EL TOPO, TAN FUERTE Y TAN CERCA, PODER SIN LÍMITES, CON EL DIABLO ADENTRO, Y DOS OPERA PRIMA NACIONALES

JUEVES 22 DE FEBRERO DEL 2012.

Hay seis estrenos este jueves, incluyendo dos films nacionales de los que

Haremos un muy breve comentario.

EL TOPO (TINKER TAILOR SOLDIER SPY)

De Tomas Alfredson. Con Gary Oldman, Benedict Cumberbatch, Colin Firth, Tom Hardy, entre otros. Música de Alberto Iglesias. Duración l27 minutos. Distribuida por Distribution Company. Coproducción de Inglaterra, Francia y Alemania.

BUENA. CAZA INTRINCADA DE DOBLES AGENTES ENTRE ESPÍAS BRITÁNICOS

Thriller de espionaje basado en el best-seller del avezado escritor en estos temas John Le Carré, que predispone a una ardua atención para no perder el hilo de esa compleja madeja tejida dentro del servicio secreto británico, presumiblemente a fines de los 60, para cazar al agente infiltrado en sus filas (un verdadero topo) que trabaja para los soviéticos.

Sin apartarse de la más acendrada tradición británica, este film recorre los carriles conocidos del espionaje que dejó la guerra fría, pero con la variante de un agente retirado (Gary Oldman), un zorro viejo del espionaje, paciente y minucioso quien, por su situación externa al servicio secreto, tiene una mirada abarcadora de la situación para descubrir al traidor. El camino tampoco le será fácil porque está sembrado de ambigüedad y mentira.

Como en tantos libros sobre este tema que nos dejó el espionaje de esa época, abundan muchas locaciones donde se desarrolla la acción: Hungría, Francia, Inglaterra, enriqueciendo el despliegue visual y escenográfico, donde la fotografía y el diseño de arte sostienen, con una destacada mención a la música de Alberto Iglesias, esta realización pulcra e inteligente del realizador sueco Tomas Alfredson (Criatura de la noche).

Es un argumento complejo, difícil, con largos diálogos, donde no hay que perder ninguna palabra ni ningún gesto a lo largo de las dos horas de duración del film: el tratamiento narrativo es el de una verdadera partida de ajedrez, cuyas piezas se muestran en el film teniendo adosadas las caras de los agentes. Uno a uno deberán desaparecer pero hay uno, en especial, que se reconoce y tiene estrecha relación con el final del film.

Gary Oldman hace gala de su notable histrionismo sin exageración. Un arqueo de cejas, una visión desolada de su rostro en un espejo, una sonrisa de costado, pocas palabras, y una secuencia de un soliloquio que resultan más que suficientes para demostrarnos quién es frente a una cámara. Es un actor “minimalista”, los recursos mínimos para lo más perverso o lo más brillante. Su asistente es el eficaz Benedict Cumberbatch. Colin Firth es la presa, el topo, pero ¿no será otro “topo” el personaje de Oldman? Atentos a esto.

El film tiene tres nominaciones a los Oscars: Mejor Actor a Gary Oldman, Mejor Guión Adaptado y Mejor Banda Sonora. Sin embargo, debemos alertar al lector: el film es atrapante pero no frenético, hay una atmósfera discursiva apenas salvada por algunos balazos y algunos asesinatos. No son necesarios en detalle porque es un film para aguzar la atención. Es una película que entiende que el espectador es un ser pensante y lo pone a prueba, sin prisa ni pausa. No está mal, pero es una narración densa para la que hay que ir preparado.

(NR: El título en inglés enumera diferentes oficios: desde el jugador o defraudador, hasta el sastre, el marinero y el espía, todos oficios en los que un espía puede estar sin que lo sepamos.)

Carlos Pierre

TAN FUERTE Y TAN CERCA

De Stephen Daldry. Con Tom Hanks, Sandra Bullock, Max Von Sydow (nominado por esta actuación), el pequeño Thomas Horn, Viola Davis, entre otros. Basada en la novela de Jonathan Safran Foer, del 2005. Duración: 128 minutos.

BUENA. EL ATAQUE A LAS TORRES GEMELAS A TRAVÉS

DE LA DOLOROSA VIVENCIA DE UN NIÑO

Ésta es la primera película que trata el tema de los hijos de aquéllos que murieron en el brutal ataque a las Torres Gemelas, ocurrido el 11 de setiembre del 2001. El film nos ubica en New York en esos trágicos instantes. Un matrimonio conformado por Thomas (Hank) y Linda (Bullock), la madre, con un hijo de 9 años, Oskar Shell, en una notable interpretación del pequeño Thomas Horn, enfrenta la terrible desgracia de que el padre muere en el feroz atentado. El pequeño cree encontrar entre las ropas de su padre una clave para cumplir otra aventura con su él; con su padre, Oskar solía inventar aventuras en la Gran Manzana a manera de rompecabezas (la mayor era encontrar el sexto distrito de Manhattan, supuestamente hundido por lo que pudo “extraerse” el Central Park quién sabe desde dónde). Y esa “clave” le permite no admitir, todavía, la pérdida de su padre. Con cierta parsimonia, se va desarrollando la narración. Un personaje especial para Oskar es el anciano mudo que encarna Max Von Sydow, un actor que surgió de las filas del cine de Ingmar Bergman.

Hay muchos altibajos narrativos que provocan no poca desazón en el espectador: hay que cubrir demasiados baches en segundos resultando una trama complicada.

Se observa una gran ausencia de la madre, que atribuimos a un guión bastante endeble, Sandra Bullock está interesada en su hijo, pero no le pone “garra” a su papel de madre. O trata a su chico de manera tan poco maternal porque padeció (?) de autismo mientras que su padre solo quería estimularlo, o bien está preocupada por su trabajo, del que hay poca información. Esta orfandad le permite a Oskar hacer lo que quiere y aventurarse por las calles de New York de manera temeraria, encontrando diversos personajes que intentarán ayudarlo en su búsqueda desesperada de una “respuesta” secreta de su padre. Y es en ese momento cuando el film decae, se hace bastante poco verosímil esa locura de búsqueda de las familias “Blank” que viven en la isla, más de 400.

