JUEVES 12 DE ABRIL DEL 2018.-
Varios estrenos que vienen con premios
importantes, por lo que la cartelera de cine del país se enriquece con autores:
Coixet y Cantet, además del argentino Blaustein. En medio de ello, hay otros
films que completan el menú con animación para los chicos y terror para los
jóvenes y adultos. A último momento se exhibe el film uruguayo “Mi mundial”,
así como DVD de ballets. Los cambios en los estrenos previstos para este jueves
no son responsabilidad de quienes escriben en esta sección.
PLOEY
De Arni Asgeirsson. Música de Athli
Orvarsson. Animación Islandesa para los mas chicos.
XXXXX-SOLO PARA
LOS CHIQUITINES…
Un pequeño pajarito que no aprendió a
volar ve cómo su familia emigra al llegar el otoño y debe enfrentar todo tipo
de enemigos en medio de un invierno muy crudo. Se trata de una animación bien
hecha que se ubica en el paisaje islandés, con crudos inviernos. El pequeño
“chorlito” sufre el abandono involuntario de su familia pero la suple con
diferentes compañías y enemigos. Las coloridas animaciones, la buena banda
sonora y la simpatía ñañosa del pajarito diluyen ese tono amargo que viene
desde la época del “Dumbo” o “Bambi” de Walt Disney, incluyendo la fantástica
“Nemo” de este siglo: el golpe de dolor que los pequeños protagonistas animados
padecen al perder a sus padres por muertes violentas o bien porque los olvidan.
Mayor crueldad, imposible! Para chiquitines, para ver en familia. Agradable. Y
una más…
Elsa Bragato
VERDAD O ATREVIMIENTO
De Jeff Wadlow. Con Lucy Hale, Tylor
Posey, Violett Beane, entre otros. Música de Matthew Margeson. Duración: 100
minutos. UIP.
XXXXX- SUSTOS
REPETIDOS
Pocas películas de género nos ofrecen
algo nuevo. Es cierto, todas consiguen asustarnos en algún momento pero
sentarse en la sala y comenzar a ver lo mismo aburre: jóvenes que reúnen para
iniciar juegos, o de adivinanzas o como éste de Verdad o Atrevimiento. Nada
nuevo bajo el sol, salvo los protagonistas y los sustos que parecieran ser
diferentes porque los actores no son los mismos de otros films de terror, pero
nada lo es.
Sí debemos señalar que “Verdad o
Atrevimiento” tiene un buen elenco. Los chicos, como en todos los films de
terror, son buenos actores y éste viene a ser un primer paso para ingresar al
mundo del cine de Hollywood. Oscuridad, reuniones sombrías, alguien que es
poseído porque el jueguito se las trae, y maldiciones por doquier además de
seres sobrenaturales que empeoran las situaciones. En verdad, los adolescentes
son fans de estas películas por lo que una versión nueva de lo mismo siempre
les viene bien.
Elsa Bragato
LA LIBRERÍA
De Isabel Coixet. Con Emily Mortimer,
Patricia Clarkson, Bill Nighy, James Lance, entre otros. Música de Alfonso de
Vilallonga. Fotografía de Jean Claude Larrieu. Coproducción España, Reino Unido,
Alemania, y empresas cinematográficas. Duración: 115 minutos.
XXXXX- COIXET,
LA MUJER DE LOS DOS GOYAS
“La librería” es una trasposición del
libro homónimo de la escritora inglesa Penélope Fitzgerald, con fuerte tono
autobiográfico. Isabel Coixet regresa a la pantalla con esta estupenda
realización luego de la conmovedora “La vida secreta de las palabras”,
obteniendo un segundo Goya.
Nos cuenta la historia de Florence Green
(Emily Mortimer), quien abre una librería en un pueblo de Inglaterra. Y esta
decisión le acarrea un sinnúmero de problemas entre los pobladores, desde la
envidia hasta el rechazo absoluto. El estilo de la catalana Isabel Coixet no es
enfático sino terso. Va enhebrando gestualidades y diálogos, actitudes y hechos
de los protagonistas de manera envolvente, como estirando de un hilo invisible
que concatene toda la historia. Nada es abrupto pero todo es potente,
movilizador. Los desenlaces son fundamentales en el cine de Coixet, dueña de un
estilo que puede atrapar aunque no a todos.
