EL MAL DEL SAUCE, EL COMIENZO, 12 HORAS, DIARIO DE UN SEDUCTOR, EL POZO, PIRATAS!3D, JUEVES 19 DE ABRIL

JUEVES 19 DE ABRIL DEL 2012.-

Hay 7 estrenos en fílmico. No comentaremos el documental “El provocador”, sobre un portugués y su teatro de provocación durante la dictadura militar. Recomendamos, como muy modesta opinión, que los documentales tengan una sala propia en el centro de la ciudad para que no compitan con los estrenos comerciales. Esto les resta público a futuro. Siendo buenos productos, la falta de espectadores los condena a un fracaso muchas veces inmerecido.

EL POZO

De Rodolfo Carnevale. Con Eduardo Blanco, Patricia Palmer, Ana Fontán, Túpac Larriera, Adriana Aizenberg, Dora Baret, Norma Pons, entre otros. Música de Pablo Borghi. Duración

BUENA. EL AUTISMO EN UN FILM QUE PRIVILEGIA LO DIDÁCTICO POR SOBRE LA FICCIÓN

Pilar (Ana Fontán) es autista desde los cuatro años, ahora tiene 26 y su caso provoca en su familia un dolor profundo. El padre (Eduardo Blanco) quiere internarla porque en el seno del hogar no muestra signos de una mejoría, por el contrario, cada vez los arrebatos propios de la enfermedad son más pronunciados. En cambio su madre (Patricia Palmer) vive desvelada por ella y cree resguardarla mejor en la casa. Más aún, recurre a una psiquiatra (Dora Baret) porque ambas confían en una recuperación.

Estas actitudes diferentes de sus padres produce un distanciamiento y la consecuente separación entre ambos, sumada a los conflictos en la escuela y con los amigos de su hermano menor (Túpac Larriera).

Román (Ezequiel Rodríguez) también es autista y es conocido por la familia de Pilar a través de su madre (Adriana Aizenberg). Pero finalmente tanto Pilar como Román son internados en un hogar de rehabilitación y contención, cuya directora es Norma Pons, y inmediato ayudante está encarnado por Juan Palomino.

Filmada en San Luis, esta realización de Carnevale muestra la urdimbre social que padecen las personas autistas; el tema es muy interesante desde todo punto de vista, pero, en la realización, se notan demasiado las “costuras” y cae en una exposición didáctica que afecta el valor de la ficción en sí.

Como detalle significativo, está la figura de la Estatua de la Libertad que la psiquiatra le regala a Pilar, y es el símbolo del film por lo que encarna, jugando en varias secuencias oníricas de la protagonista quien está sumergida en el pozo de su discapacidad.

Basado en un hecho real, el film transita por los carriles de una exposición prolija, avalada por los tratamientos médicos del autismo. Interesante y buenas actuaciones.

Carlos Pierre

EL COMIENZO - REC 3

De Paco Plaza. Con Leticia Dolera, Diego Martín, Adrián Alex Monner, Ismael Martínez, entre otros. Duración 80 minutos.

BUENA. EFECTIVA VUELTA DE TUERCA DE LA DANZA MACABRA DE LOS ZOMBIES

La primera película titulada Rec se estrenó en 2007, provocando un impacto en el público. Era un falso documental donde una periodista televisiva, con cámara en mano, debe reportar el accionar de los bomberos y termina encerrada en un edificio donde la proliferación de un extraño virus también la atacará. Todos serán zombies.

De 2009 es Rec 2: secuela de la primera, las autoridades tratan de averiguar qué es lo que ocurre en ese edificio, pero el caso no se resuelve y la plaga se expande. Como no hay dos sin tres , según palabras del propio director Paco Plaza, este Rec 3 abandona el territorio de la secuela para inaugurar el de la saga.

A fin de ser respetuoso con el original y a la vez aportar algo novedoso, en esta tercera entrega se incorporan elementos del cine de aventuras, recuperando gran parte del humor negro que fue una característica del primer film (subtítulo de esta película, Rec 3). Hay énfasis en la comedia negra, de gran acción, y algo muy acertado fue la apertura del escenario, que sigue siendo un espacio de sangre y terror pero a la luz del día. Ahora se pueden ver a los infectados arrastrando sus torcidos cuerpos por calles y jardines, dejando atrás la sensación de claustrofobia que provocaron las dos primeras películas.

La historia es simple y efectiva: una pareja a punto de casarse, Koldo (Diego Martín) y Clara (Leticia Dolera) celebran su boda en un estupendo recinto (para bien del film con secuencias de gran amplitud). Esta alegría y felicidad se ven alteradas de forma violenta y repentina por los infectados. Es cuando comienza esta narración de horror, sustos y gags hasta risueños en medio de un desparpajo de sangre y violencia, donde se mezclan el entretenimiento y las escenas espeluznantes. En vez del tradicional vals de los novios, la parejita baila una danza macabra a toda orquesta. En sí, la realización no tiene complejidad y es lineal como el argumento. Para fans.