Sin embargo, hay un arranque de dolor extremo del pequeño Oskar, de gritos, de llanto, de desesperación, que nos muestra cuánto viene sufriendo calladamente y cómo lo ha tapado con la excusa de la búsqueda que, supuestamente, ha dejado su papá. En verdad, son las secuencias más tocantes.

Para algunos críticos, es pura cursilería. Creemos que el dolor tiene una sola cara y cuando explota es ésa, la del pequeño Oskar. El problema del film es que recién empieza a resolver tanto drama sobre el final; el argumento deja lagunas respecto de la madre y de otros personajes, toca por arriba un verdadero problema social, tal vez tratando de ponerle una veta menos corrosiva espiritualmente al comienzo pero que devendrá en el inevitable profundo dolor del pequeño.

La carga protagónica recae en Thomas Horn, un pequeño gran actor, para quien deben ir todas las loas. No así la poca definición de su aventura por Manhattan ni la actuación de Bullock. En el caso de Tom Hanks, es una participación especial que, a través de su voz, estará presente hasta el final.

Esta película nos dejó confundidos por sus baches. No se comprende la ausencia de la madre, su pasividad, su supuesta comprensión rayana en el abandono. Tampoco es verosímil la aparición de tantos personajes que se van cruzando en el camino de Oskar.

En un momento, se produce un acercamiento madre-hijo que salva mínimamente el rol de Bullock, impasible, hierática. Pero resulta tarde. Muchos blancos para una historia que es real en unos 3000 chicos que perdieron a sus padres en el atentado del 2001. Notamos que hay demasiada ficción para mostrar el dolor de un hijo. Y justamente nos tocó el corazón la explosión de dolor de Oskar, el shock, el llanto desesperado. El resto, con excepción del gran Max Von Sydow en un papel inesperado también, es colateral a la historia que se pierde en vericuetos no creíbles. La banda sonora sí tiene envergadura y la escribió Alexandre Desplat. Recordemos, finalmente, que Stephen Daldry dirigió la laureada “Las Horas”, entre otros films. Aquí se olvidó buena parte del guión en su casa. Usted elige, amigo lector.

Elsa Bragato

 

PODER SIN LÍMITES

De Josh Trank. Con Michael Jordan y Michael Kelly. Entre otros. Duración: 84 minutos.

REGULAR. BURDO REMEDO DE LOS “FANTÁSTICOS” EN CLAVE DE THRILLER

Tres jóvenes descubren algo subterráneo que, al alcanzarlo, les da un magnetismo único. Uno de ellos, que compró una cámara registrando todos los momentos de su vida, de su familia y de sus amigos, es uno de los alcanzados por ese poder y el espectador verá cómo.

El film tiene ritmo y además tensión por lo que uno se ve semiatrapado. Y es “semi” y no total porque se descubren las falencias de una tecnología superada, antigua. La historia es previsible. Ese poder los hará o mejores o peores pero a uno de ellos le exacerba los peores instintos así que, de ahí en más, se sucederán secuencias de mayor grado de violencia.

Perder la sensibilidad hacia el otro es una de esas horribles cualidades. Claro está, el joven tiene un pasado y un presente de violencia familiar que incluye la asistencia a una madre postrada. Están dadas todas las características como para que un poder extraordinario puedamsacarlo de la vida que lleva. Pero no será gratis.

El film está hecho con “dos pesos”. Pero somos concientes de que hay un público joven ávido de estas emociones. Nada más que sería positivo que le brindaran una realización de envergadura, con buena inversión. Para esto, damos un ejemplo: cuando los jóvenes logran levitar y subir hasta el rango de altitud de los aviones, sus bajadas y sus repentinos vuelos son realmente para reírse porque parecen sacados con un arnés, así, de pronto, zas!, o como chupados por el espacio. Y mueve a risa. No son acciones bien logradas y se nota la “factura de la computación” empleada por inexpertos (tal vez no lo sean).

El mérito del film es mantenernos con los ojos abiertos. Lástima que lo que uno está viendo es trillado, convencional. Va a funcionar en la taquilla. Sin embargo, nuestra misión aquí es informar sobre el “fenómeno narrativo” que nos toca: en este caso, baratito y, si se quiere, efectivo para los más chicos.

Elsa Bragato

CON EL DIABLO ADENTRO

De William Brent Bell. Con Fernanda Andrade, Simon Quaterman, Evan Helmuth, entre otros.

Música de Brett Detar y Ben Romans. Duración: 83 minutos.

MALA. ABSURDO REJUNTE DE EXORCISMOS CINEMATOGRÁFICOS

Es difícil comentar un film que no deja nada, ni siquiera alguna secuencia en la que uno pueda apoyarse para iniciar una crítica coherente. Porque el film en sí es incoherente al no tener una línea argumental propia sino tomada de cuanta película sobre exorcismos hemos visto.

Supuestamente, debía ser interesante el caso de una joven que decide buscar a su madre internada en Roma luego de haber asesinado a tres personas por ser víctima del diablo. Lo lleva adentro… En fin.

Algunas tomas de la joven ingresando a la monumental Piazza San Pietro nos da cierta ilusión de que vamos a ver algo más o menos potable. Pero no. Las tomas quedan en eso, un paseíto por la gran plaza del Vaticano. Luego, la narración nos va confundiendo: la madre internada, pasada de locura o de “rosca” nos permite suponer que podría suceder algo interesante. Pero las esperanzas se desvanecen rápidamente. El exorcismo es desagradable, hay sangre, hay gritos, y un abuso de imágenes superpuestas a manera de flashes que resultan antiguas frente a joyas del cine como “La invención de Hugo Cabret”, un ejemplo mayúsculo.

Para atraer al público hay varias leyendas iniciales a toda pantalla explicando que el Vaticano no autorizó la filmación de exorcismo y tampoco el film. Viendo el resultado, comprendemos que la máxima autoridad de la Iglesia Católica, de ser ciertas las advertencias, se haya negado a aceptar esta historia.

La película no aporta nada salvo gritos destemplados, brazos que se retuercen, una fotografía mala, y una pobreza narrativa suprema.

