en Guerra"

Zach Galifianakis por "¿Qué Pasó Ayer? (Parte 2)"

Jonah Hill por “21 Jump Street”

Oliver Cooper por “Project X”

Revelación

Melissa McCarthy por "Los Juegos del Hambre"

Rooney Mara por "La Chica del Dragón Tatuado"

Liam Hemsworth por "Los Juegos del Hambre"

Elle Fanning, “Super 8″

Shailene Woodley por “Los Descendientes"

Mejor Elenco

"Damas en Guerra"

"Harry Potter y las Reliquias de la Muerte (Parte 2)"

"Los Juegos del Hambre"

"Historias Cruzadas"

"21 Jump Street"

Mejor Pelea

Daniel Radcliffe vs. Ralph Fiennes en "Harry Potter y…"

Jennifer Lawrence y Josh Hutcherson vs. Alexander Ludwig en "Los Juegos del Hambre"

Channing Tatum yJonah Hill vs. Kid Gang en “21 Jump Street”

Tom Hardy vs. Joel Edgerton en “Warrior”

Tom Cruise vs. Michelle Nyqvist en "Misión Imposible: Protocolo Fantasma"

Mejor Beso

Ryan Gosling y Emma Stone en "Loco y Estúpido Amor"

Rupert Grint y Emma Watson en "Harry Potter y…"

Jennifer Lawrence y Josh Hutcherson, “Los Juegos del Hambre"

Rachel McAdams y Channing Tatum "Votos de Amor"

Robert Pattinson y Kristen Stewart "Amanecer (Parte 2)"

Mejor Música

“Party Rock Anthem” de LMFAO (“21 Jump Street”)

“A Real Hero” de College & Electric Youth (“Drive”)

“The Devil Is in the Details” de Chemical Brothers (“Hanna”)

“Impossible” de Figurine (“Like Crazy”)

“Pursuit of Happiness” de Kid Cudi (Steve Aoki remix) (“Project X”)