UN ZOO EN CASA, LA CUEVA DE LOS SUEÑOS OLVIDADOS, ESTRENOS JUEVES 29 DICIEMBRE 2011

JUEVES 29 DE DICIEMBRE DEL 2011.

Hay solo dos estrenos para este fin de año 2011.

UN ZOOLÓGICO EN CASA

De Cameron Crowe. Film basado en el libro de Benjamín Mee. Con Matt Damon, Scarlett Johansson, Thomas Haden Church, entre otros. Música de Jon Thor Birgisson. Duración: 124 minutos.

MUY BUENA. COMEDIA FAMILIAR SOBRE CÓMO

SUPERAR LAS ADVERSIDADES

Es casi una biopic, si bien se señala que no todas las situaciones que vemos en esta película, Un zoo en casa, tienen que ver con la vida real de Benjamín Mee, cuyo libro se tomó de base para el guión. Un joven viudo, acechado por jóvenes madres del colegio al que va su hijo, decide dejar su empleo de periodista y comprar una casa para no tener recuerdos. Tanto él como su hijo eligen una muy alejada del centro que tiene una particularidad: un zoológico semi abandonado, que dirige una eficiente mujer, Kelly Foster, a cargo de la actriz Scarlett Johansson. Es de destacar que Scarlett se prueba en un rol y en un film diferentes a todos los que le hemos conocido: aquí está en la vereda del cine comercial.

Hace unos meses también se estrenó un film donde Matt Damon debía afrontar la pérdida de la pareja si bien el contexto fue totalmente diferente. En este caso, el zoo comprometido es el Dartmor Zoological Park, del sudoeste de la zona de Inglaterra (USA). Y es verídico el caso.

El film transita por diferentes emociones: comienza como un drama, el dolor de un joven hombre ante la pérdida de su esposa, y el cuidado de su pequeño hijo. A partir del cambio de casa y la aceptación de que convivirán con animales que necesitan mucha ayuda, la película se transforma en una comedia dramática para terminar siendo una comedia familiar.

El caso del tigre viejo y enfermo, la necesidad de conseguir dinero para el relanzamiento del zoo, la colaboración ad honorem de quienes forman parte del equipo del zoo, van dándole forma a un “larga duración” que emociona, divierte, y produce gran empatía con el espectador.

Lograr que un tema sencillo, sin 3D, nos emocione o bien nos haga disfrutar de una historia no es poca cosa dentro del cine comercial. Es un film adecuado para esta época del año en la que todos necesitamos dar por terminada algunas rachas y comenzar con bríos renovados el nuevo año. Si bien en el film no se plantea la finalización de un año, sí está el final de una etapa para un joven padre y su hijo quien, aunque feliz, resistirá el amor que su papá toma por el lugar y el tiempo que le dedica.

Alegría, emoción, logros, son algunos de los sentimientos que tendremos al disfrutar de un film que no tiene segundas aspiraciones, que no pretende estrujarnos los sesos con ninguna intelectualidad y que, sin embargo, nos plantea una situación cotidiana: superar los obstáculos. Nos gustó mucho.

Elsa Bragato

LA CUEVA DE LOS SUEÑOS OLVIDADOS

Documental en 3D dirigido por Werner Herzog. Francia, Canadá, EE.UU., Reino Unido e Italia. Duración 90 minutos. Distribuido por Zeta Films.

MUY BUENA. UN ENCUENTRO CON EL ESPIRITU DEL HOMBRE DEL PALEOLITICO.

Descubierta recientemente, en l994, la cueva de Chauvet, ubicada en el sudeste de Francia, es una expresión del arte rupestre, de marcado acento mágico, que data de 32.000 años y que, como una cápsula del tiempo, permaneció cerrada a los ojos del hombre durante 20.000 años porque un desprendimiento del acantilado selló su entrada. Agregamos que estas pinturas pertenecen al hombre de Cro-Magnon, que vivieron en el Paleolítico Superior, su datación es de 40 mil a 10 mil años, y pertenecieron a la Cultura Auriñaciense.

Werner Herzog tuvo la fortuna y el permiso de las autoridades francesas, quienes solamente le permitieron filmar durante seis días de cuatro horas en cada jornada, porque la acumulación de dióxido de carbono tóxico y las exhalaciones podrían humedecer la caverna, algo que ya ocurrió en otros sitios similares.

Una sobrecogedora exposición de pinturas con las figuras en movimiento de bisontes, caballos, leones, rinocerontes, fueron plasmadas en las formas caprichosas de las paredes y tal vez más que con arte puramente pictórico con un sentido de representación figurativa, afín al alma humana moderna.

Este hombre del paleolítico no se guareció allí, en esa gruta, ya que en ella habitaban osos cavernarios, de los cuales quedan en las paredes sus arañazos, y también las huellas de sus patas y sus huesos diseminados por el suelo.

Narrada en primera persona por el propio Herzog, este documental es, hasta ahora, la única oportunidad de contemplar el trazado del espíritu de aquel hombre de Cro-Magnon, de un metro ochenta de estatura quien, con su mano alucinada y una antorcha, dejó el testimonio más acabado de su categoría de hombre.

Además de la maestría documentalista y singular de Herzog, merece una destacada atención la banda sonora de Ernst Reijseger interpretada por un pequeño conjunto donde sobresalen un violoncello y una flauta superlativos.

En 2011, este documental recibió s premios al mejor documental del New York Film Critics Circle Awards y del Whashington DC Film Area Critics Association Awards. Nosotros debemos premiarlo con nuestra presencia. Valioso documental.

Carlos Pierre

CANCIONES DE AMOR, TERROR A BORDO 3D, LA ÚLTIMA MIRADA Y, EN INTERNET, STEPHANIE, JUEVES 22 DICIEMBRE 2011

JUEVES 22 DE DICIEMBRE DEL 2011.

Hay tres films, entre ellos, uno argentino, La última mirada.

También está el primer lanzamiento de un film directamente por internet: se trata de Stephanie, que se estrena el jueves en el sitio Cuevana.tv. Ver http://www.stephaniefilm.com/

CANCIONES DE AMOR

De Christophe Honoré, con Louis Garrel, Chiara Mastroianni, Clotilde Hesme, entre otros. Música de Alex Beaupain. Duración: 95 minutos.

BUENA. DRAMA ROMÁNTICO PARA EL PÚBLICO MUY JOVEN

Canciones de amor nos devuelve el cine musical de los 60 con los tonos del siglo XXI. Hay una serie de elementos que pueden gustar y mucho al público más joven. Por otra parte, tiene un tributo implícito al cine de la Nouvelle Vague que las nuevas generaciones no conocieron. El triángulo amoroso, la confusión, la mortalidad, ese existencialismo tan típico del pensamiento francés y tan profundamente humano para cada uno de nosotros, son otros conceptos que sobrevuelan esta historia. Entre canciones del pop francés, escritas por Alex Beaupin (para la mayoría de los argentinos, un autor desconocido), y triángulos amorosos hetero y homosexuales, transcurre con cierta ligereza el drama romántico propuesto, que le permite al protagonista, Louis Garrel, recorrer calles parisinas no turísticas, bajo la lluvia, con el frío y el cielo nublado tan característico de París.

El film presenta tres capítulos, La partida, La ausencia y El regreso, y también nos muestra una sola cama donde el amor pasará por diferentes parejas con un solo eje, que es el protagonista Garrel, con gran parecido a Robin Pattinson. En ellos, se ve el amor del personaje principal por una bella rubia, desacomodado por la presencia de la compañera de trabajo. La muerte súbita, y una noche compartida con las dos jóvenes, hacen trastabillar a “Ismael”, de su pareja lo obligan a repensar la vida y cualquier otra pareja. La muerte de la joven novia es un hecho que le ocurrió al director.

Las canciones surgen como respuestas, en un remedo (dicho esto sin doble intención) a la antológica Los Paraguas de Cherburgo, con Catherine Deneuve, mamá de Chiara Mastroianni, quien tiene un rol destacado en esta película. Y tienen muy buena factura musical al punto que su inclusión es natural, sin desbordes de armonías o fortissimos.

El guión es un tanto alocado, una búsqueda desesperada del amor como redención, como salvataje de ese fin inexorable que nos espera y nos iguala: la muerte..

Ha altibajos en laproducción: no se avisó, al menos es lo que se infiere, a los comerciantes de diferentes calles por donde pasaba el protagonista y una cámara dado que salían corriendo de sus negocios para ver quién filmaba. Detalle que no debió pasarse por alto.

Hay sí un subtema planteado en los hechos: Ismael no supera la pérdida de su novia, y opta por la homosexualidad. En el medio, hay charlas, sobremesas, amores en una misma cama, y la muerte como compañera insoslayable de la condición humana. Para los muy jóvenes.

NR: Este film se estrenó en el 2007. Notable atraso. No obstante, el tema no perdió actualidad.