Carlos Pierre

12 HORAS (GONE)

De Heitor Dhalia. Con Amanda Seyfried, Wes Bentley, Daniel Sunjata, Jennifer Carpenter, entre otros. Música de David Buckley. Duración

BUENA. SUSPENSO POLICIAL EN UNA TRAMA INQUIETANTE

El título del film resume cabalmente la trama de este thriller de suspenso. Jill Parish (Amanda Seyfried) fue secuestrada 12 meses atrás por un asesino serial, pero logró escapar por un agujero cavado en la profundidad de la tierra, en medio de un bosque aledaño a la ciudad.

Todo parece indicar que este asesino ha regresado y ha actuado del mismo modo, porque su hermana ha desaparecido en idénticas circunstancias al secuestro anterior. La policía no le cree a Jill, como tampoco lo había hecho un año atrás, atribuyéndole el caso a un desorden mental de la víctima.

“12 horas” es precisamente el tiempo con que cuenta la joven para rescatar a su hermana y a la vez vengarse del asesino. Está sola en esta carrera contra reloj, con la excepción del nuevo policía, el detective Peter Hood (Wes Bentley) quien no cree en la enfermedad de Jill o sea sabe que está contando la verdad.

El talentoso director brasileño Heitor Dhalia se valió de varios elementos para consolidar un film inquietante: una protagonista talentosa y muy carismática, una locación adecuada a este thriller, la ciudad de Portland, que tiene una atmósfera especial: llueve casi siempre, hay una bruma persistente sumada a un bosque cercano y a unos espejos de agua por demás sugestivos, que favorecen el suspenso y la tensión.

El guión es diferente: una mujer como protagonista quien lleva en su espalda una verdad y el descreimiento de quienes deben ayudarla. En este tipo de películas de suspenso, suelen darse elencos corales, siempre de jóvenes de ambos sexos, por lo que elegir a una estrella como Amanda Seyfried a cargo del protagónico resulta diferente y atractivo.

Incertidumbre, temor, suspenso, surgen con generosidad de la trama sin caer en la violencia, algo para destacar, por lo que Gone- 12 horas (gone tiene varios significados en inglés. Entre ellos, el de “fallecido”). Un puzzle sobre un secuestro, o dos, o la maquinación de una mente enferma. El espectador deberá dilucidarlo a través de secuencias entretenidas que lo mantendrán en vilo. Pero nada más.

Carlos Pierre

EL MAL DEL SAUCE

De Sebastián Sarquís. Con Jean Pierre Noher, Lihuel Iván Porcel, Verónica Bellene, entre otros. Música de Pablo Sala. Duración: 88 minutos.

MUY BUENA. JUEGO EXISTENCIAL CON GRAN ACTUACIÓN DE JEAN PIERRE NOHER

Una creencia popular de los habitantes de las islas del Delta dice que hay un mal que los aqueja y que se sufre aún sin saberlo, y es el que se adquiere sentado debajo de un sauce contemplando el río. A veces se lo lleva en la sangre como un estigma familiar.

Franco (Jean Pierre Noher) acaba de despertar en una solitaria isla del Delta, está aturdido sin saber qué hace allí. Está secuestrado, tiene los ojos vendados y está atado, en un ámbito rústico y miserable. De a poco, logra liberarse de sus ataduras, pero otro espanto peor lo asalta, su propio hijo Luciano es el nexo entre los captores y él, es quien alcanza la comida y le informa las órdenes de los captores.

Con su hijo no ha tenido buena relación, y ahora salen a relucir sus propios fantasmas personales, sus culpas familiares y sus dudas existenciales en esa clausura ilimitada que vive. Su esposa Elena (Verónica Bellene) es quien negocia ese rescate incierto, pero la liberación se aproxima por parte de la policía, aunque un acontecimiento inesperado cambia el curso de los hechos y conduce a un desenlace imprevisible. Sarquís trata de un modo profundo y onírico el desencuentro de un padre y su hijo, y las propias culpas que asaltan desde el fondo de su conciencia.

Cuando uno está en soledad y en circunstancias extremas de abandono, los sonidos del alma y los ruidos de la naturaleza se profundizan, y, al mismo tiempo, se agudizan en grado superlativo. Aquí están muy bien representados merced a la atinada puesta de sonido y a la excelente música incidental compuesta por Pablo Sala, insertada con justeza en el relato. La fotografía de Pablo Riccio se explaya magníficamente en la naturaleza pródiga del Delta., así como el montaje denota un profundo conocimiento del relato audiovisual. Todos colaboran para que la trama propuesta por Sebastián Sarquís sea atrapante y nos obligue a pensar, a analizar, dónde está la verdad, dónde está la conciencia, y hasta dónde se extiende el “mal del sauce”.

Por su parte, Jean Pierre Noher cumple una suerte de unipersonal muy exigente, de y con alto nivel interpretativo. Un verdadero juego existencial y mágico de Sebastián Sarquís para sumergirse en los secretos que encierra esa creencia arraigada en los pobladores del Delta. Ciertamente, el tema puede no gustar porque no es fácil, no es pochoclero, pero la realización como la interpretación son muy sólidas y merecen nuestro apoyo.

Carlos Pierre

DIARIO DE UN SEDUCTOR

De Bruce Robinson, basdada en la novela de Hunter S. Thompson. Con Johnny Depp, Aaron Eckhart, Michael Rispoli, Amber Heard, Richard Jenkins, Giovani Ribisi, entre otros. Duración: 120 minutos.

