LA SAL DE LA VIDA, UN MÉTODO PELIGROSO, FURIA DE TITANES, LÓRAX LA TRÚFULA PERDIDA, TIEMPOS MENOS MODERNOS, ESTRENOS JUEVES 29 MARZO

JUEVES 29 DE MARZO DEL 2012.-

Hay dos estrenos nacionales. No comentamos La suerte en tus manos, de Daniel Burman, con Jorge Drexler y Valeria Bertuccelli.

LA SAL DE LA VIDA (GIANNI E LE DONNE)

De Gianni Di Gregorio. Con Gianni Di Gregorio, Alyn Prandi, Valeria Di Franciscis Bendoni, entre otros. Música de Ratchev y Carratello. Duración 90 minutos.

MUY BUENA. COMEDIA DELICIOSA QUE NOS DEVUELVE LO MEJOR DEL CINE ITALIANO

Gianni Di Gregorio irrumpió en la dirección cinematográfica, ya entrado en años, con Un feriado particular, en el año 2008, film que lo catapultó en su país y también en el exterior.

Con una vasta experiencia teatral y autoral, coautor de Gomorra, del cineasta Matteo Garrone, ha prolongado aquella primera historia basada en su propia vida, un romano de pura cepa, sencillo y encantador, con esta otra película, también rodeado por mujeres, entre ellas, muchas bellas “tanas”.

Hijo consecuente de su madre nonagenaria, demandante y dilapidadora de su escasísima fortuna, atiende a un séquito de mujeres ancianas, que lo utilizan con descaro desde pedirle que paseen al perro, hasta hacer las compras, pagar las cuentas. Nunca se niega, es dócil y opta por dejar su propia vida ayudando a los viejitos, en los que se ve retratado su próximo futuro.

Entre estas mujeres está su propia esposa, distante y calculadora, su hija y su novio vago, y su bella vecina Alyn, o sea Aylin Prandi, actriz nacida en Francia de madre argentina y padre italiano, cantante, de notable belleza. Es “la vecinita” que perturba al protagonista.

Gianni, como en el film anterior, es pura bonhomía y atiende todos los requerimientos de estas aprovechadas mujeres, se desvive con cumplir diligentemente sus pedidos. Pero un amigo, adulto como él, le propone que tenga algún desliz amoroso con alguna bella y joven mujer, porque su esposa no repara en él, salvo en la economía de su hogar, donde ingresa la jubilación que no alcanza para mucho. Gianni intenta seducir, se gasta su dinero en ropa, y tratará de que se enamoren de él con… relativa suerte.

Esta segunda entrega de Gianni Di Gregorio tiene mejor factura que la primera, hay un esfuerzo técnico interesante, tomas no solo en interiores sino en exteriores, y, desde el punto de vista de la realización, es un film más logrado que el anterior. Además, logra recrear ese clima del primer film, donde la acción estaba acotada a un departamento y a una celebración del mes de agosto.

Está su Roma natal a la que Di Gregorio ama profundamente, y nos permite disfrutar del Coliseo, Plaza Navona, el Trastevere, las calles y la gente de la ciudad eterna. Lugares que dan un entorno melancólico y vital a las andanzas de un Gianni entre sus mujeres y aquéllas que intenta conseguir. Como subtema, como nos gusta señalar, está la mirada de Gianni Di Gregorio sobre la ancianidad, las limitaciones que puede significar, la tristeza de muchos mayores porque la vida se va, y hay piedad en sus sentimientos que la trasunta en esa devota atención hacia los pedidos de “sus” mujeres. Es un film que cala hondo en el corazón, simpático y agradable.

Carlos Pierre

LÓRAX, EN BÚSQUEDA DE LA TRÚFULA PERDIDA

De Chris Renaud y Kyle Balda. Con Danny de Vito, Zac Efron, Taylor Swift, Betty White, entre otros actores. Música de John Powell. Duración: 93 minutos.

MUY BUENA. FILM ANIMADO CON FINES DIDÁCTICOS Y SIMPÁTICOS MUSICALES

“Lórax” es un personaje surgido de la pluma de Theodor Seuss Geisel, a quien se conoce como Dr. Seuss. A fuerza de películas, como el Grinch y Horton, entre otras, se van difundiendo sus cuentos en esta parte del mundo. Dr Seuss falleció hace dos décadas y encuentra ahora una justa reivindicación en el cine.

El film es lineal en su argumento pero no menos efectivo: hay un pueblo que vive en medio de muros, sin conocer las plantas naturales. Todo se logra con la electricidad y un control remoto. Así los árboles artificiales cobran las diferentes tonalidades que le dan las estaciones con solo apretar un botón del control. Ted, el protagonista, tiene la voz de Zac Efron, y es un chico lleno de ideales que sigue los consejos de la abuela: es posible tener el árbol de verdad que tanto le pide la chica de sus sueños si sale de los muros y encuentra a “El Una-Vez”, un anciano culpable de la pérdida de los árboles que tiene la respuesta sobre las “trúfulas”.

Los personajes viven peripecias simpáticas, más que dramáticas, que despiertan el interés ecológico en la platea menuda. No sin distraer a los adultos con agradables musicales y hasta un trío de peces que cantan estribillos simpáticos. Es un film didáctico con un mensaje directo a las nuevas generaciones. La “trúfula” es el gran secreto a descubrir por los espectadores y es también el secreto de la vida.

Entre algunos guiños para los adultos, está el personaje animado “malo” que vende aire puro en botellitas y no quiere que nadie se entere de que alguna vez existió una naturaleza de verdad, y es indudablemente la representación de Danny de Vito quien, sin embargo, aquí le pone la voz a “Lórax”, el guardián de los bosques, un animalito que no tiene género, con enormes bigotes, gruñón, además un ser especial que puede bajar desde el cielo a través de un haz de luz. Sencillo, eficaz, simpático, con musicales muy agradables, “Lórax, en búqueda de la trúfula perdida” es un buen film animado, sin complicaciones argumentales y muchos sentimientos.

Elsa Bragato

UN MÉTODO PELIGROSO

De Daid Cronenberg. Bassada en “The Talking Cure” del guionista del film Christopher Hampton y, a su vez, en el libro “Un muy peligroso método” de John Kerr. Con Keira Knightley, Viggo Mortensen, Michael Fassbender, Sarah Gadon y Vincent Cassel, entre otros.

MUY BUENA. LOS MÉTODOS “NON SANCTOS” DE JUNG EN UNA NARRACIÓN SÓLIDA, BELLAMENTE FOTOGRAFIADA, CON GRANDES ACTUACIONES

Este film puede gustar a un determinado sector del público. Hay una realización preciosista en la recreación de los comienzos del siglo XX así como notables actuaciones de Keira Knightley, Viggo Mortensen y Michael Fassbender. Knighley encarna a Sabina Spielrein, la joven rusa que se transformó en el famoso caso de Jung y Freud, quien tras un ataque de histeria, es internada en Zurich en 17 de agosto de 1904 iniciando un tratamiento con el joven Carl Jung, casado con Emma, otra psicóloga con gran fortuna personal, con quien tuvo varios hijos.

Es tocante la secuencia inicial con el ataque de histeria de Sabina Spielrein, quien permitió elaborar a Jung sus teorías sobre el “ánima” y años después a Sigmund Freud el análisis de la “pulsión de la muerte”. Hay varios subtemas muy interesantes que unen los fantasmas mentales con la sexualidad y ésta con los castigos físicos para ser “exorcizados” de alguna manera. Así como el apetito sexual con el pensamiento analítico y los monstruos que la conciencia puede generarnos, la conciencia habida por la propia experiencia y la conciencia que se genera a partir de lo nuevo, esa “frialdad” que le achacamos a los médicos y hasta qué punto pueden involucrarse con nuestro dolor sin vernos como un objeto de laboratorio.

