EL PRECIO DE LA CODICIA, GHOST RIDER 2, PROYECTO x, ESTO ES GUERRA, DORMIR AL SOL, ENTER THE VOID, JUEVES 15 MARZO

JUEVES 15 DE MARZO DEL 2012.

Hay siete estrenos en fílmico, incluyendo el documental argentino “Memoria para reincidentes”, de Gabriela Maije y Javier Gabino, que no comentamos.

EL PRECIO DE LA CODICIA

De J.C.Chandor. Con Kevin Spacey, Jeremy Irons, Demi Moore, Paul Bettany, Stanley Tucci y Zachary Quinto, entre otros. Música de Nathan Larson. Duración: 105 minutos.

MUY BUENA. LA INTERNA DE LA CAÍDA DE WALL STREET

Es alentador que el primer largometraje de J.C. Chandor tenga un guión fuerte, sin lagunas, sin dobleces, narrado con una fotografía cuidada e incluso con secuencias cuyas facturas han sido analizadas y ensayadas. Si bien la película es densa, tiene al mismo tiempo ritmo que va atrapando al espectador interesado en estos temas. Vale destacar que la historia se ubica en la pre-caída de Wall Street del 2008, sin avizorar la profundidad de las consecuencias mundiales hasta el día de hoy.

Puntualmente, el guión toma el caso de una entidad financiera de la que jamás se da el nombre cuya gerente, a cargo de Demi Moore (alejada de roles simpáticos y seductores), ha hecho un cálculo de riesgo erróneo para uno de sus productos y su devaluación podría provocar la quiebra. La reunión nocturna busca, previa a la debacle económica mundial, un “plan B” echando a uno de los gerentes de riesgo más importantes, Eric Dale, que encarna el gran Stanley Tucci. Dentro de este tema, el mérito mayor de J.C. Chandor es meterse en la psicología de los personajes de este banco de ficción, desde los superiores de Eric Dale: Paul Bettany como Will Emerson, Kevin Spacey como Sam Rogers y el casi intocable Jeremy Irons como John Tuld. Esa larga noche en el banco tendrá una secuencia notable cuando Paul Bettany, Zachary Quinto (un ascendente actor de Hollywood) y otro colega miran por un ventanal las luces neoyorquinas. Chandor ubica la cámara en cada rostro, todos de perfil, haciendo “close-up” solo cuando tienen un parlamento. Se detiene, define la secuencia, porque la desarrolla.

Para nosotros, desde esta parte del mundo, surge como diferente y hasta notable la sumisión del personal de cualquier entidad norteamericana: se aceptan las decisiones de los jefes casi sin chistar, o con apenas una mueca, se obedece a rajatabla, es la competencia del mercado como un dios supremo y se acata sin razonarlo mucho porque se trata de una forma de vivir. Esta actitud de los empleados de la entidad financiera pinta a una sociedad entera, más allá de la caída de Wall Street y de las posteriores manifestaciones de “indignados”. Y allí reside la inusual maestría del debutante realizador en las ligas mayores del cine.

Hay otro valor agregado para esta interesante película: Chandor sale del edificio de la entidad y mete la cámara en algunos barrios neoyorquinos y carreteras, el tiempo justo, con los personajes determinados, para darle aire a un guión que, de otro modo, habría caído en la claustrofobia. Tiene un tratamiento inteligente de las locaciones y de las situaciones a narrar. Es un film que nos entretuvo, que nos mostró otra cara de Wall Street, menos glamorosa y más pensante, sin ser aburrido. Aclaramos que “margin call” es el margen máximo que puede tener un producto antes de iniciar su devaluación, dicho esto con nuestras palabras que los economistas sabrán disculpar.

Elsa Bragato

DORMIR AL SOL

De Alejandro Chomski. Con Luis Machín, Esther Goris, Carlos Belloso, Florencia Peña. Música de Ruy Felguera. Duración: 84 minutos.

BUENA. LA FANTASÍA DE SER PERRO

Esta película está basada en una novela de Adolfo Bioy Casares, del género fantástico. Casares tenía predilección por su obra, “Dormir al sol”, porque consideraba que era la que mejor lo representaba. Bioy Casares, a su vez, apoyó a Alejandro Chomski (Hoy y mañana, 2003) para que encarara esta realización, adaptando el texto a un espacio muy particular de la ciudad, el pequeño barrio de parque Chas, que no tiene esquinas y está formado por calles circulares a la manera de un repollo, símil de la lejana ciudad de Brujas, en Bélgica.

El film, por su parte, resalta la imposibilidad de la relación amorosa, con toques de humor y un acentuado tinte fantástico. La base argumental es un misterioso tráfico de almas y cuerpos entre personas y perros, que se produce en un instituto frenopático. A instancias del director de la entidad (Carlos Belloso), un desocupado de parque Chas (Luis Machín) interna a su esposa (Esther Goris) quien padece un inquietante trastorno mental. Florencia Peña, que está sólida en su papel, interpreta a la cuñada del desocupado (Machín) a quien intenta seducir.

Hay que destacar las cuatro actuaciones. Estamos ante actores de primer nivel que hacen creíbles cada personaje. Y la ubicación de la historia en la década del 50, por lo que se nota una muy cuidada producción con excelente nivel en la dirección de arte y fotografía.

El quid argumental está en el personaje de Esther Goris quien será sometida a un extraño experimento, que da pie al relato fantástico propuesto por Bioy Casares y ahora por Chomski. El resto de la narración es bastante lineal aunque se produce mucha empatía con “Diana” (Goris) y se genera cierta tensión atractiva para el espectador.

Es una buena propuesta, sin ambiciones desmedidas ni logros superlativos. No obstante señalamos que cuesta asimilar el tono fantástico impreso en este relato literario. La respuesta al título reside en que son justamente los perros los que aman dormir al sol. El por qué de esto debe descubrirlo el lector a través de las peripecias de uno de sus personajes.
Carlos Pierre

GHOST RIDER 2. ESPÍRITU DE VENGANZA

De Neveldine,Taylor. Con Nicolas Cage, Christopher Lambert, Ciaran Hinds, Violante Placido, Fergus Riordan, Idris Elba, entre otros. Música de David Sardi. Duración: 95 minutos.

BUENA. CAGE CON LAS LLAMAS DEL INFIERNO EN SU CUERPO

Estamos frente a la segunda película de la franquicia de Marvel titulada “Ghost rider”, este vengador justiciero que le ha vendido el alma al diablo. Algo así como un Fausto sin libre albedrío, pero Fausto al fin.

El film fue rodado en diferentes ciudades, incluyendo pintorescas carreteras de Rumania y algunos países del este europeo, con locaciones en New York, pero irreconocibles. Johnny Blaze, el alma en pena que compone Cage, no puede deshacerse de la maldición, que llama profecía, diabólica, y carga con esa fuerza animal. Sin embargo, su espíritu no es maligno sino benéfico. En esta oportunidad, debe salvar a un jovencito de las garras de los malvados, que toman diferentes aspectos en el film, desde traficantes del Este hasta hombres de sectas espúreas. No será tarea sencilla en virtud de que las circunstancias cambian y de una manera por momentos inesperada para el espectador.

