BATMAN EL CABALLERO DE LA NOCHE ASCIENDE, TODO QUEDA EN FAMILIA, ESTRENOS DE CINE JUEVES 26 DE JULIO

JUEVES 26 DE JULIO DEL 2012.-

Hay tres estrenos de cine esta semana en Buenos Aires que incluyen el documental “El silencio del puente”, de Eduardo Schellemberg –que no comentamos- sobre el puente que une Argentina con Paraguay y muestra el contrabando y todos los hechos delictivos que allí suceden.

BATMAN: EL CABALLERO DE LA NOCHE ASCIENDE

De Christopher Nolan. Con Christian Bale, Morgan Freeman, Michael Caine, Anne Hatteway, Gary Oldman, Tom Hardey, entre otros.Música de Hans Zimmer. Duración: 145 minutos.

MUY BUENA. LA TRAGEDIA DE BATMAN CON UN ANÁLISIS SOCIOPOLÍTICO IMPECABLE, ACOTADO AL ENTRETENIMIENTO

Estamos frente a un film que hará historia en el cine, con el añadido de la Masacre en Denver, Colorado, que nos ha horrorizado. Pero que nada tiene que ver con los profundos conceptos del film de Christopher Nolan y su coautoría en el guión ni con los personajes de este film y los motivos de sus violentas acciones. Nolan, que tiene en su haber las dos últimas películas de Batman y ésta, le da un cierre opulento y trágico a la misión del personaje de cómic en la tierra, se mete en la vida cotidiana de su país, en su política exterior y en las consecuencias que provoca en las sociedades no solo americana sino del mundo.

El cómic queda de lado aunque no el personaje, a cargo nuevamente de Christian Bale, quien debe asumir un épico regreso al ruedo y un rescate de sí mismo que elevan su sacrificio físico y espiritual al nivel de la tragedia: la sublimación del propio dolor por el bien de todos. La narración de Nolan va creciendo en intensidad, apoyada además por la banda sonora del maestro Hans Zimmer, hasta estremecer al espectador. Es una historia épica basada en la lucha entre el bien y el mal pero superando esta lineal confrontación.

Y supera la linealidad porque la vida misma no es lineal, no es plana. Batman se encuentra recluido desde hace 8 años y las calles de Gótica vuelven a tener delincuentes que van por todo. Sin embargo, no es la delincuencia cotidiana sino la terrorista. El nuevo enemigo de Batman es Bane (Tom Hardy), quien ha sufrido tanto como Batman en su niñez, ha vivido en oscuros agujeros supuestamente en Medio Oriente de donde puso escapar no sin perder parte de su cara. De allí su horrible máscara. Y es el enemigo de Batman porque desprecia a los ricos, al poder consumado, a los poderosos, a los que afligen a las sociedades del mundo sometiéndolas a sus intereses económicos. Pavada de tema encara Nolan. Batman, de alguna manera, representa lo que no ha querido: el poder de los poderosos. Y Bane, el de los afligidos.

Batman quiso vengar la muerte de sus padres y carga con una muerte por ello (recordar el primer film de la trilogía de Nolan); es además el primer superhéroe que manifiesta sentimientos humanos porque lo es. No esconde su dolor, no esconde sus rabias, no esconde sus amores ni su rencor. Bane representa el hambre, la marginación, y la violencia que desatan los poderosos en los oprimidos, aunque su método de lucha y protesta es erróneo porque causa más dolor y muerte. A su vez, Batman se equivocó en sus planteos sociales, al circunscribirlos a una venganza personal, justificable pero pequeña para los tiempos que se viven. Nolan oscila entre el bien y el mal de ambas partes, la del poderoso Batman que ayuda a la justicia de su ciudad, y la de Bane, el marginado devenido en terrorista brutal. Ambos se equivocan y ambos tienen razón en sus demandas pero no en sus métodos de justicia.

Reminiscencias hay muchas. El ataque a las Torres Gemelas se cuela, la primera guerra mundial por la tremenda lucha cuerpo a cuerpo de los policías de Gótica-New York con las fuerzas de la “oscuridad” (por vivir en pozos) que lidera Bane. La secuencia del estadio donde se canta el himno de USA antes de un partido nos hace cosquillas. ¿Politiquería? En realidad, Nolan es un inglés que trabaja en USA y a esto no hay que darle muchas vueltas.

Los enfrentamientos entre Bane y Batman son a todo o nada. Dos veces semejantes titanes están cara a cara, cada uno con su máscara, y las palizas que se propinan son brutales. Así como se ve a una New York que va explotando por zonas por obra de los oscuros enemigos de Batman a través de fotografías zenitales de gran belleza y espectacularidad.

