EL MECÁNICO, CACERÍA DE BRUJAS, EL MAL AJENO, NUNCA ME ABANDONES, JUEVES 31 MARZO, ESTRENOS DE CINE BAIRES

JUEVES 31 DE MARZO DEL 2011.

Hay 5 estrenos, uno en DVD, Divorcio a la Finlandesa, que no comentaremos.

EL MAL AJENO

De Oskar Santos. Con Belén Rueda, Eduardo Noriega, Angie Cepeda, entre otros. Música de Fernando Velázquez. Duración: 107 minutos.

BUENA. DRAMA COMPLEJO ENTRE LO SOBRENATURAL Y LA REALIDAD

La recomendación que el protagonista (un médico frío y distante) le hace a un pasante, “No mires, haz tu trabajo, pero no mires”, dentro de un hospital abarrotado de pacientes de primeros auxilios y enfermos terminales nos pinta el ambiente donde transcurre gran parte del film, producido por Alejandro Amenábar (Ágora).

El protagonista es un médico acostumbrado a manejar situaciones límites, está inmunizado ante el dolor de los demás pero también en su relación con su esposa y su hija. Dos hechos cambian su actitud: un desconocido que lo amenaza con un revólver, sin entrar en detalles argumentales, y una joven embarazada en estado de coma, que encarna la colombiana Angie Cepeda (de recordada actuación en la telenovela Las Juanas).

A partir de estos dos nudos narrativos, dentro de un guión un tanto desparejo y confuso, se mezclan los vectores argumentales: se cruzan, entonces, el melodrama con el suspenso y los elementos sobrenaturales con un “don” que esgrime  la joven embarazada. En definitiva, este don no se comprende del todo.

El clima casi opresivo que se plantea agrega elementos en la vida del protagonista que sacudirán su insensibilidad con situaciones familiares casi límites. La hija padece una peligrosa infección a raíz de un piercing, y está la conciencia del protagonista a partir de un disparo y una relación con la esposa de quien intentó matarlo. Hasta aquí vemos un mix complejo.

Cuando el film transita el género del suspenso sobrenatural (impronta de Alejandro Amenábar), el interés crece superlativamente en detrimento de las relaciones amorosas del médico, que es un personaje contenido e impasible, muy bien elaborado por Eduardo Noriega (conocido en Argentina incluso por sus participaciones en el cine nacional), acompañado por la convincente Belén Rueda, Angie Cepeda y Clara Lago.

En síntesis, el film se mueve en dos andariveles, la más absoluta realidad y un deslucido atisbo de lo sobrenatural, y en definitiva se afecta la comprensión final de un producto logrado, a pesar de lo apuntado.

Carlos Pierre

NUNCA ME ABANDONES

De Mark Romanek. Con Keira Knightley, Carey Mulligan, Charlotte Rampling, Sally Hawkins, Andrew Garfield, entre otros. Música de Rachel Portman. Duración: 104 minutos.

REGULAR. RELATO LÁNGUIDO Y OPRESIVO SOBRE LOS DONANTES DE ÓRGANOS

Aunque el guión haya tenido la mano del escritor japonés Kazuo Ishiguro, autor de la novela Never Let Me Go que da origen al film, estamos frente a un producto lánguido, por momentos con belleza visual, y con un planteo moral sobre la medicina que aterra.

En principio, se nos ocurrió la idea de “monstruoso” para calificar a este film que parte del supuesto de clones humanos como donantes de órganos localizados en Hailsham, una escuela inglesa que existe y desconocemos si dio o no su permiso para ser mencionada (los edificios no coinciden según lo que se ve por internet). Aquí son internados, niñas y niños que desconocen que no tendrán la vida de cualquier ser humano sino que serán donantes que, en la tercera intervención, morirán. Solo tienen una posibilidad de semisalvación y es pedir un “aplazamiento” si se enamoran.

Es realmente un planteo ético sobre la medicina que aterra, especialmente cuando se ve a los ya adolescentes (ya tienen los órganos desarrollados para su extracción) con muletas, con cicatrices, con parches en los ojos que han donado, y resulta agobiante para el espectador comprobar la frialdad de los médicos cuando extraen los órganos y, si el paciente se muere, lo dejan abandonado en el quirófano tal como está: un pedazo de carne más. Una escena que hay que remarcar para la gente sensible.

La narración que plantea Mark Romanek es lánguida, sin “pathos”, con una relatora en off que es la estupenda actriz Carey Mulligan, ganadora de varios premios el anteaño, y que encarna a una “curadora” de pacientes hasta tanto se le indique la fecha de empezar a donar.

La pérdida de los compañeros de escuela por las extracciones de órganos, la frialdad de una medicina que debe preocuparnos, la asociación ineludible con los experimentos nazis en mujeres y niños en la Segunda Guerra Mundial (no está en el film pero se nos ocurre un desprendimiento de aquellos actos monstruosos), son pensamientos ineludibles en el espectador sensible. ¿Es ésta la medicina que queremos? Algunos entendidos indican que Ishiguro plantea dónde está el alma del ser humano. Nosotros creemos, muy humildemente, que esta película excede ese planteo y nos muestra la carencia de ética de los experimentos médicos, sin olvidarnos de los experimentos con medicamentos que todavía realiza el Primer Mundo en los países africanos de raza negra.

Languidez, horror, frialdad, crueldad con buenas actuaciones. Decididamente, pasamos un mal momento y no sacamos nada bueno de este film. Tan solo un alerta rojo que intuimos desde siempre. ¿Es ésta la medicina que nos espera? ¿Necesitamos torturar para vivir? En fin…

Elsa Bragato

EL MECÁNICO

De Simon West. Con Jason Statham, Ben Foster, Donald Sutherland, entre otros. Música de Mark Isham. Duración: 93 minutos.

MUY BUENA. POLICIAL INTENSO, SANGRIENTO DE CABO A RABO

Esta remake de “Fríamente, sin motivos personales”, film antológico encarnado por Charles Bronson es superior a la original por el ritmo frenético y la andanada de efectos especiales con los que hoy se cuenta. Y si bien es una “remake”, Jason Statham impone su impronta a un protagónico que bien pudo quedar a la sombra del recordado Charles Bronson, quien nos estremecía son sus policiales en los 70.