Sigmund Freud llega a conocer a la paciente de Jung, quien concurre a ver al maestro para desentrañar este caso que ha pasado las fronteras de la regular relación entre médico y paciente. Ideas y venidas para resolver un drama de una joven mujer cuyo drama se ha corporizado en su médico. Sin embargo, en ella se nota la perturbación genuina mientras que en su médico, la manipulación de un “caso” a ser resuelto.

La narración de Cronenberg se detiene en las largas charlas entre Sabina y Jung, entre Jung y Freud. Jung se siente culpable por esta atracción que no puede dominar aún razonándola. Y refleja la pasión carnal entre Jung y Sabina a través de secuencias muy cuidadas aunque fuertes que incluyen dos secuencias de castigo físico de Jung a Sabina, porque tocan la sensibilidad del espectador, aunque el director no cae en excesos. Nada nuevo bajo el sol aunque recreado por Cronenberg de una manera estupenda.

Sin duda, el realizador le dio preeminencia a la palabra, al film con guión sustancioso, apoyado en un equipo técnico de altísimo nivel. La narración propuesta por Cronenberg es tan cuidada que atrapa, y, aunque fue un hecho real, hay elementos de ficción que desmenuzan la particular atracción física de Jung y Sabina. Puede no gustarle a quienes deseen un film sin tanto puntillismo. En cambio, puede resultar una película fascinante para quienes amen un cine más medular, con diálogos intensos, que marcan pausas en la acción, tan necesarias a veces. Es una narración atrapante, con elementos de ficción que ahondan en la relación entre paciente y médicos. La polémica ya pasó. Nos deja este momento de la historia que Cronenberg supo tomar para armar un film de gran factura.

(N de R. La historia, que no aparece en el film, indica que Sabina logró curarse, se casó en 1912, tuvo dos hijas, y se dedicó a la psicología teniendo como paciente nada menos que a Jean Piaget. También la historia real cuenta que Jung tuvo una doble vida junto a su mujer y a su amante, Toni Wolff, más allá de su relación con Sabina Spielrein ( un conejillo de Indias para él y para Freud). El rescate de la joven de las garras de la locura (dicho esto con palabras sencillas porque no somos psicólogos) fue un logro en la carrera de los dos psicólogos)

Elsa Bragato

FURIA DE TITANES

De Jonathan Liebesman. Con Sam Northington, Liam Neeson, Ralph Fiennes, Rosamund Pike, entre otros. Música de Javier Navarrete. Duración: 100 minutos

BUENA. PARA COMER POCHOCLO EN MEDIO DEL 3D

El mito de Perseo nos persigue, casi como un juego de palabras. En el 2010 vimos una Furia de titanes, luego de 30 años de la primera, realizada en 1981, con Laurence Olivier como Zeus, y Ursula Andress entre otros famosos de primerísimo nivel. En este caso, no se ahorra en figuras de gran prestigio pero es evidente que se dio lugar más a los efectos especiales que a los diálogos, mínimos, elementales.

Perseo debe liberar a su padre, Zeus (Neeson), que ha caído en manos de uno de sus hijos, al que desterró, en el infierno, donde habita su otro hermano. Será Perseo, quien ha optado por una vida sencilla aún siendo un semidios, quien deba salvarlo y poner a salvo también la vida de su pequeño hijo y de su mujer.

Se inicia una batalla entre los poderes de los dioses y el de Cronos, que los ha creado, a todo o nada. Zeus, Poseidón y Hades, hijos de Cronos, se unen a pesar de sus diferencias: los dioses pierden la inmortalidad y la culpa es de Cronos, descendiente del cielo y la tierra. Temblores de tierra preanuncian la caída de las paredes de El Tártaro, o el infierno mitológico, y los seres malignos saldrán para arrasar con la tierra y los hombres.

Este film, como todos los que se refieren a la vida de los romanos y griegos, comenzando por la muy antigua y querible “El manto sagrado”, se inscriben en el género del PEPLUM, un género histórico específico, del que en la década del 60 y 70 se hizo uso y abuso especialmente en Italia. Estas versiones norteamericanas son para comer pochoclo y aturdirse con los estruendos de explosiones, lenguas de llamas que tienen kilómetros de extensión, y efectos especiales que nos muestran al detalle hasta la partícula de tierra más chiquitita. Es decir, estamos frente a un producto que nos permite comer pochoclos y sacarnos de encima la adrenalina semanal. Para no pensar. Le ponemos “buena” porque el público la va a tomar como lo que es: puro entretenimiento. Y no está mal aunque nos haya parecido muy pueril. Aclaramos: no es Furia de Titanes 2, es la misma que vimos en el 2010 con algunos elementos aggiornados en el guión y la parafernalia de los efectos especiales actuales.

Si hay “algo bueno” en este guión es la lucha por la familia. Pero es “casi de paso” porque los efectos especiales aturden.

Elsa Bragato

TIEMPOS MENOS MODERNOS

De Simón Franco. Con Oscar Payaguala, Nicolás Saavedra y Ricardo Férnandez. Hablada en español y tehuelche. Música de Luis Díaz Muñiz. En DVD. Duración 95 minutos.

REGULAR. LA PENETRACION CULTURAL EN UN AMBITO AISLADO DE LA PATAGONIA

En un rancho perdido en medio de la Patagonia argentina, un hombre de ascendencia tehuelche recibe en l998, por intermedio de la gendarmería, una encomienda con víveres y un televisor alimentado por energía solar, lo que cambiará sus hábitos y su existencia.

El director Simón Franco realizó en el 2004 un cortometraje llamado Tiempos modernos, y se basó en éste para hacer el film que cabalga entre el documental y la ficción en su realización.

Un testimonio de la confrontación de dos culturas enfrentadas y luego integradas en la soledad austral de nuestro país. La idea es buena pero la sensación que deja es que el argumento daba o para el corto o un mediometraje y, de pasar al largo como vemos, debió tener una ficción con más entramado, más sólida. Aunque ganó premios, no es un film que nos haya convencido, especialmente porque el formato DVD diluyó paisajes y colores. El título responde a la vida del protagonista, alejado de los elementos modernos de la vida actual.

Carlos Pierre

PROTEGIENDO AL ENEMIGO, LOS JUEGOS DEL HAMBRE, EL GUARDIÁN, EL VAGONETA, EL MAL DEL SUEÑO, JUEVES 22 MARZO

JUEVES 22 DE MARZO DEL 2012.-

Hay cinco estrenos en soporte fílmico. Que incluyen un film nacional.

PROTEGIENDO AL ENEMIGO

DE Daniel Espinosa. Con Denzel Washington, Ryan Reynolds, Vera Farmiga, Grendan Gleeson, Sam Shepard, Rubén Blades, entre otros. Músico de Ramin Djawadi. Duración: 110 minutos.