La intervención de Morgan Freeman como el fiel Lucius Fox queda relegada, mientras que es Michael Caine quien carga con la tragedia familiar y nos deja un guiño, no sabemos si para alguna continuación de esta saga sobre la que opinamos que no tendría que existir. Nolan agotó el tema con maestría a través de un guión de gran altura. Anne Hathaway es Selina Kyle, experta en todo tipo de artes marciales y una notable seguidora de las habilidades de Batman, pero no es Gatúbela, está muy lejos de este personaje. Y Gary Oldman asume prácticamente el coprotagonismo del film con escenas muy arriesgadas, ayudando a Batman, y con la solvencia actoral que lo caracteriza, mostrando en este caso una ternura poco frecuente. Robin aparece pero no vamos a descubrir al actor porque, sin duda, es uno de los atractivos del film.

La fotografía es estupenda. La primera secuencia, estremecedora, entre dos aviones en vuelo, sacará el aliento a la platea. Y los últimos 45 minutos son para atarse a la butaca y contener el aliento. Hay varias secuencias memorables como la lucha cuerpo a cuerpo entre miles de policías neoyorquinos y los grupos capitaneados por Bane, por ejemplo. También destacamos el trabajo en el sonido del film, impecable y apabullante.

Sin escatología, sin sexo, pero con ideas que nos tocan a todos a nivel social, Christopher Nolan logra un film que, como dijimos, es antológico y nos muestra que los héroes también tienen errores y solo los nobles de espíritu aceptan pagar por ellos. Fantástico film, opulento, trágico, entretenido, estremecedor, que vale la pena ver. Antológico por sobre todo.

NOTA DE REDACCIÓN. Anteriores films de Batman

Batman, 1966, Leslie Martinson

Batman, 1989, Tim Burton

Batman returns, 1992, Tim Burton

Batman Forever, 1995. J. Schumacher

Batman y Robin, 1997, J. Schumacher

Batman begins, 2005, C. Nolan

The dark knight, 2008, C. Nolan

The dark knight rises, 2012, C. Nolan

Elsa Bragato

TODO QUEDA EN FAMILIA

Coproducción de Croacia, Serbia y Eslovenia

De Rajkogrlic. Con Miki Manojlovic, Bojan Navojec, Daria Lorenci, entre otros. Música de Alan Bjelinsky y Alfi Kabiljo. Duración:

BUENA. PERIPECIAS AMATORIAS EN COMEDIA AGRIDULCE

Las infidelidades conyugales, la doble vida, la pasión erótica, son las tribulaciones que llevan dos matrimonios cuyos componentes masculinos son dos hermanos, herederos de los desvíos de su padre. La fama de éste, recientemente fallecido, oscila entre el erotismo y el desprejuicio dentro de la pintura en Zagreb.

Es un divertimento agridulce porque tanto erotismo no siempre tiene buenos desenlaces familiares: la pasión amorosa entrecruza a los personajes que pagarán sus hechos, mientras hay hijos en el medio que desconocen quiénes son sus padres.

La propuesta del realizador croata Rajkogrlic es desenfadada, pero divierte y muestra la fragilidad de este tipo de relaciones donde surgen el cinismo y la liviandad. En el juego carnal propuesto entre los personajes se produce un duelo actoral estupendo, cinco actores envueltos en peripecias amatorias, destacándose Miki Manojlovic y Bojan Navojec, todos se sacan chispas y le dan al film una atracción superlativa.

Sin duda, se quiere mostrar un rechazo a la tradición familiar con cierta impronta modernista que, a su vez, contrasta con la bella y antigua Zagreb. La película trae premios de Portugal, República Checa, Croacia, Montenegro e Inglaterra en todos sus rubros. Es que ha sido realizada con prolijidad, con buen ritmo que nunca decae a raíz de las aventuras amorosas y de los giros que se le van imprimiendo a la historia. Buen film que debe competir con varios tanques de Hollywood.

Carlos Pierre

EL DICTADOR Y LOS TRES CHIFLADOS, ESTRENOS JUEVES 19 DE JULIO

JUEVES 19 DE JULIO DEL 2012.

Hay solo tres estrenos. No comentamos el documental “Nicaragua… el sueño de una generación”, de Roberto Persano y Santiago Nacif.

EL DICTADOR

De Larry Charles. Con Sacha Baron Cohen, Anna Faris, Ben Kinsgley, entre otros. Música de Erran Baron Cohen. Duración: 88 minutos.

