EL DEDO, INCENDIES, QUÉ PASÓ EN LAS VEGAS II, LA NOCHE DEL DEMONIO, ESTRENOS JUEVES 26 DE MAYO, BUENOS AIRES

JUEVES 26 DE MAYO DEL 2011.

Hay seis estrenos en soporte fílmico. No comentaremos el documentan nacional “La palabra empeñada”, sobre la vida del periodista Jorge Ricardo Masetti.

INCENDIES

De Denis Villeneuve. Con Lubna Azabal, Melissa Desormeaux, entre otros. Música de Gregoire Hetzel. Duración: 130 minutos.

MUY BUENA. NADA ES COMO LO PENSAMOS, TODO ES COMO LO QUE QUIERE LA VIDA MISMA. DEVASTADOR Y ANTOLÓGICO RELATO

Estamos frente al cuarto film del canadiense Denis Villenueve que nos entrega un producto muy bien realizado con una historia muy potente, desgarradora y devastadora de manera especial. La historia se ubica entre Canadá y supuestamente el Líbano, si bien no se especifica el país de Oriente donde se filmó para otorgarle el carácter de apolítico. Está basado en la obra teatral de Wajdi Mouawad, libanés radicado en Canadá desde 1983.

Un ex guerrillera de un equis país oriental tiene un hijo en su juventud en circunstancias trágicas para ella, dado por la abuela en adopción. Posteriormente se vuelca a la vida política que la lleva a la cárcel donde es violada por alguien a quien cree conocer, y de esa relación nacerán los mellizos que viven con ella, en el final de su vida, en Canadá.

La hija de Nawal, la protagonista, no entiende el mutismo de su madre cuando están nadando en una piscina pública, ni su posterior caída en coma. Tampoco su hermano gemelo Simon. Sin embargo, hay un elemento que se revelará sobre el final que trastoca su mente y su espíritu. La joven, especializada en Matemáticas, accede a los pedidos de su madre: encontrar al hijo habido en su juventud en Oriente y al papá de ellos. De esta manera inicia el camino de la búsqueda, basándose en un pensamiento muy preciso, utilizando sus conocimientos científicos, analizando las posibles variables que le permitirán iniciar esa búsqueda que es como encontrar una aguja en un pajar. Posteriormente se le unirá su hermano Simon.

El film es una gran y profunda alegoría sobre las consecuencias de la irracionalidad de las guerras, las fracturas familiares, el desarraigo, la emigración, y la lucha por mantener el concepto básico de la familia. Se presentan coordenadas matemáticas: se busca por los lugares más coherentes, a partir de una foto de la madre joven. Sin embargo será la vida la que marque sus propias coordenadas, trágicas y relacionadas con el complejo de Edipo de Sófocles, y , frente al avance de la vida, que tiene sus propias coordenadas, cualquier búsqueda racional queda desbaratada. Entran en juego otros valores que hacen a las circunstancias, a las miserias humanas, y no todo es negro y blanco.

Se nos muestra los grises de la vida. Ese campo intermedio entre la luz y la sombra donde nada es como lo pensamos sino que tendremos que repensar la vida a partir de lo que ella nos deja o nos permite. No siempre es lo más lindo sino que, a veces, es una verdad dolorosa que hay que asumirla porque es la que existe en la realidad.

La narración de Villeneuve es precisa, con flashbacks que no tienen un orden cronológico pero que ayudan a conocer la juventud guerrillera de Nawal. Colabora con el espectador titulando con rojo furioso diferentes momentos del film a manera de capítulos. De esta manera, entendemos cuándo es pasado y cuándo es presente. Y sin confusiones.

Es un film de enorme profundidad, seco, bien fotografiado, realizado con una gran dirección actoral. Nada falta, nada sobra. Y, como dato curioso, estuvo nominado a los premios Oscar de este año en el rubro mejor film extranjero.

No siempre lo mejor es lo más alegre o divertido. Esta película lo demuestra una vez más. Atrapante, devastadora, profunda, se mete con certeza narrativa en la vida de dos hermanos, una mujer y su pasado buscando  nexos para encontrar al padre y al hermano. He aquí el quid. No deje de verla si le interesan las películas que nos dejan algo para pensar y para releer la vida que vivimos.

Elsa Bragato – Carlos Pierre

QUÉ PASÓ EN LAS VEGAS? II

De Todd Phillips. Con Bradley Cooper, Ed Helmer, Zach Galifianakis, entre otros. Duración: 102 minutos.

