BLANCANIEVES Y EL CAZADOR Y ABRIR PUERTAS Y VENTANAS, ESTRENOS JUEVES 31 DE MAYO

ESTRENOS DEL JUEVES 31 DE MAYO DEL 2012.-

Hay cuatro estrenos, entre ellos, tres nacionales. No comentamos el documental “Putos peronistas” ni tampoco “Tiempo muerte”, sobre el básquet nacional.

ABRIR PUERTAS Y VENTANAS

De Milagros Mumenthaler. Con María Canale, Martina Juncadella, Ailín Salas y Julián Tello. Duración: 100 minutos.

REGULAR. TRES HERMANAS QUE ENFRENTAN LA ADULTEZ

Solo con una buena idea no se arriba a una película lograda. El guión de “Abrir puertas y ventanas” es de la directora Milagros Mumenthaler, argentina criada en Suiza y radicada luego en Mar del Plata. Propone una idea interesante: tres hermanas criadas por la abuela que falleció quedando con el futuro en sus manos sin guía alguna.

El clima de un verano caluroso está logrado, ese agobio tan particular que se abate sobre las hermanas y, en forma inmediata, sobre el espectador. Poco y nada podemos conocer de Marina (María Canale), la mayor de las hermanas, o de Sofía (Martina Juncadella), la más joven, o bien de Violeta (Ailín Salas), quien abandona el hogar y destraba así el argumento que viene girando en torno a diálogos casi inexistentes basados en frases de elemental convivencia o algún pasajero reproche. La tensión entre las mujeres existe, se percibe, pero no se desarrolla narrativamente. La intuimos más que verla en imágenes, y el cine es imagen.

Grave problema enfrenta el cine nacional con la ausencia de dialoguistas que den carnadura a personajes interesantes, a buenas ideas que quedan apenas plasmadas pero no desarrolladas. Así como la imagen es fundamental en el cine (es la que nos cuenta la historia), los diálogos son el sustento. Y los 100 minutos de “Abrir…” se hacen muy extensos para el espectador cuando en la pantalla no hay acicates espirituales sino un lacónico discurrir.

Esto no le quita méritos a la realizadora dado que se notan buenas intenciones y, a partir de esta opera prima, se le abre un interesante futuro. El festival de Mar del Plata y el de Locarno premiaron la película de Mumenthaler. Nosotros estamos pensando en el espectador que paga una entrada y que, de pronto, se encuentra con la misma historia de “Para vestir santos” (canal 13) o bien de un par de films nacionales anteriores, aunque cada realizador tiene su impronta. Destacamos el musical cuando las tres chicas, sentadas en un viejo sillón, escuchan conmovidas la canción “Back to stay”, grabada por Bridget St. John a principios de los 70. Y dos momentos cruciales que movilizan el argumento: la partida de Violeta y el amor de dos hermanas con el vecino (Julián Tello). El título es acertado: abrir puertas y ventanas para que estas crisálidas se conviertan definitivamente en mariposas, dejando atrás el pasado y viviendo sus propias vidas. Podemos decir que Milagros Mumenthaler tiene fibra cinematográfica.

Carlos Pierre

BLANCANIEVES Y EL CAZADOR

De Rupert Sander. Con Kristen Stewart, Charlize Theron, Chris Tempsworth, entre otros. Música de James Newton Howard. Duración: 122 minutos.

MUY BUENA. ENTRE JUANA DE ARCO Y BLANCANIEVES, ÉPICA VERSIÓN DEL

TRADICIONAL CUENTO.

Kristen Stewart encarna a Blancanieves, luego de haber probado una vida cinematográfica azarosa entre vampiros (la saga Crepúsculo). Y la bella niña de Hollywood lo hace bien, acotada a su personaje. Estamos frente a la historia de Blancanieves y los Siete enanitos, aquí un tanto cambiada pero dotada de gran acción que nos recuerda a Robin Hood, o a los oscuros caballeros de El Señor de los anillos o bien a la antológica versión de Juana de Arco, con Ingrid Bergman, salvando todas las diferencias actorales que son muchas!, como es de imaginar.

La reina mala es la bellísima Charlize Theron, esta actriz sudafricana que, como hace poco lo hizo Julia Roberts en otra versión del mismo cuento, mata al rey en la noche de bodas y quiere todo el poder para sí, valiéndose de brujerías y de un hermano al que maltrata y subordina de cualquier manera. El cazador está encarnado por Chris Tempsworth, el mismo de Thor, quien tiene posibilidad de mostrar otros aspectos histriónicos por lo que el papel le cae a medida.

Lejos de ver a Blancanieves viviendo con los siete enanitos, éstos son parte de los seres del bosque y se unen a la lucha que decide encabezar la bella princesa, perseguida por los feos seres que su madrastra le envía. Asistimos a un film de intensa acción bélica donde ejércitos aguerridos recorren tierras bellísimas para enfrentarse con los poderes de la bruja Ravenna.

Si bien la película no está realizada en 3D, tiene varios efectos interesantes como la transformación de la reina mala en cientos de pájaros negros que, por ciertos artilugios que no vamos a contar, le permiten trasladarse y renacer de ellos. Por momentos, Blancanieves luce el atuendo guerrero que la historia le adjudica a Juana de Arco, y su cazador debe luchar por el amor de la princesa. Dos amores para una bella niña. Aquí conocemos algo de la vida del cazador y cómo Blancanieves puede ser el futuro remanso de su vida.

