EL ÁRBOL DE LA VIDA, LA QUISE TANTO, CONAN EL BÁRBARO, VAQUERO, EL GUARDIÁN DEL ZOOLÓGICO, TESTIMONIOS DE UNA VOCACION, ESTRENOS DE CINE JUEVES 29 DE SETIEMBRE, BUENOS AIRES

JUEVES 29 DE SETIEMBRE DEL 2011.

Hay ocho estrenos, uno de ellos en DVD y el documental nacional Un día en Constitución. El hecho de que no tengan críticas no tiene relación con la calidad de los mismos.

EL ÁRBOL DE LA VIDA

De Terrence Malick. Con Brad Pitt, Sean Penn, entre otros. Música de Alexandre Desplat.

MUY BUENA. EL PESO DEL COSMOS EN EL HOMBRE EN UN RELATO POÉTICO Y COMPLEJO A LA VEZ

Terrence Malick es uno de los directores de Hollywood del que menos se conoce su vida privada, salvo que nació en Waco, Texas, donde se ubica la acción del film, y que es licenciado con honores en filosofía. Es el director de La delgada línea roja, donde se planteó el peso de la vida en sí en cada soldado que buscaba una respuesta de Dios ante el horror que vivía.

Aquí continúa con este planteo existencial trasladándolo a la vida familiar, y uno puede preguntarse si no es autorreferencial. Un padre estricto de dos hijos con una madre que se relaciona con la pureza y la ingenuidad (interpretada por la pelirroja Jessica Chastain) el crecimiento de los dos chicos, el mayor (que al comienzo del film será Sean Penn con todo el pasado a cuestas) que está enfrentado al padre, encarnado por Brad Pitt, y el menor que muere ya de grande.

Sean Penn es el eje de la narración. Por lo que el film vuelve hacia su niñez y mucho más aún, hasta la creación misma, en la que incluye el período de los dinosaurios, los planetas, dentro de un clima sutil, filosófico, que intenta abarcar todo el peso que tenemos sobre nuestras espaldas al nacer. En estas secuencias hay un similar manejo de cámaras y climas a La delgada Línea Roja, una película que cambió la mirada sobre la guerra y los soldados y la sinrazón de las mismas. También hay una utilización muy especial de la banda sonora creada por Alexandre Desplat, que incluye además 31 temas clásicos, desde la Gran Misa de los Muertos de Berlioz, pasando por El Moldava de smétana, Las Barricadas Misteriosas de Couperin hasta Bach y Mozart.

Solemnidad y profundidad intelectual y espiritual de Malick para acompañar al amor, la muerte, la culpa, el duelo, la redención, que nos asaltan siempre y que obviamente son sentimientos que tienen una directa relación con la vida de esta familia y sus dos hijos. Esta profundidad se traduce por el trabajo fotográfico y no por la densidad argumental, que está esbozada más que planteada con todas las letras.

El Universo mismo acompaña en pinceladas la vida de esta pareja texana en el surgimiento del hogar y la llegada de los dos niños, hasta llegar a la adultez del hermano mayor (Sean Penn), separado de su familia y del yugo de su padre autoritario, ya con un trabajo en una empresa moderna, otra oposición de estilos de vida que nos muestra Malick con sutileza y vigor.

La reflexión sobre la vida es una constante en este director que, en el caso de este film que ganó la Palma de Oro en el festival de Cannes, se vale del hijo mayor que encarna Penn para llegar a una conclusión existencial: “A menos que ames, tu vida será solo un parpadeo”. Lo demás, lo que vivamos, se torna insignificante ante el infinito y la eternidad a la que estamos sometidos.

Agregamos que cinco editores se necesitaron para lograr este producto final que está fuera de cualquier clasificación que la crítica pueda hacer. Incluso, salvo la respuesta existencial sobre el amor como esencia de la vida, no hay otras que se desprendan ni del film ni, por supuesto, de nuestra efímera existencia. Un film para todos, para degustar especialmente con el alma. Si usted considera que ver un film sobre la existencia misma es válido, vaya al cine. Si usted considera que las sugerencias existenciales deben tener más carnadura, no vaya al cine.

Carlos Pierre

CONAN EL BÁRBARO 3D

De Marcus Nispel. Con Jason Momoa, Rachel Nichols, Ron Perlman, entre otros. Música de Tyler Bates.

BUENA. FASTUOSIDAD SANGRIENTA EN EL REGRESO DE “CONAN”

Al contratar a Marcus Nispel para esta remake del film que, en 1982, protagonizara Arnold Schwarzenegger, se sabía que el “´bárbaro” de los cómics iba a nadar literalmente en sangre. No en vano, Nispel es el realizador de La Masacre de Texas y de Viernes 13, películas en las que no ahorró el ahogo en sangre ni de su elenco ni del espectador. Aquí tampoco: fastuosidad sangrienta en las batallas, el horror de los cadáveres mutilados, cientos de cabezas decapitadas de un solo hachazo.

El Conan original fue creado por Robert E. Howard, un texano que comenzó a publicar historias fantásticas sobre este personaje a partir de 1932, en el supermagazine Weird Tales (Cuentos Raros). Circularon cómics y una primera película, como indicamos, de 1982, que entonces dirigió John Milius con guión con Oliver Stone.

El film se inicia con el regreso de Conan a su pueblo, asistiendo a la muerte de su padre y la matanza de todos a manos de Klahar Kym. Entonces comienza la búsqueda de ese asesino y vengarse. El film es una gran batalla contra rivales corpulentos, horribles monstruos y obstáculos imposibles, donde solo una bella mujer virgen, Tamara, otorga la resurrección y es la llave de la trama.