MUY BUENA. BIOPIC DEL CREADOR DEL PERIODISMO “GONZO”, INTERESANTE RECREACIÓN DE LOS 60

Resulta un film muy interesante para los periodistas, asegurándose un cierto margen de taquilla pero tal vez no la que se espera. La figura de Johnny Depp siempre es convocante, esta vez en el papel de Paul Kemp, un periodista que es enviado a Puerto Rico para formar parte del diario en inglés que allí se edita. La película se titula “The rum diary”, algo así como el “ron diario” o cotidiano y muestra una de las adicciones de Kemp- Hunter S. Thompson, nacido en 1937, quien se suicidó en el 2005, considerado como el generador del “periodismo gonzo”. Este calificativo provoca polémica en su origen y en su definición: puede ser o de origen portugués o bien irlandés y significa, en la práctica, bizarro. Al mismo tiempo marca el subgénero periodístico de relatar los hechos en primera persona, o sea darles subjetividad a la información, que fue una de las características de Thompson, y también de Truman Capote, con antecedentes notables en Ernest Hemingway.

Paul Kemp es enviado a Puerto Rico, en 1960, un paraíso norteamericano si bien no todos los periodistas vivirán como los magnates que va conociendo. Es muy interesante la recreación de las viejas redacciones que subsistieron en nuestro país hasta fines de los 90, computación incluida. Personajes como Kemp vivieron en los medios gráficos en los 60, 70 y 80 especialmente, adictos a las drogas, al alcohol y a una vida bohemia de desenfreno, muchas veces provocado por la misma profesión y el deambular nocturno buscando noticias.

Secundan a Paul Kemp dos personajes antológicos: Sala, fotógrafo encarnado por Michael Rispoli, y Moburg, perdido en las drogas, a cargo de Giovanni Ribisi. La mujer que enamora a Kemp es la bellísima Amber Heard como Chenault, novia del magnate Sanderson, un Aaron Eckhart autoritario y seguro de sí. El editor del diario en inglés es Lotterman y lo personifica Richard Jenkins, con todos los tics que han tenido los editores de esas décadas: autoritarismo y subestimación del personal (fue famoso Laíño, de La Razón, por romper en la cara de los periodistas las notas que no le gustaban, sin mediar palabra y sí gestos ingratos).

La historia nos muestra a Paul Kemp buscando un equilibrio entre la vida malsana de sus dos compinches o “guías” en Puerto Rico y aquélla que le muestran los hacendados, tentándolo con riquezas que le serán inalcanzables. Las riñas de gallos, desagradables y fuera de tiempo, fue un modo de esparcimiento en los 60 incluso como medio de vida más que de pasatiempo. Y el alcohol, el ron, y la droga, las formas de escapismo.

Hay un antecedente de este film que es “Fear and Loathing in Las Vegas”, de 1998, también con Johnny Depp , acompañado por Benicio del Toro como Dr. Gonzo. En esta película, las drogas fueron el eje de una historia psicodélica, mientras que en “Diario de un seductor” hay más narración sobre la vida del periodista, el alter ego de Thompson. Kemp logró casarse con la novia del magnate, la bella Chenault, y vivió en New york convirtiéndose en destacado periodista. Solo basta que cambiemos el nombre: en lugar de Paul Kemp, pensamos en Hunter S. Thompson, a quien le es dedicado el film. Hay una buena fotografía, un excelente diseño de arte, y la actuación de Johnny Depp tiene la credibilidad que un personaje como el de Kemp-Thompson requiere, con pocos recursos gestuales pero profundos. Nos atrapó, pero aclaramos que caímos en la seducción de nuestra profesión. No es un film masivo.

Elsa Bragato

PIRATAS! UNA LOCA AVENTURA 3D

De Peter Lord y Jeff Newitt. Con Hugh Grant, Brendan Gleeson, Salma Hayek, Martin Freeman, entre otros. Duración: 87 minutos.

BUENA. PIRATAS ALOCADOS QUE ENFRENTAN A LA REINA VICTORIA

Los piratas siempre son atractivos…En este caso, se trata de un film de animación de los mismos realizadores de Pollitos en fuga y Wallace & Gromit, Lord y Newitt. Basándose en la técnica “claymation”, que se basa en animar figuras hechas con plastilina, lograron una película divertida, alocada, con cambios argumentales que detectamos solo los adultos, y para toda la familia.

La historia se centra en el Capitán Pirata que llega a la Isla de Sangre pero no le va bien y enfila hacia Londres. Allí se enfrenta a Darwin, el científico, y a la reina Victoria, presentada como una villana grotesca, que ama comer animales exóticos y ha puesto la mirada en el loro del Capitán.

Hay algunos vaivenes argumentales en la evolución del personaje del Capitán Pirata: comienza siendo el más malo de todos, no logra nada en sus tropelías, y poco a poco cambia sus emociones para llegar a ser un “tierno”. Esto produce un cambio en el guión: de las tropelías se pasa al salvataje del loro, un plato ansiado por la reina Victoria, una mujer muy fea adicta a la comida con notables conocimientos de esgrima. Locura y diversión en aventuras que distan mucho de ser las clásicas de los piratas.