El cuento de esta princesa que, inicialmente, tuvo tan mala suerte, ha sido modificado en varios aspectos pero sin que pierda su esencia. El film se inscribe en el género épico por las batallas que enfrentan los buenos y resulta atrapante de principio a fin. No hay un segundo de quietud para el espectador aunque se conozca la historia. El realizador Sander se valió de una interesante vuelta de tuerca en el argumento para transformar un cuento blanco en un cuento plagado de batallas y seres heroicos. Para toda la familia.

Elsa Bragato

EL EXÓTICO HOTEL MARIGOLD: UNA CITA, UNA FIESTA Y UN GATO NEGRO, EL PUERTO, ESTRENOS JUEVES 24 DE MAYO

JUEVES 24 DE MAYO DEL 2012.

Hay cuatro estrenos, uno de ellos nacional. La pochoclera “Hombres de Negro 3D” no la comentamos porque va de suyo que será un éxito de taquilla por ser un “fenómeno” de efectos especiales.

EL EXÓTICO HOTEL MARIGOLD

De John Madden. Con Judie Dench, Tom Wilkinson, Maggie Smith, Dev Patell, entre otros. Duración: 124 minutos.

MUY BUENA. ELENCO CORAL PARA HISTORIAS DE VIDA QUE REJUVENECEN EL ALMA

John Madden es el mismo director de Shakespeare Enamorado, un film memorable, hito en la historia del cine. Allí como en la película que abordamos abordó el alma de los personajes que son las que hablan a través de parlamentos con carnadura y, además, destilando sensibilidad. Siete hombres y mujeres de más de 70 años ven que la sociedad los margina, que aún algunos de ellos teniendo altísimos cargos nada será como antes una vez que lleguen a la jubilación y que la tristeza y la vida gris los mantendrá encerrados en sus casas hasta el final de los días. Los problemas son varios: desde el escaso interés de sus hijos por el futuro de sus padres, la soledad de una reciente viuda (magistral Judi Dench), la soledad de una empleada doméstica que vivió para una familia y se quedó sin tener una propia (notable Maggie Smith), hasta un matrimonio que no encuentra el camino para seguir juntos, o el reemplazo de la cadera de una de ellos que en la India se hace en dos días y en Londres hay que esperar 6 meses, entre otros temas. Por diferentes motivos, entonces, convergen en el aeropuerto de Londres para marchar a la India, a un extraño hotel llamado Marigold que promete el oro y el moro.

Al llegar, comprueban que el hotel es una ruina, atendido por un entusiasta Dev Patell (el protagonista de Slumdog Millonaire), opuesta a la vida que hay en las calles de la ciudad, colorida, apabullante, desordenada. Y deben sobrevivir a ese barullo que nada tiene que ver con el “british” orden.

Lejos de mostrarnos la tristeza que suele acompañar a los hombres y mujeres de la “cuarta edad”, Madden busca el lado romántico, simpático, el gag inteligente, divertido, que nos permiten transitar dos horas de placer con actuaciones notables. Judi Dench, de alguna manera, comanda a este grupo de ancianos buscando su propia vida lejos de la marginación familiar y social de una ciudad como Londres. Maggie Smith nos acaricia el alma con su anciana apegada al estilo británico que no soporta a la gente de piel oscura pero que, sin embargo, debe buscar una salida a sus propios prejuicios para sobrevivir. Los viejos también pueden volver a enamorarse, a trabajar, a aportar sus conocimientos a los más jóvenes. He aquí un axioma tan conocido y tan poco usado que Madden ubica como idea sustancial de la narración.

En un elenco coral siempre hay historias que nos llegan más que otras, siempre encontramos mejor desarrollo en unas que en otras, aunque todas las actuaciones tengan pareja calidad. El caso del juez británico que encarna Tom Wilkinson queda a mitad de camino por su cierre abrupto o bien es previsible también el destino del matrimonio que discute. Pero esta previsibilidad no le quita ritmo, encanto y empatía a historias de viejos queribles y respetables que buscan con desesperación la segunda y última oportunidad de vivir sin marginación y con autonomía.

El film está basado en la novela “These foolish things” de Deborah Moggach, quien ha escrito 16 novelas, varios libros de cuentos y guiones de cine. En este último caso, su guión más celebrado fue el del film “Orgullo y prejuicio”, de Jane Austen. Estas “tontas cosas” que tan bien describe Moggach en su libro se transforman en decisiones de vida para la gente mayor. Y John Madden nos las cuenta con emoción. Por supuesto, el film no es para gente joven sino para los que ya tienen los 60 encima. Es una película que rejuvenece el espíritu y que, a pesar de la previsibilidad que apuntamos, no deja de mostrarnos que la vida puede más que cualquier pena y que cualquier edad.

Elsa Bragato

UNA CITA, UNA FIESTA Y UN GATO NEGRO

De Ana Halabe. Con Julieta Cardinali, Leonora Balcarce, Rita Cortese, Fernán Mirás, Nicolás Pauls, Roberto Carnaghi, Adela Gleijer, Juan Manuel Tenuta, Marcelo Mazzarello, entre otros.

Música de Ana Halabe. Duración: 90 minutos.