Elsa Bragato

TERROR A BORDO, SHARK NIGHT, EN 3D

De David R. Ellis. Con Sara Paxton, Dustin Milligan y Alyssa Díaz, entre otros. Música, Graeme Revell. Duración: 91 ‘. Distribuye Buena Vista.

REGULAR. DESVAÍDO FILM DE TERROR CON TIBURONES DE PACOTILLA

El director David R. Ellis, quien nos había deleitado con Destino Final, nos defrauda con estos tiburones que no aterrorizan al espectador, aunque se supone que sí lo hace con los siete visitantes de una casa a orillas del lago en Louisiana.

Al contrario, un pobre guión nos pasea por situaciones previsibles hasta ridículas e inverosímiles. Por ejemplo, el caso de uno de los desafortunados personajes a quien un tiburón le arranca un brazo, y a pesar de la deficiente atención médica que recibe en el momento, se levanta de la cama donde se recupera, toma una lanza y se mete en las aguas para matar al tiburón que lo atacó. De movida, tenemos la secuencia de la jovencita que es tragada por uno de los animales, un hecho trágico que no hace mella en ninguno de los personajes.

Este film, hay que reconocer, difiere de otras versiones de tiburones asesinos porque aquí los escualos están monitoreados por un trío de perversos jóvenes conformado por el amante despechado , un borracho empedernido y un alguacil corrupto, quienes han llevado del mar abierto a una laguna a semejantes animales marinos para vengar al amante de la protagonista quien había sido herido en el rostro por su pareja. Un motivo de poca monta para tamaño salvajismo pero es el “quid” argumental y el único elemento distintivo.

Los tiburones encerrados y hambrientos esperan el momento de atacar, accionados por estos tres desquiciados. Los animales, que son obviamente mecánicos, provocan terror en la ficción y algún sustito risueño en la platea porque las situaciones son previsibles.

Las escenas en la laguna, con la ayuda del 3D, las raudas embarcaciones, la exuberante naturaleza de las orillas, agregado al parloteo de alguno de los protagonistas acerca de la diversidad de casi 350 especies de tiburones y sus diferentes comportamientos, no logran aportar interés a este olvidable relato.

Cuando en un film aparece un grupo de jóvenes o cerca de una laguna como en este caso o bien perdidos en un bosque, estamos frente a un trillado film de terror. Éste sobreviene según la sensibilidad del espectador. En este caso, provocan risas porque ya se sabe lo que pasará, así que el agua teñida de colorado es un elemento risueño a pesar del dramatismo que debiera tener. Para divertirse con terror burdo y en 3D. Pero, si puede, no gaste su dinero en este film.

Carlos Pierre

LA ÚLTIMA MIRADA

Film nacional de Víctor Jorge Ruiz. Con Arturo Bonin, Katja Alemann y Eugenio Roig. Duración: 109 minutos.

Nos cuenta la vida de un argentino que, en la época del proceso, se radicó en España y regresa al país para buscar sus raíces y vengar a su madre, muerta bajo torturas en un campo de concentración de los militares. Se enamora de la hija del verdugo y le plantea la duda de que ella también sea una hija de NN. Se puede visitar el sitio del film para mayores datos. No la comentamos.

EL JUEGO DE LA FORTUNA, LA CAMPANA, JUDÍOS POR ELECCIÓN, CUATRO MUERTOS Y NINGÚN ENTIERRO, JUEVES 15 DICIEMBRE 2011

JUEVES 15 DE DICIEMBRE DEL 2011.

Hay cuatro estrenos, dos nacionales, La Campana y Judíos por Elección.

CUATRO MUERTOS Y NINGÚN ENTIERRO

De Ian FitzGibbon. Con Dylan Moran, Mark Doherty, entre otros. Música de Denis Woods. Duración: 89 minutos. Distribuye Impacto Cine.

BUENA. COMEDIA NEGRA CON ESTILO “BRITISH”

Comedia negra irlandesa que se asocia y se identifica con ese humor distintivo, siempre punzante y elegante del cine inglés. Tanto el director Ian Fitz Gibbon, que es también actor, como los dos protagonistas, Dylan Moran y Mark Doherty, tienen una vasta y exitosa vigencia en la televisión irlandesa y en el cine, como en el caso del director del film, quien interpretó a un pícaro ladrón de libros en la recordada Notting Hill, de 1999, protagonizada por Julia Roberts y Hugh Grant.

El guión muestra el mundo del cine y el mal momento que está pasando un esforzado actor, relegado al anonimato. Se presenta a una entrevista por un pequeño papel en una película y es rechazado.

El regreso a su departamento que alquila está plagado de carencias y sinsabores, porque está amenazado por su desencantada novia, a punto de abandonarlo, y por su casero que le reclama el alquiler atrasado.

Solo cuenta con su mejor amigo, quien lo alienta a no abandonar esa meta cinematográfica que se ha trazado y lo acompaña a eludir los embates del desempleo, el anonimato y la frustración amorosa.

Pero un día alguien muere a su alrededor, luego otras muertes se suceden, accidentales y colaterales, y como una paradoja de su negro destino, lo lleva a plasmar en un guión cinematográfico todo lo que ha acontecido a su alrededor, con la ahora buena fortuna que lo hará salir del submundo de los actores sin trabajo.

Comedia negra al mejor estilo británico, que no se aparta de esa vasta y fina tradición teatral a través de los siglos, sustentada en este caso por dos grandes actores en la escena televisiva y teatral de Irlanda.

Para los amantes del cine británico, es un film para ver por la ironía más penetrante y un humor negro que, a pesar de los cadáveres, lo hará disfrutar.

Destacamos que esta film lo vimos hace casi un año y estuvo no menos de 10 veces mencionado para estreno siendo descartado hasta ahora.

Carlos Pierre

LA CAMPANA

De Fredy Torres, con Jorge Nolasco, Rocío Pavón, Lito Cruz, María Fernanda Callejón, Mónica Ayos, entre otros. Banda Sonora de Alejandro Kauderer. Duración: 85 minutos. Distribuye 3C.

BUENA. FILM DE CIENCIA FICCIÓN CON EXCELENTE FOTOGRAFÍA, BANDA SONORA Y ACTUACIONES

Esta ópera prima de Fredy Torres, autor también del guión que oscila entre el realismo y la ciencia ficción, está ambientada en el puerto pequero de Mar del Plata, con un elemento fantástico en una zona en el mar adentro llamada La Campana, sitio mítico donde el tiempo se detiene para el que la aborda, pero no para los que permanecen en tierra, a quienes les fluye cronológicamente los años.

Es una historia de amor desencantado entre Juan, interpretado por Jorge Nolasco, quien se interna con su pequeño barco en el mar, y Laura, a cargo de Rocío Pavón como la novia joven y Mónica Ayos en el rol adulto; María Fernanda Callejón es la prostituta que se interpone entre ellos, y sobresale Américo, un marino que ya está más allá de los embates de la vida, encarnado por Lito Cruz, siempre convincente.

Esta historia transcurre durante la guerra de Malvinas, en l982, que amerita la comparación utilizada por Fredy Torres: el mar “se traga” a los marinos como ocurrió con los jóvenes combatientes que fueron a la guerra.

Los naufragios forjaron una tradición de mar adentro vinculada a lo fantástico, con gran similitud con una teoría científica en boga: si se supera la velocidad de la luz en un viaje espacial, el tiempo del astronauta será mucho menor que el transcurrido en la Tierra. En el legendario film El planeta de los simios ocurre esto, el astronauta regresa con unos pocos más, pero en la Tierra han pasado siglos. Y es el “quid” argumental de este film.

Inmersos en la realidad de los pescadores marplatenses para tener luego un giro fantástico, esta pareja enamorada a destiemplo padece un desencuentro inexorable.

El realizador Fredy Torres ha volcado en esta ópera prima todas sus ideas y lecturas moldeándolas en una narración que tiene sus altos y bajos aunque no deja de ser atractiva. Hay muchos elementos reales y otros tantos fantásticos que producen vaivenes narrativos, salvados, y hay que decirlo, por la fotografía, por la banda sonora profesional con 13 temas (algo más que inusual en el cine nacional) y por las actuaciones.

Carlos pierre

JUDIOS POR ELECCION

De Matilde Michanie. Argentina, 2011. Música de Fernando Manuel Diéguez. Duración: 85 minutos.

BUENA. LA RELIGIÓN JUDÍA Y SU RELACIÓN CON QUIENES ADOPTAN ESTA FE

Estamos frente a un documental coral dirigido por la documentalista Matilde Michanie, de vasta experiencia en el género. Graduada en la Universidad de Kassel, Alemania, recordamos su film Licencia Número Uno, sobre la vida de la boxeadora argentina Tigresa Acuña.