MUY BUENA. VIOLENTO POLICIAL QUE DESNUDA LOS CRÍMENES DE LA CÍA

Denzel Washington regresa a las pantallas porteñas con este policial violento, intenso, filmado por el chileno-danés Daniel Espinoza y acompañado por un elenco de gran nivel. Destacamos también a Ryan Reynolds y al irlandés Grendan Gleeson, que esta semana encabeza el film “El Guardián”. Con características narrativas parecidas a la saga de “Bourne”, dado que el director de fotografía es el mismo, Oliver Wood, nos enfrentamos a una casa considerada “la casa segura”, ubicada en Ciudad del Cabo, donde un joven agente de la CIA vive solo durante un año sin saber por qué sus superiores lo mantienen allí. No hay acción hasta que un llamado de su superior, a cargo de Glesson (David Barlow en la ficción) lo pone frente a un hecho de violentísimas características: encontraron a un ex agente de la CIA, llamado Tobin Frost (D. Washington), considerado un traidor por haber dejado las filas del organismo y presuntamente tiene archivos muy comprometedores, y agentes secretos lo llevan a la “casa segura” para torturarlo. Impresionante.

El film es atrapante, inquietante. Nos deja pegados al asiento a veces con horror por la violencia que viene de la pantalla, otras porque el tema es interesante. A diferencia de Syriana, con George Clooney, aquí hay menos preciosismo fotográfico y menos profundidad conceptual: se trata de acabar con la vida de Frost que por diversas circunstancias queda en manos de Matt Weston (Reynolds), quien va sufriendo un paulatino desencanto. La Cia no es lo que él creía y hasta puede ser que tenga razón Frost. Y, para esto, el realizador utilizó un montaje nervioso, ágil, armado en diferentes tomas.

Medios planos, algunos casi close-up, autos que se persiguen en carreteras novedosas de Ciudad del Cabo, el ingreso a los “slumdogs” o villorrios de la ciudad, la pobreza, y los tiros, así como la muerte mano a mano y como se pueda. Sangre va a ver hasta donde no se imagine ahora.

Como policial, vale, cumple su objetivo. La narración propuesta por Daniel Espinosa es atractiva, aunque a veces pueda resultar un poco confusa (recordar “Bourne”), y quienes son buenos dejan de serlo para demostrar la hilacha de la maldad. Resulta también novedosa la aparición de Rubén Blades en un film de esta factura, aunque ya sabemos que al abogado, cantante y político panameño le encantan las cámaras.

En cuanto a los subtemas, surgen varios, en especial uno que debiera aterrarnos: estamos en manos de “malandrines” que manejan al mundo, a las sociedades, generan guerras, matan a mansalva y la cosa es por poder, superando a los gobiernos de los países del primer mundo. Las guerras tienen justificativo a partir de lo que esos hombres de la CIA determinan. Y, desde este punto de vista, es una importante denuncia sociopolítica.

En algún punto previsible, sin duda justifica la inversión en la entrada si le gustan los policiales a todo o nada. Nos retorcimos en la butaca pero nos atrapó.

Elsa Bragato

LOS JUEGOS DEL HAMBRE

De Gary Ross. Con Donald Sutherland, Stanley Tucci, Wes Benthley, Jennifer Laurence, Alexander Ludwig, Woody Harrelson, entre otros. Música de James Newton Howard. Duración: 142 minutos.

MUY BUENA. TV Y SOCIEDAD, EN UN COMBO EFICAZ CON FUERTE CRÍTICA SOCIAL

“Los juegos del hambre” es la primera parte de la trilogía que conforman además “En llamas” y Sinsajo”, el fenómeno literario creado por Suzanne Collins que apunta a los jóvenes. Se trata de un ama de casa norteamericana que un día, haciendo zapping, se entretuvo con un reality show y al mismo tiempo se enganchó con un noticiero y la guerra de Irak. Sintió horror. Y quiso plasmarlo en una serie de libros que son bestsellers en los Estados Unidos y todo el mundo. Pobres contra ricos, un mundo apocalíptico que oscila entre la pobreza de los más alejados del poder y éste, con todas las comodidades de la tecnología y para vivir más que bien.

El país es Panem, y está en lo que fuera Estados Unidos según la historia de Collins. El Capitolio es el centro y la nación está formada por 12 distritos, con numeración que indica que los más cercanos al 1 son los más poderosos. El régimen es tiránico y sobrevino luego de una devastación en la tierra.

En el distrito 12 vive la heroína, Katniss Emerdeen, a cargo de la jovencita Jennifer Laurence. Cada año, en el Día de la Cosecha, se celebran los Juegos del Hambre, donde pelearán hasta morir los dos adolescentes elegidos de cada distrito, 24 en total, una niña y un varón, llamados “tributos” contra los poderosos gladiadores de los sectores pudientes. Todos son como los gladiadores romanos. La presidencia de este estado con tanta desigualdad está a cargo del personaje de Donald Sutherland, quien, a control remoto, controla las luchas mientras los poderosos disfrutan de un reality feroz.

Collins mezcló sabiamente una guerra real con las características de un reality show (recordar Truman Show), en medio de una ambientación de desolación donde la brecha entre ricos y pobres es prácticamente insalvable.

El film tiene elementos de la historia muy notables: la pareja protagónica enfrenta el mismo destino de la célebre obra “Romeo y Julieta”, el mito de Teseo como base (Teseo era hijo del rey de Atenas y fue enviado como “tributo” junto con su pareja a la isla de Creta para luchar contra el Minotauro), y las cuadrigas romanas utilizadas para que las doce parejas de adolescentes desfilen antes de la lucha. Como detalle, Collins ha creado el broche llamado “Sinsajo” (da título también a su último libro) que significa la rebelión del distrito 12 contra la opresión.

Es destacable la perfomance de Jennifer Lawrence, quien tuviera una muy recordada actuación y premiada en “Winter’s bone”, así como una fotografía que recrea la magnificencia de bosques naturales y el despliegue técnico para unir la sofisticación de la televisión actual con la simpleza de la vida de los pobres. Casi como un reflejo vívido de lo que ocurre en todas las sociedades del mundo y que tiende a radicalizarse.

Como subtema, está justamente lo que decíamos antes: la brecha entre ricos y pobres y la lucha por la supervivencia en la sociedad actual, cada vez más feroz. La protagonista encarna perfectamente la zozobra de los adolescentes de hoy que deben cambiar muchas reglas de la economía actual si no quieren padecer lo que esta película muestra. Un verdadero mensaje sociopolítico a través de una narración naif y atrapante.

Carlos Pierre

EL GUARDIAN

De John Michael McDonagh. Con Brendan Gleeson, Don Cheadle, Rory Keenan,Mark Strong, entre otros. Música de Calexico. Productora: la argentina Flora Fernández Marengo. Duración: 96 minutos.

BUENA. POLICIAL CON UN DEBUTANTE EN EL PROTAGÓNICO: EL GRAN BRENDAN GLEESON

Grandote, de voz profunda y sonora, con una cara fuerte y un porte similar, Brendan Gleeson llega a la pantalla grande como protagonista, mientras lo hemos visto en “Safe House” como uno de los principales coprotagonistas de Denzel Washington. Irlandés de pura cepa, Brenda Gleeson nos sorprende con este “guardia”, policía de la zona de Connemara. El y su ayudante deben solucionar una serie de crímenes que esconden a una gran banda de narcos. Por este motivo, serán ayudados por un agente del FBI, que encarna el casi olvidado Don Cheadle, como “Wendell Everett”. “Gerry Boyle”- Gleeson es un policía con todos los tics de alguien que se mueve en un pueblo y tiene su propia vida sin ajustarse mucho a los reglamentos. Así se lo ve pasar una tarde de juerga con dos hermosas chicas, o bien tomarse sus tragos con su compañero de tareas. Surgen los chistes secos bien “british”, que ponen su cuota de humor en un film policial diferente.

Diferente… Porque aquí los tiros son los menos y hay diálogos sobre cómo accionar entre policías, entre delincuentes, hay más “concepto” que acción, se habla de filosofía, se mencionan a grandes pensadores, y esto no deja de ser interesante y distinto. Podrían haberse acortado algunos parlamentos, es verdad, pero se habría sacado la flema “irlandesa”, que existe.