BUENA.- LA “MUFA” Y SU OSCURO ENCANTO EN UNA COMEDIA SÓLIDA

Que la mufa es un efluvio cierto, impregnado de mala suerte y desgracia, tiene pruebas suficientes de su existencia indeseada. Es cierto también que todos evitamos a los que supuestamente llevan consigo esa fatalidad y las contrarrestamos tocando madera sin patas o alguna parte del cuerpo. Ana Halabe, en su ópera prima, aborda este tema, debutando también como coguionista y autoria de la banda sonora.

El eje de la historia es Gabriela (Julieta Cardinali), quien siente que la súbita aparición de Felisa (Leonora Balcarce), antigua compañera del secundario, pone en peligro su matrimonio y su negocio. Durante 15 años la evitó pero el destino está marcado así que Felisa aparece en el negocio y se suceden las desgracias para Gabriela, desde un violento robo hasta el vaciamiento de su cuenta bancaria y un viaje sospechoso de su marido (Fernán Mirás) a Mendoza.

El gato negro puede ser la salvación para trastocar la mala suerte que arrastra consigo el personaje de Leonora Balcarce y tiene que ver con la fiesta que anuncia el título.

Hay una dinámica muy interesante en el relato de Ana Halabe, más que prometedor debut, con acertadas locaciones urbanas y la buena elección del elenco donde compiten en calidad desde un Carnaghi o una Cortese con los protagonistas más jóvenes de esta “mufada” historia.

Hay también frescura y espontaneidad en el relato, y Halabe se aleja de cualquier atisbo de intelectualidad, por fin!, al que el cine nacional es tan afecto. Es una película que entretiene y que subraya en buena medida la fuerza de compañerismo por sobre los obstáculos más nefastos.

Hacemos sí una observación sobre la banda sonora que es estridente y no colabora con las secuencias sino que las empasta y les quita naturalidad. Por lo demás, una buena comedia nacional.

Carlos Pierre

EL PUERTO

De Aki Kaurismaki. Con André Wilms, Kati Outinen, Jean.Pierre Darroussin, Jean-Pierre Léaud, entre otros. Duración: 93 minutos.

MUY BUENA. PERSONAJES DESBORDADOS POR LA REALIDAD EN UNA PEQUEÑA

GRAN HISTORIA

Aki Kaurismaki es un notable realizador finlandés, traspasado por la angustia existencial y enfurecido defensor del tango al que considera originario de su país. Oscila siempre entre Carlos Gardel y Tanguera en varias películas. “Un hombre sin pasado” estuvo nominada a los Oscars así como nos deslumbró con el cuento de “Luces al atardecer”. La gente sencilla, sin futuro social, conmueve a Kaurismaki quien suele filmar también con su hermano.

Le preocupan la falta de sol en su país, la tristeza que inunda su ciudad natal, los personajes desbordados por la vida misma y el escepticismo en el que él mismo vive.

En “El puerto”, Kaurismaki monta su cámara en Le Havre y apuesta a la coproducción con Francia, que incluyen parlamentos en los dos idiomas, finlandés y francés, y la presencia de Jean-Pierre Darrousin, por ejemplo, en el rol de un inspector policial duro y con aspecto de cómic.

Nada es actual o moderno o fashion en el film. Incluso, Kaurismaki nos propone una narración clásica, sin rebusques fotográficos. No obstante, consigue emocionar con esta fábula del hombre blanco que, por azar, descubre a un niño africano que viene en un contingente de futuros esclavos y que, por obra del destino, debe salvar de la persecución policial y de la deportación que instauró el ex presidente Sarkosy en Francia. Marcel Marx es el personaje de André Wilms, que tiene su propio desgarro espiritual por el cáncer que aqueja a su esposa, Arlette (Kati Outinen).

Otro rasgo distintivo de Kaurismaki es retratar la marginalidad de su propio país, considerado uno de los más desarrollados del mundo, aquejado a su vez por la oscuridad, los largos inviernos y la monotonía que éste impone. Esta soledad social está quebrada por la reaparición en la ciudad de un legendario cantante de rock, Little Bob, en el almacén-bar de la zona.

Kaurismaki parece intuir que en esta parte del mundo existen esos bares, esas melancolías, esas extremas situaciones sociales que, en Europa, se tapan con paisajes de postales y con la riqueza de unos pocos y que es lo que muestran y hacen vivir al turismo. De pronto, hay turistas como el pequeño Kati Outinen, que jamás quisieron serlo y solo necesitan reunirse con sus familias. El protagonista del film intenta que el pequeño africano tenga su propia vida y no la que la sociedad de los ricos le ha impuesto: ser esclavo.

Con una actitud positiva, André Weilm corre por hospitales buscando una salvación para su esposa mientras oculta al pequeño en su hogar hasta encontrarle una salida. La vida premia los hechos buenos y Kaurismaki da esa vuelta de tuerca a su historia para que disfrutemos de un film diferente, cálido y plagado de guiños a artistas que el propio director admira. Si le gusta el buen cine, no deje de ver este film clásico y conmovedor que lo atrapará por su historia y personajes y no por sus efectos especiales de los que carece.