Lo que parecía bueno ya no lo es, y la ausencia por minutos del espíritu diabólico en el cuerpo de Blaze le hace peligrar hasta su vida.

Más que narrar las peripecias argumentales, debemos señalar que el espectador que ansía ver una de Cage con tiros, persecuciones y cuerpos flamígeros, no saldrá decepcionado. Es más, nos animamos a decir que Nicolás Cage se siente muy seguro en este film y su actuación es de las más convincentes de los últimos tiempos. Cage se siente como pez en el agua en estos papeles de asesinos justicieros o bien resentidos sociales. Hay en especial, una secuencia donde el motoquero se transforma en diablo porque así lo requieren las circunstancias y Cage hace gala de un enorme histrionismo, con gesticulaciones y movimientos que utilizan muy bien la computación y los softwares de efectos especiales para cargarle las llamas del infierno en su cuerpo virtual.

Ambiente sórdido, oscuro, carreteras sinuosas bien europeas, conventos antiquísimos, sacerdotes medievales, van salpicando la historia de elementos sobrenaturales que explican las aptitudes diabólicas de Johnny Blaze, así como las del joven Danny, mitad humano y mitad diablo. Ciarán Hinds, que suele componer papeles desagradables, no deja de darse el gusto con algunos de esos roles al encarnar a un malvado que habla de costado al mejor estilo de los “taitas”. Voces enronquecidas, seres con el poder de incinerar cuanto tocan, son otros detalles que caracterizan a este Ghost Rider 2. Para fanáticos. Objetivo cumplido. Nada más.

Elsa Bragato

ENTER THE VOID

De Gaspar Noé. Con Nathaniel Brown, Paz de la Huerta y Cyril Roy. Duración: 161 minutos.

MALA. LA NADA TRANSFORMADA EN ASCO. “CINE DE CHOQUE” QUE OFENDE EL INTELECTO

Si nunca es agradable combinar la droga con nada, mucho menos lo es como eje conductor de un film que ingresa al circuito comercial y no al del “cine-arte”, al menos en principio.

Gaspar Noé es franco-argentina y, luego de Solos contra todos e Irreversible, regresa con un film que poco aporta a la pantalla grande. Con excepción de varias secuencias donde las tomas nos indican que estamos frente a un realizador que sabe cómo manejar una cámara, nada hay para rescatar a nivel contenido. En principio, porque el cine es entretenimiento y, dentro de él, podemos encontrar todas las expresiones del sentimiento humano. Cuando el cine, como en este caso, se dedica a mostrarnos la condición miserable del ser humano, incapaz de salir del entorno de su físico, ya sea a través del sexo promiscuo o bien de la ingesta de drogas, caemos un vez más en los docu-ficción televisivos de los que estamos hartos en gran medida.

Un recurso tampoco destacable es el uso de la cámara en mano, como hemos visto en Proyecto X y Poder al Límite, y resulta poco cinematográfico y sí propio de algunos realities de televisión. Somos reiterativas pero en el cine esperamos ver cine.

Tampoco la utilización de música e imágenes al estilo psicodélico son una novedad. Lo vemos a diario en la televisión. Como el título lo indica, ingresamos a la nada, Enter The Void, título del neón que indica “Enter” a un hotel de Tokio donde se desarrolla buena parte de este producto de Noé. ¿Es la muerte, el ingreso al más allá, está muerto o vivo quien nos lleva por los submundos? Noé explicó en una nota que conoce bien los estados que provoca la droga porque alguna vez tomó ácido lisérgico. Sus experiencias están en este film.

Mostrar cuán miserables somos consumiendo drogas, el abandono personal, flashbacks que nos indican que alguna vez alguien pudo ser mejor, mostrar cuerpos despedazados en un choque (recurso hollywoodense gastado), y cómo se engendra un bebé “desde adentro” del cuerpo de una mujer desde su inició en una relación sexual nos parece más digno del cine tripe X que del cine comercial.

Almas perturbadas, vidas miserables, escenas de sexo explícito, consumo de drogas, vidas desordenadas, semiviolaciones, conforman la nueva entrega de Gaspar Noé. ¿Cine expresionista? ¿Mostrar la otra cara de la muerte,d e la vida? Todo ha sido contado con mejores recursos e inversiones. El cine de Gaspar Noé es considerado “cine de choque”, es decir, intenta ponernos mal, darnos asco. Lo consigue.

Es un film machista, innecesario para un momento del mundo donde hay que bajar el grado de violencia y terminar con los narcos. Pero puede ser que tenga buena taquilla porque se muestra el consumo de drogas. Aunque se trate de un "más allá". Confuso, feo.

Elsa Bragato

PROYECTO X

De Nima Nourizadeth. Con Thomas Mann y Oliver Cooper, entre otros. Música actual de diferentes conjuntos. Duración: 88 minutos.

MALA. TAQUILLERA PERO DESECHABLE

No vamos a negar que este film va directo a la conciencia de los adolescentes: cómo desoír los consejos paternos cuando se quedan solos un fin de semana y festejar el cumpleaños a lo grande para dejar de ser perdedores, alentados por amigos de la secundaria. Thomas es el jovencito cumpleañero y sus dos “mates” son Costa y JB, que le prometen una buena difusión de la fiesta, que solo se ocupará el gran jardín de la casa, y que pasarán una linda noche. La difusión es monstruosa por lo tanto prácticamente todos los chicos de varias escuelas van cayendo a la casa de Thomas que no sale de su asombro, seguido por la cámara de un compañero que va grabando las secuencias. Similar a la película Poder al límite, un fiasco para el público con otras expectativas de cine.

La fiesta sale de los límites, corre la droga, la bebida, y de tirarse a la piscina medio desnudos pasan a la casa, a los dormitorios, y al pequeño escritorio paterno donde están guardados “dos proyectos” de trabajo, sin que quede muy claro por qué se titula Proyecto X. Asistimos, entonces, a la destrucción de la casa de Thomas en su totalidad, al riesgo del vecindario por los incendios, a la alarma social por este tipo de fiestas, a la falta de respeto a las normas elementales de una “fiesta privada”, y a consecuencias que todavía no tienen perspectiva, o es difícil encontrársela. Qué pasa con chicos que se desmadran, para quienes las drogas de cualquier índole son como tomarse varios vasos de agua.

Por supuesto, los adultos nos podemos plantear muchas cosas, si queremos verle un lado positivo a un film que ocupará la cartelera porteña en detrimento de algún film bueno nacional o extranjero y que dejará ganancias a costa de dar un pésimo ejemplo social.

La calificación de “mala” corresponde a la factura, en principio, del film, cero producción, cero inversión, y luego al mensaje que trasunta un contenido de violencia y desorden máximos. No gaste su dinero.

Elsa Bragato

ESTO ES GUERRA

De McG. Con Reese Witherspoon, Chris Pine, Tom Hardy, entre otros. Música de Christophe Beck. Duración: 95 minutos.