BUENA. EFICAZ ENTRETENIMIENTO CON HUMOR FUERA DE TODOS LOS LÍMITES

Los tres jóvenes hombres con diferentes problemas de pareja que decidieron hace casi tres años ir a Las Vegas y “matarse” literalmente con diversiones de todo tipo vuelven a las andanzas pero ahora pican “lejos”: Bangkok. Y es esta ciudad con sus multitudes, sus diferencias sociales y su diversidad la real protagonista para que los caballeros accedan a diversiones. Para la prensa americana, se trata de un “doble” de la primera por lo que no se aporta nada. Nosotros decimos que este tipo de películas, este género, suele aportar gags que hacen reir pero en base a una estructura similar y buenos y zafados actores.

El humor es netamente masculino, por momentos más “naif” o ingenuo que el que pueda gustarle a los varones argentinos, pero es efectivo. Hay cameos al ex presidente Bill Clinton y  algo similar con Myke Tyson, que actuó en el primer film.

En la película número 1, aparecía un bebé que lo complicaba todo. Aquí es un monito que fuma. En la anterior (rodada en el 2009), Myke Tyson mostraba su rostro con un tatoo. Aquí el tatoo aparecerá en la cara de uno de los protagonistas, luego de una noche de locura total. Se pierde el hermano de su novia y es lo que da pie a meterse en una ciudad donde los códigos de vida son diferentes.  Las Vegas resulta una ciudad para niños mientras que Bangkok es el desborde absoluto.

Es decir, un equivalente con otro entorno y con una apuesta mayor al humor zafado y masculino, resaltando la amistad entre los varones que tiene códigos tan diferentes a los femeninos. En este sentido, el film sigue ganando. Es para disfrutar entre amigos, un humor super masculino, zafado, que muchas veces se excede pero que hace reir. Los tres actores, juntos, forman un nuevo tanque hollywoodense.

Elsa Bragato

EL DEDO

De Sergio Teubal. Con Fabián Vena, Gabriel Goity, Martín Seefeld, Mariana Briski, Roly Serrano, entre otros. Música de Supercharango. Duración: 96 minutos.

MUY BUENA. SÁTIRA SOBRE “EL DEDO” POLÍTICO EN UNA TRAMA INSÓLITA MUY A LA ITALIANA

La música ya nos da “el pie”: los Supercharango nos imponen una melodía que nos recuerda las comedias tradicionales italianas, aquéllas bien pueblerinas, como ocurre en este film de Sergio Teubal, que divierte más por los subtextos que por la narración de la primera parte del film.

Por ahí se cuela una pasaje de los Comechingones y sus caminos de ripio con un dejo a los “western” que no hace más que apoyar la tragicomedia a la que asistimos.  Recordemos que fue filmado en Cerro Colorado y adyacencias, provincia de Córdoba. El hermano de Florencio, un gran Fabián Vena, es Baldomero que aspira a la intendencia del pueblo. Lo encarna un excelente Martín Seefeld (está en su “año” por su producción y actuación de “El Elegido”, Telefé), solterón y mujeriego. Su suerte está echada cuando lleva a la mujer del carnicero a las orillas de un río de montaña. Su hermano, Florencio, corta su dedo índice convencido de que en él está el nombre del asesino.

El dedo será mucho más que la parte seccionada del cuerpo humano en un frasco ubicado en el mostrador del Almacén de Ramos Generales de los dos hermanos: será objeto de veneración y consulta por sus extraños movimientos. Así se llega a 1983 que es el nudo de la trama y cuando el dedo cobra una importancia inusitada.

El subtexto es el “dedo” con el que se distribuyen cargos y, en la ficción, es la razón de ser de todos los personajes que giran a su alrededor. Ese “dedo” puede ser la perdición del pueblo por el “intendente puesto”, a cargo de Gabriel Goity, o bien la salvación si “se lo atiende como se debe”. He aquí el “quid” que no podemos contar.

Es una comedia muy bien pensada, buen libro, con una narración que, al comienzo, tarda en arrancar, y cuenta con un elenco excepcional que hace honor a la escena nacional. Nos gustó, nos divirtió y nos recuerda que estamos en un año de elecciones Buen trabajo. Alocado, simpático film, con una música machacona que apuntala las secuencias.

Elsa Bragato

LA NOCHE DEL DEMONIO

De James Wan. Con Patrick Wilson, Rose Byrne, Bárbara Hershey, entre otros. Música de Joseph Bishara. Duración: 98 minutos.

MUY BUENA.  TERROR PARANORMAL SIN CAER EN EL “GORE”

Antes que nada, es conveniente transcribir una de las acepciones de la palabra “insidioso” según la Real Academia Española: “Dícese del padecimiento o enfermedad que, bajo una apariencia benigna, oculta una gravedad”. En esta definición de insidioso está la raíz de la trama que presenta James Wan, el creador de Actividad Paranormal y El Juego del Miedo, con el guionista Leigh Whannell.  