Coixet vuelve a trabajar con elenco
extranjero basándose en un libro inglés de Fitzgerald, novelista tardía de buen
trazo. Es decir, una historia de mujeres contada con fuerza interior aunque
envuelta en una aparente morosidad narrativa. Emily Mortimer es la protagonista
perfecta. Bella historia, para ver y disfrutar, aunque de menor impacto que “La
vida secreta de las palabras”:
Carlos Pierre
RAMPAGE, LA DEVASTACIÓN
De Brad Peyton. Con Dwayne Johnson,
Naomíe Harris, Malin Akerman, Joe Manganiello, entre otros. Fotografía de Jaron
Presant. Montaje de Jim May. Música de Andrew Lockington. Duración: 107
minutos.
XXXXX-PASTICHE
DE MONSTRUOS
El esfuerzo y la inversión en este tipo
de “supertanques” se está agotando. Ya no hay ideas propias y se recurre, desde
hace tiempo, a los videojuegos de los 60, como en este caso: Rampage fue creado
en 1986 por Midway Games y tuvo un crecimiento y transformación de su
plataforma y monstruos hasta 1996. Hollywood la llevó a la pantalla grande en
un menjunje que solo puede agradar a quienes nunca vieron explosiones,
destrucción de ciudades ficticias, o desconocen a Godzilla o no se enteraron de
la existencia cinematográfica de King Kong. Todos están en este super resumen
protagonizado por Dwayne Johnson, que venía muy bien con “Jumanji”. El forzudo
actor fue el protagonista de un gran desastre llamado “San Andrés” referido a
la fractura homónima sobre la que está asentada California. Y Brad Peyton fue
su director. La conclusión es un silogismo facilísimo.
En este caso, su personaje David Okoye,
primatólogo, amigo de un gorila albino, y luchador contra la caza furtiva en
Ruanda. La acción se localiza en San Diego donde hay un santuario de gorilas.
“Algo” explota en el espacio y los contenedores de activos mutadores genéticos
caen a tierra. Obviamente, los gorilas serán atacados y hasta una cocodrillo
llamada Lizzie surgirá como monstruo en las aguas del río Chicago en esa
ciudad. Nada se puede aportar salvo indicar que el poderío aéreo de los Estados
Unidos se pone en juego contra las tres bestias que empiezan a destruir
Chicago,. La lucha entre Lizzie y el gorila albino George es brutal,
encarnizada, y sin sentido. Fuera de esta lucha está el lobo gigantesco Ralph,
muerto en “combate”. Es realmente desagradable el desenlace y el final del
film, con chistes tontos e insólitos en medio de una masacre y una ciudad
destruida. Se nos ocurre pensar que el joven director Peyton trabaja como en
fábrica: su actor preferido es Dwayne Johnson a quien dirigió en San Andrés y
en Viaje al centro de la Tierra 2. En Rampage no ofrece variación. Tampoco
Johnson, que solo cambió de remera… Trazos gruesos, ruidos ensordecedores,
aullidos, chistes de mal gusto y punto final.
Elsa Bragato
FRAMENTOS REBELADOS
Documental de David Blaustein, 2009
XXXXX-RECONSTRUCCIÓN
DE LA HISTORIA RECIENTE
El reconocido documentalista David
Blaustein esperó casi 10 años para que “Fragmentos rebelados” llegase a los
cines, al menos al Gaumont. Con mano firme va de lo general a lo particular, la
historia de los montoneros a la de uno en especial, el cineasta Enrique Juárez,
desaparecido por el proceso militar del 76. Su hermano Nemesio y sus tres hijos
van armando la historia, uno de aquellos años de fuego, los otros sobre el
padre que no pudieron disfrutar y que extrañan.