La presencia de Donald Sutherland, en un papel breve pero fundamental para la trama propuesta, es también un claro indicio de que aquí West fue por todo y no simplemente por una segunda vuelta. Los breves diálogos entre Statham y Sutherland le confieren a este tremendo policial esa cuota de actuación que no suele ser frecuente en el género.

El asesino a sueldo de Statham tiene la estatura que este actor le da a sus personajes, pocos decires, una acción brutal, sin medias tintas. La aparición del hijo de Sutherland, un descarriado que asume a Statham como su mentor y maestro en el crimen, agrega la cuota de suspenso. Quién mata a quién?

Va a saltar de la butaca, y, si bien hay secuencias de diálogos y de cierta calma, solo es para conferirles ese ratito de actuación que mencionábamos, de lucimiento actoral de los protagonistas, para luego pasar a secuencias donde no queda ni un dedo sano. Nos atrapó.

Elsa Bragato

CACERÍA DE BRUJAS

De Dominic Sena. Con Nicolás Cage, Ron Perlman, Claire Foy, entre otros.

REGULAR. CAGE NO LE HACE ASCO A NADA

Nicolás Cage reaparece en la pantalla y no con su mejor actuación. Al parecer, Cage, multimillonario, no le hace asco a nada. Aquí encarna a un cruzado del 1300 que, junto a su amigo (a cargo del notable Ron Perlman), regresa a Francia y comprueba que la peste ha diezmado a gran parte de la población.  Los ancianos de la iglesia creen que el “mal” está en una niña-bruja y deciden llevarla a un remoto monasterio.

Es fácil percibir que el guión es el “rejunte” de temas que ya conocemos hasta el hartazgo: las cruzadas, las brujas, la peste medieval y el demonio (aquí más parecido a un Alien que a un ser ultratumba).

El director Dominic Sena (60 segundos, Swordfish, dos buenos policiales) aporta su estilo visualmente atrevido en un intento heroico de salvar al film del naufragio por un pésimo guión. La fotografía es oscura y aterradora por momentos, y es justo decir que se trata de una ambientación lograda para la Europa del siglo XIV. Y, por supuesto, Sena se vale de su vasta experiencia como destacado camarógrafo y realizador de galardonados videos. Esta experiencia ahora la pone al servicio de un mundo devastado por guerras y enfermedades, con paisajes nevados y sombríos y demonios que andan a sus anchas.

La niña bruja, protagonizada por Claire Foy, tiene un destino cruel y no hay que presumir de mucha intuición para saber hacia dónde nos conducirá esta travesía por escarpadas montañas y puentes endebles.

Guión previsible, gastado, otra actuación más de Cage que suma así buenos cachets, y una osada dirección de Sena, dan como resultado un film de aventuras con tintes sobrenaturales. No dudamos de que este género tiene su público. Como realización cinematográfica, adolece de casi todas las bondades del buen cine.

Carlos Pierre

ONDINE, UN CUENTO CHINO, EL MUNDO ES GRANDE..., EL ABISMO..., MARTE NECESITA MAMÁS, SUCKER PUNCH, JUEVES 24 MARZO 2011, BUENOS AIRRES

JUEVES 24 DE MARZO DEL 2011.

Hay seis estrenos en fílmico si bien uno de ellos será exhibido en DVD.

EL MUNDO ES GRANDE Y LA SALVACIÓN ESTÁ

Y LA SALVACIÓN ESTÁ A LA VUELTA DE LA ESQUINA

De Stephan Komandarev. Con Miki Manojlovic, Carlos Ljubek, entre otros. Música de Stefan Valdobrev. Duración: 90 minutos.

MUY BUENA. UN HÁLITO DE VIDA EN BUSCA DE LA MEMORIA

Precedida por más de media docena de premios y distinciones, este film búlgaro de extenso título es del artista Stephan Komandarev, quien plantea y expone con vigoroso optimismo la búsqueda de la memoria perdida y de la identidad también. Además de agregar el azar y la habilidad en los acertijos de la vida a través del juego backgammon.

Es la historia de un joven que sufrió un accidente automovilístico en Alemania, donde sus padres estaban exiliados del comunismo instaurado en Bulgaria. Un brutal choque mató a los padres y el joven sobrevivió, perdiendo la memoria.

Es, entonces, su abuelo quien lo busca y, en un viaje en tándem y backgammon, lo lleva desde Alemania a Bulgaria, pasando por diferentes países de Europa. El realizador Komandarev nos presenta dos tiempos diferentes: Bulgaria, bajo el régimen comunista de hace 30 años, y el presente del joven amnésico. Es un viaje desbordante de enseñanza de la vida gracias a un abuelo que no se deja vencer.

El serbio Miki Manojlovic realizada una actuación soberbia aportando su talento actoral para componer a este abuelo que apuesta a la vida. Recordemos que Manojlovic lleva realizadas más de 20 películas entre las que recordamos Underground, Gato Negro-Gato Blanco, y La otra América.

La narración nos plantea una travesía por Europa como el medio idóneo para la recuperación del joven: la singularidad de este viaje es que los parlamentos están dichos en los idiomas de los cuatro países productores, además de italiano e inglés.

El aporte de la fotografía es notable porque se ven paisajes estupendos y amalgama las almas de los dos protagonistas en secuencias muy emotivas. Es un film para no perder porque nos da un impulso de vida al corazón, a las ganas de ser, seguir siendo y de recuperarnos de la cotidianeidad. Venimos heridos en los corazones por tantas ficciones violentas que una  historia de este tenor es un hálito de esperanza en la cartelera.

Carlos Pierre

EL ABISMO… TODAVÍA ESTAMOS

De Pablo Yotich. Con Juan Palomino, Raúl Rizzo, Dalma Maradona, entre otros. Música de Víctor Heredia. Duración: 95 minutos.

BUENA. EL NUNCA MÁS PRESENTE EN UN BUEN RELATO

Estreno oportuno es esta ópera prima de Pablo Yotich en el Día Nacional de la Memoria y Justicia. Es un film que no defrauda y augura un buen camino a su realizador por el sólido guión donde muestra los duros años de la dictadura y el presente de los que fueron sustraídos a sus familias y entregados a otras. Ahora pueden recuperar su identidad verdadera.