Tradicionalmente, en estos films de terror máximo y suspenso, es la casa o la mansión la culpable de lo que le ocurre a sus habitantes, es la “embrujada”. Sin embargo, en este film el director y su guionista corrieron el embrujamiento a dos personajes (padre e hijo), integrantes de una familia feliz, que está estrenando el lugar. Un accidente doméstico que sufre uno de los tres hijos lo deja en un coma profundo. A partir de allí toda la familia comienza a experimentar situaciones que no tienen explicación. Llaman a una “sanadora de casas” y a dos ayudantes que filman lo que ocurre. Esta mujer somete al pequeño a una curación que permite que el director, encargado de la edición del film, descargue su sapiencia en la generación de climas de terror. No hay golpes bajos, no hay destripados ni cuchillos que se claven en ojos y estaqueen a un personaje contra la pared. Hay dos miembros de la familia conectados con el más allá. Tan simple y complejo como eso. Aquí se ve la mano de James Wan, como decíamos, y su maestría en el género produciendo imágenes alucinantes y oníricas con rostros fantasmales que lucen llamas, con puertas que se abren solas, con un ático que guarda “algo” amenazante. Es decir, el terror sin ser “gore”, a pura narración cinematográfica.

El film transita por una genuina utilización de recursos para estos relatos, provocando pánico con el manejo de la iluminación, o sea las luces y las sombras, y el accionar de las cámaras que llega a ser alocado, vertiginoso.

¿Un mundo paralelo de almas en pena que no han llegado a desencarnar? ¿Almas coptadas por espíritus malignos, diabólicos? Enigmas que la Humanidad tiene y que James Wan se anima a transformar en una narración cinematográfica. Para los fanáticos del cine de terror, esta es la película.

Carlos Pierre

PIRATAS DEL CARIBE 4 EN 3D, LE QUATTRO VOLTE, ESTRENOS JUEVES 19 DE MAYO, BUENOS AIRES

JUEVES 19 DE MAYO DEL 2011.

Solo dos estrenos en fílmico en virtud de la cantidad de salas que ocupa el lanzamiento de “Piratas del Caribe IV”.

PIRATAS DEL CARIBE IV, NAVEGANDO AGUAS MISTERIOSAS, 3D

De Rob Marshall. Con Johnny Depp, Penélope Cruz, Geoffrey Rush, Jorgelina Airaldi, entre otros. Música de Hans Zimmer. Duración: 136 minutos.

BUENA. ENTRETENIMIENTO DE PRINCIPIO A FIN

Se llega a la cuarta película de la saga “Piratas del Caribe” en otro film de puro entretenimiento, que protagoniza Johnny Depp. Recién ahora ingresa al circuito comercial y ha sido a propósito: se la quiso distanciar de las tres anteriores para lograr suspenso y buena taquilla.

En esta oportunidad, la dirigió Rob Marshall, afamado director de Chicago y Nine, por ejemplo. Y acompañan a Jack Sparrow, o sea Johnny Depp, Penélope Cruz como Angélica, una mujer de su pasado, Barbanegra a cargo de Ian McShane, dos figuras europeas, además del actor británico Sam Claflin en el rol del misionero Phillip, relacionado con Syrena, encarnado por Astrid Berges-Frisbey. Las sirenas son muchas y destacamos la presencia de la modelo argentina, nacida en Santa Fe, Jorgelina Airaldi.

El film nos remite a las conocidas aventuras de espadachines y mares embravecidos de las anteriores películas, pero siempre hay motivos para atraer al público. Esto no se puede dudar.

Vale destacar que el film se realizó en exteriores en el puerto de Greenwich, y los interiores se llevaron a cabo en los estudios ingleses de Pinewood, de gran dimensión y excelencia técnica.

Hay una lograda escena en el Salón de Banquetes del Palacio de Saint James con la presencia del rey Jorge II (Richard Griffiths), dentro de secuencias donde la acción no tiene fin y, en este sentido, el objetivo del producto está alcanzado.

Jack Sparrow debe encontrar la Fuente de la Juventud, ubicándose en 1750, cuando convergen el conquistador español Ponce de León, “nuestro” Jack Sparrow y el corsario Héctor Barbossa, al servicio del rey Jorge II. Los personajes se suman a elementos ya conocidos de la saga como la brújula y el monito de Jack.

El film es muy vistoso, atractivo, y es un gran entretenimiento, más allá de hilar fino y determinar, desde este modesto lugar, si hay o no errores de edición. Lo dejamos de lado porque la atracción es mucha. Por supuesto, al tratarse de la cuarta película de un mismo personaje, hay reiteraciones inevitables. Pero de eso se tratan las Sagas justamente, y es lo que les da identidad: la reiteración de elementos y actitudes a lo largo de los cuatro films en este caso.