La voz que nos introduce en la historia es la de Morgan Freeman, si bien no está en los créditos del film. Hay que hacer una distinción entre esta versión y aquella primera de Schwarzenegger: es menos intelectual, menos filosófica que ésta, donde hay muchísima acción, es heavy metal, con gran despliegue visual, espectacular, de castillos bárbaros, batallas con cientos de guerreros y sangre a diestra y siniestra.

Los seguidores de los cómics están de parabienes. Hay acción de principio a fin. Para los fans de los films de horror, también ésta es la película de la semana. Bien realizada, con efectos 3D.

Carlos Pierre

VAQUERO

De Juan Minujin. Con Juan Minujin, Leo Sbaraglia, Daniel Fanego, entre otros. Música de Diego Vainer.

BUENA. EL CINE DENTRO DEL CINE

Vaquero se ofreció a la prensa especializada hace seis meses. De este film, bien realizado pero dirigido a fans del nuevo cine nacional, es decir, no tiene un target masivo. La impresión que nos queda de la película, a tantos meses de haberla visto, tiene que ver con una tira de gran éxito televisivo, Todos contra Juan, de Gastón Pauls, aunque no estamos diciendo ni que sea copia ni plagio ni nada por el estilo. Es simplemente una coincidencia: el joven actor (“Juan Lamar”) que encarna el propio director Juan Minujin buscando un papel que lo haga trascender, hasta que encuentra el de un vaquero y empieza a probarse ropa y poses típicas de este personaje del Oeste americano.

Encontrarse con afamados actores como Leonardo Sbaraglia resulta un disparador mental para el actor que se pregunta cómo llegaron, el dinero que deben haber ganado, con voz en off, es decir, hablándo “telepáticamente” en un esfuerzo de ficción. Está bien planteada la historia, Minujin da en el papel, es absolutamente creíble. Sin embargo, a pesar de una buena factura en general, pensamos que no es una película que pueda llegar a todo el público. Es para fans del cine nuevo nacional, como dijimos antes. Es cine dentro del cine, que nos gusta a quienes tenemos que ver films diariamente y esta virtud hace que la película sea para un grupo de personas, en principio claro está. Además encontramos esta similitud en la impresión general argumental que nos dejara Todos contra Juan, un excelente producto de la tv porteña. Usted elige, amigo lector.

Elsa Bragato

EL GUARDIÁN DEL ZOOLÓGICO

De Frank Coraci. Con Kevin James, Rosario Dawson, Leslie Bibb, entre otros. Voces de Judd Apatow, Cher, Nick Nolte, Don Rickles, Adam Sandler, Sylvester Stallone, entre otros. Música de Rupert Gregson Williams. Duración:112 minutos.

REGULAR. REBELIÓN EN EL ZOO CON EFECTOS BURDOS Y GORILA TRUCHO INCLUIDO

No nos puede gustar una película donde todo lo que se ve ya se vio en la serie del Doctor Dolittle, donde los animales no lucen bien y los efectos especiales de computación para hacerlos hablar son burdos. Para colmo, el gorila solitario no es “de verdad” sino una creación al estilo “animatronic”. Y se nota tanto que nada resulta creíble.

El guardián del zoológico de Boston, afamado por los animales de todo el mundo que tiene y cómo viven en lugares semejantes a los naturales, recibe el rechazo de su amanerada y rubia novia y entra en depresión con ganas de dejarlo todo. Descubre que los animales hablan y que él puede escucharlos. Y así, de repente, en una reunión poco creíble de leones con un matrimonio de osos que se pelean, un mono que habla como caribeño, una jirafa que los convoca, y elefantes inteligentes, se intenta que el carismático Kevin James en el papel de Griffin no deje el lugar. Rebelión en el zoo. La historia de amor es el nudo argumental para tamaña convocatoria de animales que, según los datos de prensa, fueron llevados a los sets de filmación desde diferentes lugares de los Estados Unidos, con la aclaración de que están “acostumbrados” a las cámaras y la gente a su alrededor.

La única escena que resulta diferente es la toma desde un altísimo puente de Boston, ingreso a esa ciudad, hasta donde se sube el protagonista ayudado por el “gorila de mentirita” para caer en el auto de la mujer a la que realmente ama y que no es la rubia amanerada.

Demasiado extensa para la platea menuda, la historia de amor no cuaja dentro de la propuesta para ser disfrutada por los chicos, los efectos especiales son burdos, hasta uno podría notar el movimiento del “mouse” de la computadora moviendo los labios de los animales, y el gorila trucho es el colmo en los tiempos que corren. Sin embargo, destacamos la ampulosa y romántica banda sonora de Rupert Gregson Williams y rescatamos el gran elenco que le da vida a los animales con sus voces pero lamentablemente en la Argentina no se escucharán porque está doblada al castellano neutro. Agregamos que, entre los principales productores, está Adam Sandler que suele hacer productos “baratitos” o sin demasiado ingenio con el fin de divertir. Cuando uno se dirige a los chicos, la creatividad debe ser superlativa y aquí no la vimos (o intentar ser supercreativo y no tomar a los chicos como rehenes de películas de cuarta).

Elsa Bragato

LA QUISE TANTO

De Zabou Breitma. Con Daniel Auteuil, Marie Josee Croze, Florence Loiret Caille, entre otros. Música de Hrishna Levy. Duración: 112 minutos.

MUY BUENA. EL AMOR QUE NO FUE EN UN ROMÁNTICO FILM FRANCÉS

El film La QuiseTanto es una adaptación de la novela homónima (“Je L’amais”) de Anna Gavalda, publicada en el 2002. La película fue la primera versión del libro y corresponde al año 2009, mientras que llegó al teatro francés en el 2010.