BUENA. SÁTIRA POLÍTICA SIN TAPUJOS. SACHA BARON COHEN PROVOCA AL SISTEMA

Sacha Baron Cohen es el nuevo humorista político del primer mundo. En “El dictador”, hace la parodia llana de un mandatario de Medio Oriente, con muchas similitudes a Saddam Hussein. Hay ingenuidad y desparpajo en el personaje que el actor judío no abandona ni siquiera para las entrevistas. Se trata de “Aladeen”, líder de “Wadiya”, que viaja a Nueva York para presentarse en un especial “Summit” de las Naciones Unidas.

Y, en ese viaje, secundado por su mano derecha que encarna un desinhibido Ben Kinsgley, se producen hechos que dejan al descubierto su alma sanguinaria, en clave de humor y bastante alejado de la escatología de sus dos filmes anteriores, Borat y Brüno. Una joven, que vive en Brooklyn (la eficaz Anna Faris), lo salva de las guerras de la policía neoyorquina porque cree ver en él al “opuesto” a Aladeen, en medio de una manifestación en contra del tirano.

Por suerte, dado el humor llano, directo y sin vueltas de Baron Cohen, en esta película no echa mano de la escatología; en todo caso, hay insinuaciones que no molestan a nadie, ni a quienes aman estas secuencias ni a quienes no nos gustan directamente.

El film tiene un corte clásico, una narración sin afectaciones y su base fundamental está en los diálogos y, en forma especial, en los parlamentos de “Aladeen” donde el alma tiránica y sanguinaria se traduce en expresiones que su ocasional salvadora no comprende y, en todo caso, intenta aceptarlo como “errores” de ese hombre que se presenta desvalido.

Hay un machismo acendrado del que Sacha Baron Cohen se burla como en la secuencia en la que ayuda a dar a luz a una mujer y, cuando ve que es una nena, pregunta por el tacho de basura. Espartano, si se quiere (en Esparta, se echaban a los chicos con alguna presunta deformación en las bocas de los volcanes. Si era una nena, mucho mejor).

Sacha Baron Cohen se desdobla en otros personajes, por lo que su protagonismo es casi absoluto aunque no cansador. Compone también a los “dobles” de su “Aladeen”, que no deben ser inteligentes sino morir por él: se los elige para que sean blancos de los francotiradores que nunca faltan en las presentaciones del tirano Aladeen. En cuanto a escenas subidas de tono, no llegan a ser tales sino que es un humor adulto “triple X” sin caer en la obscenidad.

La crítica a la política exterior de USA es frecuente, así como la crítica a todo tipo de tiranía y sus consecuencias, dentro del sarcasmo y la sátira política. Hay diálogos sin hipocresía en los que la llaneza de los parlamentos, entendiendo esto por lenguaje directo, nos asombra pero nos saca una carcajada porque allí está lo que no se dice y todos sabemos. Para pasar un buen momento, sin mucho escándalo.

Elsa Bragato

LOS TRES CHIFLADOS

De Bobby y Peter Farrelly. Con Sean Hayes, Will Sasso, Chris Diamantopulos, Larry David, entre otros. Música de John Debney. Duración: 92 minutos.

BUENA. SIMPÁTICA RECREACIÓN DE TRES GRANDES DEL HUMOR

“Los tres chiflados” alegraron la niñez de hace 60 años cuando aparecieron en los cines de variedades en 1951 en episodios de 16 minutos. En Buenos Aires, eran los artistas exclusivos del desaparecido cine Porteño, ubicado al lado del teatro El Nacional, hoy una galería. Entonces la violencia entre los tres hermanos era motivo de risa. Hoy merece ser explicada al final del film por ser un tema que sacude a la Humanidad. Esta producción de films se extendió hasta 1958 y, con menor frecuencia, subsistió hasta 1970. Aquellos “Tres chiflados” surgieron en el teatro en la década del 20. Primero fueron los hermanos Samuel y Harry Moses Horwitz, los futuros “Shemp” y “Moe” y, con el tiempo, Jerome Lester Howitz que fue “Curly”. Mientras tanto, se sumó a ellos un amigo, el actor Ted Headley quien, de alguna manera, creó el primer trío.

La película de Fox que se estrena nos presenta a los tres hermanos llegando como bebés a un orfanato. De allí en más, las maldades que los caracterizan provocarán no poco estupor entre las monjas. Hay que destacar a una de las “hermanas”: se trata del actor Larry David que compone a Sister Mary-Mengele quien, a pesar de su férreo carácter, caerá en las torturas de los tres chiflados.