El film es muy entretenido y tiene un objetivo: toda la familia, con el mensaje ecológico de salvar a muchos animalitos que iban a ser devorados por la implacable reina. Los vaivenes argumentales nos despistaron un poco. Pero reconocemos que es simpática y atractiva para toda la familia.

Elsa Bragato

LAS MUJERES DEL 6TO PISO, EL LÍDER, AMERICAN PIE EL REENCUENTRO, INDUSTRIA ARGENTINA, TUPAC AMARU Y EL REESTRENO DE TITANIC 3D, JUEVES 12 DE MARZO

JUEVES 12 DE ABRIL DEL 2012.-

Hay 4 estrenos, entre ellos, los nacionales Industria Argentina y Tupac Amaru (documental), que no comentaremos. Una semana con “medianía” en la calidad de los films, si bien se suma el reestreno de Titanic, de J. Cameron, en 3D.

LAS MUJERES DEL 6TO. PISO

De Philippe Le Guay. Con Fabrice Luchini, Carmen Maura, Sandrine Kiberlain, Natalia Verbeke, entre otros. Música de Jorge Arriagada. Duración 104 minutos. Hablada en francés y español.

MUY BUENA. ATRACCIÓN FATAL DE LA ARGENTINA NATALIA VERBEKE EN SIMPÁTICA COMEDIA

Soplan vientos de cambio en la década del 60 parisina, aunque todavía no se han desatado los hechos de mayo del 68. Esa paz burguesa se verá sacudida por criadas españolas. Jean-Louis Joubert (Fabrice Luchini), quien se dedica a las finanzas, vive con su esposa Suzanne (Sandrine Kiberlain), inmersa en actividades sociales mientras los dos hijos adolescentes están en el colegio. Tiene entonces necesidad de criadas que la ayuden en las tareas del hogar. Son las del piso 6to de este elegante edificio quienes entran a tallar en el adormecido espíritu del marido con gracia y alegría bien españolas. Se trata de inmigrantes que buscan en Francia el desahogo económico que no encuentran en España.

El detonante de este “cup de foudre” con acento español en el aburrido corazón de Jean-Louis es la llegada como criada en su hogar de la joven María. El personaje está a cargo de la argentina Natalia Verbeke quien, desde los 11 años, está radicada en España. A partir de esa aparición, incluso un descuidado desnudo en el baño ante los ojos del señor de la casa, surgen condimentos sentimentales y se ingresa en una comedia muy simpática. La atracción franco-hispana es un hecho. Pero es un condimento siempre presente en la relación de ambos pueblos. Basta citar en la música autores como Bizet y Ravel y tantos otros que se sintieron fascinados por el fuego de España.

Esta comedia es un bálsamo, bien realizada, bien actuada, en tiempos de sagas pobladas por vampiros, lobos y otras yerbas. Gracia y emoción, como una bocanada de aire fresco, en una historia contada y no plagada de efectos especiales.

Ganadora como Mejor Actriz de Reparto en los Premios César, Carmen Maura es solo una muestra del talento y desenfado de todas estas españolas, seis criadas maravillosas que nos alegran el espíritu. Estamos frente a un film para cargar las pilas de la mejor manera.

Carlos Pierre

EL LÍDER

De Joe Carnahan. Con Liam Neeson, Dermot Mulroney, Frank Grillo, entre otros. Música de Marc Streitenfeld. Duración: ll5 minutos.

REGULAR. ATENTADO CONTRA LOS PRINCIPIOS ECOLÓGICOS

Basado en un cuento corto, GHOST WALKER, de Ian Mackenzie Jeffers, este film es irresponsable en su mensaje, alejado del conservacionismo de muchas especies de animales, en especial de los lobos, y solo muestra al hombre contra la naturaleza manifestando de manera explícita que no debemos conservarla, o bien que no importa si lo hacemos o no.

Los lobos de Alaska son presentados como una amenaza, sanguinarios porque sí, y no por motivos de supervivencia como es en la realidad. La historia se sitúa en la blanca Alaska, un verdadero infierno blanco, donde cae un avión y un grupo de hombres, comandados por el experto cazador de lobos Ottway (Liam Neeson), entabla una lucha cuerpo a cuerpo con estos animales, sin basar los hechos con lo que ha establecido hasta ahora la naturaleza. Es cierto que una actuación de Liam Neeson siempre es intensa y profunda, en este caso como el líder que indica el título. No obstante, la supervivencia de este personaje es tan cruel que uno se pregunta si no es cierto el dicho que indica que el ser humano es el animal más peligroso de todos los existentes.

Resulta curioso (o no) que el responsable de la fotografía sea el japonés Masanobu Takayanagi, mostrando una crueldad superlativa, emparentada con las matanzas de su pueblo de ballenas, tiburones, y delfines, condenadas por la sociedad mundial. Hay que destacar que un documental sobre cómo los japoneses matan a indefensos delfines ha ganado un premio Oscar. Se nota en Takayanagi un espíritu muy cruel por cómo se realizan las matanzas y la fotografía adoptada para narrarlas, una verdadera orgía de sangre con “conocimiento de causa” que no es adecuada para los espíritus sensibles y mucho menos para las necesidades actuales de la naturaleza.