Elsa Bragato

ELEFANTE BLANCO, LA REVOLUCIÓN ES UN SUEÑO ETERNO, MISIÓN SECRETA, LOS PADRINOS DE LA BODA, BICHOS, ESTRENOS JUEVES 17 MAYO 2012

JUEVES 17 DE MAYO DEL 2012.-

Hay cinco estrenos que incluyen tres nacionales: Elefante Blanco, La revolución es un sueño eterno, y el documental sobre Argentino Jr titulado “ Bichos criollos”, de Diego Lombardi, del que no haremos crítica.

ELEFANTE BLANCO

De Pablo Trapero. Con Ricardo Darín, Martina Gusmán y Jeremie Renier (belga) entre otros. Música de Michael Nyman. Duración: 110 minutos.

MUY BUENA. DENUNCIA SOCIOPOLÍTICA EN UN RELATO DURO Y VEROSÍMIL CON UN GRAN DARÍN

Pablo Trapero es uno de los grandes directores jóvenes argentinos. Para nosotros, luego de El bonaerense, no hubo dudas de su creatividad y su capacidad como director actoral y además ubicación de la historia, o sea puestista. Dos especificidades que competen a los realizadores de fuste. En el caso de “Elefante blanco” abre el film con una notable secuencia que nos muestra a Nicolás (Jeremie Renier) escapando a una matanza segura de una población indígena por los grupos narcos, en plena selva boliviana. Julián (Darín) va en su búsqueda y lo rescata de la muerte. Aquí hay que detenerse en la fotografía, los planos largos, ampulosos, y la secuencia lograda de altísima cinematografía. Empezamos a analizar el título del film, Elefante blanco, que alude a la estructura del viejo proyecto de un hospital en el barrio 15 de Lugano. Y, en general, a todas aquellas estructuras hospitalarias inconclusas o deterioradas (Hospital de Clínicas).

En Buenos Aires, Julián y Nicolás, dos curas tercermundistas, trabajan en una villa ayudados por Luciana (Martina Gusmán), una valiente asistente social. Varios y difíciles obstáculos enfrentan: la burocracia de la Iglesia, los narcos y la descarnada miseria de los habitantes de la villa. Trapero no se resiste al homenaje al padre Carlos Mugica, asesinado por la Triple A tomando aspectos de la vida del sacerdote en el rol de Darín.

Toda la miseria y la marginalidad de los habitantes están mostradas por Trapero sin concesión alguna, pero sin darle un valor estético sino tal como es. Rescatamos que Trapero no hace un regodeo de la miseria sino que planta su cámara en la realidad.

Como polo opuesto al notable comienzo, destacamos una escena donde Julián rescata a Monito (Barga), un joven muerto entre los narcotraficantes, de notable intensidad, profunda y tocante.

Ricardo Darín vuelve a conmovernos por su actuación, creíble, e inconfundible. Martina Gusmán también merece consideración si bien aquí no tiene el lucimiento de “Leonera” y el actor belga Jeremie Renier no desentona sino todo lo contrario, hablando nuestro castellano lo mejor que pudo. Estamos frente a una película dura, difícil, pero emotiva, profunda, donde se nos muestra una realidad tal como es, que no se puede esconder que suele ser pasto de documentales televisivos que exaltan la marginalidad y la delincuencia. Trapero fue por otro lado y ganó.

Carlos Pierre

LA REVOLUCIÓN ES UN SUEÑO ETERNO

De Nemesio Juárez. Con Lito Cruz, Luis Machín, Adrián Navarro, Juan Palomino, Mónica Galán, entre otros. Música de Sebastián Kauderer. Duración: 110 minutos.

BUENA. UNA APUESTA A LA HISTORIA CON FALLAS NARRATIVAS

Es una lástima que un film interesante, que se propone rescatar a Juan José Castelli del olvido, con sus pro y sus contra, tenga un tratamiento narrativo escolar, declamatorio y sin profundidad. Se pasa por arriba la historia cargada de próceres y de datos que siempre son interesantes pero necesitan algo más que una “pasada”.

El guión del film está basado en la novela homónima de Andrés Rivera, Premio Nacional de Literatura, y nos muestra el apogeo y la decadencia y la enfermedad de Juan José Castelli, integrante de la Primera Junta de 1810, orador y miembro del Ejército Expedicionario del Norte.

La película está narrada en primera persona, tal como lo planteó Rivera. Lito Cruz, en el personaje de Juan José Castelli, va contando su activa participación en la gesta de Mayo, su fracaso en el Norte, su proceso judicial y la enfermedad, una ironía cruel del destino para un orador: padeció cáncer de lengua, enfermedad que lo llevó a una muerte prematura, antes de cumplir 50 años.

Desde esta perspectiva, el film nos muestra cómo la revolución de Mayo quedó inconclusa, y debieron pasar décadas para concretar el sueño de los primeros patriotas. Es aquí donde la narración se plaga de parlamentos altisonantes, declamatorios, que le quitan ritmo a la historia.

Lito Cruz compone a un Castelli arrogante, que será vencido por la enfermedad, el olvido y la pobreza. Luis Machín encarna a Manuel Belgrano, tan verosímil como Lito Cruz en su rol, y queremos destacarlo. El elenco, en líneas generales, es multiestelar y es, sin duda, un soporte muy interesante para la narración que cae, se levanta y vuelve a caer en la superficialidad de los “recitativos”.