Es interesante el relato que comienza cuando Pierre, a cargo de un sutil y encantador Daniel Auteuil, lleva a su nuera, Chloe y sus dos hijos pequeños a una casa de campo. El comienzo resulta tenebroso para el espectador porque no se sabe si es un rapto, si esa mujer sin fuerzas fue golpeada, si todos serán asesinados. Pasado este momento, nos encontramos con un abuelo que intenta que su nuera supere el abandono de su hijo, Adrien, quien la dejó por otra mujer. Y, en esa noche, de cálido entorno, Pierre le cuenta la historia de un amor que duró muchos años y que no quiso o no fue capaz de mantener porque sentía la obligación de estar junto a su mujer y sus hijos. El personaje de Pierre destila elementos psicológicos para analizar en profundidad, para repensar cada gesto, cada frase suya, y tiene el común denominador de la infidelidad masculina. O sea la felicidad con la amante y el mal carácter en casa.

El caso de Pierre tiene connotaciones del “primer mundo”. El encuentro entre la joven y bella rubia y Pierre se hace en Oriente, en diferentes ciudades, momentos de idilio que Pierre disfruta hasta que comienzan las presiones de la mujer, la posibilidad de un embarazo, el estupor de él que no sabe si es suyo o no, y la libertad que se dan entre ambos para estos encuentros que terminará por hacer sucumbir el amor que sienten.

O la atracción. No queda muy claro si Pierre se ha enamorado tanto de esta joven mujer como para aceptarle un hijo y abandonar su propio hogar. Y seguramente no queda en claro porque responde a la condición humana en sí misma, pasarla bien sin compromisos porque éstos ya se tienen. Y cabe la pregunta si es amor el de Pierre o si tan solo ha sido un encantamiento para romper la rutina de su matrimonio. En este aspecto, el film es muy interesante.

Pierre tampoco escapa al encuentro cara a cara con su mujer, que lo sabe y que está decidida a quedarse a su lado hasta que la tormenta amorosa pase. Una historia que debe ser compartida por tantísimas mujeres y hombres. A ellos les dejamos la pregunta: ¿ilusión?¿Enamoramiento?

Para el personaje, esa mujer rubia ha sido el amor de su vida. Sin embargo, supo ser feliz con su esposa y sus hijos. Con este relato, bien contado, con gran actuación de Auteuil, la joven CHloe encuentra un camino de libertad interior para resolver el dolor del abandono.

Interesante y atrapante.

Elsa Bragato

TESTIMONIOS DE UNA VOCACIÓN

De Jorge Valencia, Eduardo López, Jaime Lozano. Música de María de los Ángeles Valladares. Duración: 63 minutos.

MUY BUENA. LA VIDA DEL ARTISTA EDMUND VALLADARES CON EXCELENTE FACTURA

Este documental retrata la vida del artista plástico y cineasta Edmund Valladares. Multifacético (pintor, escultor, escritor, cineasta y profesor universitario) fue atraído de joven, en la década del 50, por las historietas o cómics, en La Pampa. Años después, ya firme su vocación de dibujante, realizó una monumental obra plástica. Fue influido por el Expresionismo, pero también fue un entusiasta investigador de las raíces latinoamericanas. Vivió en Venezuela, México, Brasil, Perú y Europa. Expuso su obra en todos esos países además de Bélgica y hasta hizo un busto de Julio Cortázar, emplazado frente a la casa natal de escritor.

También son numerosas sus obras cinematográficas, fruto de su admiración por diversos personajes: El señor X, sobre la vida y obra de Franz Kafka,;Vincent por Edmund, mediometraje sobre Vincent Van Gogh, adquirido por la Banca holandesa; Disceplín , un cortometraje sobre Discépolo; “Nosotros los monos”, largometraje con la actuación de Lautaro Murúa; “I love you… Torito”, sobre el boxeador Luis Ángel Firpo, apodado el Torito de las Pampas; Homero Manzi, cortometraje sobre el afamado poeta, entre otros.

Con relatos de Juan Leyrado, Anabella Valencia y Cristina Fridman, y la presencia del mismo Valladares, este documental es una colosal muestra de la obra integral de este artista que, aunque devoto del Expresionismo, exala un aire renacentista por su cosmovisión.

Carlos Pierre

WINTER EL DELFÍN, IDENTIDAD SECRETA, DAMAS EN GUERRA, D-HUMANOS, ESTRENOS JUEVES 22 SETIEMBRE

JUEVES 22 DE SETIEMBRE DEL 2011.

Hay seis estrenos. De dos films dejamos una breve ficha técnica.

DAMAS EN GUERRA

De Paul Feig. Con Kristen Wiig, Maya Rudolph, Melissa McCarthey, Rose Byrne, entre otros. Duración: 125 minutos.

MUY BUENA. EMOCIONES FEMENINAS EXALTADAS SIN NECESIDAD DE EFECTOS ESPECIALES

Retratarnos a las mujeres es un lugar común en el cine y en la televisión. Egoístas, envidiosas, incluso aparecemos en una actual publicidad sobre la acidez estomacal. Parece que tenemos todas en contra. O se nos nota más, que puede ser la cuestión. En Damas en Guerra se muestra todo esto y más. Una joven, que interpreta la excelente Wiig, tiene muchos males incluyendo los de amores, luego de que su pastelería quebrara y sea ahora un negocio abandonado, y su mejor amiga se casa. Ayudarla a planear la boda, a estar en los detalles, es una buena manera de salir de tanta angustia existencial femenina. Es “dama de honor” nada menos. No tiene en cuenta que sus altibajos personales hacen correr peligro la planificación así que la novia elige a una compañera de trabajo, de ésas que se “creen lindas” y lo “saben todo”. Las hay y muchas entre nosotras.  La pobre Annie no pega una, todo se desbarranca, así que la elección de otra “wedding planning” oficiosa fue el mejor resultado… hasta que hay una intoxicación en la despedida de soltera y ocurre la secuencia más escatológica que las damas en cuestión superan con más honor que desagradables imágenes, hay tan solo pocas tomas de ésas que revuelven el estómago. Pasado el susto para el espectador, se verá a Annie como una gran perdedora compitiendo con la “bella” (Rose Byrne) del grupo en una de las secuencias más extensas pero graciosas del film, que tiene un “running” más que interesante. Porque hay que estar dos horas riéndose o al menos entretenido en una butaca sin cabecear.