Carlos Pierre

AMERICAN PIE, EL REENCUENTRO

De Jon Hurwitz y Hayden Schlossberg. Con Jason Biggs, Aluyson Hannigan, Chris Klein, Thomas Ian Nicholas, Tara Reid, entre otros. Música de Lyle Workman. Duración: 113 minutos

REGULAR. LO CONVENCIONAL POR SOBRE LO INTELIGENTE

La edad no es en vano. Diez años después se reúnen los integrantes de la saga American Pie para este “reencuentro” donde intentan revivir viejas locuras y se dan cuenta, poco a poco, que ya no están para esos trotes. Poca escatología, hay que reconocer, respecto de las primeras películas, pero lenguaje soez y situaciones controvertidas, transcurren en una narración muy convencional cuyo valor estriba en la franquicia, American Pie, plagada de alocadas experiencias de todo tipo de un grupo de amigos de la secundaria. No hay mucho para contar y sí para advertir que le gustará a los fans de la saga y nada más. Por momentos, aburre porque no deja de ser más de lo mismo. Y es difícil recordar una secuencia que nos haya impactado o seducido porque no la hubo.

La primera película se estrenó en 1999, la segunda y tercera en el 2001 y 2003. Luego surgió una “American Pie Presents”, subsaga a partir de la primera con cuatro títulos, derivadas de la primera (“spin-off”). O sea estamos frente a la octava versión de American Pie, con la novedad de ver a los muchachotes ya casados. Sí es válido destacar que, a pesar de no poder concretar sueños adolescentes, prevalece la amistad. Y no es poco. Pero, la escatología no nos va…

Elsa Bragato

EXTRAÑOS EN LA NOCHE, EL CONSPIRADOR, TENEMOS QUE HABLAR DE KEVIN, NOSOTRAS SIN MAMÁ, EL PRÍNCIPE DEL DESIERTO, ESPEJITO ESPEJITO, JUEVES 5 DE MARZO

JUEVES 5 DE ABRIL DEL 2012.

Hay 7 estrenos. No comentaremos la producción uruguaya Reus.

EXTRAÑOS EN LA NOCHE

De Alejandro Montiel. Con Diego Torres, Julieta Zylberberg, Fabián Vena, Ludovico Di Santo, Laura Conforte, Betiana Blum, entre otros. Música de…. Duración: 93 minutos

BUENA. COMEDIA LIGERA QUE OSCILA ENTRE EL ROMANTICISMO Y EL POLICIAL

Diego Torres regresa al cine luego de más un lustro con un protagónico de tono circunspecto, lejano del de Entre Rejas. Lo acompaña la excelente Julieta Zylberberg. Ambos componen una pareja musical desigual, él es pianista clásico y ella una cantante popular, que desea triunfar en una banda de rock “indie”. El solo aspira a componer una sinfonía.

En un principio, estamos frente a una comedia romántica. Sin embargo, un hecho misterioso que ocurre en el departamento de arriba de donde vive la pareja protagónica los convierte en detectives de un supuesto crimen. La historia tiene mucho enredo argumental, entretenido, con gags mesurados, y del romanticismo pasa a un thriller policial. Mientras ocurre, la vida habitual transcurre, apareciendo en escena Fabián Vena, un empresario que intenta seducirlos con propuestas profesionales muy exageradas.

Alejandro Montiel, el realizador, viene del cine independiente y, en este caso, también escribió el guión. Sus films anteriores fueron esencialmente documentales (Chapadmalal y compartió la dirección de Las hermanas L, entre otras producciones) y, en el caso de Extraños en la noche, se observa cierta ausencia de un guión más sesudo (los documentales suelen basarse en los protagonistas y sus historias contadas a cámara), o más elaborado. Es demasiado lineal aunque no por eso pierda efectividad a la hora de ver a Diego Torres de regreso en la pantalla grande.

Diego Torres compone a Martín y es la contracara del cantante exitoso que sí es en la vida real. Sol es el personaje de Julieta Zylberberg. Y le hemos encontrado un tufillo a Los Fabulosos Baker Boys en algunas secuencias, aunque el argumento no tenga nada que ver con la producción norteamericana.

Técnicamente, la película está muy lograda especialmente en las escenas nocturnas, que abundan e impregnan la trama de la tensión necesaria para atrapar al espectador por momentos. El clima creado por Montiel es muy bueno, inquietante, generando zozobra como para atraer al público. En sí, la pareja protagónica a través de sus respectivos roles (Martín-Sol) se hace querible por la bonhomía que encarnan. Y obviamente la música que tiene un lugar especial en una determinada secuencia, a descubrir por el amigo lector.

Carlos Pierre

TENEMOS QUE HABLAR DE KEVIN

De Lynne Ramsay. Con Tilda Swinton, John Reilly y Ezra Miller, entre otros. Música de Jonny Greenwood. Duración: 112 minutos.