Es una película con una pareja despareja: un blanco y un afro, un irlandés y un norteamericano, con sus diferencias en el manejo de la acción pero con un gran sentido de la lealtad. Nos parece un muy interesante producto, donde hay más para pensar y disfrutar que para saltar de la butaca por los tiros, que tampoco faltan. Con excepción de las largas charlas en algunos momentos que hemos indicado, es un buen film policial.

Elsa Bragato

EL VAGONETA EN EL MUNDO DEL CINE

De Maximiliano Gutiérrez. Con Silvina Luna, Juan d’Andre, Nicolás Abeles, Gastón Pauls, el Puma Goity, entre otros. Duración: 87 minutos.

REGULAR. CUATRO VAGOS EN UNA COMEDIA MUY CHIQUITA

Un grupo de amigos del barrio de Saavedra (todos personajes surgidos en la web, donde tuvieron miles de visitas) deciden instalar un cartel en la terraza de una de las casas para vivir del alquiler del mismo y no trabajar más. Para lograrlo se infiltran en el Festival de Cine de Mar del Plata, evento donde está el productor de un film llamado “Un tanque”, quien les promete tomar el alquiler para promocionar su película.

Con un desbalance en el tratamiento, dado que gran parte de la comedia transcurre en los prolegómenos de esta aventura de amigos con un final demasiado abrupto, el film está salpicado de humor y ocurrencias de los amigos en cuestión. Las apariciones de los famosos son a la manera de cameos: Guillermo Francella, Gastón Pauls, el Puma Goity, Axel Kutchevazky, Pocho la Pantera, Jean Pierre Noher, Karina JElinek, entre otros.

Aventuras y desventuras, simpatía, acciones alocadas, no mucho más. Débil argumento pero, si se quiere, efectivo. No está mal pero se podía haber ajustado un poco el guión y transformarla en una comedia con más sustento. Como idea, es buena. Como guión, le falta mucho sustento.

Carlos Pierre

EL MAL DEL SUEÑO

Alemania, Francia, Holanda. De Ulrich Köhler. Con Pierre Bokma, Jean-Christophe Folly, Jenny Schily, entre otros. Duración 9l minutos.

BUENA. INTERESANTE HISTORIA CON UN TINTE MITOLÓGICO

Muchos europeos han experimentado una atracción visceral o hipnótica hacia países subdesarrollados, ejerciendo una labor destacada a favor del primitivo esplendor de la tierra que añoran.

En el caso de este film, estamos frente a la historia del doctor alemán Ebbo Velten y su esposa Vera que llevan años viviendo en Africa, trabajando y luchando exitosamente contra la enfermedad del sueño. Sustancialmente, es el doctor quien se ha integrado al medio y a su gente, con quienes mantiene una estrecha relación. Pero su esposa se siente cada vez más incómoda y decide regresar a Alemania.

Su partida y la llegada de un médico novato que tiene la misión de controlar el accionar de este doctor en el plano económico y administrativo de los fondos suministrados por Europa entran a modificar y a acentuar esa particular y casi aventurera labor destinada a combatir la enfermedad del sueño.

La exuberante geografía africana, con sus ríos y su vegetación, ha sido retratada con vehemencia pero con desprolijidad, tal vez a semejanza del comportamiento del médico alemán. Y es una lástima la edición abrupta de muchas escenas que desmerecen la calidad del film y entorpecen la comprensión de muchas escenas culminantes.

Una creencia tribal acerca de la inusual aparición de un hipopótamo en esa zona, que habría matado a un médico, aporta un tono mitológico en este film inteligente del joven realizador alemán Ulrich Köhler, ganador del Oso de Plata al mejor director en el Festival Internacional de Berlín de 2011. Recordemos que “el mal del sueño” es transmitido por un mosquito en África y afecta tanto a animales como a los seres humanos: es el African trypanosomiasis. Y añadimos que el film está hablado en francés porque transcurre en Camerún, que fue colonia de Francia.

Para adentrarse en el corazón lastimado de Africa.

Carlos Pierre

EL PRECIO DE LA CODICIA, GHOST RIDER 2, PROYECTO x, ESTO ES GUERRA, DORMIR AL SOL, ENTER THE VOID, JUEVES 15 MARZO

JUEVES 15 DE MARZO DEL 2012.

Hay siete estrenos en fílmico, incluyendo el documental argentino “Memoria para reincidentes”, de Gabriela Maije y Javier Gabino, que no comentamos.

EL PRECIO DE LA CODICIA

De J.C.Chandor. Con Kevin Spacey, Jeremy Irons, Demi Moore, Paul Bettany, Stanley Tucci y Zachary Quinto, entre otros. Música de Nathan Larson. Duración: 105 minutos.

MUY BUENA. LA INTERNA DE LA CAÍDA DE WALL STREET

Es alentador que el primer largometraje de J.C. Chandor tenga un guión fuerte, sin lagunas, sin dobleces, narrado con una fotografía cuidada e incluso con secuencias cuyas facturas han sido analizadas y ensayadas. Si bien la película es densa, tiene al mismo tiempo ritmo que va atrapando al espectador interesado en estos temas. Vale destacar que la historia se ubica en la pre-caída de Wall Street del 2008, sin avizorar la profundidad de las consecuencias mundiales hasta el día de hoy.

Puntualmente, el guión toma el caso de una entidad financiera de la que jamás se da el nombre cuya gerente, a cargo de Demi Moore (alejada de roles simpáticos y seductores), ha hecho un cálculo de riesgo erróneo para uno de sus productos y su devaluación podría provocar la quiebra. La reunión nocturna busca, previa a la debacle económica mundial, un “plan B” echando a uno de los gerentes de riesgo más importantes, Eric Dale, que encarna el gran Stanley Tucci. Dentro de este tema, el mérito mayor de J.C. Chandor es meterse en la psicología de los personajes de este banco de ficción, desde los superiores de Eric Dale: Paul Bettany como Will Emerson, Kevin Spacey como Sam Rogers y el casi intocable Jeremy Irons como John Tuld. Esa larga noche en el banco tendrá una secuencia notable cuando Paul Bettany, Zachary Quinto (un ascendente actor de Hollywood) y otro colega miran por un ventanal las luces neoyorquinas. Chandor ubica la cámara en cada rostro, todos de perfil, haciendo “close-up” solo cuando tienen un parlamento. Se detiene, define la secuencia, porque la desarrolla.

Para nosotros, desde esta parte del mundo, surge como diferente y hasta notable la sumisión del personal de cualquier entidad norteamericana: se aceptan las decisiones de los jefes casi sin chistar, o con apenas una mueca, se obedece a rajatabla, es la competencia del mercado como un dios supremo y se acata sin razonarlo mucho porque se trata de una forma de vivir. Esta actitud de los empleados de la entidad financiera pinta a una sociedad entera, más allá de la caída de Wall Street y de las posteriores manifestaciones de “indignados”. Y allí reside la inusual maestría del debutante realizador en las ligas mayores del cine.

Hay otro valor agregado para esta interesante película: Chandor sale del edificio de la entidad y mete la cámara en algunos barrios neoyorquinos y carreteras, el tiempo justo, con los personajes determinados, para darle aire a un guión que, de otro modo, habría caído en la claustrofobia. Tiene un tratamiento inteligente de las locaciones y de las situaciones a narrar. Es un film que nos entretuvo, que nos mostró otra cara de Wall Street, menos glamorosa y más pensante, sin ser aburrido. Aclaramos que “margin call” es el margen máximo que puede tener un producto antes de iniciar su devaluación, dicho esto con nuestras palabras que los economistas sabrán disculpar.