REGULAR. COMEDIETA INTRASCENDENTE ENTRE TRES ADULTOS QUE JUEGAN A LA ADOLESCENCIA

Es una pena que una actriz de comedia fina e inteligente como Reese Witherspoon termine en films tan archiprevisibles como esta comedia de McG, el director de Los ángeles de Charly. Dos agentes de la CIA salen con una misma mujer por casualidad, hasta que descubren que la dama en cuestión se llama Lauren (Reese). Los caballeros son “ojitos azules” Chris Pine, y el amable y menos ganador Tom Hardy. Una vez que los hombres descubren a quién aman comienzan a utilizar el sistema de espionaje de la CIA para vigilarse mutuamente, en una carrera de celos adolescentes.

Reese Witherspoon ha ganado un Oscar por Legalmente rubia, un film que puso sobre el tapete sus enormes condiciones para la comedia elegante, con cierta inteligencia, que le permitieron abordar otros roles mucho más comprometidos y aplaudidos por todos. Aquí está contenida, en un papel que ya no le va, la treinteañera (¿) perdedora, que le gusta el juego de seducir a dos hombres aunque desconoce que, llegado un punto, ambos saben todo de cada uno de los tres. Tampoco hay una narración audiovisual que nos genere empatía o sorpresa por cómo se filmó, qué tipo de tomas se hicieron para darle más agilidad o no, qué ángulos se buscaron para enriquecer un argumento más que previsible.

Para este tipo de comedias, ya no vale gastar dinero en una entrada. Salvo que se sea un amante acérrimo del género. Es para ver en un avión, o bien esperar que salga por el cable. Con toda la sinceridad del mundo.

Elsa Bragato

CARNAGE, JOHN CARTER Y REESTRENO DE "SCARFACE", JUEVES 8 MARZO

JUEVES 8 DE MARZO DEL 2012.

Hay dos estrenos y un reestreno, la inolvidable Scarface, de Brian de Palma, con Al Pacino, Michelle Pfeiffer y Steven Bauer, realizada en 1983.

UN DIOS SALVAJE

De Roman Polanski. Con Jodie Foster, Kate Winslet, Christoph Waltz y John Reilly. Música de Alexandre Desplat. Duración 80 minutos.

MUY BUENA. ÉXITO TEATRAL CON UN NOTABLE DUELO ACTORAL

Film que se sustenta en tres pilares: la exitosa comedia de Yasmina Reza, el duelo verbal del matrimonio formado por Kate Winslet y Christoph Waltz, cuyo hijo agredió al hijo del matrimonio de Jodie Foster y John C. Reilly, y un teatro filmado armado con inteligencia y ritmo inclaudicables. En este sentido, apuntamos que tiene una muy sólida escenografía y es un símil exacto de un departamento neoyorkino, a diferencia del original ambientado en París.

El reto del Polanski fue el plató construido en el país galo, con la colaboración del director artístico Dean Tavoularis (trabajó asiduamente con Francis Ford Coppola), el director de fotografía Pawel Edelman y la laureada diseñadora de vestuario Milena Canonero y fundamentalmente esa comprometida fidelidad que tramó al armar una película de 80 minutos, donde la acción se desarrolla sin interrupciones y en un único decorado (un departamento completo con living, cocina y baño), es decir una película en tiempo real, sin una sola elipsis, que se constituye en otro pilar audaz e innovador.

La trama es bien conocida por todos a raíz de la representación exitosa en París, Londres, Broadway y Buenos Aires de la obra teatral de Yasmina Reza (Florencia Peña logró una de sus performances más aplaudidas en teatro) quien colaboró con el propio Polanski en la adaptación al cine: nos muestra los prejuicios sociales y la disociación de los matrimonios con furia e hipocresía. Un hámster enjaulado, la ropa manchada del matrimonio invitado (Waltz y Winslet), van generando tensión entre los cuatro personajes desde el comienzo.

El tema elegido nos remite a un maduro Roman Polanski (78 años), y permite que cuatro actores convocados hagan gala de una superlativa actuación: es un duelo actoral de altísimo nivel que, a pesar de mostrar la hilacha de “teatro filmado” (no siempre con buenos resultados en la pantalla grande) nos atrapa desde el comienzo por la inteligencia de los parlamentos y las situaciones que vive este estupendo elenco.

Señalamos que el gran compositor Alexandre Desplat realizó la apertura y cierre del film, que no cuenta con una banda sonora que subraye secuencias. La metáfora de Polanski es directa pero sutil al mismo tiempo: el hámster del matrimonio huésped recupera la libertad mientras los cuatro participantes de esta espontánea “carnicería” (traducción de carnage) quedan atrapados en sus confusiones sentimentales, en sus reproches reprimidos y en una adultez todavía inmadura. Un film inteligente.

Carlos Pierre

JOHN CARTER: ENTRE DOS MUNDOS 3D

De Andrew Stanton. Con Taylor Kitsch, Lynn Collins, Mark Strong, Willem Dafoe, entre otros. Música de Michael Giacchino. Duración 133 minutos.

BUENA. ENTRETENIMIENTO ÉPICO EN UNA ILÍADA MARCIANA

Inspirado en la primera novela titulada A Princess of Mars del escritor norteamericano Edgar Rice Burroughs (autor de Tarzán), este film apunta a convertirse en una saga de tres entregas cuanto menos donde el ex militar de la Guerra Civil, el capitán John Carter (Taylor Kitsch) es transportado misteriosamente al planeta Marte (llamado Barsoom); allí los heliumites y los zodagans luchan por gobernar el planeta.

Se trata de una producción ambiciosa, plena de recursos técnicos y artísticos, filmada durante cuatro meses en estudios londinenses y en Utah, en salinas y escenarios naturales. Estas diferentes locaciones son el sostén invalorable con los que contó el realizador Andrew Stanton (Wall-E, Buscando a Nemo) para narrar ampulosa y épicamente las aventuras del capitán del estado de Virginia en el planeta rojo, semidesértico y agonizante, pero aún con una feroz efervescencia bélica entre sus habitantes.

En este gran conflicto, el protagonista se involucra con los buenos y se enamora de la princesa Dejah Thoris (Lynn Collins) pero, para salir airoso de tremenda cuestión, deberá luchar contra un villano muy duro interpretado por Mark Strong.

Carter cuenta con un simpático pero enorme y rechoncho perro, su incondicional protector, llamado Woola, y también con esa invalorable ventaja que nos toca a los humanos de poder saltar a gran altura en Marte, debido a la débil atmósfera que conlleva a una menor gravedad. Con inteligencia, el director utilizó estos recursos naturales que tienen una explicación científica.

La presencia de Willem Dafoe siempre es un atractivo extra para cualquier film. Sin embargo, aquí “no lo vemos” porque está dentro de un cuerpo armado de tres metros de altura, de color verde intenso, con cuatro brazos, cuernos enroscados hablando un idioma propio. Y es un personaje insoslayable, igual que la princesa de Marte que, como en casi todas las historias, está obligada a casarse con quien no desea. Es el toque femenino en medio de la belicosidad reinante.

A tono con tantas películas de entretenimiento basada en efectos especiales y seres semi monstruosos, esta novela del siglo pasado llevada al 3D nos propone involucrarnos en una pura aventura y a toda acción, con parentesco con la antigua literatura clásica, mentora de esta Ilíada marciana. Para divertirse a pleno.