El film consta de tres partes, de poco menos de media hora cada uno, presentándose una unidad argumental: las travesuras de los chicos, las consecuencias de éstas y la búsqueda de una solución económica para el lugar que debe afrontar 830.000 dólares, deuda generada por los hermanitos y sus destrozos.

El logro del film no está en su narración, que es bastante apocada y hasta sin gracia, sino en el espíritu de Los Tres Chiflados que se ha logrado rescatar así como en el trabajo impecable trío actoral. Hoy en día llaman la atención los “piquetes” de ojos y los martillazos en la cabeza sin que pase nada, algo que será explicado al finalizar el film, si bien generan un par de secuencias muy graciosas como la de la campana del hospicio y su restauración. Y le añadimos el “aggiornamiento” de los Farrelly que incorporan un “reality” televisivo del que involuntariamente participará Moe para felicidad de todos.

El film es simpático, nos devuelve el espíritu original de los cortos (fueron 190 en total) de Los tres chiflados y permiten el renacimiento de tres grandes cómicos del siglo XX casi símiles de los auténticos “stooges”. Para pasar un buen momento.

Elsa Bragato

VALIENTE 3D, SOLEDAD Y LARGUIRUCHO, DONDE HABITA EL DIABLO, PLAN PERFECTO, JUEVES 12 DE JULIO

JUEVES 12 DE JULIO DEL 2012.-

Hay seis estrenos de cine esta semana. Uno es nacional, el documental “Arrieros”, de Juan Baldana, sobre la vida y costumbres de los arrieros. También se estrena fuera del circuito comercial habitual el film francés “Figuras de guerra”, de Syvain George, un documental sobre los inmigrantes clandestinos en Calais, al norte de Francia. Ambos documentales no serán comentados.

VALIENTE 3D

De Mark Andrews y Brenda Chapman. Realizada por Pixar-Disney. Música de Patrick Doyle. Duración: 95 minutos.

BUENA. NUEVA HEROÍNA EN UNA HISTORIA MEDIEVAL QUE LE CANTA

A LA LIBERTAD

El estudio Pixar-Disney encara por primera vez un film con una protagonista femenina, la princesa Mérida, luego de grandes éxitos como Wall-E, Toy Story 3, o Ratatouille, donde el personaje central era masculino.

En este caso, tenemos a una princesa medieval, pelirroja, de largos cabellos enrulados, que vive en las tierras altas de Escocia, que es muy joven y muestra un indomable carácter que la lleva a enfrentarse a su propia madre, la reina Edinor (voz de Emma Thompson) y a rechazar los planes reales de formalizar matrimonio con uno de los hijos de uno de los cuatro clanes de la región. Mérida es díscola, entusiasta e irreductible en el manejo del arco y la flecha, en la búsqueda de la libertad, sin apego a las tradiciones.

Cuando parecía agotado el florecimiento de una nueva princesa en el vasto jardín de la producción de los estudios Disney (la última fue Rapunzel), surge esta brava joven que elude las fiestas prenupciales y se interna en el bosque buscando su destino.

Hay dos partes bien diferenciadas en el guión. La primera es ciertamente más alegre y vivaz, más luminosa y colorida, con fiestas y música. La otra, ya con Mérica en el bosque, es más oscura y misteriosa. Aquí Mérica se topa con una hechicera a quien le pide un brebaje que logre romper la postura de su madre.

La animación está muy lograda pr la profundidad alcanzada, por la vegetación e incluso por los cabellos de Mérida, que son especiales y bellos. La música incidental de Patrick Doyle, avezado compositor, tiene un fuerte acento celta.

Al personaje principal femenino se le añaden las travesuras de sus tres hermanitos, iguales en tamaño y diabluras, que ayudan a Mérida en su boicot a las rústicas tradiciones de la Escocia medieval y rural. El título del film es “Valiente” y nosotros agregamos que, además, habría que darle el calificativo de “indomable” a Mérida, que dispara su arco y flecha como un canto a la libertad.

Carlos Pierre

SOLEDAD Y LARGUIRUCHO

De Manuel García Ferré. Con Soledad Pastorutti y las participaciones especiales del Chaqueño Palavecino, Natalia Pastorutti, Diego Capusotto, Carlitos Balán, Pablo Codevila, Guillermo Andino, entre otros.Música de Pablo Borghi. Leit Motiv de Mikis Theodorakis. Duración: 80 minutos.

BUENA. LINEAL PERO CALA EN EL CORAZÓN

Después de “Corazón, las alegrías de Pantriste” del 2000, vuelve García Ferré con un film donde ensambla personajes reales y dibujos animados. Reúne así a Soledad Pastorutti con sus entrañables criaturas: Largirucho, Cachavacha, el profesor Neurus, Pucho, Serrucho y otros muy carismáticos, surgidos de su inventiva, que realmente provocan emoción en los mayores y una estrenada devoción en los chiquitos.