MUY BUENA. DESCARNADO DRAMA SOBRE EL COMPLEJO DE EDIPO

Estamos frente a un film muy fuerte, de terror doméstico, donde se analiza el complejo de Edipo con sus peores consecuencias. Es también un análisis social de cómo enfrentar situaciones límites cuando un hijo nace con perturbaciones mentales profundas o inmanejables para los padres. En el caso del film, el guión se basa en una familia constituída por una mujer autora y editora de guías de viaje, a cargo de la gran actriz Tilda Swinton, casada con un fotógrafo de publicidad. A los 40 años, y tras no pocas dudas, decide tener un hijo, Kevin, encarnado por el joven Ezra Miller. El niño tendrá una semilla de maldad infrecuente y aterradora que irá subiendo de decibeles a medida que avanza la narración.

La presentación del caso es un tanto perturbadora en el comienzo, pero deja todos los hilos que luego se irán cerrando con el film. Tilda Swinton compone a Eva, una madre que carga con una culpa tremenda por haber engendrado un hijo diabólico. La narración de la inglesa Lynne Ramsay es osada, inquietante,genera climas de gran intensidad que conmueven al espectador en un film nada fácil. Por su parte, John Reilly como Franklin, el esposo de Eva, siempre es efectivo y suele decirse que para un primer actor no hay nada mejor que el soporte de otro gran actor, aunque esté en segundo nivel.

Ezra Miller es el adolescente Kevin que desparrama terror y logra una actuación muy compleja y destacable con el adolescente desencajado, capaz de todo, que desafía a sus padres con su ímpetu destructivo y fatal.

La mano firme de Lynne Ramsay logra que la película mantenga en vilo a la audiencia conmovida por la personalidad de Kevin que oscila entre el horror y el espanto. A pesar de tener muchos elementos para caer en la desmesura, Ramsay no lo hace y mantiene estoicamente el guión sin caer en furias desmesuradas desde el punto de vista de la realización. La furia y la desmesura llegan de la mano del personaje central, mostrándonos lo que puede suceder cuando la contención familiar no es la suficiente y cuando la sobreprotección materna puede generar desgracias. Es una muy buena película que recomendamos a los espíritus fuertes y, en especial, a quienes tengan relación directa o indirecta con la psicología y la psiquiatría. Hay mucha tela para cortar para los especialistas. Nos atrapó.

Carlos Pierre

EL CONSPIRADOR

De Robert Redford. Con James McAvoy, Toby Kebbell, Robin Wright, Alexis Bledel, Evan Rachel Wood, Kevin Cline, Tom Wilkinson, entre otros. Música de Mark Isham. Duración: 123 minutos.

MUY BUENA. REDFORD REGRESA CON UN FILM HISTÓRICO QUE ENJUICIA

A LOS REPUBLICANOS

Robert Redford regresa al cine, tras un largo impasse, con un film muy sólido, con una fotografía espectacular, que nos recuerda a los cuadros de los grandes maestros renacentistas por el manejo de la iluminación. Además, cuenta con un guión que no deja detalle librado al azar y con actuaciones enormes para un hecho que signó y signa la historia de los Estados Unidos. Antes de entrar en detalles, señalamos que Redford tiene filiación demócrata y que toma un momento de la historia de su país donde los republicanos (los del norte) estaban en el poder manejando la economía de la misma manera que lo hizo el ex presidente G.W. Bush. Esta comparación implícita es innegable: Lincoln representa los intereses del segundo Bush. Según la historia, fue déspota al anular el Habeas Corpus, aunque tuvo un manejo de la población afroamericana, para sus intereses que enfureció a los sureños.: a Lincoln no le convenía una población de esclavos, a los sureños sí.

Dos momentos narrativos son expuestos de manera magistral: el final de la Guerra Civil y la presencia del joven abogado Frederick Aiken (McAvoy), que llegaría a ser fundador del actual Washington Post., con un gran desarrollo del personaje de principio a fin.

La historia se presenta en el momento en que el presidente Lincoln cambia de planes y decide ir al teatro Ford para ver, junto a su esposa, el vicepresidente y el secretario de estado, la obra Our American Cousin. Poco antes había asumido su segunda presidencia. Lo asesinó de un tiro en la cabeza un actor de teatro, llamado John Wilkes Booth (Toby Kebbell), que había nacido en Maryland, Virginia (el momento del asesinato es reproducido tal cual lo cuenta la historia: Booth saltó del palco presidencial al escenario blandiendo el arma y se escapó) y como hombre del Sur, detestaba la política norteña de Abraham Lincoln así como también la abolición de la esclavitud que había logrado el presidente número 16 de los Estados Unidos. La matanza de las tres autoridades provoca una persecución y caza de brujas feroz. De esta manera, los hombres del gobierno llegan hasta la casa de Mary Surratt (Robin Wright), madre de John Surratt, agente de los servicios secretos confederados quien traba amistad con John W. Booth. Se forma un grupo de conspiradores, bajo el ala de Mary Surratt. Mientras John Surratt se escapa, se logra detener a siete sospechosos y la madre de John, que serán enjuiciados y llevados a la horca.

Cobran notable predicamento la actuación de Kevin Cline como secretario de Guerra y de Tom Wilkinson, que encarna a Reverdy Johnson, un demócrata conservador que fue nombrado comisionado por Lincoln para investigar los hechos de la guerra civil. El centro argumental es Mary Surratt, quien tiene la defensa del inexperto Frederick Aiken. A medida que transcurre la narración, con puntillosos debates en las audiencias del tribunal, se observa que la reticencia inicial de Aiken por defender a Surratt deja paso al convencimiento de que la mujer ha actuado a favor de su hijo y que su enjuiciamiento tiene por objetivo el quebrar a su hijo, verdadero traidor, y a sus amigos. No está libre de culpa y cargo la mujer: se trasladó de Maryland a Washington DC para abrir un lugar de encuentro de su hijo con sus amigos.