Elsa Bragato

DORMIR AL SOL

De Alejandro Chomski. Con Luis Machín, Esther Goris, Carlos Belloso, Florencia Peña. Música de Ruy Felguera. Duración: 84 minutos.

BUENA. LA FANTASÍA DE SER PERRO

Esta película está basada en una novela de Adolfo Bioy Casares, del género fantástico. Casares tenía predilección por su obra, “Dormir al sol”, porque consideraba que era la que mejor lo representaba. Bioy Casares, a su vez, apoyó a Alejandro Chomski (Hoy y mañana, 2003) para que encarara esta realización, adaptando el texto a un espacio muy particular de la ciudad, el pequeño barrio de parque Chas, que no tiene esquinas y está formado por calles circulares a la manera de un repollo, símil de la lejana ciudad de Brujas, en Bélgica.

El film, por su parte, resalta la imposibilidad de la relación amorosa, con toques de humor y un acentuado tinte fantástico. La base argumental es un misterioso tráfico de almas y cuerpos entre personas y perros, que se produce en un instituto frenopático. A instancias del director de la entidad (Carlos Belloso), un desocupado de parque Chas (Luis Machín) interna a su esposa (Esther Goris) quien padece un inquietante trastorno mental. Florencia Peña, que está sólida en su papel, interpreta a la cuñada del desocupado (Machín) a quien intenta seducir.

Hay que destacar las cuatro actuaciones. Estamos ante actores de primer nivel que hacen creíbles cada personaje. Y la ubicación de la historia en la década del 50, por lo que se nota una muy cuidada producción con excelente nivel en la dirección de arte y fotografía.

El quid argumental está en el personaje de Esther Goris quien será sometida a un extraño experimento, que da pie al relato fantástico propuesto por Bioy Casares y ahora por Chomski. El resto de la narración es bastante lineal aunque se produce mucha empatía con “Diana” (Goris) y se genera cierta tensión atractiva para el espectador.

Es una buena propuesta, sin ambiciones desmedidas ni logros superlativos. No obstante señalamos que cuesta asimilar el tono fantástico impreso en este relato literario. La respuesta al título reside en que son justamente los perros los que aman dormir al sol. El por qué de esto debe descubrirlo el lector a través de las peripecias de uno de sus personajes.
Carlos Pierre

GHOST RIDER 2. ESPÍRITU DE VENGANZA

De Neveldine,Taylor. Con Nicolas Cage, Christopher Lambert, Ciaran Hinds, Violante Placido, Fergus Riordan, Idris Elba, entre otros. Música de David Sardi. Duración: 95 minutos.

BUENA. CAGE CON LAS LLAMAS DEL INFIERNO EN SU CUERPO

Estamos frente a la segunda película de la franquicia de Marvel titulada “Ghost rider”, este vengador justiciero que le ha vendido el alma al diablo. Algo así como un Fausto sin libre albedrío, pero Fausto al fin.

El film fue rodado en diferentes ciudades, incluyendo pintorescas carreteras de Rumania y algunos países del este europeo, con locaciones en New York, pero irreconocibles. Johnny Blaze, el alma en pena que compone Cage, no puede deshacerse de la maldición, que llama profecía, diabólica, y carga con esa fuerza animal. Sin embargo, su espíritu no es maligno sino benéfico. En esta oportunidad, debe salvar a un jovencito de las garras de los malvados, que toman diferentes aspectos en el film, desde traficantes del Este hasta hombres de sectas espúreas. No será tarea sencilla en virtud de que las circunstancias cambian y de una manera por momentos inesperada para el espectador.

Lo que parecía bueno ya no lo es, y la ausencia por minutos del espíritu diabólico en el cuerpo de Blaze le hace peligrar hasta su vida.

Más que narrar las peripecias argumentales, debemos señalar que el espectador que ansía ver una de Cage con tiros, persecuciones y cuerpos flamígeros, no saldrá decepcionado. Es más, nos animamos a decir que Nicolás Cage se siente muy seguro en este film y su actuación es de las más convincentes de los últimos tiempos. Cage se siente como pez en el agua en estos papeles de asesinos justicieros o bien resentidos sociales. Hay en especial, una secuencia donde el motoquero se transforma en diablo porque así lo requieren las circunstancias y Cage hace gala de un enorme histrionismo, con gesticulaciones y movimientos que utilizan muy bien la computación y los softwares de efectos especiales para cargarle las llamas del infierno en su cuerpo virtual.

Ambiente sórdido, oscuro, carreteras sinuosas bien europeas, conventos antiquísimos, sacerdotes medievales, van salpicando la historia de elementos sobrenaturales que explican las aptitudes diabólicas de Johnny Blaze, así como las del joven Danny, mitad humano y mitad diablo. Ciarán Hinds, que suele componer papeles desagradables, no deja de darse el gusto con algunos de esos roles al encarnar a un malvado que habla de costado al mejor estilo de los “taitas”. Voces enronquecidas, seres con el poder de incinerar cuanto tocan, son otros detalles que caracterizan a este Ghost Rider 2. Para fanáticos. Objetivo cumplido. Nada más.

Elsa Bragato

ENTER THE VOID

De Gaspar Noé. Con Nathaniel Brown, Paz de la Huerta y Cyril Roy. Duración: 161 minutos.

MALA. LA NADA TRANSFORMADA EN ASCO. “CINE DE CHOQUE” QUE OFENDE EL INTELECTO

Si nunca es agradable combinar la droga con nada, mucho menos lo es como eje conductor de un film que ingresa al circuito comercial y no al del “cine-arte”, al menos en principio.

Gaspar Noé es franco-argentina y, luego de Solos contra todos e Irreversible, regresa con un film que poco aporta a la pantalla grande. Con excepción de varias secuencias donde las tomas nos indican que estamos frente a un realizador que sabe cómo manejar una cámara, nada hay para rescatar a nivel contenido. En principio, porque el cine es entretenimiento y, dentro de él, podemos encontrar todas las expresiones del sentimiento humano. Cuando el cine, como en este caso, se dedica a mostrarnos la condición miserable del ser humano, incapaz de salir del entorno de su físico, ya sea a través del sexo promiscuo o bien de la ingesta de drogas, caemos un vez más en los docu-ficción televisivos de los que estamos hartos en gran medida.

Un recurso tampoco destacable es el uso de la cámara en mano, como hemos visto en Proyecto X y Poder al Límite, y resulta poco cinematográfico y sí propio de algunos realities de televisión. Somos reiterativas pero en el cine esperamos ver cine.

Tampoco la utilización de música e imágenes al estilo psicodélico son una novedad. Lo vemos a diario en la televisión. Como el título lo indica, ingresamos a la nada, Enter The Void, título del neón que indica “Enter” a un hotel de Tokio donde se desarrolla buena parte de este producto de Noé. ¿Es la muerte, el ingreso al más allá, está muerto o vivo quien nos lleva por los submundos? Noé explicó en una nota que conoce bien los estados que provoca la droga porque alguna vez tomó ácido lisérgico. Sus experiencias están en este film.

Mostrar cuán miserables somos consumiendo drogas, el abandono personal, flashbacks que nos indican que alguna vez alguien pudo ser mejor, mostrar cuerpos despedazados en un choque (recurso hollywoodense gastado), y cómo se engendra un bebé “desde adentro” del cuerpo de una mujer desde su inició en una relación sexual nos parece más digno del cine tripe X que del cine comercial.