La inversión fue de “dos pesos”: un millón de dólares a gatas, lo que habla de la calidad del film. Sin embargo, va a tener buena recepción entre los adolescentes, que siempre aman estas aventuras extremas. En este caso la única aventura es haberse aventurado al público internacional como si nos diesen una “joyita” sobre el exorcismo. Las entradas de cine están muy caras. Si NO está muy tentado por este diablo, déjela pasar.

Elsa Bragato

PELÍCULAS DEL BAFICI 2011

El BAFICI está organizado por un puñado de exitosos colegas que pertenecen a populares matutinos. El material que se expone, en medio de un fárrago de películas que nadie llega a ver (más de 400), están más inscriptas en el cine arte y en las óperas primas o bien en el intento primero de hacer cine . Hay buena factura, buenos momentos de narración pero no es todavía un cine profesional, si bien tiene visos de serlo en el futuro. Por eso, este nuevo-nuevo-cine nacional necesita muchos más BAFICI y no salas comerciales.

LA CARRERA DEL ANIMAL

Opera prima de Nicolás Grosso. Ganadora del Premio del público BAFICI 2011. 60 minutos

Dos hermanos, un padre que no está, una fábrica con más de 200 empleados. La narración tiene clima, logrado con un esforzado blanco y negro. Vemos “pasta” de director en la narración que nos propone Nicolás Grosso, hay climas logrados, pero no es para competir en la cartelera comercial.

Elsa Bragato

NOVIAS, MADRINAS, 15 AÑOS

Opera prima de Diego y Pablo Levy

Los hermanos Diego y Pablo Levy se lanzan a su primer largometraje filmando en la tienda del Once de su papá. ¿Docu-Ficción? Hay ciertamente (son profesionales del medio) una mediana buena narración. Ganaron la competencia argentina del BAFICi 2011. Hay secuencias simpáticas, logradas, y esto les augura una buena carrera como directores. Pero… nada más.

Elsa Bragato

THE ARTIST, CABALLO DE GUERRA, JACK Y JILL, ESTRENOS JUEVES 16 DE FEBRERO

JUEVES 16 DE FEBRERO DEL 2012.

Hay seis estrenos en fílmico. No comentamos Miniespias 4 en D, Star Wars en 3D ni el documental Yatasto, bien realizado, sobre los niños cartoneros de Córdoba.

THE ARTIST

De Michel Hazanavicius. Con Jean Dujardin, Berenice Bejo, John Goodman, entre otros. Música de Ludovic Bource. Duración: 100 minutos.

MUY BUENA. EMOCIÓN EN UN BLANCO Y NEGRO FASCINANTE

El trabajo narrativo de Michel Hazanavicius en blanco y negro, tributo a los comienzos del cine,

tiene todos los condimentos para que sea un gran film mudo con ciertas sorpresas muy bien logradas sobre el final. La vida de un artista famoso en la época del cine mudo y su caída luego del advenimiento del cine sonoro está envuelta en una atmósfera de romanticismo y perfección cinematográfica digna de todo elogio. No en vano viene cosechando los mayores premios del mundo, desde los Golden Globe hasta los BAFTA, además de otros tan importantes como los mencionados.

No solo es un homenaje al cine mudo sino que, tanto en su comienzo como en el final, hay un tributo al cine de todos los tiempos, especialmente a los musicales, desde Cantando bajo la lluvia hasta los films antológicos de Fred Astaire y Ginger Rogers, quien supo visitar la Argentina. Esta vuelta de tuerca que Hazanavicius encontró para su personaje principal es inteligente y nos deja una enseñanza: siempre es posible renovarse, siendo la clave del argumento así como su final, al que hay que estar muy atentos.

Hay que destacar a Berenice Bejo que no ha ganado ningún premio. Sin embargo, su actuación es de excelencia y debería formar rubro protagónico y no de coprotagonista con Jean Dujardin.

La presencia de Uggie, el terrier blanco que enamora al mundo, es un atractivo de difícil competencia. Ya actuó en Agua para Elefantes pero aquí tiene su consagración. Acaba de ganar el premio Collar de Oro a la mejor actuación canina, en la primera realización de estos galardones.

Por qué enamora este film? Porque no hay baches argumentales, porque la narración audiovisual es perfecta, con tiempos bien calculados entre secuencias y éstas están realizadas con precisión, sin ningún detalle que sobre o que falte. La recreación de la década del 20 (el film se ubica en 1927) es tan real que no sentimos la diferencia de década ni de siglos sino una inmediata empatía. La historia de amor también está tratada con notable precisión, la esposa harta del fracaso del galán del cine mudo, la jovencita que llega para devolverle la vida personal y la profesional, todo relatado de manera tal que no hay tiempos muertos. Es decir, el espectador es atrapado por la historia en forma inmediata y ya no le importará si el film es sonoro o no porque la banda sonora de Ludovic Bource está allí para acompañar las vivencias de los protagonistas.

Es una película memorable, diferente, aunque no la única que le realizó un homenaje al cine mudo. Hubo otras en la década del 50. A los que peinamos canas nos recuerda el caso de Greta Garbo, por ejemplo, cuya voz fue un fracaso para los productores del incipiente cine sonoro de los 30. Y la llevó a abandonar su carrera en 1945. Para los jóvenes, es un acercamiento directo, sin fisuras, al cine de aquellos primeros años y el ambiente que los rodeaba, el piano en la sala de proyección y los espectadores conmovidos por los films, con exagerada gestualidad de sus protagonistas pero efectivos por la expresividad. The Artist es un compendio de aquellos años con el agregado de una muy inteligente realización siglo XXI. Y un argumento que incluye desde un perrito (recordar algunos films de Charles Chaplin) hasta la tragedia personal, desde la gloria hasta la caída, desde el desamor hasta el renacimiento espiritual, desde el rechazo hasta el reencuentro con la vida y un nuevo camino. “George Valentin”, “Peppy Miller” y “Uggie” nos devuelven una magia que se creía olvidada en la era del 3D. No deje de verla.