Damas en guerra lo consigue: el director se toma su tiempo para narrar las desventuras de unas y otras, los enojos entre las amigas, las decepciones, los celos que son furibundos entre mujeres, y, como es tiempo de ficción, la solución de tantos males. Hay velocidad pero no locura de cámara, la sucesión de secuencias interesantes y graciosas, insistimos, hacen que los detalles que van alargando el tiempo del film sean más que aceptables y hasta deleiten al espectador.

No es poco lograr tanta atención en tanto tiempo sin que la comedia decaiga y, mientras tanto, hayamos tenido la oportunidad de ver la personalidad de cada una de estas mujeres empeñadas, a su manera en cada caso, en hacer feliz a la novia. No está la fiesta en sí pero sí la post fiesta, que es más sabrosa porque las mujeres pueden verse cara a cara y cantarse un par de verdades. La recomendamos para todas las mujeres treinteañeras, que trabajan todo el día y que tienen pareja, que no saben si será la definitiva y que tienen una amiga que, de pronto, se casa como ellas quisieran. No hacen falta los antiácidos. Es una comedia de Hollywood moderna, bien planteada, con muchos visos de realidad sobre la personalidad femenina. Hay muy buenas actuaciones (todo el elenco está altamente probado en televisión), la fotografía es tradicional y aquí no se necesitan efectos 3D sino emociones, y están.

Elsa Bragato

IDENTIDAD SECRETA (ABDUCTION)

De John Singleton. Con Taylor Lautner, Lily Collins, Alfred Molina, Sigourney Weaver, entre otros. Música de Edward Shearmur. Duración: 106 minutos.

BUENA. THRILLER DE ATRAPANTE ACCIÓN DE PRINCIPIO A FIN

Abduction o Identidad Secreta es un thriller de espionaje interpretado por Taylor Lautner, el “hombre-lobo” de la saga Crepúsculo. Está acompañado por un magnífico elenco compuesto por Sigourney Weaver, Alfred Molina, María Bello y Lily Collins. El director Singleton optó por una  historia dirigida a los adolescentes, ambientada en Pittsburg, Pennsylvania, buscando capturar su grandiosidad, filmando en ríos, puentes, bosques, estadios, trenes. Son secuencias de gran factura como la voladura de la casa del joven, la lograda lucha en el tren, el tiroteo en el restaurante y el final a toda orquesta en un partido de béisbol.

El argumento gira en torno a un adolescente que intenta encontrarse a sí mismo. Tiene la sensación de estar viviendo la vida de alguien más, de otro. Se da cuenta y sus sospechas se convierten en realidad cuando descubre que sus padres no son sus padres biológicos. Un trabajo de sociología de la escuela le da su propia imagen en un sitio de personas perdidas. He aquí el preámbulo de una verdadera lucha y escape de asesinos y agentes federales que lo persiguen, partiendo de la base de que su padre está ligado a los servicios de inteligencia.

Sin duda, se le dio una buena vuelta de tuerca a la gran saga de Bourne, que interpretó en tres filmes Matt Damond. Si allí le sustraían la identidad mediante técnicas sofisticadas, aquí la abducción o identidad secreta tiene otra filiación, otra raíz, otra razón.

El debut de Taylor Lautner como protagonista absoluto es muy positivo, y sustenta su actuación en artes marciales y boxeo. Taylor cumple con el objetivo del film y se lo ve dar volteretas en el aire con gran destreza. Dicen que muchas escenas las realizó sin dobles. ¿Más de lo mismo? Es cierto, aquí hay acción y de la buena en búsqueda de la identidad perdida. Pero hay también un timing notable que atrae al espectador de principio al fin. Hay acción ininterrumpida y, si bien el film da la impresión de estar dirigido a los jóvenes, los adultos tendrán un buen motivo para ir al cine y pasarla bien. Por si fuera poco, está cubierto el romanticismo a través de adagios amorosos del protagonista con su compañera de estudios(Lily Collins, la hija de Phil Collins).

Taylor Lautner es un ex hombre.lobo devenido en un joven intrépido que busca su identidad, y enfrenta un desafío protagónico que le da chances para una gran carrera como figura principal.

Carlos Pierre

WINTER EL DELFÍIN

De Charles Martin Smithg. Con Morgan Greeman, Ashley Judd, Harry Connick JR., Ray McKinnon, Kris Kristofferson, entre otros. Musica de Mark Isham. Duración: 113 minutos.

MUY BUENA. PUERTA DE INGRESO AL MUNDO DE LAS EMOCIONES PROFUNDAS

Para muchos, es una historia más, plagada de clishés. Es cierto, la vida misma tiene clishés cotidianos así que la ficción no puede ser otra cosa que eso, un gran clishé de la vida, a veces con más arte, otras con menos. También se “acusa” al film de golpes bajos, pero en verdad los golpes bajos vienen de la vida misma. Los niños que son abusados, que pierden miembros en accidentes que genera el propio ser humano, los niños en sillas de ruedas de por vida. Todo eso lo vemos a diario por las calles de Buenos Aires. Winter es una “delfina” encontrada en una playa en el 2006. Los rescatistas la trasladaron hasta Clearwater Marine Aquarium de Florida y tuvieron que amputarle las aletas de la cola que son las que le dan movimiento de una determinada manera. Si mueve el muñón de otra forma, se comprimen los pulmones y fallece. Por eso hubo que hacerle una prótesis especial que costó mucho hasta que aceptó la más suave, en base a siliconas.