Rescatamos la recreación de la escena del 25 de Mayo de 1810, en el Cabildo de Buenos Aires. Y la apuesta en sí misma, más allá de la realización, histórica y literaria al mismo tiempo como un homenaje a un gran orador y un político de decisiones muy fuertes, Castelli. A pesar de que la narración adolece de densidad, de carnadura, de profundidad que nos conmueva, es valioso como documento, mejorable en postproducción para los educandos. Así como es valiosa esta inquietud por nuestros próceres.

Carlos Pierre

MISIÓN SECRETA (THE DOUBLE)

De Michael Brandt. Con Richard Gere, Martin Sheen, Topher Grace, Odette Yustman, entre otros. Música de John Debney. Duración: 98 minutos.

REGULAR. ENDEBLE RELATO SOBRE DOBLES AGENTES

Cuando se revela casi de entrada la condición del personaje principal, estamos en problemas narrativos que el realizador Brandt soluciona porque no le importa y sigue adelante con su relato. Richard Gere compone a alguien que fue, pero que le proponen que busque. Martin Sheen es el ex jefe que lo convoca a los servicios de inteligencia donde se analizan las actividades de los dobles agentes. En apariencia, Richard Gere, el “Paul Shepherdson” de esta historia de espías, ha cometido sus buenas tropelías en el pasado y es conocido, en tierras europeas y rusas por su llavero que tiene una tira de metal finita con la que corta gargantas. Una muerte que los espías norteamericanos no pueden evitar pone en alerta roja a los servicios de seguridad. Y allí se desata esa misión secreta tan tibia.

Richard Gere y Martin Sheen son sólidos, se puede decir que actúen mal. Pero lo cierto es que el personaje de Gere es endeble en su trazado, en su concepción, es doble agente –o lo fue- (algo que debe descubrir el espectador pero no es nada difícil ni intrincado) y también tiene doble personalidad. De la calma en la que vive pasa a la violencia absoluta y al crimen.

El film se permite algunos flashbacks de Gere y Sheen, 25 años atrás, cuando ambos se conocían en plena actividad del primero. Por lo que bien puede suponerse que el personaje de Sheen, Highland, tiene sospechas sobre el ex agente y esa búsqueda que le encarga a Gere es solo un pretexto para descubrirlo. Aquí no hay subtemas, sino un languidecer a lo largo de la vida de este personaje principal atado a un joven colega que va descubriendo no sin espanto quién es Shepherdson.

Algunos tiros, varias gargantas cortadas, en fin, un suspenso hasta “ahí” para quienes gusten de estas películas (bien hechas, son muy atractivas) a pesar de todo. Digamos, una más de espías.

Elsa Bragato

LOS PADRINOS DE LA BODA

De Stephan Elliott. Con Olivia Newton John, Laura Brent,Xavier Samuel, Kris Marshall, Kevin Bishop, entre otros. Música de Guy Gross. Duración: 97 minutos.

REGULAR. PENOSA COPIA DE UN RELATO EXITOSO

Frank Oz dirigió “Muerte en un funeral”, un film inglés que resultó desopilante. Su producción, incluyendo al guionista, tuvo la idea de relatar las desventuras de tres solteros que acompañan al amigo que se casa no en Inglaterra sino en Australia. Pero dejó de lado a Frank Oz, vaya uno a saber por qué, y tampoco se preocupó por hacer un casting con algún nombre famoso a nivel internacional. Dato no menor a la hora de lanzar un producto como esta comedia.

Si quisieron remedar “Qué paso en Las Vegas?”, quedaron a mitad de camino. Y, obviamente, lejísimos de “Muerte en un funeral”. Técnicamente, la narración se parece a cualquier film de la fábrica hollywoodense, ésa que no tiene estilo ni gracia. Aunque no sea su procedencia. En cuanto al guión, se basa en los desmanes de tres jóvenes adictos a la cocaína y al alcohol que ponen en aprietos desde un carnero (secuencias escatológicas y fuera de lugar en todo sentido) hasta al novio, cuyo matrimonio se destruye antes del final feliz.

El novio, David (Xavier Samuel) se casa con una bella chica, Mía (Laura Brent), hija de un senador australiano. Sus amigos hacen las mil y una que no resultan risueñas a todo el mundo. Consabidas, clishés de las primeras “Porky’s” en muchos momentos, nos muestran el alto consumo de droga, una suegra (Olivia Newton John, desconocida por la cirugía, si bien 30 años de “Greese” no son pocos para nadie…) alcoholizada y drogada, jóvenes borrachos, y un carnero al que le pintan los labios para besarlo además de extraerle toda la droga envuelta en bolsitas pequeñas que se comió, sí, por la parte que usted se imagina, amenazados por el contrabandista de la zona, un sucio perdedor social.

Por cierto que nada de esto hace mella en la taquilla cuando uno se quiere divertir. Y no está mal. Pero hemos visto muy buenas comedias que no caen en lo obvio y tuvieron taquilla. Usted elige, amigo lector.

Elsa Bragato

ESSENTIAL KILLING, NO TE ENAMORES DE MÍ, VOTOS DE AMOR, ENTRE OTROS ESTRENOS, JUEVES 10 DE MAYO DEL 2012

JUEVES 10 DE MAYO DEL 2012.-

Hay cinco estrenos. No comentamos la pochoclera “Battleship: batalla naval” porque tiene público asegurado ni tampoco “35 Rhums” (o 35 tragos de ron), de Claire Denis porque se estrena en sala fuera del circuito comercial, la Lugones.