Elsa Bragato

CABALLO DE GUERRA

De Steven Spielberg. Con Jeremy Irvine, Peter Mullan, Emily Watson, entre otros. Música de John Williams. Duración: 146 minutos.

MUY BUENA. HEROICIDAD Y PURA EMOCIÓN ENTRE UN JOVEN Y SU CABALLO

Steven Spielberg vuelve a sus fuentes, aquéllas que le conocimos en E.T. La amistad entre un joven y un alien entonces, hoy entre un joven y un caballo. Profunda y hermosa película, a pesar de algunos errores de montaje que no se entienden cómo se producen en una filmación de tamaña envergadura. La Inglaterra rural de la primera guerra mundial está recreada con rigor por Spielberg, así como el horror de la contienda, cualquiera que fuese. En el medio, un caballo de gran porte y mirada especial que es salvado por un jovencito.

El derrotero del caballo nos mantiene en vilo: primero las tareas rurales, que acepta con una sabiduría asombrosa. Luego el paso de mano en mano entre las tropas inglesas y las alemanas. Spielbeg nos involucra con pasión en esta travesía equina, digna de ser vista y vivida como una catarsis de bienestar espiritual en estos tiempos, tan desnaturalizados a veces.

Que Spielberg es un gran narrador cinematográfico no es novedad ni materia de discusión. La elección del libro consagrado de Michael Morpurgo es otra muestra de su enorme capacidad como realizador. Recordemos que War Horse ha sido un éxito teatral, ganador de varios premios Tony en Broadway, además de tener puestas notables en otras ciudades del mundo.

Estamos frente a un cuento de pe a pa, que nos mantiene en vilo, que nos va estrujando el corazón, que nos da alivio por momentos, y que tiene el final que uno espera. No por ello el film es menos grandioso.

La atmósfera creada por Spielberg es apabullante, atrae al espectador desde el comienzo. “Joey”, el caballo de guerra, ingresa a la galería de los personajes cinematográficos inolvidables, ésos que nos estremecen a pura emoción.

El sostén técnico es para destacar: el despliegue visual a través de planos muy bien determinados, el tratamiento del sonido en las secuencias bélicas, la música del maestro John Williams donde se destacan los solos instrumentales de trompeta y flauta, la dirección de arte impecable, la dirección actoral movilizando masas de 3000 extras, entre otros detalles.

Frente a un film de esta naturaleza, hay que dejarse ganar por el argumento y la emoción que conlleva. Los detalles de montaje que apuntamos bien se pueden dejar de lado para la calificación. Es una película de emoción pura, genuina, que nos demuestra una vez más la importancia de la relación entre humanos y animales, el amor que se establece, la lealtad, la fidelidad, la hermandad que se generan. “Joey” va a sobrevivir a cualquier crítica en nuestros corazones. Para ver en familia, para emocionarse, para lagrimear, y para reconciliarse con los mejores sentimientos de nuestro corazón.

Carlos Pierre

JACK Y JILL

De Dennis Dugan, Katie Holmes, Al Pacino, Rohan Chand, entre otros. Música de Rupert Gregson-Williams. Duración: 95 minutos.

BUENA. INESPERADO AL PACINO QUE ENGRANDECE UNA PEQUEÑA COMEDIA

Adam Sandler pensó, tal vez, en hacer una comedieta muy a su uso, donde la escatología siempre ocupa un lugar importante en vez de los parlamentos sutiles e inteligentes. Se le fue de las manos tamaño objetivo porque la presencia de Al Pacino transformó buena parte del film es una comedia estupenda. Es decir, la comedia pequeña y burda terminó teniendo secuencias de gran nivel actoral y de pura comedia, algo bastante lejano en el intrincado universo cinematográfico de Sandler, más apurado por recaudar que por brindar calidad la mayoría de las veces.

Jack es un publicista de gran nivel que vive en Hollywood. Jill es su hermana gemela que vive en el Bronx, y que encarna Adam Sandler no sin fisuras, desde una mala impostación de la voz hasta un muy convencional travestismo lejano del maravilloso Tootsie de Dustin Hoffman. Jill es invitada siempre para la reunión del Día de Acción de Gracias, más importante en los Estados Unidos que cualquier otra festividad de índole religioso. Y Jack está por concretar un contrato con Al Pacino, que hace de él mismo, como protagonista de un comercial para publicitar los “Dunachinos”, rimando con Pacino.

La impronta de Jill seduce a Al Pacino que está sentado junto a Johnny Depp en un cameo de los dos grandes actores. Hay otros muy conocidos por el público del Norte pero no aquí. De ahí en más, las locuras de Pacino desde detener una función de una obra de Shakespeare para atender el celular porque lo llama Jill hasta luego pedir al público que le indique por dónde iba o bien tener un helicóptero para acercarse a su amor en una estrafalaria aventura hacia un crucero, transforman la comedia burda en una clase de buena comedia, inteligente, con gags auténticos y no escatológicos.

Cuando el film termina, uno se queda con la duda: ¿un film de Adam Sandler o una buena excusa para que Al Pacino se diese el gusto de un “entremés cómico”? Inolvidable el comercial que finalmente graba Pacino para la empresa de Jack. Sin duda, coincidiendo con buena parte de la crítica norteamericana, estamos ante una de las mejores performances de Pacino. El resto queda ahí, para olvidar o no, depende de las ganas de cada uno.

Elsa Bragato

LA INVENCIÓN DE HUGO CABRET, LA DAMA DE NEGRO, PENUMBRA, ESTRENOS JUEVES 9 DE FEBRERO

JUEVES 9 DE FEBRERO DEL 2012.

Hay tres estrenos en fílmico.

LA INVENCIÓN DE HUGO CABRET

De Martín Scorsese. Con Ben Kingsley, Asa Butterfield, Chloe Grace Morets, Jude Law, Christopher Lee, Sacha Baron Cohen, entre otros. Música de John Williams. Duración.