Carlos Pierre

DRIVE, AMOR POR SIEMPRE, SOLO POR DINERO, INFRAMUNDO EL DESPERTAR, CENTRO

JUEVES 1RO DE MARZO DEL 2012.-

Hay cinco estrenos, incluyendo el documental Centro, de Sebastián Martínez, sobre aspectos de la ciudad de Buenos Aires, que no comentaremos.

DRIVE

De Nicolás Winding Refn. Con Ryan Gosling, Carey Mulligan, Alberto Brodes, Bryan CRanston, Ron Perlman, entre otros. Música de Cliff Martínez. Duración: 100 minutos.

MUY BUENA. VELOCIDAD MÁXIMA EN UN SANGRIENTO DRAMA DE HAMPA Y AMOR

Una saludable química se estableció entre el consolidado actor Ryan Gosling (Blue Valentine, Secretos de Estado) y el realizador danés Nicolás Sinding Refn, multipremiado director con mano firme para los relatos donde la violencia y el género gore saltan de la pantalla al espectador.

Por supuesto, es cine “noir”, de culto, que tiene seguidores en todo el mundo y que ha estado nominado incluso en Cannes, con aplausos de la platea que disfrutó de la actuación de Gosling, enigmático y excitante a la vez, y de estas carreras automovilísticas (al estilo Nicolás Cage en sus últimos films) a todo o nada, con muertos y despedazamientos por doquier, a mano, como debe ser en este género.

El protagonista de esta historia no tiene nombre propio, es “él”, “boy”, pero sabemos de quién se trata: es un diestro conductor de autos que vive para manejar, es mecánico y también doble de riesgo en films. La capacidad como conductor la utiliza de noche para ser el “conductor” de hampones, cumpliendo nada más que ese rol sin mirar a quién le presta ayuda.

De pronto irrumpe en su vida una vecina, que tiene un hijo pequeño y está sola. Se enamora pero está acostumbrado a ocultar sentimientos así que no esperemos una historia de amor sino, en todo caso, un amor latente que tendrá su tiempo porque las actividades de este “boy” tienen prioridad. La mafia le tenderá trampas y, cuando se acercan a su pretendida, la furia de “boy” no tendrá contención. Será brutal.

Para muchos, estamos frente a recursos del cine de clase B. Vale destacar, en este sentido, que el cine de clase A utiliza todos estos elementos así que hay que destacar la actuación de Alberto Brooks y Ron Perlman, por ejemplo, gángster inolvidables. Y no olvidarnos de Charles Bronson ni del maestro Clint Eastwood, como antecedentes de películas que siguen vigentes en el gusto de una mayoría.

Debemos detenernos en Ryan Gosling, quien dota a su personaje de una personalidad medida y temperamental a la vez, un hombre capaz de enamorarse y de luchar por los valores que encuentra en Irene, a cargo de la gran actriz inglesa Carey Mulligan, nominada a los Oscars por su rol en “An education” (film para no dejar de ver), que le permitió ganar otros premios también de gran importancia. Ryan Gosling tampoco se quedó atrás, recibiendo el premio International Press Academy por su actuación en este film, así coo el director Nicolás Sinding Refn fue ganador de la Palma de Oro como mejor Director en Cannes 2011.

Es decir, estamos frente a un film policial con características gore muy bien interpretado, bien realizado, con elementos del tradicional noir (el hampa, los burdeles, las amenazas, las balaceras, la traición, etcétera). En la “nouvelle vague” se decía que un buen policial no podía faltar en la vida de ningún realizador, el revólver y la chica linda debían aparecer. Refh es un fiel seguidor de esta premisa y consigue un muy buen film con dosis de tensión apabullantes y escenas que estremecen. Para fuertes.

Carlos Pierre

AMOR POR SIEMPRE

De Nicole Kassell. Con Kate Hudson, Gael García Bernal, Kathy Bates, Whoopi Golberg, Lucy Punch, entre otros. Música de Heitor Pereira. Duración: 100 minutos.

BUENA. “LOVE STORY” DE TODOS LOS TIEMPOS

Que la tierra es, para algunos, el infierno tan temido, no es novedad. Y así se toma en esta película donde la protagonista, Marley Corbett, es una treinteañera que tiene trabajo y buenos amigos hasta que, en un examen de rutina se descubre que padece un cáncer de colon terminal. Está protagonizada por Kate Hudson, hija del primer matrimonio de la famosa Goldie Hawn, una de las estrellas rubias norteamericanas que siguieron la huella de Doris Day. A su vez, Goldie tuvo una sucesora en la hoy cincuentona Meg Ryan. Y la racha continuó con Reese Whitespoon, un poco olvidada por la pantalla grande.

Kate Hudson es una buena actriz de comedias que no ha tenido la suerte de una Cameron Díaz en la elección de sus papeles. Pero, sin duda, la comedia está en sus genes y logra una excelente performance en esta nueva “love story” un poco tontuela porque la participación de Gael García Bernal como el doctor Julian Goldstein que le descubre el mal y se enamora de la paciente, aún sabiendo que se morirá en poco tiempo, no terminó de convencernos. Es apático, débil, no conmueve. Y deslucido frente a la desbordante Kate Hudson.

Hay momentos un poco ridículos como el viaje al cielo de la protagonista quien se encuentra con un dios no convencional: Whoopi Golberg, siguiendo, a su vez, el tipo de rol que hiciera en la inolvidable “Ghost”. En “Amor por siempre” ganó varios escalones y está directamente en el cielo ocupando el trono de una diosa que puede hablar y convencer a Marley de que la esperará y que no sufrirá más. La secuencia final es rayana en lo ridículo, demasiadas nubes…

Pero…estamos frente a una Love Story con todos sus ingredientes, un producto que no le hace mal a nadie, donde Kate Hudson hace relevante su papel, aunque canse un poco con su risa casi desenfrenada durante buena parte de la narración. A diferencia de la crítica norteamericana, Hudson dotó a su rol de un sufrimiento propio de semejante enfermedad, sin patetismo. Kathy Bates como su madre está perfecta, medida, el papel no dio para más.

Con excepción de los “cielos” inventados por la dirección, que son un toque burdo, la comedia va por andariveles conocidos. Para pasar un momento de emoción… hasta ahí. Y no pedir nada más. Es buena para nosotros por la convincente y alocada actuación de Kate Hudson y Kathy Bates. Para las más jovencitas.

Elsa Bragato

SOLO POR DINERO

De Julie Ann Robinson. Con Katerine Heigl, Jason O’Mara, y la vuelta al cine de Debbie Reynolds. Música de Deborah Lurie. Duración: 91 minutos

BUENA. MUJERES AL FRENTE DE UNA COMEDIA ATREVIDA

Una nutrida legión de mujeres se pusieron al hombro la realización de esta atractiva comedia dramática, basada en la exitosa novela One for the Money, primera entrega de una saga de 18 best.sellers, aparecida en 1994, de la escritora Janet Evanovich. La heroína es “Stephaine Plum”, un personaje muy conocido en los Estados Unidos especialmente por el público femenino a raíz de las novelas. Está interpretada por la carismática Katherine Heigl, quien tiene una abuela muy especial, interpretada por Debbie Reynolds, la actriz y cantante que enamorara en 1957 con el film Tammy (se hicieron varios con este personaje e incluso una serie de TV).