Almas perturbadas, vidas miserables, escenas de sexo explícito, consumo de drogas, vidas desordenadas, semiviolaciones, conforman la nueva entrega de Gaspar Noé. ¿Cine expresionista? ¿Mostrar la otra cara de la muerte,d e la vida? Todo ha sido contado con mejores recursos e inversiones. El cine de Gaspar Noé es considerado “cine de choque”, es decir, intenta ponernos mal, darnos asco. Lo consigue.

Es un film machista, innecesario para un momento del mundo donde hay que bajar el grado de violencia y terminar con los narcos. Pero puede ser que tenga buena taquilla porque se muestra el consumo de drogas. Aunque se trate de un "más allá". Confuso, feo.

Elsa Bragato

PROYECTO X

De Nima Nourizadeth. Con Thomas Mann y Oliver Cooper, entre otros. Música actual de diferentes conjuntos. Duración: 88 minutos.

MALA. TAQUILLERA PERO DESECHABLE

No vamos a negar que este film va directo a la conciencia de los adolescentes: cómo desoír los consejos paternos cuando se quedan solos un fin de semana y festejar el cumpleaños a lo grande para dejar de ser perdedores, alentados por amigos de la secundaria. Thomas es el jovencito cumpleañero y sus dos “mates” son Costa y JB, que le prometen una buena difusión de la fiesta, que solo se ocupará el gran jardín de la casa, y que pasarán una linda noche. La difusión es monstruosa por lo tanto prácticamente todos los chicos de varias escuelas van cayendo a la casa de Thomas que no sale de su asombro, seguido por la cámara de un compañero que va grabando las secuencias. Similar a la película Poder al límite, un fiasco para el público con otras expectativas de cine.

La fiesta sale de los límites, corre la droga, la bebida, y de tirarse a la piscina medio desnudos pasan a la casa, a los dormitorios, y al pequeño escritorio paterno donde están guardados “dos proyectos” de trabajo, sin que quede muy claro por qué se titula Proyecto X. Asistimos, entonces, a la destrucción de la casa de Thomas en su totalidad, al riesgo del vecindario por los incendios, a la alarma social por este tipo de fiestas, a la falta de respeto a las normas elementales de una “fiesta privada”, y a consecuencias que todavía no tienen perspectiva, o es difícil encontrársela. Qué pasa con chicos que se desmadran, para quienes las drogas de cualquier índole son como tomarse varios vasos de agua.

Por supuesto, los adultos nos podemos plantear muchas cosas, si queremos verle un lado positivo a un film que ocupará la cartelera porteña en detrimento de algún film bueno nacional o extranjero y que dejará ganancias a costa de dar un pésimo ejemplo social.

La calificación de “mala” corresponde a la factura, en principio, del film, cero producción, cero inversión, y luego al mensaje que trasunta un contenido de violencia y desorden máximos. No gaste su dinero.

Elsa Bragato

ESTO ES GUERRA

De McG. Con Reese Witherspoon, Chris Pine, Tom Hardy, entre otros. Música de Christophe Beck. Duración: 95 minutos.

REGULAR. COMEDIETA INTRASCENDENTE ENTRE TRES ADULTOS QUE JUEGAN A LA ADOLESCENCIA

Es una pena que una actriz de comedia fina e inteligente como Reese Witherspoon termine en films tan archiprevisibles como esta comedia de McG, el director de Los ángeles de Charly. Dos agentes de la CIA salen con una misma mujer por casualidad, hasta que descubren que la dama en cuestión se llama Lauren (Reese). Los caballeros son “ojitos azules” Chris Pine, y el amable y menos ganador Tom Hardy. Una vez que los hombres descubren a quién aman comienzan a utilizar el sistema de espionaje de la CIA para vigilarse mutuamente, en una carrera de celos adolescentes.

Reese Witherspoon ha ganado un Oscar por Legalmente rubia, un film que puso sobre el tapete sus enormes condiciones para la comedia elegante, con cierta inteligencia, que le permitieron abordar otros roles mucho más comprometidos y aplaudidos por todos. Aquí está contenida, en un papel que ya no le va, la treinteañera (¿) perdedora, que le gusta el juego de seducir a dos hombres aunque desconoce que, llegado un punto, ambos saben todo de cada uno de los tres. Tampoco hay una narración audiovisual que nos genere empatía o sorpresa por cómo se filmó, qué tipo de tomas se hicieron para darle más agilidad o no, qué ángulos se buscaron para enriquecer un argumento más que previsible.

Para este tipo de comedias, ya no vale gastar dinero en una entrada. Salvo que se sea un amante acérrimo del género. Es para ver en un avión, o bien esperar que salga por el cable. Con toda la sinceridad del mundo.

Elsa Bragato

CARNAGE, JOHN CARTER Y REESTRENO DE "SCARFACE", JUEVES 8 MARZO

JUEVES 8 DE MARZO DEL 2012.

Hay dos estrenos y un reestreno, la inolvidable Scarface, de Brian de Palma, con Al Pacino, Michelle Pfeiffer y Steven Bauer, realizada en 1983.

UN DIOS SALVAJE

De Roman Polanski. Con Jodie Foster, Kate Winslet, Christoph Waltz y John Reilly. Música de Alexandre Desplat. Duración 80 minutos.

MUY BUENA. ÉXITO TEATRAL CON UN NOTABLE DUELO ACTORAL

Film que se sustenta en tres pilares: la exitosa comedia de Yasmina Reza, el duelo verbal del matrimonio formado por Kate Winslet y Christoph Waltz, cuyo hijo agredió al hijo del matrimonio de Jodie Foster y John C. Reilly, y un teatro filmado armado con inteligencia y ritmo inclaudicables. En este sentido, apuntamos que tiene una muy sólida escenografía y es un símil exacto de un departamento neoyorkino, a diferencia del original ambientado en París.

El reto del Polanski fue el plató construido en el país galo, con la colaboración del director artístico Dean Tavoularis (trabajó asiduamente con Francis Ford Coppola), el director de fotografía Pawel Edelman y la laureada diseñadora de vestuario Milena Canonero y fundamentalmente esa comprometida fidelidad que tramó al armar una película de 80 minutos, donde la acción se desarrolla sin interrupciones y en un único decorado (un departamento completo con living, cocina y baño), es decir una película en tiempo real, sin una sola elipsis, que se constituye en otro pilar audaz e innovador.

La trama es bien conocida por todos a raíz de la representación exitosa en París, Londres, Broadway y Buenos Aires de la obra teatral de Yasmina Reza (Florencia Peña logró una de sus performances más aplaudidas en teatro) quien colaboró con el propio Polanski en la adaptación al cine: nos muestra los prejuicios sociales y la disociación de los matrimonios con furia e hipocresía. Un hámster enjaulado, la ropa manchada del matrimonio invitado (Waltz y Winslet), van generando tensión entre los cuatro personajes desde el comienzo.

El tema elegido nos remite a un maduro Roman Polanski (78 años), y permite que cuatro actores convocados hagan gala de una superlativa actuación: es un duelo actoral de altísimo nivel que, a pesar de mostrar la hilacha de “teatro filmado” (no siempre con buenos resultados en la pantalla grande) nos atrapa desde el comienzo por la inteligencia de los parlamentos y las situaciones que vive este estupendo elenco.

Señalamos que el gran compositor Alexandre Desplat realizó la apertura y cierre del film, que no cuenta con una banda sonora que subraye secuencias. La metáfora de Polanski es directa pero sutil al mismo tiempo: el hámster del matrimonio huésped recupera la libertad mientras los cuatro participantes de esta espontánea “carnicería” (traducción de carnage) quedan atrapados en sus confusiones sentimentales, en sus reproches reprimidos y en una adultez todavía inmadura. Un film inteligente.