La historia hace hincapié en una familia donde convivían militares, sacerdotes y militantes contrarios a la dictadura impuesta por el proceso.

El disparador de la narración está en el militar que recibe la orden de detener a su hermano y a su novia embarazada bajo la mirada del sacerdote, tío de los infortunados jóvenes.

El guión alterna aquellos años del ’78 y el presente, donde el sacerdote se relaciona con su sobrina quien busca la verdadera familia.

Pablo Yotich ha sabido convocar a un elenco donde confluyen Juan Palomino, Raúl Rizzo, Alejandro Fiore, Humberto Serrano, hombres de primerísimo nivel actoral y compromiso social, junto a la juventud de Agustina Posse y de Dalma Maradona.

El plus del film está en la música de Víctor Heredia, también comprometido con la justicia social. Entre tantas películas sobre la dictadura del proceso militar y los desaparecidos, ésta está a la altura del tema, tan doloroso y todavía con muchas aristas por resolver. Las “costuras” de una ópera prima están, pero se superan por la intensidad del guión y las actuaciones.

Carlos Pierre

AMOR SIN LÍMITES (ONDINE)

De Neil Jordan. Con Colin Farrell y Alicja Bachleda, y la pequeña Alison Barry. Música de Kjartan Sveinsson. Duración: 104 minutos.

BUENA. UN CUENTO DE HADAS Y UNA SEGUNDA OPORTUNIDAD

Neil Jordan es el mismo realizador de El Juego de las Lágrimas que aquí nos presenta una fábula que no será tal pero que, en el mientras tanto, nos permite soñar. La realidad se impondrá pero hay un largo trecho entre las redes del pescador Syracuse que encuentra a una “mujer pez” y la resolución.

La mujer pez se hace llamar Ondine y esconde un pasado fuerte que oculta. Hay una estrecha relación intuitiva entre la hija de Syracuse, encarnado por un muy creíble Colin Farrell y su hija en la ficción, una adorable Alice Barry.

La ex exposa de Syracuse, el alcoholismo que acecha a Syracuse, y la insuficiencia renal de la pequeña hija de los protagonistas, son ingredientes que muestran atisbos de realidad en medio de un paisaje marino por momentos idílicos. La intervención de Stephen Rea como sacerdote, gran actor inglés, pone la cuota de humor y de simpatía que la narración requiere, humor inglés, el que arranca sonrisas. Es excelente y oportuna esta participación.

No entendemos el título que se impuso a este film en castellano. Ondine es el nombre de la protagonista y no estaba mal. De todas maneras, estamos frente a una fábula que demuestra que las segundas oportunidades en la vida siempre están. Solo hay que saber verlas.

La narración tiene una insólita vuelta de tuerca que nos pone de golpe en situaciones que no tienen nada que ver con el idilio naciente entre la mujer-pez (no es sirena) y el pescador. Y quiebra un cuento de hadas que venía bien. A lo mejor, los tiempos actuales no permiten que ocurran hechos insólitos y entonces es mejor cortarlos de raíz. No estamos de acuerdo. Igual, el film nos atrapó de principio a fin y nos parece una propuesta diferente. Si no le damos el “Muy bien” es justamente por este quiebre en el guión.

Elsa Bragato

UN CUENTO CHINO

De Sebastián Boresztein. Con Ricardo Darín, Muriel Santa Ana, Ignacio Huang, entre otros. Música de Lucio Godoy. Duración: 93 minutos.

BUENA. DARÍN COMO SOPORTE DE UNA BUENA COMEDIA

Ricardo Darín es, sin caer en exageración, un Marcello Mastroianni a la criolla. Es capaz de encarnar todo tipo de roles siendo diferente en cada uno y sin perder su esencia. Es él pero es el personaje elegido. En este caso es Roberto, un tipo malhumorado, gruñón, que tiene memoria sobre un hecho histórico que le duele y manías como juntar recortes de noticias. La aparición de un chino caído como del cielo (tiene que ver con la historia que motivó el relato de Boresztein, el de la vaca que cayó del cielo, 2007), que no habla castellano y sí mandarín, y su solidaridad, aún a regañadientes, lo llevan a tener una convivencia insólita, inesperada, que es donde más gana el film y donde más disfrutamos a este Darín y a este chino auténtico, que no necesita de subtítulos para hacerse comprender. Ambos personajes, además de otros como el de Muriel Santa Ana, siempre creíble, ajustada, simpática, conforman un dúo-trío que no podrán disolver así porque sí.

Dónde pierde el film? En la previsiblidad. Todos entendemos por dónde va cada uno, qué es lo que va pasar, y en qué va a terminar. No obstante, la solvencia de Darín soluciona todo y uno queda atrapado por su “Roberto” de principio a fin. Es una buena comedia, con gags y algunos efectos que, si no nos conformaron del todo, lo dejamos pasar porque fue un momento de disfrute de un gran actor. Y la sorpresa de un chino como Huang que ya hemos adoptado.

Elsa Bragato

MARTE NECESITA MAMÁS

(animación por captura de movimiento)

De Simon Wells y Wendy Wells. Música de John Powell. Duración: 88 minutos.

MALA. ANIMACIÓN QUE ASUSTA Y GENERA CULPA EN LOS CHICOS

Ir al cine con los chicos para sufrir es realmente ilógico. Sobre todo cuando las narraciones se pueden plantear desde otro lado menos cruento como aquí y hasta como en la mismísima y consagrada Nemo. Algo sucede en las productoras de animación con las madres: nos hacen desaparecer de golpe o bien por un mordisco de un tiburón o bien por un plato volador. Éste último es el caso de Marte necesita….

Se emplea la técnica de “captura de movimiento” o sea los actores trabajan en sets sin escenografías y sus movimientos son capturados por computación. Luego se rellenan “esos puntitos” con figuras animadas. En este caso, y desde el punto de vista estético, los personajes no producen empatía con el espectador. El niño tiene fea expresión, la mamá en cuestión es insípida en sus rasgos.