Además se reestrena “La bella y la bestia” en 3D.

Trailer de “35 Rhums”

http://www.youtube.com/watch?v=C1pzaanlWf8

Trailer de “Battleship: batalla naval”

http://www.youtube.com/watch?v=F_7VNo5EUzw

ESSENTIAL KILLING

De Jerzy Skolimowsli. Con Vincent Gallo, Emmanuelle Seigner, entre otros. Música de Pawel Mykietyn. Duración 83 minutos.

MUY BUENA. DRAMA INTENSO SOBRE LA SUPERVIVENCIA QUE LINDA ENTRE EL POLICIAL Y LA DENUNCIA

El deslumbrante paisaje de color amarillo del comienzo, que se filmó en Israel, cerca del Mar Muerto, para representar la montaña y el desierto de Afganistán, y los bosques nevados de Polonia, donde se desarrolla gran parte del film, se convierten en dos protagonistas vívidos y desgarradores de esta fuerte propuesta.

La historia, que no es real, fue gestada con inteligencia y estilo, donde un solitario terrorista afgano llamado Mohammed (Vincent Gallo) mata a una pequeña patrulla americana que está haciendo una tarea de reconocimiento. Es apresado y llevado a una cárcel en Polonia, pero un accidente en el vehículo que lo traslada le permite quedar libre. Inicia entonces una carrera titánica, huyendo del ejército que lo persigue.

Este prófugo se convertirá a la vez en un predador y una presa, un extranjero en los fríos bosques de las montañas de Polonia, un enemigo obligado de todo lo que se le cruza en su fuga desesperada.

Un rasgo diferente del film es que no se alude a la guerra de Estados Unidos en Afganistán, a la invasión y al terrorismo, sino que se centra en la supervivencia básica del protagonista que huye en cada secuencia como un leit-motiv desesperado.

El realizador Jerzy Skolimowski, autor también del guión, encaró una ficción dramática de supervivencia que sucede en algún lugar de Polonia, a 20 km de su domicilio, a partir del aterrizaje de aviones militares norteamericanos en bases secretas de la CIA BLACK.

El protagonista, en esta huida interminable, no habla, solo solloza y grita, es más una fiera perseguida que un ser humano. Vincent Gallo realizó un gran esfuerzo físico dotando al prófugo de una gestualidad ampulosa.

La fotografía es también exuberante, aunque remarca el dramatismo y la fiereza argumental: una sangrienta travesía por los bosques congelados de Polonia donde el blanco de la nieve es teñido a cada instante por el rojo de la sangre.

Entre los numerosos premios recibidos, este film fue galardonado en Venecia y Polonia, y en Mar del Plata en el reciente Festival de Cine, donde obtuvo el Astor de Oro, a Mejor Película y Mejor Actor. Es un thriller diferente por la idea propuesta y un desarrollo argumental que linda entre el policial y la denuncia.

Carlos Pierre

NO TE ENAMORES DE MÍ

De Federico Finkielstain. Con Pablo RAgo, Julieta Ortega, Guillermo Pfenning, entre otros. Música de Iván Wyszogrod. Duración: 101 minutos.

BUENA. LA CLASE MEDIA ARGENTINA RETRATADA A TRAVÉS DE SUS JÓVENES, BUENAS ACTUACIONES

Estamos frente a la opera prima de Federico Finkielstain, autor también del guión del film. En el mismo, entrelaza tres historias, hábilmente trazadas en el comienzo, pero que luego decaen en su desarrollo narrativo por la cierta ligereza que encontramos en el desenlace de las mismas. No obstante, la película tiene muchos méritos que hay que resaltar: en principio, el elenco estelar asegura buenas actuaciones, sólidas, creíbles. Pablo Rago (quien comparte el Oscar de El secreto de sus ojos) aporta su profesionalismo y su carisma, así como Julieta Ortega y Luisina Brando, entre otros.

En esta opera prima de Finkielstain encontramos pasta para próximas realizaciones muy buenas porque, como indicamos, tiene varios logros: sumamos al mencionado, el hecho de retratar a la clase media y, en forma especial, a los adultos de 30 años que, hoy por hoy, son los de 20 años de hace 3 décadas. En este sentido, el realizador sabe mostrarnos la problemática creciente de los treinteañeros que se recluyen en las casas paternas y rápidamente cortan, sin pensarlo mucho, las relaciones afectivas que tengan.

Hay escenas de sexo, pero no salen del tono que hoy suelen tener las mismas en cualquier film. Y, en definitiva, cuenta la manera de desenvolverse de los jóvenes adultos actuales, sin caer en la explotación de la marginación, tan habitual en nuestro cine.

En este sentido, se siente empatía con el guión y con los personajes, retratados - en alguna lejana medida - al estilo de la “nouvelle vague”, que presentó los temas de una generación en su medio. Le auguramos un gran futuro a Finkielstain.

Carlos Pierre

VOTOS DE AMOR

De Michael Sucsy. Con Rachel McAdams, Channing Tatum, Jessica Lange, Sam Neills, entre otros. Música de Michael Brook y Rachel Portman. Duración: 103 minutos.