Filmada en Argentina e Israel , esta película plantea qué es ser judío, su milenaria tradición, y el arduo camino de convertirse al judaísmo sin serlo. Plantea ese desafío, esa prueba de resistencia que muchas veces llevó a decir al célebre escritor Sholem Aleijem, con cierto sarcasmo, “qué difícil es ser judío”.

Se muestran más de 20 experiencias con agilidad y buen ritmo a lo largo de la hora y media de duración, entre la Argentina y en Israel. Dos casos de conversión al judaísmo acaecidos en nuestro país fueron el de una familia católica y el de un empedernido buceador de la fe, quien estuvo recluido en el convento de Los Toldos, provincia de Buenos Aires.

Se infiere de este documental que realmente abrazar el judaísmo es muy complejo, por sus rígidos preceptos religiosos, no fáciles de comprender bajo la mirada católica. Resulta muy interesante.

Carlos Pierre

EL JUEGO DE LA FORTUNA

De Bennet Miller. Con Brad Pitt, Jonan Hill, Philip Seymour Hoffman, Stephen Bishop entre otros. Música de Mychael Danna. Duración: 133 minutos. Distribuye Sony Pictures.

BUENA. BASADA EN UN HECHO REAL, SOBRESALE BRAD PITT, CAMINO AL OSCAR

Un film sobre béisbol no resulta muy atractivo en estos lares. A favor, esta película El juego de la Fortuna tiene una acertada y coherente narración sobre los avatares de un club pobre, el Oakland A’s, que pertenece a la liga profesional y no tiene dinero para reemplazar a sus mejores jugadores. Para quien ama el deporte en general, las reuniones directivas analizando la situación económica del club, la desesperanza de cada integrante y la actitud positiva de Billy Beane (Brad Pitt), manager, y su búsqueda de soluciones, resulta apasionante. No así para todo el público aunque se trate de un argumento sostenido a lo largo de los 133 minutos, sin caídas argumentales, y se esté frente a un hecho real. Aquí debemos señalar que está basado en un libro de Michael Lewis.

Billy Beane contrató a un experto en economía de la universidad de Yale, encarnado por Jonan Hill,que se convierte en su mano derecha a pesar de las caras largas del resto de la comisión directiva. Las planillas de números con proyecciones sobre las inversiones en los jugadores provocó un cambio radical en el deporte en general a la hora de elegir quiénes integran un equipo de béisbol en este caso.

La fotografía es muy buena pero a la vez muy clásica. Y, si bien es prolija y atinada, no deslumbra. Está al servicio del argumento (esto sí es un logro). Es que, en verdad, el “quid” del film está en los diálogos, inteligentes, lúcidos, y en las relaciones humanas, sus mezquindades, o lo contrario. Brad Pitt realiza una gran actuación al punto de que uno se olvida del “baby-face” y se deja seducir por este personaje, olvidándose de quién está componiéndolo. Gran logro en su carrera.

La recomendamos para quienes amen el deporte, así como para quienes tengan relación con clubes de fútbol, por ejemplo. El film tarda en apasionar al espectador no avezado en el tema y tiene una notable extensión (running) que puede desalentar.

Elsa Bragato

BALANCE CINE 2011

BALANCE DE CINE 2011.

Este año tuvimos alrededor de 8O estrenos argentinos y de 190 estrenos internacionales al día de la fecha, 12 de diciembre del 2011.

El cine nacional recuperó el género histórico con diferente suerte en los films Un cuento chino, Revolución, el cruce de Los Andes, Fontana, la frontera interior, La patria equivocada, de fallida realización, y Belgrano La película emitida en diferentes ciudades y por canal 7.

Entre las producciones más exitosas señalamos: Un cuento chino, El dedo, El gato desaparece, Aballay (postulada por Argentina al Oscar a la mejor película extranjera), Cerro Bayo, Viudas, Mi primera boda, Juan y Eva, Medianeras, Caño dorado, El estudiante, Antes del estreno, Las acacias, Verdades verdaderas, La vida de Estela, Un amor, Mía, y La mala verdad. Las dos más taquilleras fueron Un Cuento cHino y Viudas.

Se ofrecieron tres films nacionales de animación, Las aventuras de Nahuel, Don Gato y su pandilla y Eva de la Argentina.

Se destacaron los siguientes documentales: Un tren a Pampa Blanca, Vienen por el oro, vienen por todo, El retrato postergado, sobre Haroldo Conti, D-Humanos, Tierra sublevada II, oro negro y Tata Cedrón, el regreso de Juancito Caminador.

Por el lado de la filmografía extranjera se completó las películas nominadas a los Oscars: El discurso del rey, El cisne negro, El ganador, l27 horas y Temple de acero, de los Hnos Coen, con un estupendo Jeff Bridges.

Hubo tres tanques, con una muy buena taquilla, Harry Potter y las reliquias de la muerte, parte 2, Piratas del Caribe, cuarta entrega, navegando aguas peligrosas y Amanecer, parte 1, de la saga Crepúsculo.

Los chicos disfrutaron con Rango, Río, Cars 2, Enredados, Hop, rebelde sin Pascua, Las aventuras de Sally, la tortuga, de origen belga, con un marcado mensaje ecologista, Las nuevas aventuras de Caperucita Roja, Gato con botas y Operación regalo en 3D. Sin animación, se ofreció Los pingüinos de papá, una reidera comedia.

Woody Allen estuvo presente en nuestras carteleras con dos películas, Que la cosa funcione y Medianoche en París, que desbordó las boleterías siendo, incluso en nuestro país, su film más masivo y taquillero.

Destacamos otro éxito de taquilla casi sin producción como fue Actividad paranormal 3. La película La casa muda, con algún parentesco a Actividad Paranormal, también se estrenó pero no pasó gran cosa.

Las mejores en efectos 3D fueron Piraña y Sanctus 3, de buceo en el fondo submarino.

También en 3D, hubo una nueva adaptación aggiornada de Los 3 mosqueteros, con buena repercusión de público.

Winter, el delfín fue muy emotivo. Es un hecho real, en el que un delfín perdió su cola, atrapada en una red de pescadores.

Se ofreció una versión reducida de 2 horas, de un original de 5 horas de Carlos, una suerte de Che Guevara venezolano.

El cine español nos agobió con dos films tremendistas, Biutiful y Balada triste de trompeta. Resultó escatológica Torrente 4, de Santiago Segura. Carlos Saura con el musical Flamenco, flamenco y Pedro Almodóvar se apartó un tanto de su temática con La piel que habito.

La profecía del 11-11-11 no cubrió las expectativas, igual que Más allá de la vida, de Clint Eastwood. Ni El Rito, con Anthony Hopkins, que resultó un remedo de El exorcista. Apareció el talento del longevo maestro portugués Manoel de Oliveira con Angélica y el de Sofía Coppola con Somewhere.

Excelentes fueron El árbol de la vida, del ambicioso Terrence Malick, con Brad Pitt, Pina en 3D, sobre la famosa bailarina alemana, Gigantes de acero, robots en un futuro año 2020 , en escalofriantes duelos de boxeo, Aquel martes después de Navidad en DVD, de origen rumano, Tres hermanos, tres destinos, también en DVD, sobre la independencia de Argelia. La italiana y querible La prima cosa bella, Poesía para el alma, en DVD, de Corea del Sur. La enmarañada La hora del crimen, de origen italiano que, sin embargo, atrajo al público por su intenso suspenso. Un caso tan actual como el crimen de un niño fue la noruega Aguas turbulentas, Un feriado particular, con gran acento del neorrealismo italiano, El concierto, de origen ruso. Líbano, película israelí, que trata sobre el accionar de unos soldados novatos israelíes en el Líbano, en el interior de un tanque de guerra. El hombre que vendrá también abordó el tema de los partisanos italianos en la Segunda Guerra Mundial, la filosófica película tailandesa El hombre que podía recordar sus vidas pasadas, la canadiense Incendies, la bizarra Blue Valentine, la francesa De dioses y hombres, de gran factura narrativa audiovisual. Fue memorable Copia certificada, de Abbas Kiarostami, y también Habemus papam, sobre la designación de un nuevo Papa que rehúsa asumir tal cargo eclesiástico. El policial Rápidos y furiosos, filmada en Río, el urticante Poder que mata, con Sean Penn, sobre las armas nucleares en Irak, 8 minutos antes de morir, rompecabezas con un piloto de guerra que vive una extraña experiencia y la sueca-danesa En un mundo mejor, entre un campo de refugiados en Africa y una ciudad danesa. Agregamos la galardona película chilena “Violeta se fue a los cielos”, sobre la vida de la artista trasandina Violeta Parra. Y el regreso del realizador Mike Leigh con “Un año más”, un film inolvidable.

A este panorama le agregamos los festivales de cine independiente de Buenos Aires, así como el primer festival de cine árabe, el festival de cine italiano BACI, el festival de cine brasileño, el festival de cine alemán, el festival de cine de la India y muestras que siempre se dan en el Malba y en la Sala Lugones del San Martín. Variado espectro para un público siempre ávido de novedades.