Vale la pena indicar que el film cuenta con la dirección, el guión, la música, el montaje y el libro realizados por mujeres, una muestra más que elocuente de que film tiene se toque feminista inevitable y bienvenido, aunque la protagonista vaya por caminos reñidos con la femineidad tales como la extorsión y el hampa.

“Stephanie Plum” es una joven sin trabajo, divorciada, alejada de su familia, quien vive sola con un hámster. Un buen día decide recurrir a su primo, dueño de un negocio de garantes, en New Jersey, para tener un sueldo digno. Pero, casualmente, el trabajo consiste en darle caza a un fugitivo escurridizo, un ex policía sospechosos de asesinato, que encarna Jason O’Mara. Ambos se conocían desde los años de juventud y Stephanie encuentra la forma justa para tomar revancha por los desplantes de su ex pareja y sacarle una buena cantidad de dinero.

Hay que analizar cuál fue la causa del éxito de estas novelas para comprender por qué el film también ha tenido buena suerte en otros países: está sustentado en una escritura fácil de leer y una buena historia poblada de personajes atractivos.

La pareja protagónica conforma a su vez un acertado gancho romántico, sembrado de desplantes que mantienen la atención de principio al fin. Por supuesto, aquí no podemos reclamar introspección en los personajes, sino detenernos en el desparpajo de la protagonista femenina que es la “sal” de la narración.

Y, sin duda, la película resulta muy entretenida, a pesar de que el tema no es novedoso en el cine. La actuación de Heigl tiene la responsabilidad de llevar adelante una comedia simpática, que busca alegrarnos por un rato, nada más. No es poco ni tampoco mucho. Pero suficiente para explicar el éxito de las novelas y del film. Aunque muy lejanamente, hay otra heroína femenina, nórdica, que tiene gran aceptación en el público, y es la de Millenium, si bien el planteo narrativo, argumental, tiene más envergadura en este último que aquí. “Solo por dinero” es una película especial para las mujeres de todas las edades, para pasarla bien y, por qué no?, enorgullecerse de que tantas congéneres hayan llevado a cabo un film con ritmo narrativo y buena producción.

Carlos Pierre

INFRAMUNDO: EL DESPERTAR

De Marlind y Stein, con Kate Beckinsale, Stephen Rea e India Eisley, entre otros. Música de Paul Haslinger. Duración: 89 minutos.

MALA. VAMPIROS Y LYCANS ENCONTRARON LA VUELTA PARA SEGUIR EN PANTALLA

Estamos frente a la cuarta película de esta saga entre vampiros subterráneos y lycans. Las primeras películas tuvieron la misma ambientación que ésta, la cuarta, un mundo virado al azul, donde ni siquiera la sangre es tan roja como creemos. Peleas, despedazamientos, luchas brutales entre dos grupos de seres que quieren dominar la Humanidad.

No hay diferencia en el concepto argumental básico de este nuevo film. Sí lo hay respecto de su ya tradicional Selene, que vuelve en la piel de la bella Kate Beckinsale, quien amó a un híbrido llamado Michael, ya muerto, con quien ha tenido una descendencia inesperada. He aquí el quid del film.

Han pasado 15 años en el tiempo de ficción y Selene ha sido capturada por la empresa Antigen, que la tiene congelada, hasta que sucede algo inesperado y la vampiro recuperará su fuerza vital, con la sorpresa de una hija que no esperaba tener y que todo indica tuvo en el forzado cautiverio, interpretada por la joven India Eisley, de 17 años, prácticamente en su debut en la pantalla grande. Mientras todo esto sucede, hay una distinción entre los diferentes seres de aspecto humano que habitan este film con tendencia al cómic: los seres del inframundo, los comunes y los supermonstruos, especies de Hulk, llamados Uberlycan.

Para quienes gustan de estas sagas y el mundo “dark” que incluso tiene su propia moda, el film mantiene la atención del espectador, la tensión y las escenas de brutalidad tan características. Casi no hay diálogos sino que da la impresión de ser una película armada en base a secuencias de golpes y encuentros desagradables que terminan con la muerte de los humanos que osan increpar a estos vampiros y lycans. Los humanos nada tenemos que hacer en el argumento y bien se lo demuestra.

Se pueden buscar subtemas, un tanto forzadamente, como la existencia de seres de mala energía o mala “onda” entre nosotros, personas que no hacen el bien, que buscan dominar a los más plácidos, y los encontramos entre quienes o por dinero o por posición tienen lugares preponderantes en la sociedad. Nada más que no los vemos ni como vampiros ni como lycans, aunque tal vez debiéramos! También tiene su costado de bondad, aunque no se los podamos ver. Como estos vampiros y lycans.

En definitiva, es un film para la generación “dark” con muchísima acción, poca luces argumentales y una buena vuelta de tuerca para que la saga continúe: la hija de Selene y sus dones sobrenaturales que no son nada despreciables. La realización es ajustada a la propuesta, se rodó en Vancouver y se invirtió lo estrictamente necesario. No está mal para los fans pero nos resultó muy pobre en todo sentido, elemental.

Elsa Bragato

EL TOPO, TAN FUERTE Y TAN CERCA, PODER SIN LÍMITES, CON EL DIABLO ADENTRO, Y DOS OPERA PRIMA NACIONALES

JUEVES 22 DE FEBRERO DEL 2012.

Hay seis estrenos este jueves, incluyendo dos films nacionales de los que

Haremos un muy breve comentario.

EL TOPO (TINKER TAILOR SOLDIER SPY)

De Tomas Alfredson. Con Gary Oldman, Benedict Cumberbatch, Colin Firth, Tom Hardy, entre otros. Música de Alberto Iglesias. Duración l27 minutos. Distribuida por Distribution Company. Coproducción de Inglaterra, Francia y Alemania.

BUENA. CAZA INTRINCADA DE DOBLES AGENTES ENTRE ESPÍAS BRITÁNICOS

Thriller de espionaje basado en el best-seller del avezado escritor en estos temas John Le Carré, que predispone a una ardua atención para no perder el hilo de esa compleja madeja tejida dentro del servicio secreto británico, presumiblemente a fines de los 60, para cazar al agente infiltrado en sus filas (un verdadero topo) que trabaja para los soviéticos.

Sin apartarse de la más acendrada tradición británica, este film recorre los carriles conocidos del espionaje que dejó la guerra fría, pero con la variante de un agente retirado (Gary Oldman), un zorro viejo del espionaje, paciente y minucioso quien, por su situación externa al servicio secreto, tiene una mirada abarcadora de la situación para descubrir al traidor. El camino tampoco le será fácil porque está sembrado de ambigüedad y mentira.

Como en tantos libros sobre este tema que nos dejó el espionaje de esa época, abundan muchas locaciones donde se desarrolla la acción: Hungría, Francia, Inglaterra, enriqueciendo el despliegue visual y escenográfico, donde la fotografía y el diseño de arte sostienen, con una destacada mención a la música de Alberto Iglesias, esta realización pulcra e inteligente del realizador sueco Tomas Alfredson (Criatura de la noche).