Penélope Cruz ya estaba embarazada cuando filmó a mediados del año pasado y, según sus propias declaraciones, fue cuidada y no tuvo escenas de excesivo riesgo. Johnny Depp, como siempre, se siente a sus anchas en estos exóticos personajes, donde debe realmente componer a partir de determinadas líneas de la dirección actoral. Aquí hay esfuerzo, entrenamiento y composición puestos al servicio del entretenimiento puro donde algunas ausencias de guión y montajes a “todo o nada” no hacen mella en la acción de principio a fin.

Carlos Pierre

LE QUATTRO VOLETE

De Michelangelo Frammartino. Duración: 88 minutos

MUY BUENA. MEDITACIÓN CINEMATOGRÁFICA

SOBRE EL ARTE DE LA VIDA COTIDIANA. BELLA Y ATRAPANTE.

El cine-arte suele ser controvertido por lo críptico o bien por la decodificación intelectual y ardua que debe hacer el espectador. En el caso de Le Quattro Volte, basada en la hipótesis de Pitágoras de cuatro elementos de la vida (hombre, vegetales, animales, mineral), el espectador se mete de lleno en un mundo sencillo y vital, cotidiano, sin música, sin diálogos, disfrutando de secuencias muy bellas que van produciendo sosiego y alegría espiritual. Se podría pensar que la atención decae. Sin embargo, he aquí el arte del director Frammartino: haber transformado las imágenes en una ficción encantadora que solo necesita de la complicidad del auditorio para ser disfrutada. Hay una historia pero no está contada con palabras sino con imágenes.

El protagonista es un pastor anciano, no habla, solo cumple con su tarea de llevar a pastoreo a su numeroso rebaño de cabras. Vive solo y consume cenizas de la iglesia (únicos interiores) para curarse de una tos resistente.

Hay nacimientos que coinciden con su muerte y emociona la intuición de los animales que, de pronto, irrumpen en su casa y se transforman en un risueño y conmovedor cortejo fúnebre. Frammartino ubica la cámara, por momentos desde atrás del techo de la vieja casa del pastor desde donde se ve una callecita de este pueblo de Calabria. Será la testigo muda de cómo la vida continúa, se transforma, pero sigue siendo la misma, la vida cotidiana.

Una cabrita recién nacida se pierde y encuentra albergue en la base de un altísimo árbol. Con el tiempo, sin que se sepa cuánto, ese árbol será talado, participará de una fiesta popular del pueblo y finalmente será transformado en leña, en carbón, utilizándose un método ancestral que la cámara toma en detalle. Resulta aleccionador y atrapante.

Las cabras tendrán otro pastor, la callecita seguirá estando igual, sin cambios, solo una camioneta que la recorre dejando en las casas la bolsa de carbón de leña. Y la pauta de que la vida continúa, a pesar de la vida y de la muerte, está en una solitaria chimenea del pueblo que vuelve a emitir humo, gracias a la leña. Nadie habla. Todos viven la vida. La rutina de la vida.

No le hicieron falta diálogos ni complicadas premisas a Frammartino para meternos de lleno en la vida. El documental con algo de ficción, según cómo se lo mire, es para disfrutar, y atrapa de principio a fin. Sin embargo, debemos alertar a los espectadores: no es un film que pueda gustarle a todos porque es atípico. Como dijimos, no hay diálogo. Aquí todo lo hace el entramado de las secuencias que el director ha dispuesto. Se ve lo cotidiano, se ve la vida simple. Y se disfruta. Sin efectos especiales ni nada. Usted elige.

Elsa Bragato

PODER QUE MATA, QUE LA COSA FUNCIONE, MUJERES AL PODER, VIENEN POR EL ORO, ESTRENOS JUEVES 12 DE MAYO, BUENOS AIRES

JUEVES 12 DE MAYO DEL 2011.-

Hay seis estrenos en fílmico. No comentaremos Winnie the Pooh ni el documental argentino De artistas y de locos, sobre los artistas del Borda.

QUE LA COSA FUNCIONE

De Woody Allen. Con Larry David, Evan Raquel Wood, Patricia Mckean, entre otros. Música de la época del swing. Duración: 92 minutos.

MUY BUENA. CUANDO LA FATALIDAD ES LO QUE FUNCIONA

Estamos ante la película número 39, de las 42 que realizó Woody Allen con la que está presentando ahora en Cannes. Nos faltaba verla: Whatever Works, o Que la cosa funcione, es el título. Otra vez en Manhattan, Woody Allen toma al protagonista, encarnado por el actor Larry David, como su alter ego, y se explaya ante cámaras hablándole directamente al espectador. Descarga su pesimismo, su misantropía, su angustia, su ateísmo.

Nada ni nadie se salva de la provocación de Boris Yellnikoff, el descarnado personaje de Larry David (tan reconocido por sus trabajos en las series Seinfeld y Curb Your Enthusiasm), hiriente y corrosivo. Todo le ha ido mal, nada funcionó ni funciona, es un derrotado profesor de física cuántica que estuvo “ahí” de ganar el premio Nobel pero lo perdió, pero se considera un genio.