El film no ahorra la discriminación racial existente en el sur, mientras muestra la opulencia del norte a través de su manera de vivir y de considerar a la sociedad en general: el norte avasallando al sur, pobre y con población de diferente color de piel.

Se puede decir sin faltar a la verdad que la narración tiene muchos detalles, especialmente durante el juicio a los futuros condenados, pero los diálogos son muy consistentes y hay una fotografía que pone la agilidad que un hecho histórico, contado con mucho rigor, puede no tener.

Robert Redford tuvo una gran chance de mostrar qué son capaces de hacer los republicanos en el poder, en momentos en que su país se acerca a una nueva elección presidencial con un candidato republicano opuesto a los inmigrantes y con mucha dureza en sus conceptos económicos. Y teniendo en el poder a un demócrata. Al parecer, la visión republicana del “sistema americano” no ha variado: proteccionismo, economía inflacionaria, y medidas en contra de los opositores que, en el caso de Lincoln, incluyó la ausencia de Hábeas Corpus para los terroristas (caso del ataque a las Torres Gemelas) y muerte (seguramente, Guantámano). Es un film histórico narrado con mano maestra, con un diseño de arte y rubros técnicos excelentes. Más que recomendable a pesar de algunos pasajes un tanto lentos.

Elsa Bragato

NOSOTRAS SIN MAMÁ

De Ejgenia Sueiro. Con Eugenia Guerty, Vanesa Weinberg, Nora Zinski y César Bordón. En blanco y negro. Música de Alejandro Franov. Duración: 70 minutos.

BUENA. DRAMA CON REMINISCENCIAS DE CICLO DE TV

Tres hermanas se reencuentran luego de la muerte de su mamá en la casa donde pasaron su infancia (algo que ver con “Para vestir santos?”, Polka). Cada una de ellas tiene su propio pesar, desde apremios económicos, hasta vivir en el exterior y la menor, la típica despreocupación de los muy jóvenes. Un hecho accidental las deja encerradas en su casa (reminiscencias de Luis Buñuel y “El ángel exterminador”) y marca el comienzo de un encuentro que es el desencuentro de tres hermanas diferentes. Solo las une la sangre.

Eugenia Sueiro realizó su ópera prima en blanco y negro, recurso que utilizó para subrayar el luto por la muerte de la madre de las tres hermanas. El lugar donde quedan encerradas es amplio, con jardín, con pileta y la situación las invita a reflotar el pasado, en el que aparece la madre hoy ausente, y sus recuerdos de ella.

Afinidades, desavenencias, en este relato que encara la hermandad con parsimonia en el relato, también con tibieza en las relaciones fraternales, casi sin pasión. Surgen obstáculos, desde económicos hasta un embarazo, pero falta pasión, tensión dramática para que el espectador se conmueva.

Desde el punto de vista de la crítica, uno piensa que el recurso del blanco y negro solo está permitido en películas cuyos guiones trascienden las técnicas. Cuando estamos frente a un guión interesante pero sin pasión, por momentos, lineal, el blanco y negro opaca la escasa tensión que pueda existir, en este caso, entre tres hermanas reunidas a la fuerza. Se nos ocurre que el color y un tratamiento con claroscuros habrían sido ideales para esta historia. Es decir, la idea es buena, pero la realización desdibuja la propuesta. En cambio, felicitamos a las actrices que dieron lo mejor de sí para ponerse en la piel de tres hermanas desunidas por la vida y la educación.

Carlos Pierre

EL PRÍNCIPE DEL DESIERTO

De Jean Jacques Annaud. Con Antonio Banderas, Tahar Rahim, Frida Pinto, Mark Strong, entre otros. Música de James Horner. Duración: 130 minutos.

REGULAR. EL PETRÓLEO ÁRABE EN UNA EXASPERANTE NARRACIÓN

Que gustan las películas de luchas, con príncipes de ambos bandos unidos por el amor de sus hijos a la manera de Romeo y Julieta, nadie lo puede dudar. Y, en todo caso, nos gustan más o menos dependiendo de la realización. En el caso de “El príncipe del desierto”, Jean Jacques Annaud, el mismo gran realizador de El amante y Siete años en el Tibet, nos presenta una lánguida historia con capitales europeos y de Qatar, ubicada en 1930. Dos reinos árabes, uno con el Emir Nesib encarnado por Antonio Banderas y el otro, el sultán Amar (Mark Strong), se disputan la “franja amarilla” donde acaba de ser descubierto el petróleo. El emir Nesig concibe la educación de uno de los hijos del Sultán, el príncipe Auda a cargo de Tahar Rahim, para asegurarse que no habrá guerras futuras por esa zona aún en disputa. Las cosas se complican, los chicos crecen…, y las guerras en el desierto explotan.