Milo y su mamá tienen las peleas lógicas entre madre e hijo. Los marcianos, muy feos algunos, observan todo y deciden “abducir” a la mamá, ya que a Milo no parece importarle su presencia porque le exige orden y limpieza y está harto de sus retos. He aquí el meollo de la cuestión.

En Marte hay un sinnúmero de bebés que esperan mamás, no se explica muy bien por qué nacen tantos chiquitos de la tierra supuestamente marciana.

A partir de la abducción de la madre comienza un film rayano en lo trágico por la desesperación de Milo y patético al mismo tiempo porque no se logra transmitir emoción sino susto. Uno imagina a un chiquito de 7 años viendo el film y el sufrimiento que debe sentir o la culpa si alguna vez no ha estado de acuerdo con su mamá o se enojó con ella porque le pidió que levantara su ropa del suelo. Es decir, toda la narración del film es un largo sufrimiento y genera culpa.

No nos atrajo la estética del film, no nos gusta para nada este tipo de planteos sobre las madres, no nos gusta que nuestros hijos sufran hasta el paroxismo para no sentir culpas que, después de todo, son humanas. A las mamás se nos puede poner en papeles y situaciones menos traumáticas para nuestros hijos. Un film malo por donde se lo mire porque los chicos van a sufrir y sentir culpas.

Elsa Bragato

SUCkER PUNCH

De Zack Snyder. Con Emily Browning, Jena Malone, entre otros. Música de Tyler Bates y Marius de Vries. Duración: 109 minutos.

MALA. MÁS ARTIFICIO QUE NARRACIÓN EN UN FILM PLAGADO DE CLISHÉS PREPRODUCIDOS

Zack Snyder es el realizador de “300” y de “Ga’Hoole” donde no pudo superar su adicción al tremendismo y ubicó a las pobres lechuzas en un campo de concentración. Es decir, siempre anda a caballo entre la realidad actual y la realidad de su fantasía, que es mucha, poderosa y le juega malas pasadas como en este caso. Aquí la joven protagonista es llevada a un neuropsiquiatra por su padrastro donde le harán una lobotomía. La historia está ubicada en los 50: un poco de nervios y chau, al neuropsiquiátrico.

Allí se ve junto a otras jóvenes que sufrirán tanto como ella en espera de esa intervención, vejaciones y una seguidilla de malos tratos que no producen ni horror ni nada, solo hastío en el espectador. No hay “punch”, llegada. O mejor aún, le falta “pathos”.

En los sueños, la joven que interpreta Emily Browning, ingresa a un mundo donde hay desde robots hasta dragones, desde caballeros hasta Orcos, que ya vimos en El Señor de los Anillos. Todo es poco para Snyder: hizo un trabajo de preproducción importante que terminó por desvanecer su propia idea argumental.

Hay padecimientos de todo tipo, artificios que no cuajan con la realidad del personaje principal, insólitas luchas cuando hay un neuropsiquiátrico esperando, e idas y vueltas hacia el pasado y la realidad virtual que conforman un rejunte para nada convincente.

No nos gustó, ni siquiera por las luchas rallentadas de las que Snyder es un maestro, ni la estética del cómic que tan bien resultó en “300” ni la idea argumental ni su desarrollo.

Elsa Bragato

UN DESPERTAR GLORIOSO, SANCTUM, SOLO TRES DÍAS, LOS OJOS DE JULIA, LÍBANO, ESTRENOS JUEVES 17 MARZO, BUENOS AIRES

JUEVES 17 DE MARZO DEL 2011.

Hay seis estrenos en fílmico. No comentaremos el film nacional “Familia para Armar”.

UN DESPERTAR GLORIOSO

De Robert  Michell. Con Harrison Ford, Diane Keaton, Jeff Goldblum y Rachel McAdams. Duración: 107 minutos.

BUENA. TV BASURA VS TV TRADICIONAL EN CLAVE DE COMEDIA

La televisión basura no es cuestión argentina, es un tema global. Lo circunspecto, lo formal, está siendo dejado de lado por cientos de miles de telespectadores agobiados por la realidad cotidiana. Entonces, ver pavadas atómicas por televisión resulta una distracción que no siempre los críticos aceptamos como buenas, pero son distracción al fin. Esto no significa que el telespectador no desee informarse con documentales, films medulares, no. Sencillamente, luego de un día agotador, la elección es la distracción en un altísimo porcentaje.

Éste es el planteo básico, la idea del film: la seriedad circunspecta vs la televisión basura. El argumento se ubica en una telemisora que va perdiendo la batalla del rating a la mañana con su Despertar Glorioso, o Morning Glory, frente a su principal competidor. Una joven productora ejecutiva se hace cargo del programa que conducen Diane Keaton y un astro de la TV al que despide. Tiene otro conductor valioso, que es el personaje de Harrison Ford, caído en desgracia por su pésimo carácter. 

El ambiente creado es exacto: una telemisora ganadora con lujo hasta en los marcos de las puertas y la perdedora en el rating, con puertas desvencijadas y oficinas de producción abarrotadas de papeles, archivos, desorden por doquier.

El elenco es de lujo. Diane Keaton está muy bien en el papel de la co.conductora que debe soportar el malhumor del nuevo conductor, a cargo, como dijimos, de un Harrison Ford que, al comienzo, no nos gustó. Seriote y con algunos toques de cirugía en la cara. Cuando su personaje se aliviana de pesadas cargas emotivas, su rostro cambia de expresión y reconocemos el viejo y querido Ford de siempre. Demasiado parco durante toda la narración.

La joven productora, que es el eje del film, encarnado por una muy eficiente Rachel McAdams, es enérgica, vital, compulsiva en su trabajo y contagia de energía a la platea. En el papel del descreído CEO está Jeff Goldblum, el ex “La mosca” y de tantos otros films, como siempre acertado, justo.

El producto apunta a mostrarnos qué pasa en la “network” de TV y, por otro lado, qué pasa con la vida de quienes están en una alocada producción perdedora.