Carlos Pierre

JOHN CARTER: ENTRE DOS MUNDOS 3D

De Andrew Stanton. Con Taylor Kitsch, Lynn Collins, Mark Strong, Willem Dafoe, entre otros. Música de Michael Giacchino. Duración 133 minutos.

BUENA. ENTRETENIMIENTO ÉPICO EN UNA ILÍADA MARCIANA

Inspirado en la primera novela titulada A Princess of Mars del escritor norteamericano Edgar Rice Burroughs (autor de Tarzán), este film apunta a convertirse en una saga de tres entregas cuanto menos donde el ex militar de la Guerra Civil, el capitán John Carter (Taylor Kitsch) es transportado misteriosamente al planeta Marte (llamado Barsoom); allí los heliumites y los zodagans luchan por gobernar el planeta.

Se trata de una producción ambiciosa, plena de recursos técnicos y artísticos, filmada durante cuatro meses en estudios londinenses y en Utah, en salinas y escenarios naturales. Estas diferentes locaciones son el sostén invalorable con los que contó el realizador Andrew Stanton (Wall-E, Buscando a Nemo) para narrar ampulosa y épicamente las aventuras del capitán del estado de Virginia en el planeta rojo, semidesértico y agonizante, pero aún con una feroz efervescencia bélica entre sus habitantes.

En este gran conflicto, el protagonista se involucra con los buenos y se enamora de la princesa Dejah Thoris (Lynn Collins) pero, para salir airoso de tremenda cuestión, deberá luchar contra un villano muy duro interpretado por Mark Strong.

Carter cuenta con un simpático pero enorme y rechoncho perro, su incondicional protector, llamado Woola, y también con esa invalorable ventaja que nos toca a los humanos de poder saltar a gran altura en Marte, debido a la débil atmósfera que conlleva a una menor gravedad. Con inteligencia, el director utilizó estos recursos naturales que tienen una explicación científica.

La presencia de Willem Dafoe siempre es un atractivo extra para cualquier film. Sin embargo, aquí “no lo vemos” porque está dentro de un cuerpo armado de tres metros de altura, de color verde intenso, con cuatro brazos, cuernos enroscados hablando un idioma propio. Y es un personaje insoslayable, igual que la princesa de Marte que, como en casi todas las historias, está obligada a casarse con quien no desea. Es el toque femenino en medio de la belicosidad reinante.

A tono con tantas películas de entretenimiento basada en efectos especiales y seres semi monstruosos, esta novela del siglo pasado llevada al 3D nos propone involucrarnos en una pura aventura y a toda acción, con parentesco con la antigua literatura clásica, mentora de esta Ilíada marciana. Para divertirse a pleno.

Carlos Pierre

DRIVE, AMOR POR SIEMPRE, SOLO POR DINERO, INFRAMUNDO EL DESPERTAR, CENTRO

JUEVES 1RO DE MARZO DEL 2012.-

Hay cinco estrenos, incluyendo el documental Centro, de Sebastián Martínez, sobre aspectos de la ciudad de Buenos Aires, que no comentaremos.

DRIVE

De Nicolás Winding Refn. Con Ryan Gosling, Carey Mulligan, Alberto Brodes, Bryan CRanston, Ron Perlman, entre otros. Música de Cliff Martínez. Duración: 100 minutos.

MUY BUENA. VELOCIDAD MÁXIMA EN UN SANGRIENTO DRAMA DE HAMPA Y AMOR

Una saludable química se estableció entre el consolidado actor Ryan Gosling (Blue Valentine, Secretos de Estado) y el realizador danés Nicolás Sinding Refn, multipremiado director con mano firme para los relatos donde la violencia y el género gore saltan de la pantalla al espectador.

Por supuesto, es cine “noir”, de culto, que tiene seguidores en todo el mundo y que ha estado nominado incluso en Cannes, con aplausos de la platea que disfrutó de la actuación de Gosling, enigmático y excitante a la vez, y de estas carreras automovilísticas (al estilo Nicolás Cage en sus últimos films) a todo o nada, con muertos y despedazamientos por doquier, a mano, como debe ser en este género.

El protagonista de esta historia no tiene nombre propio, es “él”, “boy”, pero sabemos de quién se trata: es un diestro conductor de autos que vive para manejar, es mecánico y también doble de riesgo en films. La capacidad como conductor la utiliza de noche para ser el “conductor” de hampones, cumpliendo nada más que ese rol sin mirar a quién le presta ayuda.

De pronto irrumpe en su vida una vecina, que tiene un hijo pequeño y está sola. Se enamora pero está acostumbrado a ocultar sentimientos así que no esperemos una historia de amor sino, en todo caso, un amor latente que tendrá su tiempo porque las actividades de este “boy” tienen prioridad. La mafia le tenderá trampas y, cuando se acercan a su pretendida, la furia de “boy” no tendrá contención. Será brutal.

Para muchos, estamos frente a recursos del cine de clase B. Vale destacar, en este sentido, que el cine de clase A utiliza todos estos elementos así que hay que destacar la actuación de Alberto Brooks y Ron Perlman, por ejemplo, gángster inolvidables. Y no olvidarnos de Charles Bronson ni del maestro Clint Eastwood, como antecedentes de películas que siguen vigentes en el gusto de una mayoría.

Debemos detenernos en Ryan Gosling, quien dota a su personaje de una personalidad medida y temperamental a la vez, un hombre capaz de enamorarse y de luchar por los valores que encuentra en Irene, a cargo de la gran actriz inglesa Carey Mulligan, nominada a los Oscars por su rol en “An education” (film para no dejar de ver), que le permitió ganar otros premios también de gran importancia. Ryan Gosling tampoco se quedó atrás, recibiendo el premio International Press Academy por su actuación en este film, así coo el director Nicolás Sinding Refn fue ganador de la Palma de Oro como mejor Director en Cannes 2011.

Es decir, estamos frente a un film policial con características gore muy bien interpretado, bien realizado, con elementos del tradicional noir (el hampa, los burdeles, las amenazas, las balaceras, la traición, etcétera). En la “nouvelle vague” se decía que un buen policial no podía faltar en la vida de ningún realizador, el revólver y la chica linda debían aparecer. Refh es un fiel seguidor de esta premisa y consigue un muy buen film con dosis de tensión apabullantes y escenas que estremecen. Para fuertes.

Carlos Pierre

AMOR POR SIEMPRE

De Nicole Kassell. Con Kate Hudson, Gael García Bernal, Kathy Bates, Whoopi Golberg, Lucy Punch, entre otros. Música de Heitor Pereira. Duración: 100 minutos.

BUENA. “LOVE STORY” DE TODOS LOS TIEMPOS

Que la tierra es, para algunos, el infierno tan temido, no es novedad. Y así se toma en esta película donde la protagonista, Marley Corbett, es una treinteañera que tiene trabajo y buenos amigos hasta que, en un examen de rutina se descubre que padece un cáncer de colon terminal. Está protagonizada por Kate Hudson, hija del primer matrimonio de la famosa Goldie Hawn, una de las estrellas rubias norteamericanas que siguieron la huella de Doris Day. A su vez, Goldie tuvo una sucesora en la hoy cincuentona Meg Ryan. Y la racha continuó con Reese Whitespoon, un poco olvidada por la pantalla grande.