Es un argumento complejo, difícil, con largos diálogos, donde no hay que perder ninguna palabra ni ningún gesto a lo largo de las dos horas de duración del film: el tratamiento narrativo es el de una verdadera partida de ajedrez, cuyas piezas se muestran en el film teniendo adosadas las caras de los agentes. Uno a uno deberán desaparecer pero hay uno, en especial, que se reconoce y tiene estrecha relación con el final del film.

Gary Oldman hace gala de su notable histrionismo sin exageración. Un arqueo de cejas, una visión desolada de su rostro en un espejo, una sonrisa de costado, pocas palabras, y una secuencia de un soliloquio que resultan más que suficientes para demostrarnos quién es frente a una cámara. Es un actor “minimalista”, los recursos mínimos para lo más perverso o lo más brillante. Su asistente es el eficaz Benedict Cumberbatch. Colin Firth es la presa, el topo, pero ¿no será otro “topo” el personaje de Oldman? Atentos a esto.

El film tiene tres nominaciones a los Oscars: Mejor Actor a Gary Oldman, Mejor Guión Adaptado y Mejor Banda Sonora. Sin embargo, debemos alertar al lector: el film es atrapante pero no frenético, hay una atmósfera discursiva apenas salvada por algunos balazos y algunos asesinatos. No son necesarios en detalle porque es un film para aguzar la atención. Es una película que entiende que el espectador es un ser pensante y lo pone a prueba, sin prisa ni pausa. No está mal, pero es una narración densa para la que hay que ir preparado.

(NR: El título en inglés enumera diferentes oficios: desde el jugador o defraudador, hasta el sastre, el marinero y el espía, todos oficios en los que un espía puede estar sin que lo sepamos.)

Carlos Pierre

TAN FUERTE Y TAN CERCA

De Stephen Daldry. Con Tom Hanks, Sandra Bullock, Max Von Sydow (nominado por esta actuación), el pequeño Thomas Horn, Viola Davis, entre otros. Basada en la novela de Jonathan Safran Foer, del 2005. Duración: 128 minutos.

BUENA. EL ATAQUE A LAS TORRES GEMELAS A TRAVÉS

DE LA DOLOROSA VIVENCIA DE UN NIÑO

Ésta es la primera película que trata el tema de los hijos de aquéllos que murieron en el brutal ataque a las Torres Gemelas, ocurrido el 11 de setiembre del 2001. El film nos ubica en New York en esos trágicos instantes. Un matrimonio conformado por Thomas (Hank) y Linda (Bullock), la madre, con un hijo de 9 años, Oskar Shell, en una notable interpretación del pequeño Thomas Horn, enfrenta la terrible desgracia de que el padre muere en el feroz atentado. El pequeño cree encontrar entre las ropas de su padre una clave para cumplir otra aventura con su él; con su padre, Oskar solía inventar aventuras en la Gran Manzana a manera de rompecabezas (la mayor era encontrar el sexto distrito de Manhattan, supuestamente hundido por lo que pudo “extraerse” el Central Park quién sabe desde dónde). Y esa “clave” le permite no admitir, todavía, la pérdida de su padre. Con cierta parsimonia, se va desarrollando la narración. Un personaje especial para Oskar es el anciano mudo que encarna Max Von Sydow, un actor que surgió de las filas del cine de Ingmar Bergman.

Hay muchos altibajos narrativos que provocan no poca desazón en el espectador: hay que cubrir demasiados baches en segundos resultando una trama complicada.

Se observa una gran ausencia de la madre, que atribuimos a un guión bastante endeble, Sandra Bullock está interesada en su hijo, pero no le pone “garra” a su papel de madre. O trata a su chico de manera tan poco maternal porque padeció (?) de autismo mientras que su padre solo quería estimularlo, o bien está preocupada por su trabajo, del que hay poca información. Esta orfandad le permite a Oskar hacer lo que quiere y aventurarse por las calles de New York de manera temeraria, encontrando diversos personajes que intentarán ayudarlo en su búsqueda desesperada de una “respuesta” secreta de su padre. Y es en ese momento cuando el film decae, se hace bastante poco verosímil esa locura de búsqueda de las familias “Blank” que viven en la isla, más de 400.

Sin embargo, hay un arranque de dolor extremo del pequeño Oskar, de gritos, de llanto, de desesperación, que nos muestra cuánto viene sufriendo calladamente y cómo lo ha tapado con la excusa de la búsqueda que, supuestamente, ha dejado su papá. En verdad, son las secuencias más tocantes.

Para algunos críticos, es pura cursilería. Creemos que el dolor tiene una sola cara y cuando explota es ésa, la del pequeño Oskar. El problema del film es que recién empieza a resolver tanto drama sobre el final; el argumento deja lagunas respecto de la madre y de otros personajes, toca por arriba un verdadero problema social, tal vez tratando de ponerle una veta menos corrosiva espiritualmente al comienzo pero que devendrá en el inevitable profundo dolor del pequeño.

La carga protagónica recae en Thomas Horn, un pequeño gran actor, para quien deben ir todas las loas. No así la poca definición de su aventura por Manhattan ni la actuación de Bullock. En el caso de Tom Hanks, es una participación especial que, a través de su voz, estará presente hasta el final.

Esta película nos dejó confundidos por sus baches. No se comprende la ausencia de la madre, su pasividad, su supuesta comprensión rayana en el abandono. Tampoco es verosímil la aparición de tantos personajes que se van cruzando en el camino de Oskar.

En un momento, se produce un acercamiento madre-hijo que salva mínimamente el rol de Bullock, impasible, hierática. Pero resulta tarde. Muchos blancos para una historia que es real en unos 3000 chicos que perdieron a sus padres en el atentado del 2001. Notamos que hay demasiada ficción para mostrar el dolor de un hijo. Y justamente nos tocó el corazón la explosión de dolor de Oskar, el shock, el llanto desesperado. El resto, con excepción del gran Max Von Sydow en un papel inesperado también, es colateral a la historia que se pierde en vericuetos no creíbles. La banda sonora sí tiene envergadura y la escribió Alexandre Desplat. Recordemos, finalmente, que Stephen Daldry dirigió la laureada “Las Horas”, entre otros films. Aquí se olvidó buena parte del guión en su casa. Usted elige, amigo lector.

Elsa Bragato

 

PODER SIN LÍMITES

De Josh Trank. Con Michael Jordan y Michael Kelly. Entre otros. Duración: 84 minutos.

REGULAR. BURDO REMEDO DE LOS “FANTÁSTICOS” EN CLAVE DE THRILLER

Tres jóvenes descubren algo subterráneo que, al alcanzarlo, les da un magnetismo único. Uno de ellos, que compró una cámara registrando todos los momentos de su vida, de su familia y de sus amigos, es uno de los alcanzados por ese poder y el espectador verá cómo.

El film tiene ritmo y además tensión por lo que uno se ve semiatrapado. Y es “semi” y no total porque se descubren las falencias de una tecnología superada, antigua. La historia es previsible. Ese poder los hará o mejores o peores pero a uno de ellos le exacerba los peores instintos así que, de ahí en más, se sucederán secuencias de mayor grado de violencia.