Carlos Pierre

GATO CON BOTAS, LA VIDA EN TIEMPOS DIFÍCILES, AÑO NUEVO, LA ÚLTIMA NOCHE, ESTRENOS CINE JUEVES 8 DICIEMBRE

JUEVES 8 DE DICIEMBRE DEL 2011.-

Hay seis estrenos, uno en DVD, Alamar. No comentaremos A quién Llamarías, el estreno nacional de la semana.

LA VIDA EN TIEMPOS DIFÍCILES

De Todd Solondz, con Shirley Henderson, Allison Janney, Ally Sheedy, Michael Kenneth Williams, Michael Lerner, Ciarán Hinds, Chris Marquette, Charlotte Rampling, entre otros. Música aleatoria. Duración: 98 minutos.

MUY BUENA. LUCES Y SOMBRAS EN UN ARDUO RELATO SOBRE LA BÚSQUEDA DE LA FELICIDAD A TRAVÉS DEL PERDÓN

Todd Solondz, de 52 años, es el realizador de Felicidad, un film que tuvo éxito en nuestro país, donde mostró a la familia que, pasados los años, volvemos a ver en este film. Para Solondz, los personajes tienen relación y no la tienen porque ve en ellos progresión o crecimiento. Para quienes no vieron Felicidad, el film se comprende perfectamente si bien, aquellos que tienen el conocimiento de la anterior, podrán encontrar situaciones similares. Es que hay un mismo estilo, personal y polémico en Solondz.

Las tres hermanas de Felicidad, Joy-Trish y Helen, ahora son interpretadas por Shirley Henderson, Allison Janney y Ally Sheedy. La cantante melancólica Joy, casada con un afromericano que compone Michael K. Williams; Trish que logró rearmar su familia con sus hijos junto al personaje de Michael Lerner, y Helen, la escritora que cortó con su familia pero, de alguna manera, todas las hermanas volverán a verse.

Los climas que crea Solondz son muy interesantes si bien nos hace pasar de una noche de sexo a las palmeras de La Florida, donde vive una de las hermanas. Hay un pasado de hombres pedófilos, de engaños, de jóvenes que han sido abusados por sus mayores, de mentiras piadosas, que el director resuelve enfrentando a los personajes durante un té, una cena, un restorán coqueto, o el dormitorio de una universidad, cuando no en un extraño bar prostibulario. Noche y día se suceden sin piedad para el espectador.

Rescatamos varios diálogos que son las “llaves” para comprender dónde reside el perdón, qué hay que olvidar, y si es posible renacer de la tragedia familiar, personal o del grupo, a una nueva vida. Por ejemplo, uno de los primeros es el de la actriz Allison Janney con su actual pareja de ficción, Michael Lerner, profundo y conmovedor. Otra secuencia nos muestra a una estupenda Charlotte Rampling en una aparición especial junto a Ciarán Hinds y su sórdido Bill, en una noche de despiadado sexo. O también el diálogo entre hermanas, Ally Sheedy y Shirley Anderson, fuerte, doloroso. O el de Bill (Hinds) con su hijo Billy (Chris Marquette) y unas disculpas que llegan tarde sobre hechos perversos de pasado, muy amargo y profundo a la vez.

Joy, a su vez (Shirley Anderson) vuelve como en una parábola, al comienzo en otro diálogo tocante con su marido, Allen (Michael K. Williams). En medio de estos encuentros resueltos en charlas que no podían evitarse en el seno de esta familia de ficción, está la felicidad a medias de Trish por el bar mitzvah de su hijo menor.

Si bien Todd Solondz ha querido escapar al convencionalismo, uno de sus rasgos como realizador, la condición humana lo trasciende aún a costa de sus intentos y busca que estos personajes tan dañados por el pasado, incluso los más jóvenes, tengan una luz para iniciar un camino diferente, de paz o de resarcimiento.

La fotografía así como las actuaciones son notables. La solidez de la narración también, si bien tiene el estilo Solondz, con los cambios de clima que indicamos: del dolor al canto de una niña, del llanto a la mirada amorosa de Joy a su marido.

Es una película diferente, los seguidores de Solondz lo saben, especial para cinéfilos, no marquetinera. Para ver historias de vida profundas, desgarradas, sin piedad pero con redención, que incluye la famosa foto del Che Guevara.

Elsa Bragato

GATO CON BOTAS

De Chris Miller. Dibujo animado en 3D con las voces y actuaciones de Antonio Banderas y Salma Hayek en los protagónicos con Guillermo del Toro, y Zach Galifianakis, Billy Bob Thornton , entre otros. Música de Henry Jackman. Duración: 90 minutos. Distribuye UIP.

BUENA. UNA HISTORIA SIMPÁTICA CON ALGUNA

DEBILIDAD EN EL GUIÓN

Se puede preguntar si hay algo más para inventar en películas animadas en 3D. Debe resultar difícil. Este “Puss in boots” surgió del segundo film Shrek, era el malo que terminó del lado del ogro verde.

Aquí es protagonista absoluto y no solo Antonio Banderas puso la voz sino también la actuación a través del sistema de “captura de imagen” por lo que este gatito tiene mucho del actor español.

Asistimos a su nacimiento, al por qué de las botas, y a su cruce con una bella gatita, tipo siamesa, Kitty, con la voz y actuación de Salma Hayek. Una de las mejores secuencias de este film animado se da cuando los dos gatos, en una recíproca seducción, bailan flamenco.

La aparición del huevo Humpty Dumpty que algo de torpeza ya sugiere en su nombre en inglés, y las locas aventuras por un tesoro especial que los puede llevar al “cielo” en las que meterá al ambicioso Gato con Botas, ayudado por Kitty. Es en estas aventuras donde no encontramos mucha originalidad, las habas de oro, por ejemplo, porque la resolución de las correrías son semejantes a las de un policial de los que estamos hartos de ver en el cine para adultos. Claro está, los más chicos van a disfrutarla porque los personajes son queribles y simpáticos a más no poder.

Para nosotros, muy modestamente, el film tiene el encanto de sus personajes y una narración que se debilita en persecusiones y peligros muy trajinados. De todas formas, es un film para apreciar en familia con una excelente técnica 3D.

NR: Recordemos que el gato con botas es un cuento popular europeo que fue recobido por primera vez en 1634 y alcanzó la fama al formar parte de la colección Los cuentos de la Oca de Charles Perrault en 1697.-

Elsa Bragato

AÑO NUEVO

De Garry Marshall. Con Robert De Niro, Eric Efron, Halle Berry, Sarah Jessica Parker, Jon Bon Jovi, Hilary Swank, Jessica Biel, Ashton Jutcher, Michelle Pfeiffer, Matthew Broderick, Héctor Elizondo, el Alcalde de New York, entre otros. Música de John Debney. Duración: 117 minutos.

BUENA. ELENCO CORAL EN UNA SIMPLE Y EFICAZ COMEDIA

ROMÁNTICA

Muchos actores, muchas historias. El tema que desarrolla Garry Marshall, hacedor de éxitos románticos, es la noche de fin de año en Times Square que no es tan solo la reunión de miles de personas en el tradicional cruce de New york sino también la realización de un show a cuadras de allí y la preparación de la bola de colores que, al bajar, dará las 0 hora del nuevo año 2012.

Hilary Swank encarna a una nerviosa coproductora del evento musical y no ha tenido mejor idea que traer a Jon Bon Jovi para rearmar su pareja con el personaje de Katherine Heilg, llamada a ser la nueva heroína romántica de Hollywood, falto de parejas protagónicas carismáticas para historias de amor. Y este reencuentro producirá las secuencias más débiles y remanidas del film.

En todo caso, todo es remanido nada más que hay algún momento de emoción, dado por Robert De Niro, quien vive en New York, por lo que nadie mejor que él para interpretar a este padre moribundo, que se supone alguna vez tuvo familia, para ver caer la famosa bola antes de partir de este mundo. El secreto está en quién es su hija, generándose una de las escenas más emotivas del film aunque ya vistas.

Así pasaremos por una avejentada Michelle Pfeiffer, una preocupada madre a cargo de Sarah Jessica Parker, un Ashton Kutchner sin fe en la vida (recientemente divorciado de Demi Moore y con varios films de baja categoría, hoy protagonista de famosa serie televisiva), una Halle Berry que nos conecta, vía internet, con su marido, un soldado en alguna guerra de Oriente. Son los temas que hacen directamente a la sociedad norteamericana. Es decir, hay un tufillo político que no tiene nada que ver con nuestra sociedad y tal vez eso pueda molestar a algunos espectadores.

En esta propuesta coral, hay dos personajes que nos sirven de guía y que hay que seguir desde el comienzo: el de Hilary Swank y el de Zac Efron, que compone a un nuevo galán para una mujer que necesita de ese beso joven y ansioso apenas den las 0 hora. Agregamos que Matthew Broderick, en una rápida aparición, es el marido de la exitosa Sarah Jessika Parker en la vida real.