Filmado en la provincia de San Luis, recorriendo sus bellos parajes y con réplicas de nuestros sitios históricos como el Cabildo, esta realización apunta a realzar los valores de la tradición, del campo argentino, las costumbres nuestras y los sabios dichos populares, sentimientos que hacen al pensamiento argentino de García Ferré.

Soledad canta varias canciones, incluido el Ave María de Schubert, con el acierto de convocar a los chicos a cantar, incluso al público espectador en la sala. El probo y legendario Pelusa Suero le puso voz a Largirucho, Neurus, Pucho Serrucho, Comisario, el caballo Jacinto y Sebastián Crispín a Cachavacha..

Cachavacha tiene mucho que hacer en esta película animada:está en contra de Soledad, quiere emular su voz y se vale de artimañas para frustrar sus canciones y captar el poder del revoleo del poncho. Por suerte, a la Sole la acompañan su chofer, el chaqueño Palavecino, su hermana Natalia, Carlos Balá, y un sinfín de personalidades que van tachonando el film con simpatía y secuencias muy agradables. Puede ser un film lineal, pero tiene mucho corazón y provoca empatía en el espectador. Una película animada que tiene el valor de las cosas nuestras, simple, auténtica, “hecho en la Argentina”.

Carlos Pierre

DONDE HABITA EL DIABLO (EMERGO)

De Carlos Torrens. Escrita y producida por Rodrigo Cortés. Con Kai Lennox, Giamantegna, Michael O’Keefe, Fiona Glascott, entre otros.Música de Víctor Reyes. Duración: 80 minutos.

BUENA. UN COMPENDIO AMENO DE LOS CLISHÉS DEL TERROR

En España hay un interés creciente por los films de terror, con temas paranormales incluidos. El realizador Carlos Torrens, de tan solo 28 años (nació en Barcelona y se formó en la Chapman University de California), armó para este film un grupo interdisciplinario de investigación de hechos paranormales que estudian los fenómenos anómalos.

En este caso, los hechos se producen en un departamento recién estrenado, el Departamento 143 (otro de los subtítulos del film. Acababa de fallecer la esposa de un perturbado padre de dos hijos, una adolescente extraña poseída por algún espíritu y un niño. ¿La posee el espíritu de la madre muerta? Uno de los quids del film.

Así se suceden llamadas telefónicas sin respuestas, sombras y fenómenos lumínicos (poltergeist), objetos que se desplazan, lámparas que estallan y sonidos desconocidos, toda una amplia gama de los hechos paranormales que Torrens hilvana con eficacia.

La película tiene buenas intenciones, es decir, hacernos temblar de miedo y pensar al mismo tiempo sobre estos sucesos. Sin embargo, el pasado cinematográfico de España cuenta con films como “Rec” que saltan en forma inmediata al pensamiento del espectador avezado en el tema permitiendo descubrir las debilidades de la narración propuesta. La más notable es la omnipresencia del espectador sobre lo que sucede, algo que los protagonistas no perciben en su totalidad por lo que no se llega a resolver ninguna situación como se debiera. Es decir, las puede resolver el espectador quedando los personajes casi fuera del guión. A esto se le suma el listado de clishés y lugares comunes, y la falta de fuerza en la razón que moviliza el film: el espíritu que no quiere abandonar ese departamento.

A nivel técnico, se logró un clima espectral matizado con la rutinaria convivencia familiar, con el sobresalto de rasgos de esquizofrenia, una terrorífica mujer, y un espanto generalizado envolvente. El director utiliza la cámara en mano para dar movimiento extremo a secuencias donde el atormentado espíritu se manifiesta con rebeldía. Existen pequeños granitos de arena que van aportando suspenso y terror. Pero no en la cantidad suficiente como para permitir que los clishés, que abonan cualquier género cinematográfico, tomen un salto y generen algo novedoso dentro del terror. No obstante, es un film que le va a gustar a los fanáticos del género. Al público en general puede parecerle más de lo mismo.

Carlos Pierre

PLAN PERFECTO

De Jennifer Westfeldt. Con Jennifer Westfeldt, Adam Scott, John Hamm, Megan Fox, entre otros. Música de Marcelo Zarvos. Duración: 107 minutos.