Si bien se rescató de las latas
carcomidas por el óxido fragmentos de películas inacabadas de Juárez (en Ya es
tiempo de violencia actuó Mario Pasik, escena rodada en el Parque Lezama, sobre
un enfrentamiento entre montoneros y el ejército) subyuga, hace la diferencia,
la mirada del realizador sobre el sentimiento de sus hijos, los dos primeros
habidos con su primera esposa y el tercero, con la segunda, muerta por el
proceso en Rosario. Es aquí donde el documental logra su mayor efectividad: el
mayor de los hijos se pregunta por la decisión de vida de su padre pero
recapacita y termina aceptándola con lágrimas en los ojos. Los otros dos
hermanos manifiestan esa necesidad potencial de haber convivido más con
Enrique, un padre que, por ideales, estuvo ausente o, en el mejor de los casos,
escapando de la muerte de casa en casa con sus hijos. Conmovedora
reconstrucción de época y de vida.
Nota de Redacción: Enrique
Juárez dejó el corto “La desconocida” (1962), el mediometraje “Ya es tiempo de
violencia” (1969, sobre el Cordobazo) y “No a la guerra”, así como algunas
entrevistas que le hicieron.
Elsa Bragato
EL REENCUENTRO (LAST FLAG FLYNG)
Dirección y guion de Richard Linklater.
Novela de Darryl Ponicsan. Con Steve Carell,
Bryan Cranston, Laurence Fishburne, J.Quinton Johnson, Yul Vázquez, Deanna
Reed-Foster, entre otros. Música de Graham Reynolds. Edición de Sandra Adair.
Duración: 124 minutos.
XXXXX-FUERTE
CRÍTICA A LA BUROCRACIA MILITAR
Richard Linklater retoma la historia del
film “The last detail”, de Hal Ashy, de 1973, cuando dos veteranos deciden
cumplir con una misión personal luego de combatir en Vietnam. Cuatro décadas
después, en el fuerte invierno neoyorquino, Doc (Steve Carell), ex marine, se
reúne con sus antiguos camaradas, para enterrar a Larry, su joven hijo muerto
en la guerra de Irak: el dueño de un bar llamado Sal (Bryan Cranston), y
Mueller (Laurence Fishburne), ahora sacerdote protestante. La idea del Ejército
es enterrar a Larry como héroe en Arlington, pero los tres ex soldados
descubren que no murió en combate sino que lo mataron por la espalda: para
ellos, ser héroe es morir combatiendo por lo que deciden enterrarlo junto a su
madre, obviamente en otro cementerio. Y se produce un enfrentamiento arduo con
el mando del ejército norteamericano.
El estilo de Richard Linklater es
discontinuo y hasta falto de cierta sutileza por lo que los personajes no
parecen creíbles, al menos en buena parte de la narración. En esta suerte de
road movie con charlas entre veteranos se va perdiendo la esencia de la
propuesta. La atractiva severidad inicial se diluye en 124 minutos difíciles de
sostener, baches narrativos que son salvados por las actuaciones especialmente
de Steve Carell y Laurence Fishburne. En líneas generales, la historia es una
fuerte crítica a la burocracia de las fuerzas armadas norteamericanas, al
gobierno y su política exterior, y el rechazo a las guerras en sí mismas. En
síntesis, es una película ambiciosa lograda a medias.
Nota de Redacción: Richard Linklater es
el director de Antes del amanecer/atardecer/de la medianoche; Escuela de Rock,
entre otros films exitosos.
Carlos Pierre
L’ATELIER
De Laurent Cantet. Con Marinia Fois,
Matthieu Lucci, entre otros. Música de Bedis Tir. Guión de Robi Campillo y
Laurent Cantet. Fotografía de Pierre Milon. Duración: 114 minutos.
XXXXX-DIÁLOGOS
QUE SUPERAN LA TRAMA
La cultura francesa se asienta en su
pasado filosófico: los diálogos de los films tienen consistencia, vitalidad,
inteligencia. Nada es tonto o baladí. L’Atelier vuelve a demostrar la maestría
de los franceses para el diálogo en las ficciones. Utilizando el método
deductivo en la narración, Cantet y Robi Campillo trabajan la idea de un grupo
de alumnos seleccionados para concurrir a un taller de literatura dirigido por
una excelente novelista. Deben, entre todos, escribir una novela policial.