Perder la sensibilidad hacia el otro es una de esas horribles cualidades. Claro está, el joven tiene un pasado y un presente de violencia familiar que incluye la asistencia a una madre postrada. Están dadas todas las características como para que un poder extraordinario puedamsacarlo de la vida que lleva. Pero no será gratis.

El film está hecho con “dos pesos”. Pero somos concientes de que hay un público joven ávido de estas emociones. Nada más que sería positivo que le brindaran una realización de envergadura, con buena inversión. Para esto, damos un ejemplo: cuando los jóvenes logran levitar y subir hasta el rango de altitud de los aviones, sus bajadas y sus repentinos vuelos son realmente para reírse porque parecen sacados con un arnés, así, de pronto, zas!, o como chupados por el espacio. Y mueve a risa. No son acciones bien logradas y se nota la “factura de la computación” empleada por inexpertos (tal vez no lo sean).

El mérito del film es mantenernos con los ojos abiertos. Lástima que lo que uno está viendo es trillado, convencional. Va a funcionar en la taquilla. Sin embargo, nuestra misión aquí es informar sobre el “fenómeno narrativo” que nos toca: en este caso, baratito y, si se quiere, efectivo para los más chicos.

Elsa Bragato

CON EL DIABLO ADENTRO

De William Brent Bell. Con Fernanda Andrade, Simon Quaterman, Evan Helmuth, entre otros.

Música de Brett Detar y Ben Romans. Duración: 83 minutos.

MALA. ABSURDO REJUNTE DE EXORCISMOS CINEMATOGRÁFICOS

Es difícil comentar un film que no deja nada, ni siquiera alguna secuencia en la que uno pueda apoyarse para iniciar una crítica coherente. Porque el film en sí es incoherente al no tener una línea argumental propia sino tomada de cuanta película sobre exorcismos hemos visto.

Supuestamente, debía ser interesante el caso de una joven que decide buscar a su madre internada en Roma luego de haber asesinado a tres personas por ser víctima del diablo. Lo lleva adentro… En fin.

Algunas tomas de la joven ingresando a la monumental Piazza San Pietro nos da cierta ilusión de que vamos a ver algo más o menos potable. Pero no. Las tomas quedan en eso, un paseíto por la gran plaza del Vaticano. Luego, la narración nos va confundiendo: la madre internada, pasada de locura o de “rosca” nos permite suponer que podría suceder algo interesante. Pero las esperanzas se desvanecen rápidamente. El exorcismo es desagradable, hay sangre, hay gritos, y un abuso de imágenes superpuestas a manera de flashes que resultan antiguas frente a joyas del cine como “La invención de Hugo Cabret”, un ejemplo mayúsculo.

Para atraer al público hay varias leyendas iniciales a toda pantalla explicando que el Vaticano no autorizó la filmación de exorcismo y tampoco el film. Viendo el resultado, comprendemos que la máxima autoridad de la Iglesia Católica, de ser ciertas las advertencias, se haya negado a aceptar esta historia.

La película no aporta nada salvo gritos destemplados, brazos que se retuercen, una fotografía mala, y una pobreza narrativa suprema.

La inversión fue de “dos pesos”: un millón de dólares a gatas, lo que habla de la calidad del film. Sin embargo, va a tener buena recepción entre los adolescentes, que siempre aman estas aventuras extremas. En este caso la única aventura es haberse aventurado al público internacional como si nos diesen una “joyita” sobre el exorcismo. Las entradas de cine están muy caras. Si NO está muy tentado por este diablo, déjela pasar.

Elsa Bragato

PELÍCULAS DEL BAFICI 2011

El BAFICI está organizado por un puñado de exitosos colegas que pertenecen a populares matutinos. El material que se expone, en medio de un fárrago de películas que nadie llega a ver (más de 400), están más inscriptas en el cine arte y en las óperas primas o bien en el intento primero de hacer cine . Hay buena factura, buenos momentos de narración pero no es todavía un cine profesional, si bien tiene visos de serlo en el futuro. Por eso, este nuevo-nuevo-cine nacional necesita muchos más BAFICI y no salas comerciales.

LA CARRERA DEL ANIMAL

Opera prima de Nicolás Grosso. Ganadora del Premio del público BAFICI 2011. 60 minutos

Dos hermanos, un padre que no está, una fábrica con más de 200 empleados. La narración tiene clima, logrado con un esforzado blanco y negro. Vemos “pasta” de director en la narración que nos propone Nicolás Grosso, hay climas logrados, pero no es para competir en la cartelera comercial.

Elsa Bragato

NOVIAS, MADRINAS, 15 AÑOS

Opera prima de Diego y Pablo Levy

Los hermanos Diego y Pablo Levy se lanzan a su primer largometraje filmando en la tienda del Once de su papá. ¿Docu-Ficción? Hay ciertamente (son profesionales del medio) una mediana buena narración. Ganaron la competencia argentina del BAFICi 2011. Hay secuencias simpáticas, logradas, y esto les augura una buena carrera como directores. Pero… nada más.

Elsa Bragato

THE ARTIST, CABALLO DE GUERRA, JACK Y JILL, ESTRENOS JUEVES 16 DE FEBRERO

JUEVES 16 DE FEBRERO DEL 2012.

Hay seis estrenos en fílmico. No comentamos Miniespias 4 en D, Star Wars en 3D ni el documental Yatasto, bien realizado, sobre los niños cartoneros de Córdoba.

THE ARTIST

De Michel Hazanavicius. Con Jean Dujardin, Berenice Bejo, John Goodman, entre otros. Música de Ludovic Bource. Duración: 100 minutos.

MUY BUENA. EMOCIÓN EN UN BLANCO Y NEGRO FASCINANTE

El trabajo narrativo de Michel Hazanavicius en blanco y negro, tributo a los comienzos del cine,

tiene todos los condimentos para que sea un gran film mudo con ciertas sorpresas muy bien logradas sobre el final. La vida de un artista famoso en la época del cine mudo y su caída luego del advenimiento del cine sonoro está envuelta en una atmósfera de romanticismo y perfección cinematográfica digna de todo elogio. No en vano viene cosechando los mayores premios del mundo, desde los Golden Globe hasta los BAFTA, además de otros tan importantes como los mencionados.

No solo es un homenaje al cine mudo sino que, tanto en su comienzo como en el final, hay un tributo al cine de todos los tiempos, especialmente a los musicales, desde Cantando bajo la lluvia hasta los films antológicos de Fred Astaire y Ginger Rogers, quien supo visitar la Argentina. Esta vuelta de tuerca que Hazanavicius encontró para su personaje principal es inteligente y nos deja una enseñanza: siempre es posible renovarse, siendo la clave del argumento así como su final, al que hay que estar muy atentos.

Hay que destacar a Berenice Bejo que no ha ganado ningún premio. Sin embargo, su actuación es de excelencia y debería formar rubro protagónico y no de coprotagonista con Jean Dujardin.

La presencia de Uggie, el terrier blanco que enamora al mundo, es un atractivo de difícil competencia. Ya actuó en Agua para Elefantes pero aquí tiene su consagración. Acaba de ganar el premio Collar de Oro a la mejor actuación canina, en la primera realización de estos galardones.