BUENA. COMEDIA ENTRETENIDA SOBRE LAS VICISITUDES DE LOS JÓVENES PADRES

Es una comedia más pero bien hecha, con mucho de las series televisivas o sitcoms norteamericanas que encaran la vida rutinaria de matrimonios y amigos e hijos de todas las edades. Jennifer Westfeldt es la directora, guionista y protagonista de este film. Se trata de una actriz con mucha experiencia en la televisión y muy conocida por el público norteamericano, aunque sin arraigo popular en estas latitudes

Una pareja de amigos (Jennifer con el actor Adam Scott) decide tener un hijo sin comprometerse sentimentalmente para no enfrentar los tradicionales problemas que tienen varias parejas, formales y con hijos pequeños. Parecen dar en la tecla: no compromiso, un hijo, salidas divertidas y el corazón fuera de toda batalla.

Hay antecedentes interesantes de este tipo de comedias donde, en definitiva, al amor no se lo puede patear o esconder detrás de la puerta. Un “touch and go” es posible si queda en eso. Pero no siempre es así entre amigos. Y esto es lo que plantea el film enfocándolo desde un lado muy femenino: los reales intereses de las mujeres en tener hijos y cómo esto las involucra en un sentimiento más complejo que es el del hogar, el marido y la felicidad “todos juntos”. Por su lado, el buen tino de Westfeldt está en ver también ese costado sensible en los hombres y sumarlos a la vida en pareja, al hogar compartido con hijos, con los líos cotidianos de cualquier persona.

Si bien hay un tratamiento narrativo propio del cine, los diálogos –bastante interesantes aunque reconocibles- y la puesta en escena en general tienen relación, como dijimos al comienzo, con las sitcoms familiares norteamericanas. No le quita mérito, tal vez hace más chiquito al film que, no obstante, y sin querer sortear los lugares comunes, se dirige hacia el encuentro del amor, único responsable y “hacedor” de padres e hijos. Para parejas jóvenes en forma especial.

Elsa Bragato

POMPEYA, EL CAMINO, EL CHICO DE LA BICICLETA, EL SORPRENDENTE HOMBRE ARAÑA, ALGUNOS ESTRENOS DEL JUEVES 5 DE JULIO

JUEVES 5 DE JULIO DEL 2012.-

Esta semana hay 8 estrenos que incluyen 4 filmes nacionales y una coproducción con el Uruguay. De los filmes nacionales comentamos solamente “Pompeya”. El resto de los estrenos nacionales y coproducciones nacionales son: el documental “Tierra de los padres” de Nicolás Prividera, “Malón” de Fabián Fattore, “El gran río” de Rubén Plataneo y la coproducción argentino-uruguaya “3” de Pablo Stoll, el excelente realizador de “Whiskey” y “25 Watts”, entre otros films que rodó junto a Juan Rebella, fallecido tempranamente. “3” fue un proyecto armado entre los dos que luego Pablo Stoll reescribió.

“POMPEYA”

De Tamae Garateguy. Con José González, Federico Lanfranchi, Hernán Bustos, Lorena Damonte, entre otros. Música de Sami Bucella.

BUENA. LOGRADO RETRATO DE UN BARRIO PORTEÑO DE TAITAS Y TRUHANES EN NOVEDOSO TRATAMIENTO NARRATIVO

Tamae Garteguy llega al cine con su ópera prima, “Pompeya” (había codirigido “Upa”, un muy buen film del nuevo cine nacional, junto a Camila Toker y Santiago Giralt, en el 2006). No esgrime ningún eufemismo al mostrar directamente el mundo de las mafias en el barrio de Pompeya, donde nació y al que regresa siempre. Reconoce una fuerte influencia de Takeshi Kitano, el notable realizador japonés cuyos films vienen faltando de las pantallas nacionales.

“Pompeya” tiene varios aciertos narrativos: en primer término, ficciona “la cocina” del guión entre un productor, un director y un joven “free lance” que trata de volcar en la computadora los vaivenes de los gestores de la idea. Un segundo logro es el ubicar a dos protagonistas lejos del primer plano, hablando, y como resultaría imposible escuchar el diálogo, lo salva con un subtitulado. En tercer término, Garateguy apunta a un film diferente y violento, provocador, donde un antihéroe del bajo fondo (José González, dándole atractiva brutalidad a su personaje Dylan) y se mete sin vacilar entre las dos mafias, la coreana y la rusa, desplegando una furia sanguinaria y desprejuiciada.

Aunque nos resulta rara por lo poco frecuente esta filiación de una mujer con la violencia superlativa, Tamae Garateguy supo superar cualquier prejuicio y pintó con tonos oscuros y potentes el rostro de una imaginaria Pompeya (barrio de truhanes y cuchilleros en el pasado) poblada de gángsters y mafiosos.