Hay secuencias realmente muy reideras relacionadas con la búsqueda del rating y la caída lenta e inexorable hacia la televisión absurda, burda, sometiendo a sus conductores a insólitas y desopilantes coberturas.

Está lejos de la antológica “Network” que protagonizaran Peter Finch y William Holden (1976) pero está cerca de la televisión actual.

A pesar de todo, nos atrapó.

Elsa Bragato

LOS OJOS DE JULIA

De Guillem Morales. Con Belén Rueda, Lluís Homar, Julia Gutiérrez Caba, entre otros. Música de Fernando Velázquez. Duración: 112 minutos.

REGULAR. TELENOVELÓN CINEMATOGRÁFICO DE TERROR

El cine español encontró una veta que es el género del terror. Está muy lejos del terror de Hollywood pero es justo reconocer que está produciendo con calidad fílmica, cinematográfica, con narraciones audiovisuales compactas. Éste es el caso de Los ojos de Julia si bien, y en definitiva, no nos convenció la propuesta. No está mal, sino todo lo contrario, pero nos pareció más un melodrama al estilo de un telenovelón mexicano que un film en sí mismo de género.

Julia padece la enfermedad de su hermana melliza (había que buscarle un “alter ego” para cumplir con el guión) y es una ceguera paulatina. La hermana murió ahorcada pero Julia no acepta el suicidio sino que investiga, a pesar de que deberá someterse a la misma operación para evitar la ceguera y correr los mismos riesgos que su hermana, incluyendo la muerte provocada o no.

Los personajes están bien perfilados. Belén Rueda carga con todo el peso de la narración, es ella y ninguna gemela quien debe asumir diferentes actitudes ante situaciones dramáticas, trágicas, terroríficas. Y este personaje contrasta, hábilmente, con el de su pareja, un hombre demasiado calmo frente a todo lo que enfrenta su esposa. ¿Sospechoso o no?

Hay intriga. Hay clishés y muchos, se mantiene la atención del espectador con una narración compacta y con efectos especiales burdos. Al asesino solo lo ve Julia aunque no lo vea, y no es un juego de palabras. Los ojos de Julia ven algo que los demás no pueden, y no son fantasmas.

Es un film de terror que no llega a las alturas de los clásicos orientales o de Hollywood. Pero tiene a su favor la solidez de la narración propuesta y la credibilidad de las actuaciones aunque la mano del productor Guillermo del Toro aquí no sea la misma que empleó en su celebrada y excelente El laberinto del Fauno. La calificamos como “regular” por cómo está planteado el tema y porque la realización, aunque efectiva, es burda como producto cinematográfico en sí. a pesar de tener elementos que hemos ponderado. El espectador va a ver un telenovelón con suspenso. Y no está mal.

Elsa Bragato

SOLO TRES DÍAS

De Paul Haggis. Con Russell Crose, Elizabeth Banks, Ty Simpkins, Liam Neeson, entre otros. Música de Danny Elfman. Duración: 122 minutos.

MUY BUENA. POLICIAL INTENSO CON MUCHA HISTORIA Y POCA BALACERA

Que un policial nos atrape de principio a fin es mucho decir porque no son pocos los que se ven semanalmente. En “Solo tres días”, Russell Crowe encarna a John, un padre de familia, que decide salvar a su mujer de una acusación de asesinato mientras se apega a su hijo Luke, encarnado por un pequeñín actor llamado Ty Simpkins. Es notable el guión de Haggis, a quien le debemos “Crash”, entre otros films taquilleros y ganadores de premios (por Crash recibió el Oscar), dado que es allí donde puso la energía: hay desarrollo de personajes, evolución de éstos, sin olvidarse del entorno narrativo, en este caso, la policía que va detrás del matrimonio y su hijo, y el plan de salvataje que el protagonista encara para su mujer, encarcelada por una aparente injusticia. Si es aparente o no deberá resolverlo el amigo lector que la vea.

Los climas que logra Paul Haggis son fantásticos porque la tensión y la adrenalina se apoderan del espectador desde el primer minuto del film. Es allí, en las primeras secuencias, donde está la clave del desarrollo narrativo. Pero no su desenlace que no se vislumbra.

Resulta además interesante la participación especial de Liam Neeson como un ex convicto que le proporciona un plan perfecto a John, convencido de la inocencia de su mujer. Breve, casi un “paneo”, pero una presencia sin duda estelar.

Pocos tiros, poquísimos, los necesarios, y un guión sólido para generar una narración policial intensa. He aquí el “quid” de este film: historia y no balaceras.

Por otra parte, la banda sonora de Danny Elfman subyuga, es justa, no es estridente, apuntala las secuencias indicadas por HAggis, refuerza los cambios del personaje de Russell Crowe quien encara un film muy interesante.Nos parece un muy buen policial, con dos subtextos a tener en cuenta: la injusticia de la Justicia en todas partes del mundo y la salvación por la via políticamente incorrecta como es, para la mayoría de los norteamericanos, Venezuela. Nada más. Hay que verla.

Elsa Bragato

SANCTUM 3D

De Alister Grierson con producción de James Cameron. Con Dan Wyllie, Rhys Wakefield, entre otros. Música de David Hirschfelder. Duración: 95 minutos.

BUENA. DISFRUTE VISUAL EN UN FILM MENOR DE CAMERON

Producida por el inquieto innovador australiado James Cameron (Titanic, Avatar), vemos en Sanctum la continuación de su avasallante estética. En este caso, se unió a su amigo Andrew Wight, quien vivió una situación semejante a la planteada en el film en 1988. Entonces, un grupo de espeleólogos y submarinistas de Australia, realizando tareas de investigación en una cueva submarina, se vieron atrapados en tales profundidades a raíz de una extraña tormenta que derrumbó la entrada de la cueva. Fueron rescatados e idearon esta hitoria que ahora se ubica en Papúa, Nueva Guinea.

A fin de otorgarle más carnadura al guión, se ficcionó una conflictiva relación entre un padre y un hijo, sumándose otros sucesos accidentales como la diferencia de criterios de los expedicionarios.

La ambientación es fenomenal. Para darnos idea de la monumental cueva donde se desarrolla el film, Cameron y sus productores recurrieron a un gran tanque de agua de 40 metros de largo por 30 metros de anche y siete de profundidad, con capacidad de más de siete millones de litros de agua.