EXCELENTE. EL AUTÓMATA PERDIDO DE GEORGE MELIÉS EN EMOTIVO RETRATO SOCIAL. UNA JOYA CON LA MARCA SCORSESE

Estamos frente a una joya del cine actual filmada por Martin Scorsese con una maestría que, si bien se le reconoció siempre, aquí es superlativa. Sentarse en la butaca e ingresar al mundo del film es como abrir la puerta a la magia misma en medio de un 3D refinado, destinado esta vez a una historia con personajes de carne y hueso y no a la animación. El film de Scorsese, nominado a 11 premios Oscar, es también una maravilla de narración audiovisual que rescata del olvido al cineasta Georges Melies, rindiéndole un tributo pleno de emoción y de conocimientos sobre cómo entretener haciendo un film. “La invención…” es una “master class” de cine.

Analicemos la relación entre el escritor, George Meliés y la historia propuesta. Scorsese tomó el libro “La invención de Hugo Cabret” de Brian Seltznick, un escritor y dibujante de 45 años. Seltznick se sintió siempre atraído por “Edison’Eve” de Gaby Wood, y por George Meliés. En ambos coincidieron la pasión por “los autómatas” (recordemos que George Meliés fue el creador del “cine como atracción”, alejándose del género inventado por los Lumiére, el “cine documental”). Una prueba de esta pasión de Meliés por los autómatas es su corto “Gugusse y el autómata”, de 1897. Meliés tenía además una “colección de autómatas”, donada a un museo y hoy perdida, base del film de Scorsese: el autómata rescatado por Hugo y su papá pertenecía a Meliés.

El padre de Hugo, encarnado por Jude Law en un breve y emotivo papel, es viudo y le enseña a su hijo (Asa Butterfield en una actuación memorable) los secretos de la relojería. Viven en el entorno del gran reloj de la estación, donde atienden su maquinaria todos los días, aceitándola, pintando sus piezas. Un accidente deja a Hugo huérfano y a cargo de su tío. Es el “ladronzuelo” de la estación y está en la mira de un hosco hombre, encarnado por Ben Kingsley, que vende objetos usados. Lejos se está de sospechar que ese hombre tan amargado es el mismísimo Georges Meliés, caído en la bancarrota, como ocurrió en su vida real. Su hija, Isabelle (una maravillosa actriz llamada Cholë Grace Moretz) traba amistad con el inquieto huérfano de 12 años y descubre el “secreto” de Hugo en su ático que es el autómata (clara alusión a los autómatas perdidos de Meliés), al que hay que arreglar. Hugo está seguro de que tiene un mensaje de su papá. Sorpresa será el mensaje y es lo que descubrirá el espectador, relatado por Scorsese en un doble juego por el que une al hosco vendedor con el autómata y al huérfano con la historia del cine.

Con una narración plena también de suspenso, se viven las situaciones cotidianas de Hugo, su pobreza, su necesidad de reinserción, su amistad con una jovencita de otra clase social, y su pasión por el autómata. De este secreto que los niños comparten surgirá la historia de Melies y la magia que le aportó al cine (Melies era mago).

El film es atrapante desde todo punto de vista. Si no se conoce la historia de Melies, el espectador se sentirá atraído igualmente por esta historia que no tiene baches, no tiene cabos sin atar y que nunca pierde tensión, timing.

La recreación de la estación de París es una las maravillas que nos regala Martin Scorsese, con ese reloj gigante cercano a los portones, y la diversidad de vendedores con puestos fijos como la florista o el malhumorado guardián a cargo del histriónico Sasha Baron Cohen y su gestualidad exacerbada, entre otros actores de primerísimo nivel.

El planteo fotográfico es estupendo: las tomas son variadas, el montaje es rápido, todo da sensación de movimiento que atrae, que no decae nunca. Éste es el primer film de Scorsese en 3d, incentivado, según expresó, por la tecnología que recreó James Cameron en Avatar. Pero no es animación sino una historia real. Es también una historia de fantasía realizada con tanto puntillismo en sus detalles que maravilla. Se le añade otro protagonista: la banda sonora del maestro John Williams, que aporta esa empatía tan necesaria con las secuencias como para emocionar al espectador. Es una composición magistral de Williams, con una orquestación donde sobresalen instrumentinos y un trabajo armónico de incuestionable estirpe sinfónica.

Hay hondura en el retrato social, en el tributo a Melies, hay profundidad y verosimilitud en las actuaciones. Todo funciona a la perfección como ese reloj dorado e inmenso de la estación de París. Es un film inolvidable para quienes amen historias emotivas, historia real incluida, pero no lacrimógenas. Es una joya del cine actual. Y solo podía lograrlo un Martín Scorsese de marca mayor. No se la pierda. Se le llenará el alma de genuina alegría y emoción y quedará sin palabras por la maestría en la realización. Hay belleza, tan difícil de hallar.

Elsa Bragato

LA DAMA DE NEGRO

De James Watkins. Con Daniel Radcliffe, Ciarán Hinds, Liz White, entre otros. Música de Marco Beltrami. Duración: 95 minutos. Reino Unido-Canadá. Distribuye Diamond Film.

BUENA. RADCLIFFE, DE HARRY POTTER AL TERROR VICTORIANO

Después de l0 años y 8 películas interpretando al mundialmente famoso Harry Potter, Daniel Rodcliffe abandona su lucha contra el villano Voldemort para sumergirse en este oscuro thriller victoriano, ambientado en un pueblito de Yorkshire.

Aquí debe resolver los asuntos de un cliente fallecido, propietario de una mansión antigua y escalofriante, donde una Dama de Negro se muestra fugazmente no solo en la casa sino en el cementerio. Todos los lugareños parecieran conocer el motivo de esas apariciones: pide una venganza que Arthur, el joven abogado, se verá impelido a dilucidar.

El director James Watkins se basó en el best-seller de Susan Hill, escrita en l982, que tuvo puestas en diferentes escenarios de los Estados Unidos, Japón y Sudamérica. Fue la pieza más representada después de La ratonera, de Agatha Christie.

Ahora con el apoyo de la legendaria productora Hammer en su relanzamiento en 2008, después de un largo impasse, Watkins, reconocido por su film Terror en el lago (Eden Lake), tuvo un más que suficiente aval para encarar este film con la presencia protagónica de Daniel Radcliffe en un papel diferente, con el que alcanza lucimiento merced a cierto toque de solemnidad y un probado carisma.