Olivia (Marina Fois) hace participar a todos los alumnos, sobresaliento Antoine
(Mattheiu Lucci) con ideas sangrientas y planteos sociopolíticos que
escandalizan a sus compañeros, entre los que hay africanos, musulmanes, judíos.
Un asesinato es el tema elegido por todos. La cuestión es cómo lo plantearán en
la narración.
Es aquí donde se plantea lo más
interesante, siempre y cuando se esté interesado en la literatura y la
filosofía: el enfrentamiento ideológico y sensual entre Olivia y Antoine. La
vida de Antoine, la fusión entre autor y personajes, la complicada realidad
francesa que permite debatir entre asesinato, terrorismo y lucha armada, son
conceptos que entran en juego así como la discriminación racial y religiosa.
Con cierta previsibilidad, llega el
desenlace que nos prepara para un doble final. Es una película especial,
inteligente, que plantea temas de rabiosa actualidad a través de un lenguaje
sencillo pero inteligente. Es que Laurent Cantet es el autor de “Entre les
murs”, otra película basada en la educación de los pequeños en un pueblo de
Francia, haciendo honor a los orígenes de su familia. Es decir, la enseñanza
como elemento fundamental de la vida para orientar a los que recién llegan a
este mundo. Y sin dudar los diálogos superan la acción y las actuaciones,
aunque sean excelentes.
Elsa Bragato
CANDELARIA
De Jhonny Hendrix Hinestroza. Con
Verónica Lynn, Alden Knight, Manuel Viveros, Diego Martin Tomatis, entre otros.
Fotografía de Soledad Rodríguez. Dirección de arte de Celia Ledón. Montaje y
edición de Anita Remon, entre otros. Música de Alvaro Morales. Duración: 88 minutos. Coproducción Argentina,
Colombia, Cuba, Alemania y Noruega.
XXXXX- HISTORIA
QUE TOCA EL CORAZÓN
La propuesta del colombiano Jhonny
Hendriz Hinestroza (co la “h” tal como está) es rara y conmovedora. No estamos
acostumbrados a pensar que los mayores de 60 años siguen amándose y menos aún
que luego de los 70 el sexo también existe. Hay un registro bastante reciente
del gran Ingmar Bergman titulado “Sarabanda” (danza antigua) donde el amor
entre los adultos mayores se muestra sin retaceos. En el caso de Hinestroza,
hay pudor y una candidez que enamora: Candelaria (la gran Verónica Lynn, cubana
de 87 años) canta en un bar nocturno en La Habana de los 90, luego de la caída
de la Unión Soviética y sobreviviendo al hambre. Su marido, Víctor Hugo (Alden
Knight, afrocubano, cubano de 82 años) y es lavandera durante el día en un gran
hotel. Entre las sábanas de un cuarto, encuentra una cámara filmadora. Y será
el renacer de su vida junto a Víctor Hugo al descubrir que pueden filmarse
estando juntos. Sin adivinar que están cayendo en un juego perverso: el de las
ventas de films privados.
La actriz Verónica Lynn, poseedora de
una piel blanquísima, tiene una cálida voz y hace gala de su carisma y de su
buen cuerpo. Alden Kinght, por su parte, es muy reconocido en su país y en el
exterior, y posee ternura y timidez suficientes para encarnar a un personaje
muy especial, que lucha por matar el hambre diario. La rítmica habanera
acompaña esta historia de amor adulto que no sobrepasa límites y que encara con
crudeza el final de la vida en un mundo poco solidario. “Candelaria” toca el
corazón aún con la simplicidad de sus elementos narrativos, muy bien
utilizados, a través de dos grandes artistas como protagonistas y de un
director que optó por la sutileza antes de caer en el trazo grueso. Recordemos
que recibió el premio al mejor film en el Venice Days Awards del año pasado, el
festival de cine independiente de esta ciudad italiana.
Elsa Bragato
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