Su diatriba incluye a todos: los judíos, los negros, los católicos, la música electrónica, los jóvenes. “Algo” le podría funcionar, pero parece que no: hasta tiene intentos de suicidio pero sigue vivo. Una ocasional relación con una mujer joven (Patricia Rachel Wood, la hija distanciada de Mickey Rourke en “El Luchador”) termina en casamiento, tampoco afortunado. Boris vive en un constante estado de pánico y desconfianza de los hombres, sigue analizando el Cosmos y su futura extinción y su verborragia consume su vida y la de quienes lo rodean, viviendo secuencias extravagantes a cargo de los padres de su vapuleada joven esposa.

Hay un logro en este film y es que el protagonista hable directamente con el espectador, estableciendo una complicidad propia del teatro. No hay que olvidar que este film fue un guión escrito por Allen en los 70 para ser realizado en Broadway, algo que no se concretó. Como indica el título casi como súplica: que algo funcione.

La fotografía es buena pero clásica, no hay un intento de sorprender con la narración. Los diálogos son agudos, en realidad, monólogos del protagonista donde se sintetiza todo el pensamiento de Allen, pesimista epicúreo porque no se niega los placeres pero, en el fondo, los maldice. La banda sonora es el jazz de otros tiempos. El entorno es Manhattan, tan amada por Woody Allen. Hay humor corrosivo, hay ideas, hay sustancia, y menos artificio cinematográfico, lejos de La rosa púrpura de El Cairo o de Match Point. De todas maneras, produce regocijo en el alma, nos saca una sonrisa y de vez en cuando una carcajada. Ni la mejor ni la peor película de Allen.

Carlos Pierre

MUJERES AL PODER

De Francois Ozon. Con Catherine Deneuve, Gerard Depardieu, entre otros. Música de Philippe Rombi. Duración: 103 minutos.

BUENA. LA MUJER-ADORNO ROMPE LOS MOLDES

Francois Ozon se basa en la exitosa obra teatral “Potiche”, de Barillet y Grédy, que se representara en Buenos Aires en los 70 (Mirtha Legrand). Potiche es un objeto decorativo, puede ser un jarrón bello pero sin valor ni practicidad. Es el sentido que, inicialmente, se le da a una mujer que vive a la sombra de su marido, encarnada por Catherine Deneuve. Su marido es el dueño de una fábrica de paraguas (reminiscencia de aquella maravillosa Los paraguas de Cherburgo, de Demy). Su ausencia por motivos de salud (emprende un crucero de placer) y el reencuentro de este “potiche” de mujer con el ex delegado laboral, a cargo de Gerard Depardieu, un ocasional amante años atrás, provocan el click argumental para que la historia tenga un vuelco. Es la mujer, ese potiche, quien deberá manejar la empresa y solucionar los problemas laborales, aún con sus extravagancias de ama de casa rica. El sentido de la obra responde a los cambios sociales de la década del 60, cuando la mujer iniciaba su arduo camino de liberación.

A pesar de la libre adaptación de la obra ajustándola a los actuales cánones del cine, se percibe la férrea estructura teatral. Sin embargo, no desmerece al film sino que Ozon logra una ágil y picante comedia al mejor estilo francés.

Un párrafo aparte merece la música original de Philippe Rombi con una brillante orquestación, alimentada por una gran orquesta. El triángulo prestigioso que conforman Francois Ozon, Gerard Depardieu y Catherine Denueve, sostienen esta comedia y la transforman en un entretenimiento eficaz, en momentos de virulencia visual en los cines.

Carlos Pierre

PODER QUE MATA

De Doug Liman. Con Naomí Watts, Sean Penn, Sam Shepard, entre otros. Música de John Powell. Duración: 106 minutos.

BUENA. ESCRACHE A BUSH SIN MEDIAS TINTAS

Entre la política y el amor transcurre la vida de Valerie Plame, encarnada por Naomí Watts, la agente de la CIA que descubrió la inexistencia de un plan nuclear en Irak que justificara la guerra iniciada por Bush. Su marido es Joe Wilson, a cargo de Sean Penn (siempre creíble, eficaz) ex embajador en Irak, es enviado por la CIA para corroborar aspectos de la investigación de su mujer. Ambos caen en la “trampa  Bush-CIA” y son condenados públicamente de manera atroz.

Esto produce un vuelco en la trama: de ser un film de suspenso político (no policial) pasa a ser el drama de un matrimonio que ve perder sus sueños de amor por las mentiras instaladas en la opinión pública por Bush y sus seguidores.