BUENA. EL AMOR QUE SOBREVIVE A LA TRAGEDIA, BASADA

EN UNA HISTORIA REAL

Michael Sucsy toma una historia conocida en el cine: la pareja joven que, tras un accidente automovilístico, debe enfrentarse a la pérdida de memoria de la mujer. La idea argumental está inspirada en un caso real, la esposa jamás recuperó la memoria pero fue feliz con su marido teniendo hoy en día dos hijos.

El film no plantea esa posibilidad pero sí los vericuetos de la joven esposa que no recuerda ni a su marido ni nada de lo vivido, pero acepta el regreso al hogar conyugal y va buscando pistas que le permitan recordar algo. En cambio, rápidamente se reencuentra con sus padres (Lange y Neills, sólidos, creíbles).

Lejos de caer en dramatismos, la narración transita por la búsqueda personal de la protagonista, Page (una encantadora y bella Rachel McAdams) y un joven marido (Channing Tatum, tierno y comprometido con su rol) que acepta el desafío de volverla a enamorar.

Ayudan a esta narración el diseño de arte, colorido, muy neoyorquino aunque esté filmada en la bellísima ciudad de Chicago. La nieve es la tercera protagonista de este film de Sucsy, que demuestra sus conocimientos para el relato sin fisuras y con un “in crescendo” agradable, empático.

La sugerimos para los más jóvenes, para los espíritus románticos. No es un “love story”, es una historia de amor donde los obstáculos son fuertes y hay que superarlos. Para pasar un grato y emotivo momento.

Elsa Bragato

SHAME SIN RESERVAS, LA FUENTE DE LAS MUJERES, PIE DE PÁGINA, ESTRENOS DEL JUEVES 3 DE MAYO

JUEVES 26 DE ABRIL DEL 2012.

Dejamos algunas críticas de los estrenos de cine de este día. Además de las películas comentadas, está previsto el estreno de Los vengadores y El último Elvis.

SHAME

deSteve McQueen. Con Michael Fassbender y Carey Mulligan. Música de Harry Escott. Duración: 101 minutos.,

BUENA. LOS BAJOS INSTINTOS COMO DESORDEN SOCIAL

Steve Mc Queen que lleva el apócope del nombre Steven y el honorable apellido del gran actor Steve McQueen fallecido en 1980 a los 50 años, es un realizador inglés que viene asombrando en festivales desde 2008. Esta nueva película aborda la adicción sexual, con sus complementos de drogas y orgías.

Para algunos es un film pornográfico. Pensamos que McQueen bordea ese peligroso límite pero no cae en él por el intenso drama que nos muestra a través del personaje de Brandon, encarnado por un ex porno Michael Fassbender, a quien hemos visto en Un método peligroso como Carl Jung nada menos.

En todo caso, la adicción al sexo de Brandon está perfilada en una primera parte de la narración donde McQueen pasea por oscuras calles de New York llevado de la mano del protagonista y sus profundas necesidades que tendrían (aunque no está explicitado) un vínculo “non sancto” con su hermana, Sissy, a cargo de la notable actriz inglesa Carey Mulligan .

Mulligan nos sorprendió con su papel de ingenua en An Education y aquí nos vuelve a sorprender por todo lo contrario, una mujer de fuertes instintos que, presumiblemente, ha hecho algún abuso de Brandon en la adolescencia y, en la adultez, lejos de ayudarlo, conmueve su aparente calma con sus propios instintos hacia terceros. A medida que transcurre la narración, el film se va apoyando en la perturbación íntima de Brandon, ya es un displacer la masturbación en todo momento, ya es una tortura buscar mujeres u hombres para satisfacerse, siente que no puede más con su propio cuerpo y sus exigencias desmedidas.

Es donde debemos detener este somero análisis para preguntarnos por otros temas que surgen de la trama: ¿acaso son plenas las vidas que encuentran distracción en los “afterhours”? Es decir, del trabajo a casa y de casa al trabajo y solo como generador de mejorías espirituales los “afterhours”, lo ocasional, la adicción al alcohol y las drogas como evasión de la rutina, ¿es una propuesta válida para vivir?

Parece mucho pero no lo es. Brandon se lo plantea en el horror que le causa el intento de suicidio de su hermana, en la secuencia donde la zamarrea fuertemente sin importarle estar desnudo, y se replantea, sobre el final, sin palabras pero con notable expresión actoral de Fassbender si no es hora de reprimir el instinto y buscar otros caminos. No está dicho, apenas esbozado en la notable actuación de Fassbender, y es importante destacarlo.

Hay secuencias fuertes como el sexo explícito sobre un ventanal que da a la calle, las masturbaciones de Brandon, el intento de suicidio de Sissy realizado por McQueen como cine mudo apoyándose en la banda sonora de Harry Escott, hay una secuencia de intenso erotismo cuando Sissy canta - para su hermano y el jefe de éste New york New York - en un bar “after hour”, y una secuencia de orgía que puede molestar (porque no hemos elegido una sala de cine condicionado sino una comercial) aunque está muy bien filmada por McQueen, y hay otra secuencia en un prostíbulo donde hombres y mujeres comparten sus necesidades y allí todo vale incluso para Brandon.

El final es abierto porque no se trata de una película con manual de autoayuda incluído. Analiza la profunda perturbación de un hombre cuyo instinto sexual lo supera, que esconde un pasado con su hermana o con su familia que no encuentra cauce en su espíritu. Y que debe replantearse la vida misma. Muy interesante aunque muy fuerte también.