El animal reconoció desde siempre al niño que le sacó las primeras sogas enredadas en su boca y en su cuerpo. Y ese niño contribuyó a su sanación. Por supuesto, la historia fílmica tiene otros condimentos: el niño en cuestión no veía a su padre, su primo atleta había ido a la guerra y necesitó una prótesis que le impedía, en un comienzo, volver a nadar, las notas del jovencito en la escuela eran pésimas, hasta que encontró una razón de ser en Winter.

Las escenas de reconocimiento entre el delfín Winter, que actúa de sí mismo, y el niño emocionan profundamente, sobre todo para quienes creemos que el hombre es un animal más en la Tierra y debe ser compasivo y generoso con el resto de los animales. La amistad de este niño con este delfín que lo obliga a superar sus propios miedos es enternecedora.

 En casos donde la historia supera la formalidad de la pantalla, quedan de lado los clishés, las recurrencias y, aunque no se esté frente al mejor producto del cine, se está ante una historia que conmueve hasta el tuétano. Y de eso se trata el arte también: facilitarnos el ingreso a las emociones.

Hoy en día, y luego de superar una quiebra, este Aquarium es un centro de peregrinación de niños mutilados, de adultos mutilados, y Winter los recibe al borde de la gran piscina donde vive y los mima, los llama, les echa agua en la cara. Conocer a Winter y su significado social ha sido una experiencia enriquecedora. Vimos el film con los ojos húmedos por la emoción y nos olvidamos de que había que hacer una crítica para marcar los clishés y las recurrencias indicadas. No vale la pena una crítica así cuando el cine nos entrega una historia real que nos permite casi llorar de alegría. Y, por si fuera poco, es un film que nos demuestra la generosidad animal y el beneficio de la amistad entre animales y seres humanos, recordándonos la enorme crueldad de los pesqueros japoneses que los apalean y los matan. Los delfines tienen una gran inteligencia, diferente a la nuestra, como los pulpos. Los invito a verla y a tener a mano varios pañuelitos de papel. Saldrán recuperados de cualquier tristeza. Vayan el sitio, www.seewinter.com

Elsa Bragato

D-HUMANOS

De Mariana Arruti, Javier De Silvio, Carmen Guarini, Andrés Habegger, Pablo Nisenson, Miguel Pereira, Lucía Rey y Rodrigo Paz, Ulises Rosell y Andrea Schellemberg. Duracíón: 90 minutos.

BUENA. 60 AÑOS DE LA DECLARACIÓN UNIVERSAL DE LOS DERECHOS HUMANOS EN

9 CORTOMETRAJES ARGENTINOS

La reunión de 9 directores argentinos para que retrataran 9 miradas sobre diferentes temáticas relativas a los derechos humanos ha sido una buena idea, más allá de los desniveles propios de una producción que reúne direcciones e intenciones diversas. Ban Ki-Moon, Secretario General de la ONU, expuso el deber de este organismo de garantizar los derechos humanos, de difundirlos, comprenderlos y que sean una realidad para cada ser humano.

Con la exhibición de estos 9 cortos, 9 directores argentinos reclaman nuestra atención. Miguel Pereira con “Sangre en el Plomo” muestra la secuela que dejó en Abra Pampa, un pueblito de Jujuy, una fundidora de plomo, “Metal Huasi”, que durante 30 años contaminó la sangre de sus habitantes. Pablo Nisenson hizo “Un informe sobre la inequidad”, donde una joven rica y otra pobre son observadas y cotejadas científicamente en sus evoluciones espiritual y física con un resultado desigual e injusto para ambas. Andrea Schellemberg trata la educación de los cadetes del Colegio Militar, que hoy reciben la materia Derechos Humanos y centra su mirada en este proceso de aprendizaje para cuestionar si el mismo será asimilado o no por la institución militar nacional. Completan el documental “Pasarela La Fraternidad”, de Ulises Rosell, “La tumba” de Lucía Rey y Rodrigo Paz, “Objetos Humanos” de Javier De Silvio, “Baldosas en Buenos Aires” de Carmen Guarini y “Mate o leche” de Mariana Arruti. Nos gustaron, de manera especial, el de Miguel Pereira, el de Pablo Nisenson y el de Andrea Schellemberg simplemente por una cuestión de sensibilidad. Todos son interesantes, con mejor o menor factura, pero un documental plagado de buenas intenciones y de relatos, todos en una u otra medida, que nos acercan a una áspera realidad que reclaman nueve actos de justicia.

Carlos Pierre

LA VIDA NUEVA, FICHA TÉCNICA

De Santiago Palavecino. Con Martina Gusmán, Alan Pauls, Germán Palacios, Ailín Salas. Fotografía de Fernando Lockett. Duración: 75 minutos. Film Argentino, 2011.

DÍA NARANJA, FICHA TÉCNICA

DE Alejandra Szeplaki. Con Carolina Riveros, Bernarda Pages, Martín Borisenko. Fotografía de Cezary Jaworski. Duración: 87 minutos. Coproducción Venezuela-Colombia-Argentina, 2008.

JUAN Y EVA, SPLICE, SIN ESCAPE, EL SIGNIFICADO DEL AMOR, INVASIÓN A LA PRIVACIDAD, NOCHE DE MIEDO, PAUL, ESTRENOS JUEVES 15 SETIEMBRE BUENOS AIRES

JUEVES 15 DE SETIEMBRE DEL 2011.-

Hay ocho estrenos en la ciudad de Buenos Aires. Es la “semana del terror” con tres títulos, luego un policial, dos films nacionales y una comedia con un alienígena. No comentamos El fin de la espera, nacional.