Está claro que Sean Penn no es republicano y su filiación demócrata y su actitud antibelicista están manifestadas en cuanta película ha podido reflejarlo. Y aquí pone toda su garra en demostrar que Bush mintió, que usó a gente leal y honesta en sus trabajos, aún los de espionaje (que no nos caen bien a la mayoría), para llevar a cabo una guerra en Irak por el petróleo y no para salvaguardar el honor americano por el atentado a las Torres Gemelas. Que tanta muerte la usó en su provecho político y personal. Y que en este uso de su propio pueblo no tuvo miramientos ni para destruirlos a nivel laboral ni como personas.

La narración del film es clásica, no presenta mayores sobresaltos sino que se esmera por desentrañar el dolor de un hombre y una mujer que se ven destruidos por un poder que aniquila sin piedad. Desde este punto de vista, el film parece más discursivo que “activo”. Sin embargo, cala hondo y deja un mensaje que, aunque previsible, es bueno recordar siempre. Sí llama la atención en esta parte del mundo que se pueda hacer un film tan abiertamente condenatorio, sin que ninguno de los realizadores ni actores sufran persecución alguna en su país. Hay que aprender, entonces, que esto sí es libertad de expresión.

Elsa Bragato

VIENEN POR EL ORO, VIENEN POR TODO

Documental argentino-boliviano de Pablo D’Alo y Cristian Harbaruk. Música de Alejandro Teran, Martín Bosa, Juan P. Mendoza, Pablo D’Alo Abba. Duración: 83 minutos.

BUENA. DOCUMENTAL INTERESANTE SOBRE LA EXPLOTACIÓN MINERA EN ESQUEL

Hace una década, en Esquel, una empresa canadiense obtuvo los derechos de extracción de oro y plata en minas a cielo abierto, es decir, fragmentando la montaña con explosivos y utilizando una enorme cantidad de agua que dejan contaminada con cianuro en pleno medio ambiente. En un principio, resultó una tentación laboral para la población, que vivía por debajo de los límites de la pobreza.

No obstante, un buen día la sociedad local se despertó y, mediante un plebiscito, rechazó la instalación de la empresa, a pesar de la injerencia del poder económico-político, provocando la renuncia del gobernador.

El documental de los realizadores Pablo D’Alo Abba y Cristian Harbaruk tiene un ritmo ágil y abarcativo que lo transforma en muy atractivo para el espectador. Pudo ser un documental parcial, sin embargo, no obviaron las dos facciones en pugna dentro de la población ni los diversos aspectos de la comunidad patagónica. Solo, creemos, faltó una explicación más técnica y fundamentada de los efectos nocivos de la explotación minera a cielo abierto.

Se trata de un muy buen trabajo, multipremiado, de rabiosa actualidad para nuestro país porque sigue vigente este emprendimiento y hay varios más en otras provincias argentinas.

Carlos PIerre

AGUA PARA ELEFANTES, GNOMEO Y JULIET, RÁPIDOS Y FURIOSOS 5, COCINA DEL ALMA, CULPABLE O INOCENTE, ESTRENOS JUEVES 5 DE MAYO, BUENOS AIRES

JUEVES 5 DE MAYO DEL 2011.-

Hay cinco estrenos en fílmico. Se anunciaban también algunos estrenos nacionales dentro del circuito no comercial.

AGUA PARA ELEFANTES

De Francis Laurence. Con Robert Pattinson, Reese Witherspoon, y Christoph Walts. Música de James Newton Howard. Duración: 122 minutos.

MALA. MALTRATO ANIMAL EN UN MELODRAMA APÁTICO

Robert Pattinson, el protagonista de Agua para Elefantes, basada en la novela exitosa de Sara Gruen, tiene un producto a su medida,  es decir para su lucimiento.  Se transforma en el amante, en el tercero en discordia de un matrimonio circense conformado por Reese Witherspoon y Christoph Waltz, deslucidos en sus caracteres como los dueños de un circo de poca monta. Todo comienza cuando un anciano concurre a un parque de diversiones y, por una situación que permite arrancar la anécdota central, recuerda su vida en un circo cuando se quedó sin padres y en la calle.

La historia entonces se ubica en la difícil década del 30. El jovencito se suma a una troupe circense, debiendo dejar su estupenda carrera como veterinario. Los conocimientos médicos le permitirán tener un trabajo.

Hasta aquí lo que se puede contar, si bien el resto es previsible. Matanzas de empleados, de animales, un romance que no cuaja, personajes apáticos y deslucidos en medio del pintoresquismo de un circo barroco.

Queremos destacar que, aunque sean ficticias, hay escenas de maltrato animal muy fuertes que desagradan y que, aún queriendo explicar la locura del grotesco personaje de Waltz, el dueño del circo que no duda en arrojar del tren a sus colaboradores si no hay dinero para mantenerlos (lo mismo hace con los animales), incomodan y generan un profundo dolor en el ánimo del espectador.