Pensamos que este promisorio debut en el largometraje de Tamae Garteguy (descendiente de japoneses y vascos) tiene un target definito entre los jóvenes por el coqueteo de la edad con la adrenalina. Sin embargo, para los mayores también es un buen acercamiento a un film diferente marca nacional, que tiene muchas connotaciones del cine coreado consolidado en la violencia explícita. Nos gustó.

Carlos Pierre

EL CAMINO

De Emilio Estévez. Con Martin Sheen, Emilio Estévez, Deborah Kara Unger, Yorick Van Wageningen, Jamens Nesbitt, entre otros. Música de Tyler Bates.

BUENA. INTERESANTE REGRESO DE MARTIN SHEEN A LA TIERRA DE SUS PADRES

Emilio Estévez es uno de los hijos de Martin Sheen, cuyo verdadero nombre es Ramón Estévez, nacido en Ohio en 1940, de padre gallego y madre irlandesa. Su hijo Emilio es el director, guionista y coprotagonista de este film clasificado como “road movie” aunque sea de a pie. El personaje de Sheen, Tom, va a Francia a recoger las cenizas de su hijo (Emilio Estévez, Daniel en la ficción), fallecido en St Pied de Port por una tormenta en los Pirineos, y comienza a realizar los 800 km hacia Santiago de Compostela, peregrinación de más de 1000 años que dio origen a buena parte de la literatura española por los juglares.

Estévez retoma el camino a Santiago de una manera mucho más actual, tiene una óptica impregnada de la vida moderna que incluye desde el celular hasta sofisticadas posadas de lujosas habitaciones con champagne incluído. Sin embargo, respeta la historia y la literatura cuando los personajes pasan por la supuesta iglesia del Mio Cid, el primer cantar que dio origen prácticamente al idioma castellano.

En “El camino”, Martin Sheen- Tom es el eje del relato y, con las cenizas de su hijo, inicia su personal peregrinación. Tom vive en California y su decisión de viajar y realizar la peregrinación estuvo matizada por grandes dudas y escepticismo. Lo acompañan una canadiense que quiere dejar las drogas (Yorick Van Wageninger) y un escritor irlandés (James Nesbitt), quien busca una historia que le permita destrabar su bloqueo creativo.

El largo peregrinaje provoca desencuentros y amistades, hay mucho humor, ironía y asombro ante el paisaje que los “pilgrims” van descubriendo. Se ve la mano de un guionista, el mismo Emilio Estévez, que conoce el tema, que tiene sensibilidad y que supo volcarla en una narración audiovisual amena. No cae en lugares comunes porque aporta su visión contemporánea sobre este camino de Fe y esperanza. Y sumamos a estos logros del film la relación sanguínea de Martin Sheen y su hijo Emilio con Galicia, por lo que ambos nos están contando una historia desde un lugar que, en algún punto, conocen. Y eso produce una agradable empatía con los personajes y el argumento. Se disfruta.

Carlos Pierre

EL SORPRENDENTE HOMBRE ARAÑA

De Marc Webb. Con Andrew Garfield, Marthin Sheen, Sally Field, Emma Stone, Rhys Ifans, entre otros. Música de James Horner. Duración: 136 minutos.

BUENA. REGRESO DEL HOMBRE ARAÑA EN UNA VERSIÓN MÁS INTROSPECTIVA

Marc Webb no tiene muchas películas en su haber. Sin embargo, le fue confiado el “reboot” o renacimiento del Hombre Araña, personaje “Marvel” de los cómics de los 60, pergeñando un guión con mayor desarrollo de los personajes y sus relaciones familiares. Es decir, una nueva película sobre el Hombre Araña y no una secuela.

Andrew Garfield es el actor angloamericano que encarna a Pete Parker y sus tribulaciones cuando sus padres lo dejan a cargo de sus tíos, Ben y May (Sheen y Field), sin volver a verlos. El hallazgo de un viejo portafolio de su padre lo lleva hacia el laboratorio de biología donde trabajaba su padre y allí se encuentra con su ex socio. La picadura de una araña radioactiva (son criadas “al por mayor” en ese laboratorio) le da poderes que no sabe manejar en un principio como una fuerza brutal y la capacidad de hacer telarañas e inmovilizar a sus ocasionales enemigos, que saldrán a su paso.