INVASIÓN A LA PRIVACIDAD

De Antti J. Jokinen. Con Hillary Swank, Jeffrey Dean Morgan y Christopher Lee. Música De John Ottman. Duración: 92 minutos.

BUENA. MUERTE Y VOYEURISMO EN UN MIX UN TANTO DÉBIL

La producción de Invasión… corresponde a la protagonista, HIllary Swank, excelente actriz ganadora de dos Oscars. En este caso, se vale de pocos actores y de la recurrencia a los clishés del cine del terror con cierto guiño a Hitchcock aunque sin su maestría.

Los elementos son conocidos: una joven doctora que se divorcia, tiene un nuevo amor, y se muda a la peor zona de Brooklyn. Encuentra un oscuro departamento en una zona siniestra. Allí está el dueño, a cargo de Jeffrey Dean Morgan,  que da más para una comedia romántica que para este rol tan siniestro que debe cumplir.

Su padre vive en la casona familiar: está encarnado por un deslucido Sir Christopher Lee. Todo indica que es el “malvado”. Sin embargo, las cosas cambian, como se verá.

Un departamento con tantos agujeros disimulados en la pared para poder ver qué ocurre en él resulta un recurso infantil. Nadie dice que ese mismo sitio fue ocupado antes por una pareja que mereciera tanto voyeurismo, pero esos agujeros están. Y esto es un error del argumento porque no tienen explicación argumental, algo que sustente sus existencias.

El dueño, Max, que le alquila el lugar a “Juliet”, la doctora, recurre a una serie de clishés para conseguir la amistad sexual de la joven mujer. La anestesia, la viola mientras duerme. Ni siquiera el sistema de seguridad que Juliet pone le sirve en el momento oportuno. Su novio no será bienvenido, como es de suponer. Y el anciano que encarna Lee terminará de una manera que no tiene tampoco explicación para la propuesta.  Demasiada truculencia para una relación forzada que no requiere de ellas.

Hacia la media hora final, se desencadena el “pathos” que moviliza tanta quietud y voyeurismo, tanto vino tinto que tiene varios motivos, tantas botellas abiertas y justo la protagonista que toma la que está “envenenada”. Curioso cuanto menos.

Es de elogiar el trabajo del sonido y también la banda sonora. Entre ambos se logra un clima de thriller intenso en el final que compensa la hora inicial aburrida.

Para quienes gusten del terror a cualquier precio, el film tiene sus condimentos. Para quienes exigimos un poquito más de producción, de nervio, de argumento sin lagunas, nos parece que ponerle la calificación de “buena” ya es demasiado.

Elsa Bragato

SPLICE

De Vicenzo Natali. Con Adrien Brody y Sarah Polley. Música de Cyrille Aufort. Duración: 104 minutos. Producción de Guillermo del Toro.

REGULAR. UN FILM DE TERROR CON POCO PRESUPUESTO

Las producciones de Guillermo del Toro, en este caso es uno de los tres productores, siempre cuentan con una exageración bienvenida en dirección de arte. En el caso de Splice (que en inglés significa “empalme, enganche”), se tiene la impresión de que se buscó hacer un thriller con dos buenos actores y los recursos que quedaban de El laberinto del Fauno.

Nos relata la vida de un matrimonio dedicado a la ingeniería genética y la necesidad de crear seres humanos. Pero, claro, algo falla en ese “splice”, en el empalme celular, y nace un ser extraño, como perrito alienígena, que se transforma en una bella mujer con cola de raya, con la que puede matar, despedazar. Y, como mujer, se enamora del doctor que encarna Adrien Brody, esposo de Elsa, la médica que la ha cuidado toda la vida.

La recurrencia al nazismo y sus torturas en los films donde aparece Guillermo del Toro también está presente aquí: Elsa se cansa de los ataques de la joven monstruosa que ha creado y la somete a la extirpación de su cola mortal sin aplicarle anestesia, por lo que los gritos del “freak” hielan la sangre del telespectador.

También hay una secuencia donde la joven ataca sexualmente a Adrien Brody que resulta bastante desagradable para la audiencia. Y una serie de faunos que no tienen razón de ser que habitan el bosque que rodea la casona donde la jovencita ha sido aislada. La masacre no tardará en llegar.

Sin duda, se busca aleccionar sobre la manipulación de la ingeniería genética, apelando a las que se hacían en el nazismo. Un “no olvidar” reiterativo que no está mal como lección social, pero… no está bien resuelto en el film: se buscaron muchas truculencias para justificar un acto fallido de la ingeniería genética, se intentó darle belleza al “freak”, se cayó en lugares comunes ingratos para la sensibilidad y, en definitiva, solo con mucho esfuerzo uno puede encontrarle una razón de ser a esta película. No obstante, si bien nos desagradó profundamente, los fans del terror estarán de parabienes.

Elsa Bragato

NOCHE DE MIEDO 3D

De Craig Gillespie, con Anton Yelchin, Colin Farrell, Christopher Mintz, entre otros. Duración: 101 minutos.

BUENA. REMAKE CON MUCHOS GUIÑOS A LA HISTORIA DEL GÉNERO

El éxito de Crepúsculo y el auge de los vampiros no le fueron indiferentes al realizador Craig Gillespie (Lars y una chica de verdad) para este nuevo film que recrea La hora del espanto, inolvidable cinta de Tom Holland de 1985. El vampiro ahora es “cool” y lo encarna Colin Farrell, consagrado en Hollywood luego de su llegada desde su Dublin natal.

Entre el romanticismo entre vampiros y los clásicos del terror, cabalga Gilliespie, aggiornando con elementos técnicos como el 3D la sátira y cargándola de guiños al género tan aplaudido.