Demasiado extensa, con momentos simpáticos, pero alejada del sentir de los argentinos: es un film para pasar el tiempo y no pensar que hay guerras en Oriente, ni que Bloomberg es mejor que Macri. No. Es para ir a pasar el tiempo.

Elsa Bragato

LA ÚLTIMA NOCHE

De Massy Tadjedin. Con Keira Knightley, Sam Worthington, Eva Mendes, Anson Mount, entre otros. Música de Clint Mansell. Duración: 90 minutos

BUENA. DESPOJADO RELATO DE UN JOVEN MATRIMONIO

QUE INTENTA SOBREVIVIR A LAS TENTACIONES

La última noche lleva un título que parece indicar el final de todo y sin embargo nos muestra solo una noche decisiva para una pareja, la formada por la delgadísima Keira Knightley y Sam Worthington, un hombre de negocios a quien una de sus compañeras acosa, encarnada por la seductora Eva Mendes.

Pero la joven esposa tiene un encuentro con un ex, justo ese día en el que el mundo parece venírsele encima. El final es abierto y permite la reflexión sobre subtemas que están latentes: puede una noche de locura terminar con un amor muy grande? ¿Qué infidelidad se juzga peor? ¿La de la mujer o la del hombre?

El film está despojado de fiorituras. Diálogos entre un matrimonio que se sospecha mutuamente, sin razón, pero sospechas hay. La buena fotografía, la afiatada actuación de los actores, hacen el resto para un guión que, de no ser por ellos, no resultaría atractivo.

Aquí no hay literatura para alegrarse ni para entristecerse. Es lisa y llanamente una situación límite que puede transcurrir en menos de tres días, pero hay una noche en especial en la que la pareja se verá a prueba. Será la última noche de las indecisiones? Nos parece interesante el planteo, sin vueltas. Especialmente para las parejas jóvenes. Y, como decíamos, con un final abierto que lo hace sorpresivo. Mucho más no podemos contar del argumento. Hay que verla, “sentirla” y reconocerse o no en las situaciones de los protagonistas. No está mal.

Elsa Bragato

LA MALA VERDAD, TATA CEDRÓN EL REGRESO, OPERACION REGALO, CÓMO LO HACE, EL PRECIO DEL MAÑANA, ESTRENOS CINE JUEVES 1 DICIEMBRE

JUEVES 1RO DICIEMBRE DEL 2011.

Hay cinco estrenos, incluyendo dos films argentinos.

LA MALA VERDAD

De Miguel Angel Rocca. Con Alberto de Mendoza, la pequeña Ailén Guerrero, Analí Couceyro, Carlos Belloso, Malena Solda, Norman Briski, Mario Alarcón, Ceciclia Rossetto, entre otros. Música de Osvaldo Montes. Duración:

MUY BUENA. NOTABLE DUELO ACTORAL ENTRE DE MENDOZA Y BRISKI EN UN RELATO SÓLIDO Y ACTUAL

La Mala Verdad se filmó en una escuela insigne de Buenos Aires, el famoso Mariano Acosta, conmocionando a la comunidad docente y estudiantil del lugar y del barrio. La propuesta es muy interesante, plagada de sutilezas que hacen bien al relato propuesto y con notables actuaciones, de ésas que nos quedarán en el recuerdo, como la de Alberto de Mendoza y Norman Briski, que establecen un duelo actoral desde opuestos inolvidable.

En los aspectos técnicos, el film de Rocca es muy sólido, la fotografía tiene cuerpo tanto como los personajes. La música de Osvaldo Montes, gran maestro, es otro de los personajes, amable y fuerte a la vez.

Un abuelo vive con su hija y su nieta. Aquí destacamos la actuaciones de Analía Couceyro y de la pequeña Ailén Guerrero, de gran futuro. El padre murió y la pequeña busca en la librería familiar algún dibujo o retrato de “alguien” que sea su padre y arranca esas contratapas o recortes guardándolas celosamente en un arcón de juguetes. Algo pasa en su conducta que llama la atención de la psicopedagoga del colegio, a cargo de Malena Solda, quien recurrirá a su superiora, encarnada por Cecilia Rossetto, siempre solvente, justa, necesaria! La madre trabaja, su novio (Carlos Belloso, en gran papel) también, solo el abuelo Ernesto (De Mendoza, en su film 151) está a disposición de buscar la nietita al colegio, de tener tiempo de estar con ella. La mala verdad será descubrir que el abuelo no tiene intenciones sanas en la relación con su nieta.

La pregunta inmediata es cómo se resuelve en el film. Hay mucha sutileza y la mejor secuencia y la más clara al respecto es durante una cena cuando la madre, la pequeña y el abuelo están sentados a la mesa, el abuelo termina su cena y se va al cuarto dándole la orden a su nieta de que le suba un vaso de agua. Es aquí donde las miradas entre la pequeña y su madre hablan más que las palabras, el vaso de agua que la pequeña no se anima a tomar, su mirada llena de temor. Suficiente. Luego vienen las consecuencias de su conducta en el colegio.

Y es donde surgen ciertas falencias en los diálogos y la necesidad de que el espectador suponga. Si se supone, es que algo falta. Malena Solda compone a la preocupada psicopedagoga del colegio. Los diálogos que mantiene con la pequeña son demasiado superficiales; el trato cuidadoso con una niña no debe ser por eso falto de consistencia. En el film lo es porque nunca se apunta al problema que el relato plantea sino que se lo “merodea”. Y no resulta verosímil. Miguel Alarcón compone al director de la escuela, quien no quiere problemas con los padres y no acepta las inquietudes de la psicopedagoga.

Hay otro momento donde los supuestos son inevitables: la reacción de Rodolfo (Carlos Belloso) contra el abuelo Ernesto. No es una reacción cualquiera sino que hay violencia. Pero queda ahí. Y esta escena debió tener resolución posterior al menos más clara, aunque resultara previsible.

Destacamos las secuencias de Norman Briski en el papel del tío abuelo Antonio, que vive cerca de las playas y que tiene un carácter opuesto a su hermano Ernesto. Es alegría, buen humor, cariño sincero por su sobrina nieta. El duelo actoral entre De Mendoza y Briski es de notable excelencia artística, así como la presencia actoral de la pequeña Ailén Guerrero.

Analía Couceyro, que viene realizando una muy interesante carrera, mantiene el perfil de la madre sometida por las circunstancias, la viudez primero y la necesidad de que el abuelo cuide de la niña mientras ella trabaja. Compone con gran histrionismo el papel de Laura, sin agregarle dramatismo, haciéndolo creíble, real: una madre que sabe lo que pasa pero que la vida le pesa más que cualquier análisis de las situaciones. Las supone, no las investiga.

Estamos frente a una muy buena película, de buena factura además, con notables actuaciones de maestros como De Mendoza y Briski, secundados por excelentes actores. Los problemas de narración audiovisual señalados no hacen mella en el producto final para los espectadores, aunque las falencias marcadas aquí se notan. Vayan a verla.

Elsa Bragato

EL PRECIO DEL MAÑANA

De Andrew Niccol. Con Justin Timberlake, Amanda Seyfriend, entre otros. Música de Craig Armostrong.

BUENA. BUENA IDEA EN UN PREVISIBLE Y DÉBIL RELATO

El tiempo es dinero. Los ricos viven más que los pobres. Son los axiomas muy interesantes de esta película de Andrew Niccol que, con enormes distancias conceptual y formal, nos remite a Tiempos Modernos del genial Charles Chaplin. Insistimos: con enormes distanciasconceptuales y formales.

Los personajes de la historia de ciencia ficción de Niccol llevan un reloj en sus brazos, un reloj biológico que se ve y que debe ser cargado cada equis horas para seguir viviendo. Conseguir esas horas de vida no es fácil y los pobres luchan por robarlos sin asesinar porque los relojes dejan de funcionar, como es lógico. Se roba el tiempo simplemente apoyando el antebrazo propio en el del “robado”. El protagonista es Will Salas (Justin TImberlake) quien vive con su madre, poseedora de otra virtud : no envejecer. Sin embargo, es un tema no desarrollado en el film porque no se le ve relación alguna con el tiempo de vida que tienen los personajes.

El nudo del argumento es obtener tiempo de vida. Los pobres del barrio Dayton, donde vive Will Salas, caen muertos ni bien se les terminan las horas de vida y no consiguieron más. Will trabaja justamente en la empresa que fabrica los cargadores de horas de vida hasta que conoce a un supermillonario joven, de más de 100 años, que tiene a su vez otros 100 años para vivir y se cansó de la vida y quiere regalar este tiempo. El rico será ahora Will, perseguido por las mafias de los minutos.