La ciudad de New York es la locación pero no el centro del film como tampoco lo son los efectos especiales acotados a las telarañas que inmovilizan y a la fuerza de Pete Parker con inclusión de un Lagarto monstruoso, el único personaje que no cuadra en esta versión. Marc Webb desarrolla los sentimientos de Pete Parker, sus angustias ante la falta de sus padres, su búsqueda, y su enamoramiento de una joven, Gwen Stacy (Emma Stone), que lo comprende y de alguna manera lo ayuda aunque hay otros enamorados que la tientan. También se analizan, las relaciones con sus tíos, el amor y el respeto que siente por ellos y cómo intenta complacerlos con su educación y sus modales aunque todo esto tambalea cuando la picadura de la araña le da una fuerza brutal y el poder escalar edificios solo con el poder de sus manos y dedos.

Nos parece diferente el enfoque de Marc Webb quien, sin embargo, debió ceñirse a una historia conocida. Este Hombre Araña es inteligente, estudioso y de buenos sentimientos. Y tiene una gran timidez que, gracias a la fórmula de su papá que logra desentrañar, puede perder en algunas circunstancias extremas.

Es una comedia dramática con secuencias de gran tristeza para Pete y otras de humor adolescente, diálogos que apuntan a algo más que lo elemental y una estética que nos acerca a Batman. La música de James Horner también es diferente dentro de la característica melódica de este gran compositor, puntual, vehemente y hasta violenta en muchos cierres de secuencias. Sí hay dos elementos, uno ya apuntado, que nos parecieron innecesarios. Uno es el “Lagarto” que reemplaza a los malvados de las películas anteriores. Se intentó darle una carnadura humana al gran enemigo del Hombre Araña, el biólogo que se transforma en lagarto pero, como solemos decir, estos monstruos nos han terminado por cansar porque todos se parecen a todos. La conversión del monstruo en el humano inicial es, quizá, un momento interesante. El otro elemento ya visto es el ataque del Lagarto a una larga hilera de coches en uno de los puentes neoyorquinos. El film tiene una duración considerable pero mantiene el entretenimiento desde el principio, aunque media hora menos tampoco le habría quitado mérito. Es una versión más oscura que las anteriores del Hombre Araña.
NdR: agregamos que El Hombre Araña es el primer superhéroe de Marvel que tiene defectos humanos por lo que es prácticamente el más popular de todos los superhéroes generados por la empresa de Cómicas, y el más reciente, década del 60.

Elsa Bragato

EL CHICO DE LA BICICLETA

De Jean Pierre y Luc Dardenne. Con Cecile De France, Thomas Doret, Jeremie Renier, entre otros. Duración: 87 minutos.

MUY BUENA. INTENSO DRAMA SOBRE EL ABANDONO DE LOS HIJOS, PROFUNDO, DESGARRADOR

No hay muchas formas de titular esta joya de los hermanos belgas Dardenne, tan profunda y desgarradora, sobre el abandono de los niños. Presentada en distintos festivales, tuvo a su vez diversas críticas. Nos parece que es una historia pequeña con una intensidad dramática que sobrecoge. No es poco decir sobre un film.

Thomas Doret encarna al protagonista, Cyril, de 12 años, que fue dejado en un hogar por su padre, Guy, a cargo de Jeremie Renier, actor ligado a los Dardenne. Y la bicicleta es el único medio, que consigue oportunamente, para buscar a su padre. Una peluquera, que personifica la siempre bella y eficiente Cecile De France, acepta educarlo mientras se espera alguna resolución del hogar donde estaba el pequeño. Y lo acompaña en la búsqueda desesperada de su papá. El rechazo de éste, el comprobar que su padre opta por otra “mamá” y que su presencia molesta a la nueva pareja, desencadena en el pequeño Cyril un dolor violento, furioso, que no puede manejar.

Hay secuencias desgarradoras: para muchos pueden ser incomprensibles, para otros son situaciones recurrentes entre los niños abandonados y sus progenitores. Cyril intenta que su padre lo quiera, apela a la dulzura y a la violencia. Pero el destino le tiene preparadas otras sorpresas muy amargas cuando justamente empiece a aceptar que su papá lo rechaza.

El grado de dramatismo alcanzado por el pequeño Thomas Doret es notable, y resulta conmovedor que un niño haya comprendido el alcance del rechazo del padre a su hijo o bien que haya podido meterse en la piel del personaje en tal grado de compromiso afectivo. Cecile De France es siempre un aporte carismático y de excelencia pero aquí el peso del protagonismo es de Thomas Doret y esto asombra.

Por supuesto, no es un film para divertirse. Es una película que nos enfrenta a una realidad que muestran todos los días los informativos de TV y sus consecuencias no suelen ser las mejores para los chicos. Film bien desarrollado, bien contado, de profundo dramatismo. Nos conmovió.

Elsa Bragato