Elsa Bragato

PIÉ DE PÁGINA (FOOTNOTE)

De Joseph Cedar, con Shlomo Bar Aba, Lios Ashkenazi, Alisa Rose, Alma Zak, entre otros. Música de Amit Poznansky.

MUY BUENA. COMEDIA PUNZANTE SOBRE LA RIVALIDAD ENTRE PADRE E HIJO EN UN UNIVERSO INTELECTUAL PLENO DE ORGULLOS HERIDOS

Joseph Cedar es un cineasta americano-israelí muy reconocido. Por el film Footnote, o Pie de página tuvo una nominación a los Oscars en el rubro Mejor Película en Idioma Extranjero, luego de pasar con mucha gloria por diferentes festivales del mundo.

En esta película trata un tema muy específico para la comunidad judía: el centro de interpretación del Talmud de la Universidad de Israel y un padre y un hijo abocados a tamañas y cotidianas investigaciones que les demandan la vida entera. Es un centro caracterizado por la ortodoxia. Aún así se convive con el orgullo y la necesidad de ser reconocidos por tamaña tarea intelectual. “Eliezer Shkolnik”, encarnado por un estupendo Shlomo Bar Abar, se ha pasado la vida estudiando el Talmud y consiguió un “pie de página” en una traducción que le valió reconocimientos. Su hijo, Uriel (encarnado por el actor Lior Ashkenazi) sigue sus pasos pero su carrera intelectual ha tenido un giro importante y, de alguna manera, goza del glamour de cierta fama en áulicos grupos de colegas.

Entre padre e hijo se establece una competencia que llega a quebrar la armonía familiar. La madre está presente, no tiene injerencia visible, pero parece manejar sutilmente esa unión que está amenazada.

El acierto de Joseph Cedar es que logra una comedia simpática, empática, le quita dramatismo a situaciones complejas y, si bien no resuelve totalmente el conflicto ante los espectadores, deja una luz de esperanza sobre las relaciones familiares y la necesidad del amor en todas sus expresiones como salvación de cualquier error.

En los hechos Cedar realizó una narración muy sólida. En el comienzo, emplea el montaje convencional y de alguna manera poco atractivo para cualquier relato audiovisual: una cámara quieta en medio plano sobre padre e hijo en una convención. Es una secuencia muy extensa que resulta, en principio, poco cinematográfica. Sin embargo, esta primera impresión se diluye con el tratamiento posterior narrativo: Cedar apela a las novedades tecnológicas, incluye montaje propio de las ediciones por computación que se realizan en documentales, ágil, agradable visualmente, y cambia, por completo, el “timing” del film. Estamos ya en la comedia, si se quiere un poco amarga, pero que nos saca una sonrisa.

Ciertamente, no es una película para todo tipo de público. Es también diferente la idea argumental: la vida de los intelectuales más ortodoxos del mundo, pero, al quitarle solemnidad, Cedar transforma su guión en un agradable planteo sobre el amor, la familia y la cultura de cada pueblo.

Elsa Bragato

LA FUENTE DE LAS MUJERES

De Radu Mihaileanu. Con Leila Bakhti, Hafsia Herzi, Biyouna, entre otros. Duración: 133 minutos.

BUENA. MUJERES EN GUARDIA ANTE EL MACHISMO ORIENTAL

Radu Mihaileanu es el mismo director de El Concierto, un film sobre usos y costumbres de una orquesta rusa que vuelve a tocar pero en Francia. En este caso, aborda el caso del machismo oriental, haciendo hincapié en un pueblo del norte de Africa de religión musulmana. El pintoresquismo de su fotografía, plena, colorida, muestra el mundo femenino en una comunidad islámica. Las mujeres deben acarrear los baldes de agua como si fuesen bueyes así como fardos de paja, diariamente, e ir a lavar la ropa en los arroyos refregándolas en las piedras. Se cansan, hay una líder, y enfrentan a padres, hermanos y maridos con la petición de tener agua en sus hogares.

La rebelión femenina en tierras musulmanas no es bien vista, como se sabe. En este caso toman el mismo argumento de Lisístrata, de Aristófanes: nada de sexo si ellos, sus hombres, no consiguen surgentes de agua para el vecindario.

Yendo más allá de la puntillosa narración de Mihaileanu, hay una búsqueda de soluciones al mostrarnos cómo se vive hoy en día en poblados alejados de las grandes ciudades. Y, en especial, en lugares donde imperan leyes rígidas, milenarias, donde el hombre descansa viendo cómo sus mujeres los atienden, los sirven en todos los sentidos. La lectura del Corán frente a los mayores descubre, en la película, que los hombres algo no han hecho bien y que, por ser más papistas que el papa, se han encargado de interpretar las leyes divinas como mejor les convenía. Allí y acá.

La película está destinada, en nuestro país, a las mujeres. De hecho, comienza con un parto y presenta situaciones muy femeninas que perduran en los 133 minutos de duración. El machismo, concebido por todas las religiones, está en desuso. Cada religión tiene su libro sagrado que ha sido interpretado por los varones. Y es hora de rever algunas cosas. Es la propuesta de Mihaileanu, a la que adherimos, colorida y de impecable narración que incluye todos los sentimientos así como algunas secuencias un tanto extensas con cantos y danzas orientales que pudieron acortarse para aligerar el film. Para una tarde con amigas.

Elsa Bragato