La historia transcurre en un pequeño conglomerado de casas que están aisladas,perdidas en el desierto que rodea a la ciudad de Las Vegas. Un adolescente que parece tenerlo todo, desde ser el destacado en la escuela y ser el novio de la chica más codiciada comienza a tener problemas cuando se muda un simpático vecino. El extraño comportamiento que tiene lo lleva a sospechar de que es un vampiro.  Pinta sus ventanas de negro y no ve la luz del sol. Ataca a su mejor amigo y se acerca al adolescente que debe luchar contra el malvado que posee poderes sobrenaturales.

El film tiene muchos homenajes, o guiños si se prefiere, por ejemplo, al protagonista Chris Sarandon de La hora…, donde interpretó al vampiro. También aparece en esta película como un horrendo ser en una brevísima y exacta aparición terrorífica.

El joven que está aterrorizado concurre a ver a un mago a Las Vegas y aquí también hay un juego de Gillespie que honra a los grandes del terror. Primero, mantiene el nombre que Tom Holland le pusiera a ese personaje, Peter Vincent, y a su vez, ya en 1985 Holland estaba honrando a dos maestros del terror como fueron Peter Cushing y Vincent Price, mencionados al comienzo de esta nota.

La diferencia entre el film de 1985 y esta versión está dada no en el argumento ni los personajes sino en el tratamiento de los mismos dentro de la historia propuesta. En principio, se opta por los efectos actuales más que por el trabajo de luz, sonido y fotografía como antes. Y en segundo término hay menos profundidad en los personajes, menos introspección en su relación sociocultural. Colin Farrell está muy bien en su papel si bien hay secuencias en las que se ve cierto desborde, apuntando a la sátira. Sin embargo, este desborde queda dentro de márgenes potables para la propuesta. Interesante, especialmente para los fans del género.

Carlos Pierre

EL SIGNIFICADO DEL AMOR

De Michel LEclerc. Con Sara Forestier, Jacques Gamblin, Zinedine Soualem, entre otros. Duración: 102 minutos.

MUY BUENA. COMEDIA SOCIOPOLÍTICA CON SARCASMO Y BUENA MEMORIA

Es difícil clasificar a esta comedia francesa, un “boom” en su país con justificación, donde la política, las religiones y las etnias se mezclan en un cocktail extraño, divertido y explosivo a la vez. Es una comedia, sí, pero profunda y comprometida entre el pasado en el que están el Holocausto y la Guerra de Argelia y el presente de Baya, el personaje que interpreta Sara Forestier, ganadora de un César a la promesa, o sea revelación para nosotros, para quien la frase hippy “hacer el amor, no a la guerra”, más o menos así, es un axioma de vida con el que prueba a los varones más opuestos en su pensamiento a ella.

Baya tiene ascendencia argentilia por parte de su papá y francesa por parte de su madre, que es también católica. Baya no tiene muchos miramientos y a sus adversarios de derecha los convertirá en amigos de la izquierda luego de acostarse con ellos. El quid de la vida, esa causalidad que todo lo cambia, está en Arthur Martin, un cuarentón que se enamora de Baya pero del que ésta se enamora. Jacques Gamblin interpreta a este especial Arthur Martin, un nombre y apellido que existe por miles en Francia y que además representa a una reconocida marca de electrodomésticos.

Por qué el título del film, El significado de los nombres en francés y del amor en castellano? Nos quedamos con el título en francés, Le noms des gens, que indica exactamente lo que Michel Leclerc quiere contar: las apariencias engañan. El novio cuarentón de Baya, desprejuiciada, olvidadiza al punto de no ponerse pantalones y salir desnuda, es algo más que ese nombre que lo identifica en su documento: esconde su apellido judío, Cohen, y arrastra pesados recuerdos familiares del Holocausto. Baya intenta entonces hilvanar un complicado árbol genealógico de ambos donde se entrecruzan judíos y católicos, tristezas enormes por el nazismo y la guerra de Argelia. La historia de Francia, en otras palabras, del siglo XX sintetizada en ellos dos.

Hay elementos para destacar de esta comedia que no pierde el ritmo y que nos va dejando pistas para resolver un partido de ajedrez bastante complicado: Baya usa su cuerpo como elemento de persuasión, está convencida de que debe seducir para ablandar a mentes recalcitrantes al punto de murmurar “no todos los argelinos somos ladrones”, marcando la discriminación que sí existe en Francia y en gran parte de Europa. Como al pasar, deja caer palabras tales como “horno” y “cocinar” en un contexto que nos remite inmediatamente el Holocausto. Baya es un personaje que lleva al extremo la pasión por la vida y que está convencida de derribar todas las barreras ideológicas y religiosas a través del amor, con lo cual tiene sentido el título en castellano. Sarcasmo, alegría, la inclusión de filmaciones en blanco y negro, el hablar a cámara tanto Baya como su novio en forma especial, van conformando una narración audiovisual diferente, comprometida, amena y divertida.

Les dejamos datos del árbol genealógico de los personajes: la madre de Arthur es judía y escapó del Holocausto, no así su abuela; su padre es católico ferviente y luchó en las fuerzas armadas francesas en Argelia. El padre de Baya era un árabe argelino asesinado por los soldados franceses durante la guerra de Argelia. Su madre era una ferviente izquierdista. Baya opta por honrar su herencia argelina. En definitiva, el film rinde tributo a las consecuencias no siempre positivas de dos grandes masacres: el Holocausto y la guerra de Argelia.

Carlos Pierre

SIN ESCAPE

De Benjamím Heisenberg. Con Andreaas Lust, Franziska Weisz, entre otros. Música de Lorenz Dangel. Duración: 95 minutos.

BUENA. UN THRILLER CON ANÁLISIS PSICOLÓGICO INCLUIDO

Basado en la historia real de un ladrón, uno de los más conocidos en Austria, y, a su vez, adaptando la novela de Martin Prinz sobre el caso, estamos frente a un personaje que tuvo en vilo a toda la policía por ser un atleta de gran nivel, un corredor adicto a la endorfina. Su autocontrol, su rapidez e inventiva, lo transformaron en un ladrón y criminal escurridizo.