Al mejor estilo inglés, este thriller reúne todos los tips del género tal como se lo concibe en Inglaterra: el terror es gradual y sostenido, con secuencias no previsibles, urdidas con un clima que ata a las butacas, sin necesidad de corridas vertiginosas.

Técnicamente se logró una atmósfera envolvente, con una sola fuente de luz para iluminar el set y crear la sensación de una visión periférica dentro de la casa abandonada, que es donde se juega la mayor parte del film. Pero también el acertado exterior que la circunda, ese juego de las mareas y las extrañas marismas que dan un extraño paisaje, desolador y ambiguo, entre la luz y la sombra.

Daniel Radcliffe, sin el traje de Potter, sale airoso de esta prueba, con su rostro expresivo y de incipiente madurez de 22 años y mucha experiencia frente a cámaras. Supo elegir un papel diferente, comprometido y bello, aún en el terror donde está sumergido. Para los fanáticos de Harry Potter, hay un motivo cabal para admirar a su héroe en otro rol. Para los amantes del terror, éste es un buen film inglés con todos los aditamentos del género, desde el chirrido de las puertas hasta golpazos de las ventanas para saltar de la butaca.

Carlos Pierre

PENUMBRA

Guión y dirección de Adrián y Ramiro García Bogliano. Con Cristina Brondo, Camila Bordonaba, Arnaldo André, Gustavo Garzón, entre otros. Música de Martín Jurado. Duración 85 minutos. Distribuidora Primer Plano Film Group.

BUENA. TERROR NACIONAL QUE JUEGA CON LOS LÍMITES

Penumbra es el acertado título de este film de suspenso y terror que hilvana una amenaza gradual a la propietaria de un departamento. Se trata de una empresaria española (Cristina Brondo), de paso por Buenos Aires, que lo arrenda para solventar gastos ya que solo lo utiliza en sus esporádicas y breves estadías en Argentina.

En sus vacíos y fantasmales espacios, esta mujer controladora y siempre lista a mandar, quejosa de la situación en la Argentina, recibe un llamado de unos eventuales inquilinos que no serán lo que parecen. Y fase previa al eclipse total, esta penumbra en la que se mueven estos personajes avanzará de un modo inexorable, dúctilmente manejados por los hermanos Adrián y Ramiro García Bogliano. Añadimos que nacieron en España y se afincaron en La Plata, provienen de una familia cinéfila con un especial culto por el cine violento y salvaje, dentro del cine independiente. Saltaron al cine comercial en 2011 con Sudor Frío.

En este film han contado con la actuación protagónica de la actriz española Cristina Brondo, de vasta y exitosa labor europea, quien trabajó con Darío Argento en el film Ti piace Hitchcock?. Compone a una mujer con un sentimiento de superioridad y muy brusca, especialmente hacia los futuros inquilinos, quienes no serán fáciles a medida de que avanza esta penumbra narrativa envolvente. La situación se agrava cuando irrumpe un personaje diabólico encarnado por Arnaldo Andrés, solvente y creíble en todos sus trabajos, tanto televisivos como teatrales y cinematográficos.

En una atmósfera de “in crescendo” fatal, la protagonista atraviesa diferentes estados emocionales, desde su comienzo de mujer fuerte y valiente hasta transformarse en la presa acorralada en manos de estos inquilinos.

Los hermanos García Bogliano tienen un camino ganado en el género del suspenso nacional con seis películas desde 2005, incluyendo a Penumbra entre los films logrados y atractivos para el público amante del género.

Carlos Pierre

LOS DESCENDIENTES, LA DAMA DE HIERRO, SELKIRK EL VERDADERO ROBINSON CRUSOE, QUE LO PAGUE LA NOCHE, VIAJE 2 LA ISLA MISTERIOSA 3D, JUEVES 2 DE FEBRERO

JUEVES 2 DE FEBRERO DEL 2012.

Hay siete estrenos que incluyen cuatro producciones nacionales y una coproducción de Argentina con Chile y Uruguay. No comentamos los documentales Chacu y Moacir.

LOS DESCENDIENTES

De Alexander Payne. Con George Clooney, Shailene Woodley, Amara Miller, Nick Krause y Patricia Hastle, entre otros.

BUENA. MELODRAMA FAMILIAR EN HAWAII . SORPRENDENTE ACTUACIÓN DE LA JOVEN ACTRIZ SHAILENE WOODLEY

A punto de presentarse en los Oscars, Los descendientes viene de ganar varios premios importantes, incluyendo el de mejor actor para George Clooney, quien encarna a un rico padre d e familia cuya vida se divide entre dos islas del archipiélago Hawaii.

“King”, tal su apellido, es dueño junto con sus primos y hermanos de importantes tierras que deben ser vendidas. Mientras analiza esta situación comercial, se entera de que su esposa sufrió un severo accidente en el mar y está en coma. Enfrentar la segura muerte de su mujer, y hacerse cargo de dos hijas mujeres, una pequeña y una adolescente, encarnada por Shailene Woodley, quien es la gran revelación del film, son los problemas de King a quien su fortuna personal nada le aporta. De pronto, aparecerá un “tercero” en discordia, insospechado, una revelación que cambiará la relación del padre y las hijas con la mujer agonizante y que deberán desentrañar estos “descendientes” para llegar a la verdad.

El film se basa en el primer libro de Kaui Hart, escritora radicada en Hawaii y, ciertamente, su versión cinematográfica colabora en el conocimiento del archipiélago que es de una belleza desbordante. Pero… no deja de ser un melodrama familiar a pesar de tanta naturaleza maravillosa.

Encontramos momentos muy logrados a nivel de actuación. Por ejemplo, cuando Alexandra (la estupenda Woodley) es advertida por su padre que su mamá será desconectada de terapia intensiva. Está en medio de la piscina y es presa de una crisis inevitable. Se hunde hasta el fondo retorciendo su rostro y su cuerpo y es, sin duda, la mejor secuencia del film porque conmueve, duele, transmite un tremendo sufrimiento.