La escena del ataque de Waltz a una elefanta, si bien no se ve en detalle pero se escuchan los gritos supuestos del animal, es tan brutal que solo por eso este film vale la calificación de malo. Nada justifica una escena supuesta de este calibre. Sí se ven las presuntas consecuencias: el animal tumbado, quejoso y herido en un costado.

Por otra parte, la relación entre los personajes de Pattinson y Witherspoon es tan poco pasional que resulta apática, sin “pathos”, sin fibra pasional, no transmite nada a la audiencia.

No nos gustó nada. Nos hizo sentir mal, incómodos. Claro está, las fanáticas de Robert Pattinson verán al actor componiendo un rol diferente al de la saga Crepúsculo y tratando de crecer como tal. No la recomendamos para el público en general porque el libro de Sara Gruen es literatura y la trasposición de ese espíritu al cine no está lograda. Aquí hay lucimiento de la figura y el rostro de Pattinson. Está bien para los adolescentes, no para el público adulto que busca algo más.

Elsa Bragato

GNOMEO Y JULIET

De Kelly Asbury, el director de Shrek 2. Con las voces en inglés de James Mcavoy y Emily Blunt. Música de Elton John. Duración: 84 minutos.

BUENA. SIMPÁTICA ANIMACIÓN SOBRE LA HISTORIA DE ROMEO Y JULIETA

La tragedia de los Capuletos y Montescos atrajo siempre a muchos realizadores. Trasponer esta historia de amor y odio en un dibujo animado dirigido a los más chicos (hay animaciones para adultos) ha sido una empresa difícil pero lograda. Aquí la rivalidad de las dos famiias se traslada a dos jardines, donde hay simpáticos gnomos de yeso que conviven, pared de por medio, cuando los humanos no están.

El director Kelly Asbury, de Shrek 2), la producción ejecutiva y las canciones de Elton John, la distribución de los estudios Disney y gran parte de la realización animada a cargo de la afamada compañía Startz Animation de Canadá, configuran un sólido aval para este film.

Para suavizar el tono intensamente dramático de la obra shakesperiana, Gnomeo habla con la estatua del bardo inglés, que está ubicada en su ciudad natal, Stratford, en Inglaterra. Ésta es una secuencia muy lograda y agradable. Gnomeo le insiste a Shakespeare que debe cambiar el desenlace y el final.

Como ocurre en este género de films, aparecen animales y otros seres que les dan soporte a los protagonistas: en este caso hay un rana que es la confesora de la gnomo Juliet. Un hongo azul, a su vez, es el que le presta oídos a Gnomeo. Una pareja de flamencos los acompañan hablando con acento español y una diversidad de máquinas cortadoras del césped se comportan como “máquinas de combate”.

Para los espectadores de habla castellana es posible escuchar en la versión original en inglés las canciones de Elton John, no así las voces de los actores. El film está doblado a nuestro idioma. En síntesis, la historia de amor de todos los tiempos, eternizada por Shakespeare está recreada con gracia y mucho ingenio.

Carlos Pierre

RÁPIDOS Y FURIOSOS 5 – SIN CONTROL

De Justin Li. Con Vin Diesel, Paul Walker, Elsa Pataky, Dwayne Johnson “La Roca”, entre otros. Música de Brian Tyler. Duración: 130 minutos.

MUY BUENA. POLICIAL INTENSO DE EXCELENTE REALIZACIÓN

Al parecer, las cuatro anteriores películas de esta saga han servido de preparación para esta quinta, que nos llega con el título de Rápidos y Furiosos Sin Control. Aunque el film sea considerado “pochoclero”, tiene una gran realización, una excelente narración audiovisual. Hay cámaras aéreas que nos recuerdan el estilo de Robert Wise en La Novicia Rebelde o Amor sin Barreras, y muestran en ese recorrido veloz y abarcativo desde la bellaza de la bahía de Río de Janeiro hasta la sinuosidad de las favelas.

Son vuelos que el espectador puede compartir como si los realizara junto al supuesto piloto de esa cámara-avión. Planos secuencias que han enriquecido notablemente a un film que, de no ser por esta magnificencia visual, sería uno más.

Los ex jóvenes de Rápido y Furioso son peligrosos ladrones, incluso el personaje de Vin Diesel sale de una cárcel pero ya planea un último gran robo, junto al carilindo de Walker, en Río de Janeiro.

Otro hallazgo de este film policial es la incorporación de La Roca, aquella “momia” que estremecía en films de ciencia ficción, o enternecía en un logrado personaje como un “papá toda hora” en la fantástica New York. Permite que dos forzudos estén cara a cara: Diesel y Johnson. Y si bien las secuencias son casi clishés, de eso se trata el film.