Kate Hudson es una buena actriz de comedias que no ha tenido la suerte de una Cameron Díaz en la elección de sus papeles. Pero, sin duda, la comedia está en sus genes y logra una excelente performance en esta nueva “love story” un poco tontuela porque la participación de Gael García Bernal como el doctor Julian Goldstein que le descubre el mal y se enamora de la paciente, aún sabiendo que se morirá en poco tiempo, no terminó de convencernos. Es apático, débil, no conmueve. Y deslucido frente a la desbordante Kate Hudson.

Hay momentos un poco ridículos como el viaje al cielo de la protagonista quien se encuentra con un dios no convencional: Whoopi Golberg, siguiendo, a su vez, el tipo de rol que hiciera en la inolvidable “Ghost”. En “Amor por siempre” ganó varios escalones y está directamente en el cielo ocupando el trono de una diosa que puede hablar y convencer a Marley de que la esperará y que no sufrirá más. La secuencia final es rayana en lo ridículo, demasiadas nubes…

Pero…estamos frente a una Love Story con todos sus ingredientes, un producto que no le hace mal a nadie, donde Kate Hudson hace relevante su papel, aunque canse un poco con su risa casi desenfrenada durante buena parte de la narración. A diferencia de la crítica norteamericana, Hudson dotó a su rol de un sufrimiento propio de semejante enfermedad, sin patetismo. Kathy Bates como su madre está perfecta, medida, el papel no dio para más.

Con excepción de los “cielos” inventados por la dirección, que son un toque burdo, la comedia va por andariveles conocidos. Para pasar un momento de emoción… hasta ahí. Y no pedir nada más. Es buena para nosotros por la convincente y alocada actuación de Kate Hudson y Kathy Bates. Para las más jovencitas.

Elsa Bragato

SOLO POR DINERO

De Julie Ann Robinson. Con Katerine Heigl, Jason O’Mara, y la vuelta al cine de Debbie Reynolds. Música de Deborah Lurie. Duración: 91 minutos

BUENA. MUJERES AL FRENTE DE UNA COMEDIA ATREVIDA

Una nutrida legión de mujeres se pusieron al hombro la realización de esta atractiva comedia dramática, basada en la exitosa novela One for the Money, primera entrega de una saga de 18 best.sellers, aparecida en 1994, de la escritora Janet Evanovich. La heroína es “Stephaine Plum”, un personaje muy conocido en los Estados Unidos especialmente por el público femenino a raíz de las novelas. Está interpretada por la carismática Katherine Heigl, quien tiene una abuela muy especial, interpretada por Debbie Reynolds, la actriz y cantante que enamorara en 1957 con el film Tammy (se hicieron varios con este personaje e incluso una serie de TV).

Vale la pena indicar que el film cuenta con la dirección, el guión, la música, el montaje y el libro realizados por mujeres, una muestra más que elocuente de que film tiene se toque feminista inevitable y bienvenido, aunque la protagonista vaya por caminos reñidos con la femineidad tales como la extorsión y el hampa.

“Stephanie Plum” es una joven sin trabajo, divorciada, alejada de su familia, quien vive sola con un hámster. Un buen día decide recurrir a su primo, dueño de un negocio de garantes, en New Jersey, para tener un sueldo digno. Pero, casualmente, el trabajo consiste en darle caza a un fugitivo escurridizo, un ex policía sospechosos de asesinato, que encarna Jason O’Mara. Ambos se conocían desde los años de juventud y Stephanie encuentra la forma justa para tomar revancha por los desplantes de su ex pareja y sacarle una buena cantidad de dinero.

Hay que analizar cuál fue la causa del éxito de estas novelas para comprender por qué el film también ha tenido buena suerte en otros países: está sustentado en una escritura fácil de leer y una buena historia poblada de personajes atractivos.

La pareja protagónica conforma a su vez un acertado gancho romántico, sembrado de desplantes que mantienen la atención de principio al fin. Por supuesto, aquí no podemos reclamar introspección en los personajes, sino detenernos en el desparpajo de la protagonista femenina que es la “sal” de la narración.

Y, sin duda, la película resulta muy entretenida, a pesar de que el tema no es novedoso en el cine. La actuación de Heigl tiene la responsabilidad de llevar adelante una comedia simpática, que busca alegrarnos por un rato, nada más. No es poco ni tampoco mucho. Pero suficiente para explicar el éxito de las novelas y del film. Aunque muy lejanamente, hay otra heroína femenina, nórdica, que tiene gran aceptación en el público, y es la de Millenium, si bien el planteo narrativo, argumental, tiene más envergadura en este último que aquí. “Solo por dinero” es una película especial para las mujeres de todas las edades, para pasarla bien y, por qué no?, enorgullecerse de que tantas congéneres hayan llevado a cabo un film con ritmo narrativo y buena producción.

Carlos Pierre

INFRAMUNDO: EL DESPERTAR

De Marlind y Stein, con Kate Beckinsale, Stephen Rea e India Eisley, entre otros. Música de Paul Haslinger. Duración: 89 minutos.

MALA. VAMPIROS Y LYCANS ENCONTRARON LA VUELTA PARA SEGUIR EN PANTALLA

Estamos frente a la cuarta película de esta saga entre vampiros subterráneos y lycans. Las primeras películas tuvieron la misma ambientación que ésta, la cuarta, un mundo virado al azul, donde ni siquiera la sangre es tan roja como creemos. Peleas, despedazamientos, luchas brutales entre dos grupos de seres que quieren dominar la Humanidad.

No hay diferencia en el concepto argumental básico de este nuevo film. Sí lo hay respecto de su ya tradicional Selene, que vuelve en la piel de la bella Kate Beckinsale, quien amó a un híbrido llamado Michael, ya muerto, con quien ha tenido una descendencia inesperada. He aquí el quid del film.

Han pasado 15 años en el tiempo de ficción y Selene ha sido capturada por la empresa Antigen, que la tiene congelada, hasta que sucede algo inesperado y la vampiro recuperará su fuerza vital, con la sorpresa de una hija que no esperaba tener y que todo indica tuvo en el forzado cautiverio, interpretada por la joven India Eisley, de 17 años, prácticamente en su debut en la pantalla grande. Mientras todo esto sucede, hay una distinción entre los diferentes seres de aspecto humano que habitan este film con tendencia al cómic: los seres del inframundo, los comunes y los supermonstruos, especies de Hulk, llamados Uberlycan.

Para quienes gustan de estas sagas y el mundo “dark” que incluso tiene su propia moda, el film mantiene la atención del espectador, la tensión y las escenas de brutalidad tan características. Casi no hay diálogos sino que da la impresión de ser una película armada en base a secuencias de golpes y encuentros desagradables que terminan con la muerte de los humanos que osan increpar a estos vampiros y lycans. Los humanos nada tenemos que hacer en el argumento y bien se lo demuestra.

Se pueden buscar subtemas, un tanto forzadamente, como la existencia de seres de mala energía o mala “onda” entre nosotros, personas que no hacen el bien, que buscan dominar a los más plácidos, y los encontramos entre quienes o por dinero o por posición tienen lugares preponderantes en la sociedad. Nada más que no los vemos ni como vampiros ni como lycans, aunque tal vez debiéramos! También tiene su costado de bondad, aunque no se los podamos ver. Como estos vampiros y lycans.

En definitiva, es un film para la generación “dark” con muchísima acción, poca luces argumentales y una buena vuelta de tuerca para que la saga continúe: la hija de Selene y sus dones sobrenaturales que no son nada despreciables. La realización es ajustada a la propuesta, se rodó en Vancouver y se invirtió lo estrictamente necesario. No está mal para los fans pero nos resultó muy pobre en todo sentido, elemental.

Elsa Bragato