Destacamos la estructura de la película. Se observa una precisión en los temas que se debían filmar por secuencias, es decir, hay un “story board” real o virtual que se mantuvo a rajatabla y fue a favor de la narración. se logra la tensión sin caer en detalles morbosos y hasta hay lugar para la sonrisa por situaciones cotidianas entre padre e hijas y un flamante noviecito de la mayor así como las que se generan con la desmemoriada abuela materna.

George Clooney asombra por momentos porque no aparecen sus gestos tan habituales de galán ganador. La sonrisita seductora se borró en este film. No obstante, no logra transmitir emoción, su personaje aparece circunspecto, serio, adusto, sin aparente desgarro interior y sí mucho conflicto. “King” es torpe y esto sí lo actúa muy bien Clooney. La desesperación la demuestra corriendo dos veces en forma enloquecida por las sinuosas calles del barrio residencial donde vive. No mucho más aunque hay una secuencia donde las lágrimas aparecen pero, en cierta medida, para el espectador ya es tarde.

También podemos considerar que, como hombre de negocios, alejado de su familia por su profesión, no sabe qué hacer ni con una esposa en coma ni con dos hijas que le pasan factura. Y queda anonadado. Puede ser. Pero el film exigía más pasión en su personaje.

“Los descendientes” nos habla justamente de ellos, de los descendientes de una mujer que muere y deja a su marido y sus dos hijas con conflictos diversos. ¿Qué hacer frente a la muerte repentina de uno de los padres, cómo enfrentar la educación de las hijas, cómo resolver el absorbente trabajo sin descuidar nuevamente lo que queda del hogar? Las preguntas tienen respuesta en la película, que logra una excelente realización y una notable actuación, como dijimos, de Shailene Woodley. El tema no nos es desconocido pero está muy bien narrado. En cuanto a George Clooney, sabemos que Hollywood le debe un Oscar, pero no consideramos que sea ésta una gran actuación para ello, aunque es la más madura de los últimos films del millonario actor. Alexandre Payne tiene, como antecedentes, el film “Entre copas”, una joya sobre la amistad, a medio camino de road movie y ficción completa. Y su mano se nota en la estructura de esta película, que hemos destacado especialmente. Un buen melodrama.

Elsa Bragato

LA DAMA DE HIERRO

De Phyllida Lloyd. Con Meryl Streep, Jim Broadbent, Olivia Colman, entre otros. Música de Clint Mansell y Thomas Newman. Duración: 105 minutos.

BUENA. SEVERA ACUSACIÓN DE LOS PECADOS POLÍTICOS Y PERSONALES DE LA THATCHER

Llevar al cine a la ex dama de Hierro de Inglaterra, ex Reino Unido también,Margaret Tatcher (87 años) ha sido una osadía porque, buscando retratar a una mujer fuerte ( primer ministro de un ex reino colonialista, que no tuvo piedad con la muerte de los mineros de su país con justos reclamos ni con hundir el Belgrano- buque argentino-, repletode conscriptos, en la guerra de las Malvinas de 1982), se ha dejado de ella una biografía parcial de una anciana con Alzheimmer que vive de los recuerdos de su familia, un marido fallecido y dos hijos gemelos (1953) a los que prácticamente no ve.

El film de Phyllida Lloyd (Mamma Mia) ahonda en la actualidad de Margaret Tatcher, quien es perseguida por la memoria de su marido (Tatcher falleció en el 2003 y está encarnado por el gran actor Jim Broadbent, condenado al papel del “marido de” en varios films ingleses), sus trajes a los que cepilla con parsimonia, la presencia de su hija que es circunstancial, el recuerdo de la familia que tuvo con los dos hijos a través de un sabio ardid cinematográfico: un viejo film familiar, y el inicio de su carrera política hasta llegar a ser Premier Británica, con varios pecados por sus decisiones que se muestran en la segunda parte del film, entre ellos, valorar la política por sobre su hogar, tal como lo expresa.

Se nota un hilo conductor sutil y es la perturbación espiritual hasta llegar al Alzheimmer que tuvo una jovencita Margaret durante la Segunda Guerra Mundial, cuando todavía afloraba el miedo y donde seguramente acunó la coraza espiritual para matar antes que morir por las atrocidades vividas. Este sentimiento de hostilidad hacia el afuera pudo ser expresado con amplitud durante su mandato como representante del Conservadorismo de su país. La película no la redime de sus pecados, los expone. Por lo cual, más que rendirle homenaje la acusa con deliciosa malicia de sus peores actos. La película se dedica, en forma especial, a retratar la vejez de la ex premier, sin mayores pretensiones cinematográficas, basándose en la actuación de Meryl Streep.

Para la gran mayoría de los críticos, Mery Streep compone un gran papel. En este sentido, dividimos nuestra opinión en dos partes: una, como viejecita desmemoriada, sí es notable y nos recuerda a la composición que hiciera Norma Aleandro en La señorita de Tacna, con ese movimiento de hombros que le permitía convertirse en anciana. Aquí sucede algo parecido: Streep acompaña con su cuerpo la ancianidad de Thatcher. La segunda parte de nuestra crítica es que, cuando Streep debe componer a la Premier, hay más una imitación que una interpretación, incluso por el acento inglés buscado. No es la primera vez que notamos esto en la talentosa Meryl Streep: lo mismo ocurrió en el film Julie & Julia que no tuvo mayor repercusión. Cierto es que esta composición de Margaret Thatcher de Streep la rescata en su nobleza como actriz cuando compone a la anciana enferma. Pero está muy lejos de la Meryl Streep de Los Puentes de Madison, Las Horas, o Africa.

Como film en sí, no deja de ser una buena película para la televisión, un telefilm que nos muestra la decadencia humana y sus miserias, más que la fulgurante carrera de la Thatcher, signada por la muerte de cientos de personas. Estas muertes le permitieron mantenerse en el poder al doblegar las huelgas de su país y ganar la guerra de Malvinas.

Elsa Bragato – Carlos Pierre

SELKIRK, EL VERDADERO ROBINSON CRUSOE

De Walter Tournier (Uruguay), Alejandro Rojas Téllez (Chile) y Juan Andrés Fontan (Uruguay). Música de Carlos Villavicencio. Duración 80 minutos.