Y es aquí cuando el film comienza a decaer. Se ven los ghetos de siempre, los pobres viviendo en harapos o mal vestidos, famélicos, sin posibilidades de una vida mejor o de más tiempo, que es el “quid” de este relato.

La relación amorosa que establece Will con Sylvia Weis, a cargo de Amanda Seyfriend, lo lleva a vivir a un barrio de ricos porque el padre de Weis es el supermillonario en horas de vida y ha logrado hacerse de una fortuna incalculable.

Y el film ya no aporta mayores novedades sobre el tema. Se agotó en el comienzo: conseguir horas de vida para justamente vivir, a costa de robarle la vida a otros. Y, por lo general, a los pobres, que no tienen cómo defenderse de los ricos.

El film tiene mensajes. Incluye una crítica explícita a la sociedad de los ricos, o bien a las diferencias sociales existentes y magnificadas en la película. Solo por eso le damos la calificación de buena. Si no, sería regular porque no deja de ser un policial con correrías, persecusiones, y balaceras. La hace diferente el tema, muy original. Timberlake vuelve a distinguirse como actor, aunque de un producto mediocre en su resolución. La calificación de Buena es por la idea original.

Elsa Bragato

OPERACIÓN REGALO 3D

De Sarah Smith y Barry Cook. Con las voces de James McAvoy, Hugh Laurie, Bill Nighy, Jim Broadbent, Imelda Staunton y Ashley Jensen. Musica de Harry Gregson.Williams. Distribuye Sony Pictures.

EXCELENTE. LOS HEREDEROS DE SANTA CLAUS EN FAMILIA EN UNA ANIMACIÓN A PURA CREATIVIDAD E INGENIO. PARA DISFRUTAR A PLENO.

Sony P. Animation y el sello inglés Aardman de animación se unieron para regalarnos Arthur Christmas u Operación Regalo donde hay una enorme creatividad, buenas ideas puestas en una narración simpática y llena de acción. Hay generaciones de Papá Noel o Santa Claus, lo cual da una idea clara de “familia” y no el Santa Claus solitario que solíamos ver y admirar de chicos y de grandes también.

Está el Gran Santa, que es el abuelo que ya dejó la profesión hace tiempo pero guarda bajo llave a sus renos y a su viejo trineo, su hijo Santa que pronto tendrá que dejar su trabajo a sus hijos, el mayor es el CEO de una empresa espacial, la encargada de distribuir los juguetes “antes de que salga el sol” dejándose a su padre el lugar honorífico de poner un regalito a alguien y así no cansarse. Hay una cuadrilla de gnomos encargados de hacer la distribución de los regalos al mejor estilo “Misión Imposible”, sorteando dificultades somo J. Bourne, ambos film y personajes que fueron tenidos en cuenta por los hacedores de esta maravillosa película animada.

El nudo de la narración es que, a pesar de tamaña tecnología, una niña ha quedado sin su juguete, vive en el pueblo de Trelew en Inglaterra y pidió una bicicleta. Y no puede despertarse sin ver su regalo. Aquí comienzan las peripecias más simpáticas que en mucho tiempo hayamos visto en un film de animación para Navidad. Absolutamente novedosas, ingeniosas, divididas entre el menor de los Claus, Arthur, que es dejado de lado por su hermano mayor, el CEO del centro “Claus” y muy tenido en cuenta por Mamá Claus que solo aspira a que su marido tenga una cena en paz la noche de Navidad y deje a los más jóvenes la tarea que vino cumpliendo durante muchos años.

Es positivo que no se hable de cientos de años y sí de una familia normal con un trabajo absolutamente diferente a realizar en una noche. Hay un buen mensaje, si se busca esto, y hay una historia simpatiquísima con las tribulaciones del pícaro abuelo Gran Santa y el pequeño nieto Arthur quien tendrá su recompensa. Nos pareció excelente por creatividad, por idea argumental y por realización. No se la pierdan tampoco los adultos!

Elsa Bragato

COMO LO HACE

I DON’T KNOW HOW SHE DOES IT

Dirigida por Doug McGrath e interpretada por Sarah Jessica Parker, Pierce Brosnan, Greg Kinnear, entre otros. Duración 89 minutos.

BUENA. SIMPÁTICA COMEDIA PASATISTA SOBRE LAS MUJERES “MULTIFUNCIÓN”

Ella no sabe cómo lo hace, pero lo logra: trabajar sin parar en una firma de gestión financiera en Boston y atender hasta los mínimos detalles de su hogar, con sus dos hijitos y su esposo que acaba de perder su trabajo. Para colmo de males, de súper ocupación, debe también viajar para continuar su locura laboral a New York y a Cleveland.

Más delgada y demacrada, Sarah Jessica Parker, muy a tono con sus ajetreos laborales y hogareños, con sus corridas interminables, con su papel de madre todopoderosa, no duerme y hace largas listas en el techo de su cuarto invadido por el insomnio, donde anota todas sus obligaciones y deberes domésticos de manera “virtual”. Llena de sobresaltos, debe lidiar también con un compañero que es un oportunista rival, con su compañera subalterna que tiene fobia a los niños y a quedar embarazada. Y para colmo de males, debe compartir en New York el trabajo con el encantador Pierce Brosnan y hasta padecer la inoportuna visita de piojos en su desaliñada cabellera.

Solo al comienzo, esta deliciosa comedia arranca un tanto enmarañada de datos y gags, pero esto dura muy poco y estamos en presencia de un buen guión, basado en la novela de Allison Pearson que le da el título a esta verdadera odisea laboral y doméstica de la delgadísima Sarah Jessica Parker.

Con un buen ritmo que no da tregua, con el pulso vibrante e imponente de New York y el clásico señorío de Boston, esta comedia entretiene haciendo participar al espectador de situaciones risueñas y comunes a todos.

Una amable comedia para pasar una hora y media de entretenimiento: muchas mujeres se sentirán identificadas, incluso los esposos que padecen las largas jornadas de trabajo de sus cónyuges. ¿Roles cambiados? Solo la realidad.

Carlos Pierre

TATA CEDRON, EL REGRESO DE JUANCITO CAMINADOR

Documental dirigido por Fernando Pérez. Música, Tata Cedrón. Argentina 2011. Duración 90 minutos

MUY BUENO. DOCUMENTAL DE BUENA FACTURA, AMENO Y EMOTIVO

Relata el regreso de este singular músico y compositor de tango, caracterizado por una férrea convicción musical y política. Formó, a través de una vasta trayectoria, un cuarteto integrado por su voz y guitarra, una viola, un contrabajo y un bandoneón.

Juan Tata Cedrón, un querible Juancito Caminador, debió exiliarse en París a raíz de la persecución del régimen militar argentino, y vivió allí 30 años teniendo mucha integración con el público de Bélgica y Holanda.

El Tata Cedrón volvió a la Argentina y, en este documental, además de mostrarnos su actividad musical y política en el Viejo Mundo nos lleva, con una cámara evocativa y fuertemente emotiva, a su patria, a su Boca, a su Villa Urquiza y a su Parque Patricios, en un relato no exento de gracia natural y ameno.

Va en busca de su casa natal en Villa Urquiza, del mítico Taller de Garibaldi en La Boca, del Riachuelo, de las calles y algunos bares y negocios aún vivos de Olavarría, Suárez, Necochea.

Documental que se explaya en un regreso condicionado solo por la reparación de su tejido tanguero y sentimental, la reparación de lo que alguna vez perdió, pero nunca olvidó.

Este film fue presentado en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, en la Muestra Internacional de Cine DocBuenos Aires, en Montreal World Film Festival y en Santiago Internacional Film Festival, entre otros.

Regocijante película que nos devuelve a un verdadero artista, embajador del tango y de las firmes convicciones. Nos gustó mucho. Y se lo recomendamos.

Carlos Pierre

LAS ACACIAS, FUERA DE LA LEY, HAPPY FEET 2, LA MUJER SIN PIANO, CINE JUEVES 24 EN BUENOS AIRES

JUEVES 24 DE NOVIEMBRE DEL 2001.

Hay cinco estrenos que incluyen dos films nacionales. Lo Siniestro no tuvo privadas, por lo tanto no comentaremos.

LAS ACACIAS

DE Pablo Giorgelli. Con Germán de Silva, Hebe Duarte y Nayra Calle Mamani. Duración: 85 minutos.

MUY BUENA. SENTIMIENTOS QUE DESPIERTAN A TRAVÉS DE UNA ROAD MOVIE INTIMISTA

Poco puede hacer mucho. Es el caso de Pablo Giorgelli que llega a su primer largometraje con una historia profunda, sin altisonancias. Tres personajes a lo largo de un viaje de 1500 km desde Paraguay a Buenos Aires. Un camionero, Rubén, encarnado por Germán De Silva, transporta los troncos hasta nuestra ciudad. Son acacias, un árbol duro y espinoso que termina siendo de gran utilidad por su nobleza. Una simbiosis con quien lo transporta, un hombre rudo pero que, en su corazón, aguarda el momento de amar.