Uno de los problemas del film radica en la endeble actuación de sus protagonistas: no resulta creíble Antonio Banderas, compuso uno de sus peores papeles en el cine. Es demasiado débil Mark Strong, a pesar de su apellido, y el joven Tahar Rahim, de El Profeta, aparece como el príncipe de los cuentos sin mayor convicción hasta la mitad del film. Ya promediando el largo prefacio narrativo, el espectador asiste a lo que esperaba, las luchas en el desierto y todo lo que este tipo de acciones conlleva. Y cobra carnadura al menos el personaje del joven Rahim.

La historia, como dijimos, está ubicada en 1930 y el comienzo de lo que es, hasta hoy, la batalla por el petróleo. Lejos de siquiera parecerse a Lawrence de Arabia, el tema está esbozado y solo tiene desarrollo en la pelea tribal de las dos familias y sus herederos. El hijo educado por el enemigo ahora que primero enfrenta al padre y luego lo defiende, por ejemplo. Es que la historia argumental queda en lo anecdótico, pierde universalidad cuando el petróleo es “el tema” del mundo especialmente por la revolución de los países árabes (auténticas o bien inducidas por los organismos de inteligencia). La pelea entre los dos poderosos no alcanza a tener potencia en sí misma para trascender la lucha por un pedazo de tierra con petróleo, queda en la lucha personal. Queda en peleíta. Esto por obra del guión, por obra de una incorrecta dirección de actores y por obra de una ambición un tanto desmedida de un gran realizador. No dudamos de que va a gustar por el exotismo que siempre generan las luchas armadas en plenos desiertos, por nostalgias de ver aparecer a Peter O’Toole, o porque estamos frente a una de “guerra” como las del cine clásico. Pero no. Salvo las secuencias bélicas, el film dista mucho de mantener la atención del espectador de pe a pa, cayendo en paramentos elementales para una historia que conmueve al mundo hasta hoy. Nos resultó elemental aunque con secuencias vibrantes de batallas. El resto, nos aburrió bastante.

Elsa Bragato

ESPEJITO, ESPEJITO

De Tarsem Singh. Con Julia Roberts, Nathan Lane, Lily Collins, Armie Hammer, Sean Bean, entre otros. Música de Alan Menken. Duración:

BUENA .APARATOSA VERSIÓN DE BLANCANIEVES

El cuento de Blancanieves regresa a la pantalla esta vez en versión humana, aunque tiene alguna incursión de animación. Todos recuerdan que un rey quedó viudo luego de que su esposa diera a luz a una niña blanca como la nieve, de allí su nombre, tal como era su deseo. Y se casa de nuevo con una bella mujer que es muy mala. Como está mucho tiempo fuera del palacio, la mujer convertida en Madrastra de Blancanieves, da rienda suelta a su narcisismo frente a un espejo parlante que le indica que la más bella es la h ija de su marido. Enceguecida la manda a matar y, como no lo logra, la envenena con una manzana. Un príncipe le dará el beso que la hará despertar, luego de ser cuidada por los famosos siete enanitos hacia cuya casa la niña llega tras escaparse del palacio.

El cuento de los hermanos Grimm tiene grandes protagonistas que son los que salvan la producción tan aparatosa. Una realización con menos visos de cuento habría resultado más eficaz. Se nota en el vestuario, por ejemplo, de Julia Roberts, y en el del joven cazador del reino y sus amigos quienes usan toallones, en una de las secuencias, alrededor del cuerpo luego de una determinada situación vivida, que no condicen con el diseño de arte del film . Detalles que saltan a la vista y que, a veces, incomodan. Pero no nos olvidamos de que la película va dirigida a la platea más chica y, en ese sentido, tiene atractivos como las secuencias en el bosque, los enanos que son amigos de Blancanieves, y el regreso del rey al castillo para poner las cosas en orden.

La historia real indica que los hermanos Grimm se basaron en viejas leyendas que corrían por su ciudad natal, Steinau cercano al llamado “bosque virgen” ubicado en Spessart, donde está el área de Lohr y el castillo de María Sophia, una bella niña famosa por su bondad y generosidad que habría dado origen a la protagonista del relato de los Grimm. En el museo de Spessart también se conserva el famoso e inmenso espejo mágico realizado por la Manufactura de Cristal de Lohr en 1700 más o menos, mientras que el veneno que ingirió BlancaNieves tiene mucho que ver con el jugo de belladona, fruto común de la zona de Spessart. Ese zumo contiene “atropa belladona” que se usa en medicina.

Es decir, hay mucho de cierto en el cuento que los hermanos Grimm editaron en 1812 y, en la película Espejito, Espejito, se sigue la historia famosa de los Grimm aunque la presencia del rey está mejor planteada y tiene una bella secuencia final, como debe ser en todo cuento. Los bosques nevados, los enanos asombrados, mantienen la esencia del cuento original mientras que Julia Roberts compone a una madrastra bella que, al fin de cuentas, tiene más carisma que la propia Blancanieves, una dulce actriz opacada por la presencia de la Roberts. Es destacable la actuación de Nathan Lane como Brighton, que le proporciona momentos de humor bien dosificados a la narración. A pesar de estas objeciones, la película es apta para toda la familia y los chicos no serán defraudados. Nosotros esperábamos mucho más.

Elsa Bragato