El avance técnico que se ha alcanzado en el cine, en buena medida por la inventiva de James Cameron luego de Avatar, sumerge literalmente al espectador en las profundidades del mar no solo físicas sino emocionales, porque hay un impacto visual muy fuerte.

La ficción del film es compacta y todo tiene relación con todo: el título, Sanctum, significa Santuario y se cita al escritor inglés Samuel Coleridge, que escribiera un altisonante poema llamado KublaKhan, donde nos describe la majestuosidad de una cueva subterránea a la que jamás llegó el hombre.

Es un film para disfrutarlo visualmente, como sucedió con Avatar. La anécdota que se narra es prácticamente secundaria aunque ayude a generar tensión y emoción en el espectador. Es una aventura “Cameron” y está todo dicho.

Carlos Pierre
LÍBANO
de Samuel Maoz. Con Yoav Donat, Itay Tiran, entre otros. Música de Nicolás Becker. Duración: 93 minutos.
MUY BUENA. EL HORROR DE LA GUERRA EN PRIMERA PERSONA
La película Líbano ganó el premio mayor del último festival de Venecia. Es que su director y guionista, Samuel Maoz, vivió como conscripto el horror de la guerra del Líbano, en 1982, y logró realizar un film donde sintetizó y concentró todo el terror y el horror que vivió. Aquí están sus experiencias, de allí nuestro título de "guerra en primera persona".
En el caso del film son cuatro conscriptos israelíes dentro de un tanque. Conforman una patrulla de reconocimiento que, luego, se transformará en una patrulla en medio de una pesadilla sangrienta. Sin embargo, el director apela a la ética y no solo muestra el terror de los soldados frente a la muerte sino la muerte de los civiles que es tanto más cruenta porque no están peleando sino que están en el medio de dos bandos.
Chicos, animales, ancianos, depedazados, clamando por paz, acribillados sin razón. La guerra es eso, una sinrazón.
La singularidad del film reside en el encierro, durante 24 horas, en un tanque de estos soldados a quienes les cuesta pelear, matar, luego de apuntar en la mirilla al enemigo que no les parece tal sino todo lo contrario. Ven en esos enemigos lo que veríamos nosotros: personas iguales a uno, con tanto miedo y terror como uno.
Todos están envueltos en la misma tragedia. Por eso el soldado se niega a disparar o bien el motorista no acciona su vehículo. La retracción no solo es exterior, es también interior. Todos quieren volver a sus hogares, estar con sus familias y no vivir ese injusto infierno.
Dentro del tanque, a medida de que pasan las horas, el espíritu va sufriendo por la menesterosidad del hombre mismo, sus propias miserias corporales que debe afrontar. Aquí está el mayor logro del film. No son héroes ni los enemigos son tales.
La leyenda pintada dentro del tanque señala "el hombre es acero; el tanque es solo hierro". Sin embargo, esta historia muestra que los hombres no están hechos de acero, por suerte. Desde este punto de vista, es una película lograda y, a pesar de las fuertes escenas, impacta en el corazón.
Carlos Pierre

UN FERIADO PARTICULAR, EL CONCIERTO, INVASIÓN BATALLA LOS ANGELES, SPLICE, ESTRENOS JUEVES 10 MARZO EN BUENOS AIRES

JUEVES 10 DE MARZO DEL 2011.

Hay cinco estrenos. No comentaremos el DVD titulado Divorcio a la Finlandesa, ni la comedia norteamericana Mi abuela es un Peligro 3.

UN FERIADO PARTICULAR

De Gianni Di Gregorio. Con Valeria De Franciscis, Marina Cacciotti, entre otros actores no profesionales. Música de Ratchev & Carratello. Duración: 75 minutos.

MUY BUENA. CÁLIDA COMEDIA ITALIANA

Este film de Gianni di Gregorio es una gema preciosa, rescata lo mejor del cine de comedia italiano. Hay múltiples razones: Gianni Di Gregorio, a los 58 años, dirige tardíamente su opera prima, luego de tener un largo recorrido en el mundo del cine como guionista, ayudante de dirección, durante más de 20 años. Di Gregorio se impregnó del neorrealismo italiano al punto que fue el protagonista de esta película además de su director y recurrió a actores no profesionales.

Situó la trama en el Tastevere de Roma, lugar donde nació y se crió y que conoce profundamente.

Esta comedia tiene coherencia y solidez argumental a lo largo de sus 75 minutos. Se podría haber caído en un facilismo de groseros gags, pero, contrariamente, la trama se desenvuelve ágilmente, con un andar como entre plumas, a pesar de los innumerables contratiempos que debe sortear el protagonista. Singular italiano, buen hijo, no pierde en ningún momento su heroica predisposición para llevar a buen término el extraño almuerzo del tórrido verano romano.El “Ferragosto” es un tradicional feriado de 2 días en agosto, pleno verano italiano, donde todos los negocios cierra y los habitantes de Roma salen de vacaciones, igual que el “enero porteño”.Di Gregorio compone a un solterón que cuida con altruismo a su autoritaria madre viuda. La situación económica es mala y un acuerdo con el administrador le permite recuperarse momentáneamente. No será fácil el acuerdo: cuidar de la madre del administrador, de su tía y hasta de la madre del médico de cabecera. Todos tienen que salir de Roma menos el personaje de Di Gregorio.

Las ocasionales inquilinas mostrarán sus caracteres, sus rebeldías y tendrán en jaque al protagonista. Y es aquí donde surge el neorrealismo de Di Gregorio, que ha sabido “aggiornar” con una realización sólida, sin lugares comunes. A pesar de tratarse mujeres de más de 80 años, se siente una bocanada de frescura con este film italiano tan realista y al mismo tiempo inmaterial por la afectividad que emana y que llega al espectador, por la verosimilitud de las ocurrencias de las ancianas, y porque, de alguna manera, sentimos empatía y un espejo de muchas situaciones familiares argentinas.

Nos pareció un film adulto, veraz, que hacía tiempo no se veía en la cartelera porteña. Claro está, viene precedido de premios de festivales como el de Venecia y muchos más.