Por encargo de su patrón, Rubén debe levantar a una mujer, Jacinta, a cargo de Hebe Duarte, y traerla a Buenos Aires junto con su beba, aquí la esperan sus familiares. Rubén es muy serio, poco locuaz. Incluso está contrariado cuando la mujer aparece con la beba de 5 meses y varios bolsos. La road movie se inicia, muchas veces no hay palabras. Y el viaje será largo. Pero he aquí un factor que puede cambiarlo todo: la beba y su encanto, Anahí (la pequeña Nayra Calle Mamani), empiezan a quebrar la dureza del rostro y del corazón de Rubén.

Pablo Giorgelli explicó que en este film volcó muchos sentimientos “rumiados” a lo largo de 5 años y decidió que la historia transcurriera en la cabina de un camión, a veces real, otras veces en estudio, para captar los mínimos gestos de cada personaje, los lentos cambios de la caja de velocidad, las miradas a través de los espejos, el silencio que habla más que mil palabras.

Poco a poco, algo de Anahí quiebra, saca una a una las espinas de la “acacia adulta” que es Rubén, un hombre que tiene un hijo al que no ve desde hace 8 años, que se ha educado en la soledad. Con un diálogo austero y una muy cuidada edición, el film va entrando en el alma del espectador. El largo viaje ha cruzado a tres almas y se mete en la del espectador. La madre soltera, la beba y el camionero. Sobre ellos hay una esperanza. Surgen, se despiertan, los sentimientos más caros a cualquiera de nosotros. Y éste es el gran valor del film que no buscó complicaciones argumentales ni sofisticaciones técnicas sino mostrar los cambios del alma con una cámara. Nada fácil el objetivo de Giorgelli que lo logró y que certifica los 17 premios ganados entre Cannes y Londres, y un recorrido fructífero en los 44 festivales donde fue presentada.

Es un film intimista, que nos deja una sonrisa en el alma, y nos atrevemos a decir que es el género que mejor le queda a nuestra cinematografía, un traje a medida.

Carlos Pierre

FUERA DE LA LEY

De Roger Donaldson. Con Nicolás Cage, January Jones, Guy Pearce, entre otros. Músicade J. Peter Robinso. Duración: 108 minutos.

BUENA. POLICIAL INTENSO CON UN EXCELENTE NICOLÁS CAGE

La desesperación no es buena consejera. Es el caso del personaje de Nicolás Cage, Will, un profesor secundario de literatura que trabaja en una escuela de los suburbios de Nueva Orleans, y está casado con una excelente violoncellista, quien sufre un brutal ataque, con un sometimiento sexual que obliga a su internación.

La desesperación se apodera del protagonista, la necesidad de justicia inmediata, sin esperar el proceso de la ley, surge de manera inesperada para Will que ve las promesas de justicia en una organización clandestina de vigilancia, algo así como una fuerza parapolicial. Queda involucrado en una feroz telaraña, una maquinaria de muerte que es un pacto con el diablo.

El australiano Roger Donaldson contó con la sugestiva y particular ciudad de Nueva Orleans para desarrollar esta “Ilíada” ciudadana donde impera el crimen y aún se sufre el lastre devastador del huracán Katrina. Para el film se debieron reconstruir la estación de policía y el hospital y se incorporó el histórico hotel Le PAvilion de fuerte herencia europea con candeleros de cristales checos, columnas italianas y verjas de mármol francés, dándole un toque aristocrático en contraste con el crimen que asola las calles.

El thriller no decae nunca. Nicolás Cage y el contacto con la agrupación Simon, a cargo de Guy Pearce, viven en un espiral frenético. Will trata de sortear las acechanzas de la organización clandestina que le exige mucha participación para vengarse de otros tantos hechos delictivos. Puede pensarse que el fin es bueno, si no hay justicia de ley, la justicia por mano propia puede ser la salida. Pero en la narración de Donaldson se muestra justamente lo inapropiado que es la venganza por mano propia. Vértigo, fuertes escenas, atractivo film de principio a fin con un Nicolás Cage que está en un gran momento actoral, lejos de algunos personajes arquetípicos que le hicieron flaco favor a su carrera.

Y una pregunta que nos queda casi suelta: ¿qué hacer frente a la impotencia, al dolor? También es una propuesta que surge como necesario subtema.

Carlos Pierre

LA MUJER SIN PIANO

De Javier Rebollo. Con Carmen Machi, Jan Budar, entre otros. Duración: 95 minutos. Distribuye Zeta Films.

BUENA. LACÓNICA HISTORIA DE UNA CASADA QUE NO QUIERE SER INFIEL

Un título que puede llevarnos a equivocarnos: es una mala metáfora de una mujer que no tiene lo que quiere. El piano, a otra cosa. Aquí no va. Javier Rebollo, el mismo de Lo que sé de Lola, se juega entero en un film casi sin diálogos, un post-.mudo, con tomas fijas y fuera de campo que logran impacientar al espectador, crítico o no. Un ama de casa está más que aburrida de su hogar, de la vida conyugal sin matices, de su rutina. Sin que lo demuestre en su rostro, le fastidia un gran cuadro, una gran reproducción, que hay en uno de los cuartos. Y lo saca, lo esconde. Espera la noche y, cuando su marido se duerme, arma una valija, se pone una peluca y sale a recorrer Madrid con la intención de irse, de tomar un tren y desaparecer. No es fácil su travesía. Nada de lo que ve o de lo que vive le es cercano, hay violencia que desconoce, hay gente tan triste como ella, salvo por el encuentro con el obrero checo con el que vive una relación breve y tierna, más que nada un acercamiento que, seguramente, le hace ver que, fuera de su hogar, las cosas no son como ella piensa. La vida “loca” no está.

El cuadro es el “quid”, el que nos permite encontrar la respuesta que se busca a lo largo del film. Y le pedimos especial atención en él porque el cambio de lugar es la respuesta a tanta falta de diálogo y a la inquietud existencial de la protagonista. Un plano secuencia, casi como recurso “excesivo” en este lacónico relato audiovisual de Rebollo, nos permite recorrer una terminal donde la mayoría de los pasajeros duermen, o miran el techo, tanto como la misma protagonista en su vida diaria. ¿Regresar al hogar? ¿Habrá que cambiar algo o aceptar lo rutinario como parte de la propia existencia sin darle tanta vuelta a la cosa?

Es un film lento por momentos, con una búsqueda visual que puede agradarle a los cinéfilos pero no al público en general. En España el film no fue muy bien recibido. Sin embargo, en estas latitudes, encontramos una gran actuación de Carmen Machi y una propuesta útil para las señoras de 50 años. La vida está donde uno quiere que esté. Y es una deducción coherente.

Elsa Bragato

HAPPY FEET 2

De George Miller. Música de John Powell. Duración: 100 minutos.

REGULAR. FALTA DE MAGIA EN UN FILM DESTINADO PARA LOS MUY CHIQUITINES

Muy lejos de Happy Feet, la primera, llega esta historia de Mumble y su hijo Erick, que no sabe ni bailar ni cantar y es una vergüenza para semejantes pingüinos cantantes, tal como se vio en la primera película.Hasta aquí todos entendemos,

Luego sobreviene un gran desorden narrativo: la rebeldía de Erick lo lleva a cometer errores de los que depende su vida. Aparecen dos krills que, con ojos saltones, quieren ser algo así como la ardilla de La era del Hiego, pero no se entiende por qué están ni qué aportan a una historia que empieza a confundir.

Luego sobrevienen más circunstancias narrativas deshilvanadas: la rotura de un témpano de la Antártida que, sin mucha explicación, deja encerrados a los pingüinos emperadores. Las travesuras de Erick lo enfrentan a un elefante marino (en el film, doblado, dicen “foca elefante”) con Mumble y una amistad que luego servirá para salvar a los pingüinos. Los dos Krill andan perdidos por el océano y luego, sin explicar cómo pueden sobrevivir fuera del agua, estarán en los bigotes de los elefantes marinos, en la boca de un pingüino, es decir, vivirán circunstancias dramáticas sin ton ni son. No hacen a la historia de Mumble y su rebelde hijo Erick que ya tienen bastante con tanto personaje que surge de la nada.

Hay utilización de fragmentos musicales insólitos como “Nessun dorma”, con otra letra, que canta un desaforado Erick en un paso de opereta sin razón. Con un pequeño rap habría sido suficiente. Es decir, se apela a personajes circunstanciales para llegar a un final con rap y góspel que serán la salvación de los encerrados, y es el quid de la historia, ensuciada con secuencias y personajes que no aportan nada. Se rescata la tecnología empleada para el f ilm así como su banda sonora, menor que en el primer film.

Por cierto, el mensaje de que hay que ser solidario y de que hay que cuidar el medio ambiente está. Para ultra chiquitos que puedan disfrutar de las imágenes y no pensar tanto en el argumento.