Dueño de una indiferencia emocional y de una visión anarquista de la vida y la sociedad, se vio perturbado cuando una mujer entró en su vida tan secreta y oscura.

El director Benjamín Heisenberg descre la vida del delincuente y maratonista Johann  Rettenberger, más conocido como Pum-Gun-Ronnie.

Es un film de acción pero más cerebral y frío que los tradicionales. Logra atrapar e invita al espectador a participar de un maratón delictivo sin límite, justamente sin retorno.

Nominado al Oso de Oro como mejor director en la Berlinale en su 60 edición, el film ganó el premio al mejor guión en el 48 festival de Gijón, participó también del Festival Highlights de Toronto, New York y del BAFICI de Buenos Aires en su 12 edición.

La endorfina empujó a PumGunRonnie a una encerrona policial, desconocida en la casi idílica Austria. Ni su búsqueda de libertad y de amor bastaron para que su fuga fuera sin final, sin tropiezo. Diferente, intensa.

Carlos Pierre

PAUL

De Greg Mottola. Con Simon pegg, Nick Frot, Seth Roge, entre otros. Música de David Arnold. Duración (running): 104 minutos.

MUY BUENA. COMEDIA DIFERENTE, SIMPÁTICA, PARA PASARLA BIEN

Ni comedia romántica ni escatológica, aunque tenga algunos breves momentos: simplemente una buena comedia para pasarla bien. Dos  ingleses, fanáticos de la ciencia ficción, concurren al encuentro anual más importante del tema, San Diego Comic-Con Iinternational, y, con una casa rodando, inician el denominado “camino de los extraterrestres”. Casualmente, aparecerá Paul en sus vidas, muy a pesar de uno de ellos, intentando sobrellevar la insólita situación el otro. El tercer invitado al carromato hará de las suyas, sabe hablar en el idioma de sus ocasionales compañeros, y hasta cocinar. Tiene otros atributos que muestra con generosidad y solo intenta salvar su vida. Llegó a la tierra en 1947, quien lo cuidó hoy es una anciana y lo recuerda con afecto. Pero los servicios de inteligencia están detrás de Paul.

Se suceden situaciones muy divertidas, insólitas por el tercero en discordia que llega a reanimar a un pájaro para comérselo (no nos gustó esta escena pero está bien realizada y es ¡rapida!). Todo se da para que Paul pueda cumplir con su objetivo, que no revelamos, y para que los dos fanáticos de la ciencia ficción regresen a la convención internacional de San Diego con una novela… titulada Paul. Para pasarla muy bien, sólida imagen, sólida narración y excelente timing.

Elsa Bragato

JUAN Y EVA

De Paula de Luque. Con Osmar Nuñez, Julieta Díaz, Alfredo Casero, Fernán Mirás, entre otros. Música de Iván Wyszogrod. Duración (running): 110 minutos.

EXCELENTE. EXCELENTE RELATO DE LA RELACIÓN ÍNTIMA ENTRE PERÓN Y EVITA

Es un tema que faltaba: la historia de amor de Evita Duarte y de Juan Perón. Paula de Luque hace gala de su capacidad enorme como realizadora al utilizar todo tipo de planos para ubicarnos en 1944, el terremoto de San Juan y el encuentro entre los artistas y el coronel Perón, viudo de Aurelia Tizón y ex embajador en Chile, que había regresado de su viaje por la Italia de Mussolini y tallaba fuerte en el gobierno nacional. Más allá de entrar en detalles argumentales, que son bien conocidos por los lectores, debemos destacar la gran interpretación de Osmar Muñoz, quien recibiera un premio internacional por La mirada invisible, como Juan Perón. No intentó imitarlo sino que logró interpretarlo. Por su parte, Julieta Díaz hizo lo mismo: no imitó a Eva Perón sino que la interpretó como mujer, captando la esencia femenina, los celos, la pasión por un hombre que la cautivó desde el primer momento.

También resulta muy interesante el aporte de Paula de Luque al meternos en la relación de la pareja, en su pasión, en su intimidad, sin caer en excesos. Justo y medido. Brillan también Fernán Mirás como el coronel Eduardo Avalos, que mantenía al tanto a Perón sobre el efecto negativo en la alta sociedad de su relación con la ascendente actriz. Alfredo Casero aporta un buen trabajo como el embajador Braden, aliado a la oposición. Por otra parte, redescubrimos a Blanca Luz Brum, encarnada por María Ucedo, la secretaria del coronel Perón y los celos que despertó en Evita así como su notable fuerza de carácter para hacer caer, sin que Perón supuestamente se diese cuenta, a los enemigos de la pareja. Un detalle importante familiar es la aparición de la hermana de Aurelia Tizón, la cuñada de Perón, a cargo de María Laura Cali y el secreto entre hermanas y el coronel, así como la presencia de Juan Duarte encarnado por Alberto Ajaka. Se incluyen algunos documentales del terremoto de 1944, muy interesantes para el público actual.

Nos parece un film que se necesitaba y que debiera ser considerado para enviar a los festivales y premios cinematográficos del exterior. De 1944 al 17 de octubre de 1945: un corto período al que Paula de Luque le sacó su esencia hasta en los detalles, la hora del té, la cena íntima entre el coronel y la actriz, el amor, los perros, la política, la presencia de Eva Perón sosteniendo al hombre que amó hasta el paroxismo. Sin excesos ni verbales ni actorales, con una buena banda sonora de Iván Wyszogrod que crea un magnífico clima inicial y que sirve de apoyatura al resto de las secuencias, Juan y Eva es uno de los mejores productos nacionales en lo que va del año.

Elsa Bragato