Carlos Pierre

EL CONCIERTO

De Radu Miihaileanu. Con elenco ruso y francés. Música original de Armand Amar. Duración: 120 minutos.

MUY BUENA. UNA COMEDIA SOBRE LOS MÚSICOS Y LA LIBERTAD

Estamos frente a una historia de músicos, de música y de libertades truncas, que resulta una comedia diferente, adulta, simpática.

El nudo de la historia es el caso de Andrei Filipov Alexei quien, presuntamente, en la época de LEonid Brezhnev, la Rusia comunista, pasó de ser director de la orquesta del Bolshoi a limpiar los baños del famoso teatro de ballet por negarse a echar a los músicos judíos de la orquesta. La posibilidad de tocar en el Theatre du Chatelet de París, engañando a un celoso espía de la KGB, a raíz de un hecho circunstancial y causal. Y, por si fuera poco, dejar fuera del concierto a la Filarmónica de Los Angeles, nada menos. Los músicos judíos rusos y el director encuentran la posibilidad de retomar su profesión de manera “indirecta” (hay que ver el film), y viajan a París donde los esperará otra sorpresa: la hija del director devenido en ordenanza.

Para lograr esto, se echó mano a un elenco ruso y francés, que debieron congeniar sus diferencias idiomáticas en el set.  Además, se hizo una adaptación del Concierto para Violín y Orquesta en Re Mayor de  Tchaivosky, empresa nada fácil para no desnaturalizar una obra clásica de envergadura.

Las secuencias parisinas producen cierto bajón en el guión, los músicos se pierden por París, y tanto el espectador como el teatro Du Chatelet los esperan para el concierto, que da título al film. No obstante, es un film rítmico, apasionado, diferente, que nos ofrece un encuentro con la otra cara de la música, la de la censura, y la música como “ordenadora” de la libertad y de la unión de los pueblos más allá de las fronteras y las políticas. A nosotros, nos encantó a pesar de algunos vaivenes del guión, como apuntamos.

Elsa Bragato

INVASIÓN DEL MUNDO, BATALLA LOS ANGELES

De Jonathan Liebestman. Con Aaron Eckhart, Ramon Rodríguez, Noel Fisher, entre otros.

BUENA. INVASIÓN ET REPELIDA A SANGRE Y FUEGO

Ésta es la película pochoclera de la semana. Balaceras, despanzurramientos, y caos por doquier.

Ciertamente, el film mantiene la atención del espectador de principio a fin porque las balaceras no paran nunca y no hay forma de apelar a un “descanso visual” ni mental. El director hace un repaso de los avistamientos de OVNI registrados desde 1942, incluyendo los de Buenos Aires, para recalar en esta feroz invasión de unos ET que son como medusas envueltas en trajes metálicos que obran como escudos. Un batallón comandado por el personaje de Aaron Eckhart hace frente a estos ET que se parecen mucho a otros enemigos de los ejércitos norteamericanos en su accionar. Ahora se cuenta con rayo láser, con misiles que van directo hacia donde apuntan estos rayos, y ciertas modernidades que no bastan para que se produzca una cruel matanza de humanos y ET:

Hay escenas realmente escabrosas que marcamos para los más impresionables: por ejemplo, indicamos la del sargento Michael Nantz (Eckhart) que decide darle muerte a un ET, desprovisto de su traje metálico, metiendo sus manos, sin ninguna prevención, dentro del cuerpo aún con vida, y arrancándole el centro de energía vital, algo así como el corazón de un ET. Produce repugnancia y una sensación de horror ante tanta crueldad. Se puede pensar que, frente a un enemigo, cualquier cosa está bien para darle muerte, aún la tortura. Los parlamentos son básicos, elementales. Aquí se trata de dar muerte a estos ET que vienen con malas intenciones hacia los terrestres.

Si quiere escuchar tiros, ésta es su película. Si quiere pasar un momento con sentimientos de otra envergadura, no dude en ver o Un Feriado Particular o El Concierto.

Elsa Bragato

SPLICE

De Vincenzo Natali, producción de Guillermo del Toro.  Con Adrian Brody, Sarah Polley, entre otros Música de Cyrille Aufort. Duración: 100 minutos

REGULAR. CIENCIA FICCIÓN REMANIDA, BARATA Y DESAGRADABLE

Es sin dudar un film con impronta de Guillermo del Toro, aunque muy lejos de la excelencia de El Laberinto del Fauno. Igual se las ingenia para que los seres extraños aparezcan en el film, configurando una realización de horror con un velado enjuiciamiento a los experimentos de la ingeniería genética. Una pareja de científicos, que encarnan Adrian Brody y Sarah Polley, da vida a una criatura que, en principio, provoca risa y horror. Un muñequito de computadora que nos recuerda a aquéllos pergeñados, con mucha distancia por cierto, para El Señor de los Anillos. La necesidad del matrimonio es criar a ese engendro, luego de fallar con varios pedazos de carne que explotaron en medio de una pelea salpicando de sangre hasta la platea. Es una escena por demás desagradable.

Este ser se llama Dren y se criará como una bella mujer alada que se enamora de su “padre científico”, por lo que se cae en escenas de sexo muy poco creíbles. Por su parte, hay una escena de tortura, la esposa Elsa le corta el aguijón de la cola a la adolescente alada de una manera que nos remite a los documentales sobre los brutales experimentos nazis (tema recurrente en Del Toro).

Un baño de sangre desde comienzo al fin, secuencias poco agradables más que de horror, nos llevan a calificar a este producto de regular porque, si bien tiene un buen elenco, y por eso se salva de “mala”, el guión es cursi, con gags baratos que más que miedo dan asco.Agragamos que "splice" singifica "empalme" y es lo que hacen estos científicos: empalman genes, los unen, los distorsionan.

Elsa Bragato

RANGO, INFIERNO AL VOLANTE 3D, LA REVELACIÓN, ESTRENOS 3 DE MARZO 2011 BUENOS AIRES

JUEVES  3 DE MARZO DEL 2011.

Hay cuatro estrenos en fílmico en la ciudad de Buenos Aires. No comentaremos “Fase 7”, film nacional.