Elsa Bragato

AMANECER PARTE I, LA HORA DEL CRIMEN, ESTRENOS JUEVES 17 EN BUENOS AIRES

Jueves 17 de noviembre del 2011.

Hay seis estrenos, uno en DVD titulado “Poesía para el alma” de Corea del Sur. Entre los estrenos, se incluyen tres films nacionales.

LA SAGA CREPÚSCULO, AMANECER, PARTE 1

De Bill Condon. Con Kristen Stewart, Robert Pattinson, Taylor Lautner, Mía Maestro, entre otros. Música de Carter Burwell. Duración: 117 minutos. Distribuye Alfa Films.

BUENA. LA BODA DEL VAMPIRO Y LA BELLA EN UN FILM MÁS ADULTO CON ALTIBAJOS

Al final de “Eclipse”, Bella y Edward (Kristen y Robert) hablan de su inminente boda. Amancer Parte 1 se trata esencialmente de eso: la boda. El film comienza con las invitaciones al casamiento y se detiene pormenorizadamente, con primeros planos, en detalles que hacen a la novia, sus zapatos, la costosa y antigua joya que la abuela le regala a Bella, su vestido. Hay nerviosismo en la pareja que enfrenta un casamiento tradicional, con despedida de soltero incluída. Y cierra varios aspectos que los tres films anteriores dejaron abiertos: el lugar que ocupará el enamorado Jacob, el licántropo que no quiere que Bella sea una vampiro más, y sella el amor eterno que los protagonistas sienten uno por el otro.

Hay detalles que la acercan a los jóvenes y es la música, muy actual, para la fiesta de la boda, y la realización fotográfica, deslumbrante. Desde este punto de vista, la familia como eje de la sociedad está en el centro de la atención de la narración.

No obstante, estamos frente a un film adulto, no en vano la calificación indica que no es apta para menores de 13 años y, cuando es así, se aconseja el acompañamiento de un adulto. La luna de miel es en Río de Janeiro y, específicamente, en una idílica isla, Esme. Hay una mansión donde Edward ha preparado hasta el más pequeño detalle para consumar su amor con Bella. Y la llega la escena de sexo entre el flamante matrimonio, muy cuidada teniendo en cuenta a la mayoría de sus seguidores.

Si bien hay luchas entre estos vampiros y los licántropos que encabeza Jacob, son secuencias solo para que la tensión no disminuya y no constituyen el eje del film. Aquí la narración está centrada en la boda y sus consecuencias inmediatas en Bella.

Hay una mezcla de film romántico con “El bebé de Rosemary” de Polanski, que asombrará a la audiencia. Bella queda embarazada pero, como es de suponer, su bebé no es igual al de cualquier madre. He aquí otro tema para desatar polémicas en la saga en sí y entre los fans.

También entre los críticos. Por un lado, tenemos la reafirmación del matrimonio como eje de la sociedad. Por el otro, el debilitamiento del papel de la esposa en manos de un ser sobrenatural, con un embarazo difícil y con cambios que se avecinan para dar lugar a la Parte II y, supuestamente, final de la saga.

Es un film muy diferente a los anteriores (Crepúsculo del 2008; Luna Nueva del 2009; Eclipse del 2010, que recaudaron dos mil millones de dólares en todo el mundo), siempre basados en la novela Amanecer de Stephenie Meyer. El hecho de destinar buena parte de la narración audiovisual a los preparativos de la boda y a la boda en sí es un elemento diferente. Los elementos a tener en cuenta son, entonces, el casamiento, el embarazo de Bella, y su parto.

Hay diálogos elementales, hay situaciones previsibles, dentro del mundo de fantasía que plantea la historia. Nada de esto hará mella en el fervor de los fans. Pero debemos señalar qué elementos indican algunos altibajos, como señalamos en el título, en la película.

Si bien este film es adulto por su planteo argumental, no deja de lado la fantasía que tiene la saga en sí y es fiel a ella: los vampiros no se quedan atrás, los licántropos tampoco. Sugerimos quedarse hasta que terminen los créditos del final donde aparecen los Volturi, el temible Consejo de Vampiros, indicando el destino de Bella de aquí en más, argumento esencial para la Parte II. Nada más podemos agregar. Un film bien realizado, poca hondura en los personajes, una hermosa boda visualmente atractiva, la primera escena de amor de los protagonistas, el embarazo, el bebé… Y Los Volturi. Recuerden…

Carlos Pierre

LA HORA DEL CRIMEN

De Giuseppe Capotondi. Con Ksenia Rappoport, Filippo Timi, Antonia Trupppo, Gaetano Bruno, entre otros. Música de Pasquale Catalano. Duración: 95 minutos. Distribuye Impacto Cine.

MUY BUENA. ATRAPANTE POLICIAL ROMÁNTICO CON NOTABLE REALIZACIÓN

Entre el thriller y el melodrama psicológico, este film de Giuseppe Cappotondi es un difícil ejercicio mental para el espectador que se sentirá atrapado por el “puzzle” cinematográfico propuesto. La historia se basa en el encuentro entre la camarera de un hotel, que proviene de Lubiana (ex Yugoslavia) y un ex policía devenido en guardia de seguridad. Se conocen en un centro de citas rápidas. El es cliente regular y amigo de la “Madama”, ella es la primera vez que asiste y se siente atraída por el singular ex policía. Sonia y Guido se atraen, hay algo de misterioso en ella, la bella Ksenia Rappoport, que nos lleva a la Mónica Vitti de los films de Antonioni. Hay algo muy atractivo en Guido, el actor Filippo Timi tan galardonado por su Mussolini, que nos remite a Javier Bardem.

El film es un puzzle, un armado de piezas constantes hasta pasada la mitad. Veamos qué pistas nos van dando para armarlo porque Buenos Aires y específicamente Puerto Madero tienen mucho que ver! La hemos dividido en actos.

Primero, digamos que, en italiano, se titula “la doppia ora”, y hay varias marcadas pero dos en especial: 23,23 dice Guido mientras que ella observará en un pasaje otra “doble hora”: 20,20. Para Guido es suerte. Sonia deberá descubrirlo.

En el primer acto, entre las pistas de este policial psicológico, se incluyen personajes y situaciones perturbadoras para acrecentar el clima muy bien logrado por una fotografía excelente, de altísimo nivel: Por ejemplo, el suicidio de una turista en el hotel, que no tendrá más explicación y sí un problemita de tiempos entre su muerte y todo lo que acontece. Una falla narrativa. Luego aparece un cura en un entierro en un cementerio al que Sonia asiste o por las apariencias que debe mantener o porque no sabe la verdad. Ese cura se cruzará en su camino otra vez. Y una foto de Sonia en Puerto Madero donde nunca ha estado. Por las dudas, Sonia estudia castellano en sus tiempos libres.

Una salida con Guido termina en un feroz asalto. Y aquí termina el primer acto donde las situaciones parecen ser lo que son, coherentes, entendibles.

Ya en el segundo acto, para nosotros, aparece la confusión adrede creada por Capotondi (debuta con este film, luego de ser un laureado realizador de videoclips, fotógrafo especializado de revistas y agencias europeas): Sonia se enferma y los fantasmas la rodean, Guido, el policía que la interroga, sus dudas, su pasado policial en el que aparece su padre, su fragilidad y un estado comatoso del que sale con dificultades. Pero sirve a los efectos narrativos porque es allí donde todo se muestra, y la confusión aturde al espectador.

El tercer acto se inicia cuando Sonia descubre al “ladrón” que lideró el feroz asalto cuando estaba con Guido y decide perseguirlo por las calles de Roma.

Buenos Aires está presente y hasta aparece el Puente de la Mujer. No se olvide de este detalle.

Sin duda, la película de Giuseppe Capotondi es atrapante. No se puede dejar de verla, de sentirse un personaje más dentro de la historia. Uno busca la verdad en medio de un laberinto de espejos tanto como los personajes. Y es el secreto de esta película: atraparnos en un puzzle, en un rompecabezas que no nos deja aliento. Sin necesidad de balaceras ni persecusiones. He aquí el detalle de una gran narración aunque la previsibilidad sea la marca en el orillo del argumento. Se puede dejar de lado ante tanta cinematografía de excelencia.

Elsa Bragato

OTROS ESTRENOS

l).- Verdades Verdaderas, de Nicolás Gil Saavedra, con Susú Pecoraro, Alejandro Awada entre otros. La vida de Estela de Carlotto. 99 minutos.

2.- El invierno de lo raros, film del Nuevo Cine Cordobés, de Rodrigo Guerrero, con Luis Machín, Paula Lussi, entre otros. Seis personajes que se entrecruzan en una pequeña ciudad cordobesa buscando comunicación.110 minutos.

3.- El Polonio, de Daiana Rosenfeld y Anibal Garisto. Documental sobre el balneario uruguayo El Polonio. 76 minutos.