Las “picadas” son solo una anécdota dentro de la historia de robos, asaltos y enfrentamientos policiales. Pero entretienen de principio a fin con excelencia visual y musical. Que hay que destacar, por cierto, la banda sonora de Brian Tyler, acostumbrado a los superhéroes cinematográficos y sus historias.

Un combo perfecto para disfrutar a pleno, desde lo visual hasta el suspenso de un policial que no ahorra balaceras pasando por una música que estremece. Vale destacar que, en el Brasil, han considerado al film como poco alentador para la imagen del país con vistas al próximo mundial de fútbol. Mucha droga en las favelas, mucha violencia.

Pero hay otros films que la han retratado como Ciudad de Dios y Tropa de Elite, de origen brasileño, grandes películas. Aquí, un poco en broma y mucho en serio, hay acción y de la buena en medio de favelas, robos tiroteos, droga, dealers,  y la majestuosidad de Río. No es poco.

Elsa Bragato

COCINA DEL ALMA

De Faith Akin. Con Adam Bousdoukos, Birol Unel, entre otros. Duración: 99 minutos.

BUENA. COMEDIA AL ESTILO ALEMÁN

Fatih Akin es un joven y meritorio realizador alemán, de origen turco, ganador de un premio del Jurado en el festival de Venecia del 2009. Nos presenta con Soul Kitchen o Cocina del Alma un film simpático pero menor a los que le conocemos (Al otro lado, por ejemplo, maravilloso ejemplo de unión de credos y razas). La comicidad es de otra índole, y se explicita en las peripecias del joven dueño del restorán, ubicado en un barrio marginal de la ciudad de Hamburgo, donde vive Akin.

El film tiene una interesante narración. Permite conocer al protagonista en diferentes instancias, desde la venta del restorán hasta las secuencias, breves, de sexo virtual con su novia, que ha viajado a Shangai. Y la anécdota que le permite relacionarsecon una kinesióloga, Anna, que lo ayudará más de lo que cree. El protagonista deberá sortear todo tipo de obstáculos para mantener su alicaído restorán con la contratación de un sofisticado chef venido a menos, la conversión del restorán en un pub de dudosa reputación, el viraje hacia una “disco” y la persecución de un comprador. Hay secuencias extravagantes, como la relación sexual en medio del pub entre un casi pordiosero y una prostituta, mientras el resto de la gente limpia, ordena o bebe algo.

Es una buena comedia, simpática, que intenta sintetizar la globalización europea en todos los aspectos de la vida: desde la utilización de internet para todas las necesidades hasta la transformación de un menú tradicional en otro sofisticado. Y las consecuencias de uno y otro paso en una Europa de mente abierta mal que le pese. El título Cocina del Alma tiene su explicación en el final más que durante la narración en sí. La Navidad, la recuperación del lugar y la visita de alguien que ha conquistado el alterado corazón del joven dueño del lugar. Agradable, con objetivos pretensiosos que terminan por complicar la trama de la comedia.

Elsa Bragato

CULPABLE O INOCENTE

De Brad Fruman. Con Matthew McConaughey, Marisa Tomei, Josh Lucas, entre otros. Música de Cliff Martínez. Duración: 118 minutos.

BUENA. POLICIAL ENTRE LOS ÁNGELES Y SAN FRANCISCO, INTERESANTE, NADA MÁS.

Dentro de las historias de abogados, este film tiene una vuelta de tuerca que le da un toque diferente: se trata de un abogado de LA que tiene su buffet en el asiento de atrás de su coche, un Lincoln Continental Seda.

Un chofer contratado es el confidente espectador de la carrera del abogado “non sanctus” que encarna Matthew McConaughey, defensor de criminales de poca monta de la ciudad. El protagonista tiene relación con una banda de motoqueros y cuento, en los pasillos tribunalicios, con soplones a sueldo que le “marcan” los trabajos a encarar.

Precisamente, uno de estos sujetos le ofrece defender a un rico empresario inmobiliario de Beverly Hills, acusado de violación y asesinato. Es el negocio de su vida pero no le resultará fácil ya que el acusado es un manipulador que ejerce todo su poder incluso para desbaratar las artimañas del abogado que necesita “saber más” para defenderlo.

Matthew McConaughey compone a este abogado inescrupuloso a cara de piedra, mantiene una relación amorosa con una mujer de fuerte carácter, a cargo de Marisa Tomei, y ambos son padres de una niña.

Las emblemáticas locaciones en Los Angeles y San Francisco (Prisión de San Quintín y Golden Gate), amplían el escenario de este drama que no se circunscribe solo a los estrados judiciales. La música original de Cliff Martínez aporta y sostiene el vértigo en el que se sumerge este abogado del ostentoso Lincoln, que da lugar al título del film. Interesante. Nada más.

Carlos PIerre