BUENA. VERSIÓN ANIMADA DE ROBINSON CRUSOE, HÉROE BAJO LA LUPA DE LA REVISIÓN LITERARIA

Un guión dinámico, prolijo, creíble en la investigación histórica, aborda al personaje gestado por el escritor y periodista inglés Daniel Defoe, Alexander Selkirk, un marino escocés de la postrimería del siglo XVII.

Si la novela original, publicada en l7l9, trata sobre un naufragio que deviene en un tesón de supervivencia, en este dibujo animado (realizado conjuntamente por Uruguay, Chile y Argentina)hay una original vuelta de tuerca. Aquí el marino escocés, experimentado piloto del barco El Esperanza, que comanda el capitán Bullock (la meta es robar el oro del barco español El Manila), es abandonado en una isla en el extremo sur de América siendo prácticamente arrojado a su suerte debido a que había esquilmado en el juego a toda la tripulación, inclusive al capitán.

Mediante la técnica de Stop Motion (consiste en desplazar determinados objetos de forma controlada mediante la captura de imágenes fijas sucesivas, es decir fotos, generándose la sensación de movimiento) queda inaugurado un nuevo emprendimiento de Uruguay, Chile y Argentina en el dibujo animado.

Uruguay aportó la animación, es decir los dibujos; Chile, los fondos 3D, de impactantes escenas marinas en el Cabo de Hornos; Argentina, el storyboard, las voces de los personajes, la música y el diseño del sonido, la conversión a 35 milímetros, entre otros tantos ítems de realización.

Haciendo gala de su instinto de supervivencia, el “verdadero” Robinson Crusoe, según reza el título del film, se alimenta de pequeños frutos silvestres y huevos de tortuga, construye un refugio con piedras y ramas y enciende el fuego. Dos personajes nativos del lugar, el loro Lordy y el gato Duke, lo acompañan en su increíble aventura. Para redondear el guión de la mejor manera, una moraleja sobre los verdaderos valores de la vida sella el destino de este naúfragp famoso, que inspiró a Daniel Defoe, hace varios siglos, a publicar en forma epistolar la historia. En sí, el gran héroe del film es un muñeco de no más de 22 centímetros que está destinado a la platea menuda. Para ver en familia.

Carlos Pierre

QUE LO PAGUE LA NOCHE

De Néstor Mazzini. Con Roberto Lavezzari, Edgardo Ibáñez, Anabella Barujel, Felipe Pino, entre otros. Música de Leandro de Loredo. Duración 67 minutos.

REGULAR. MUERTE EN LOS BARRIOS EN UN THRILLER HERMÉTICO

Esta ópera prima de Néstor Mazzini sufrió varios cambios desde su filmación en enero del año 2002. Fue estrenada en video en 2004 y a partir del año 2005 fue terminada en 35 mm.

Se trata de un thriller construido en base a climas oníricos con un fuerte acento documental acerca de la muerte de un hombre en Villa Lugano, en un barrio de monoblocks. La historia es hermética y da con cuentagotas pistas definitivas del casamiento luctuoso del protagonista.

Dos módulos desencadenan esta trama enrarecida: los recuerdos borrosos y alucinados que un hombre tiene de su propia muerte y el entorno agobiante que se dio en la crisis política de diciembre del 200l, en los últimos momentos del gobierno de Fernando de la Rúa..

Filmada en Lugano I y II, con la mayoría de actores no profesionales, esta película presagia un buen tratamiento cinematográfico, muy elaborado aunque, por lo visto, no con suficientes medios.

En sí, la narración está plena de enigmas, con gran parte de las escenas sin diálogo. Rayano en el documental, produce desasosiego en el espectador y un gran esfuerzo cognoscitivo para desentrañarlo.

Como en la mayoría de las óperas primas se vislumbra un montón de ideas y convicciones artísticas que, luego con las posteriores realizaciones, se decantan y logran un mejor y más claro efecto en la platea. Creemos que, por ahora, Néstor Mazzini está más cerca del cine de culto que del comercial, aunque el contexto narrativo sea popular.

Carlos Pierre

VIAJE 2. LA ISLA MISTERIOSA, 3D

De Brad Peyton. Con Joah Hutcherson, Dwayne Johnson, Michael Caine, entre otros. Música de Andre Lockington. Duración:

REGULAR. MEDIOCRE REALIZACIÓN PARA UNA HISTORIA QUE SIEMPRE ATRAE

Vimos la película 1 y fue un producto digno. En esta continuación de la saga basada en historias de Richard Outeen, Brian y Mark Gunn, y las novelas de Julio Verne, la utilización de ciertos efectos y la creación de mundos imaginarios es, en cambio, mediocre. El protagonista recibe una señal codificada desde una misteriosa isla. Con la ayuda de su padrastro, al que rechaza (Dwayner Johnson) en un principio, puede reconstruir el mensaje para iniciar un viaje al Pacífico donde deberán “desaparecer” en un tornado para llegar a salvar al abuelo. No sin vivir intensas aventuras que resultan poco creíbles porque no se sabe todavía de la existencia de elefantes en el Pacífico y en zonas montañosas, por ejemplo, o abejas cuyos ojos sean unos parches gigantescos de tela visibles para cualquier mortal, que no mueven ni las patas para indicar que son “vivas de ficción”. Siguiendo los postulados de Verne de que todo lo grande se hace chico y viceversa en estos mundos, los elefantes tienen el tamaño de perritos falderos mientras que las abejas son gigantes como caballos voladores. Se le suman el capitán Nemo, o lo que queda de él, y también el Nautilus, que será otra de las grandes aventuras de los chicos con el grandote de Johson y el inefable actor Michel Caine para quien no hay papeles chicos.

La espectacularidad del 3D se disfruta con el vuelo de las abejas-caballos y con la erupción del volcán y sus inmensas lenguas de fuego y de lava.

La “costura” de los efectos se la notamos. Pero somos concientes de que la película está dirigida a toda la familia y que, más allá de cualquier debilidad (hay muchas), es un válido entretenimiento familiar sin mirar detalles, claro está.

Elsa Bragato