RANGO

De Gore Verbinski. Con Johnny Depp, Isla Fisher, Timothy Olyphant, entre otras voces. Duración: 107 minutos.

MUY BUENA. NOVEDAD EN ANIMACIÓN, SIMPÁTICA LAGARTIJA EN UN WESTERN-HOMENAJE

Es difícil encontrar en el género animación guiones que no caigan en lo ya visto. Son pocos los films animados que nos han impresionado porque no tienen golpes bajos o de fuerte emoción o bien por su creatividad. Rango es una película que nos impresionó y divirtió.

Rango es el nombre de esta lagartija que se ve envuelta en situaciones de cowboys cuando cae, buscando agua, al pueblo de Dirt, donde no hay agua justamente y sus habitantes están desesperados por la sequía, todos ellos animales extraños, vestidos al mejor estilo del farwest.

A Rango lo acompañan, como voces que van narrando sus desventuras y aventuras, cuatro lechuzas que conforman un cuarteto de mariachi, simpático, oportuno, con parlamentos divertidísimos.

Además la misma carita de este animalito nos produce empatía, recordándonos a la ardilla enloquecida por su bellota de la saga La Era del Hielo. Rango se hace el malo, el que puede enfrentar a los peores del pueblo, entre ellos, un “che”, un argentino que es un malevo (buena tipificación, sin burla alguna). La serpiente que es el mal, la tortuga vieja que amenaza a todos a pesar de su pachorra, la niña del pueblo que ve en Rango a un ser especial, y un guiño a los westerns memorables (el reloj que va marcando la hora, por ejemplo, como A la hora señalada), así como un sinfín de desaguisados de Rango que arrancan la genuina risa.

No se la pierdan. No nos queda en claro si el film es para los más chiquitos o bien para los adolescentes pero, es sin duda, una gran película de animación que divierte sin golpes bajos. Nadie se come a nadie, nadie queda huérfano. Y el héroe es un antihéroe que se maneja con buenos sentimientos. Está dentro del estilo de Madagascar o La Era del Hielo o Monsters Inc. Por su guión atractivo y sus parlamentos imperdibles. Tenga o no chicos, vaya y dese el gusto de ver Rango.

Elsa Bragato

INFIERNO AL VOLANTE 3 D

De Patrick Lussier. Con Nicolás Cage, Amber Heard, Billy Burke, entre otros. Duración: 103 minutos.

MALA. CAGE  EN 3D, TACITURNO ASESINO, MÁS DE LO MISMO AMPLIFICADO

La experiencia 3D permite algunos experimentos no del todo finiquitados como Infierno al Volante o Drive Angry, algo así como Enojado al Volante o Conductor Enojado. Nicolás Cage, que debuta en el cine 3D, se pone en el papel de Milton, un abuelo que quiere salvar a su nieta de la muerte a manos de la misma secta que mató a su hija ni bien nació la beba. Enceguecido por la ira, encuentra en su camino a una mesera que sabe más artes marciales que él mismo. Salido del infierno, Milton recorre las carreteras buscando al mandamás de la secta y, mientras tanto, no le hace asco a las balaceras aún haciendo el amor con una rubia infartante que no entiende qué pasa, se resbala de la cama, desnuda, y ofrece un “show de cómic” bien estudiado por el director Lussier, el mismo de Sangriento San Valentín.

Encontramos que la narración es elemental, previsible, que se ha buscado probar el 3D con efectos de computación y se imita mucho al último Tarantino con brazos amputados, piernas destrozadas, balas en los ojos, todas escenas de trazo grueso con tinte de cómic, tal como dijimos más arriba.

Para quienes buscan acción, aquí tienen su película semanal. No es buena en su argumento, tiene personajes muy “maquietas”, es decir, sacados de un “storyboard” muy duro, inflexible. Cage ama este tipo de personajes, y parece que nada hace mella a su carrera mostrándose con un rostro adusto, enojado como en otros films, matando a piacere. Hay escenas de destripes, de explosión de órganos, puentes que se deshacen ni bien pasa el auto de este hombre maldito, mucha computadora y una historia que se deshilacha de a poco. Pero cumple su objetivo de entretener y de taparse los ojos cuando algún órgano revienta por una bala. Usted elige.

Elsa Bragato

LA REVELACIÓN

De John Curran. Con Robert De Niro, Edward Norton, Milla Jovovich, entre otros. Duración: 104 minutos.

REGULAR. HISTORIA QUE SE PIERDE Y ELENCO DESAPROVECHADO

La primera escena, ambientada en la década del 50, pinta de entrada el carácter del protagonista (Edward Norton en el papel de Stone, título en inglés del film ), quien es indiferente y maltrata a su esposa, sometida y hasta intenta arrojar a la pequeña hija por la ventana si ella lo abandona. Extorsión de un perverso.

Hay un pase de tiempo y este mismo personaje aparece como un veterano oficial de justicia a cargo de la redacción del informe que será decisivo para que un juez se expida en la liberación o no de un verborrágico recluso, encarnado por Edward Norton.

El reo había tenido participación en el incendio del hogar donde murieron calcinados sus abuelos.

Hay además un personaje determinante en la historia, y es la esposa del convicto, quien intenta seducir  al oficial de justicia.

Aquí se trastocan los roles de los protagonistas, el convicto se convierte a un pseudomisticismo, su esposa no sabe si ha enamorado o no al oficial o bien si es todo un ardid  y Stone-Robert De Niro saca a relucir una falsa moral religiosa.

El director John Curran (recordar “Al otro lado del mundo”) no supo valerse de tan importante grupo de actores y cayó en un trhiller que se enturbia a medida de que avanza la narración. El comienzo prometía mucho más pero se diluye con largos parlamentos que sacan al espectador del nudo de la trama.

Sí se asiste a la hipocresía religiosa, progresiva, del protagonista, que tampoco cumple con ninguno de los preceptos que dice respetar.

Compensa, en alguna medida, la endeblez del guión la magnífica realización visual, el manejo de los “tempos” con precisión. Un film que nos hace suponer mucho más de entrada y que se queda a mitad de camino.

Carlos Pierre