Por qué enamora este film? Porque no hay baches argumentales, porque la narración audiovisual es perfecta, con tiempos bien calculados entre secuencias y éstas están realizadas con precisión, sin ningún detalle que sobre o que falte. La recreación de la década del 20 (el film se ubica en 1927) es tan real que no sentimos la diferencia de década ni de siglos sino una inmediata empatía. La historia de amor también está tratada con notable precisión, la esposa harta del fracaso del galán del cine mudo, la jovencita que llega para devolverle la vida personal y la profesional, todo relatado de manera tal que no hay tiempos muertos. Es decir, el espectador es atrapado por la historia en forma inmediata y ya no le importará si el film es sonoro o no porque la banda sonora de Ludovic Bource está allí para acompañar las vivencias de los protagonistas.

Es una película memorable, diferente, aunque no la única que le realizó un homenaje al cine mudo. Hubo otras en la década del 50. A los que peinamos canas nos recuerda el caso de Greta Garbo, por ejemplo, cuya voz fue un fracaso para los productores del incipiente cine sonoro de los 30. Y la llevó a abandonar su carrera en 1945. Para los jóvenes, es un acercamiento directo, sin fisuras, al cine de aquellos primeros años y el ambiente que los rodeaba, el piano en la sala de proyección y los espectadores conmovidos por los films, con exagerada gestualidad de sus protagonistas pero efectivos por la expresividad. The Artist es un compendio de aquellos años con el agregado de una muy inteligente realización siglo XXI. Y un argumento que incluye desde un perrito (recordar algunos films de Charles Chaplin) hasta la tragedia personal, desde la gloria hasta la caída, desde el desamor hasta el renacimiento espiritual, desde el rechazo hasta el reencuentro con la vida y un nuevo camino. “George Valentin”, “Peppy Miller” y “Uggie” nos devuelven una magia que se creía olvidada en la era del 3D. No deje de verla.

Elsa Bragato

CABALLO DE GUERRA

De Steven Spielberg. Con Jeremy Irvine, Peter Mullan, Emily Watson, entre otros. Música de John Williams. Duración: 146 minutos.

MUY BUENA. HEROICIDAD Y PURA EMOCIÓN ENTRE UN JOVEN Y SU CABALLO

Steven Spielberg vuelve a sus fuentes, aquéllas que le conocimos en E.T. La amistad entre un joven y un alien entonces, hoy entre un joven y un caballo. Profunda y hermosa película, a pesar de algunos errores de montaje que no se entienden cómo se producen en una filmación de tamaña envergadura. La Inglaterra rural de la primera guerra mundial está recreada con rigor por Spielberg, así como el horror de la contienda, cualquiera que fuese. En el medio, un caballo de gran porte y mirada especial que es salvado por un jovencito.

El derrotero del caballo nos mantiene en vilo: primero las tareas rurales, que acepta con una sabiduría asombrosa. Luego el paso de mano en mano entre las tropas inglesas y las alemanas. Spielbeg nos involucra con pasión en esta travesía equina, digna de ser vista y vivida como una catarsis de bienestar espiritual en estos tiempos, tan desnaturalizados a veces.

Que Spielberg es un gran narrador cinematográfico no es novedad ni materia de discusión. La elección del libro consagrado de Michael Morpurgo es otra muestra de su enorme capacidad como realizador. Recordemos que War Horse ha sido un éxito teatral, ganador de varios premios Tony en Broadway, además de tener puestas notables en otras ciudades del mundo.

Estamos frente a un cuento de pe a pa, que nos mantiene en vilo, que nos va estrujando el corazón, que nos da alivio por momentos, y que tiene el final que uno espera. No por ello el film es menos grandioso.

La atmósfera creada por Spielberg es apabullante, atrae al espectador desde el comienzo. “Joey”, el caballo de guerra, ingresa a la galería de los personajes cinematográficos inolvidables, ésos que nos estremecen a pura emoción.

El sostén técnico es para destacar: el despliegue visual a través de planos muy bien determinados, el tratamiento del sonido en las secuencias bélicas, la música del maestro John Williams donde se destacan los solos instrumentales de trompeta y flauta, la dirección de arte impecable, la dirección actoral movilizando masas de 3000 extras, entre otros detalles.

Frente a un film de esta naturaleza, hay que dejarse ganar por el argumento y la emoción que conlleva. Los detalles de montaje que apuntamos bien se pueden dejar de lado para la calificación. Es una película de emoción pura, genuina, que nos demuestra una vez más la importancia de la relación entre humanos y animales, el amor que se establece, la lealtad, la fidelidad, la hermandad que se generan. “Joey” va a sobrevivir a cualquier crítica en nuestros corazones. Para ver en familia, para emocionarse, para lagrimear, y para reconciliarse con los mejores sentimientos de nuestro corazón.

Carlos Pierre

JACK Y JILL

De Dennis Dugan, Katie Holmes, Al Pacino, Rohan Chand, entre otros. Música de Rupert Gregson-Williams. Duración: 95 minutos.

BUENA. INESPERADO AL PACINO QUE ENGRANDECE UNA PEQUEÑA COMEDIA

Adam Sandler pensó, tal vez, en hacer una comedieta muy a su uso, donde la escatología siempre ocupa un lugar importante en vez de los parlamentos sutiles e inteligentes. Se le fue de las manos tamaño objetivo porque la presencia de Al Pacino transformó buena parte del film es una comedia estupenda. Es decir, la comedia pequeña y burda terminó teniendo secuencias de gran nivel actoral y de pura comedia, algo bastante lejano en el intrincado universo cinematográfico de Sandler, más apurado por recaudar que por brindar calidad la mayoría de las veces.

Jack es un publicista de gran nivel que vive en Hollywood. Jill es su hermana gemela que vive en el Bronx, y que encarna Adam Sandler no sin fisuras, desde una mala impostación de la voz hasta un muy convencional travestismo lejano del maravilloso Tootsie de Dustin Hoffman. Jill es invitada siempre para la reunión del Día de Acción de Gracias, más importante en los Estados Unidos que cualquier otra festividad de índole religioso. Y Jack está por concretar un contrato con Al Pacino, que hace de él mismo, como protagonista de un comercial para publicitar los “Dunachinos”, rimando con Pacino.

La impronta de Jill seduce a Al Pacino que está sentado junto a Johnny Depp en un cameo de los dos grandes actores. Hay otros muy conocidos por el público del Norte pero no aquí. De ahí en más, las locuras de Pacino desde detener una función de una obra de Shakespeare para atender el celular porque lo llama Jill hasta luego pedir al público que le indique por dónde iba o bien tener un helicóptero para acercarse a su amor en una estrafalaria aventura hacia un crucero, transforman la comedia burda en una clase de buena comedia, inteligente, con gags auténticos y no escatológicos.

Cuando el film termina, uno se queda con la duda: ¿un film de Adam Sandler o una buena excusa para que Al Pacino se diese el gusto de un “entremés cómico”? Inolvidable el comercial que finalmente graba Pacino para la empresa de Jack. Sin duda, coincidiendo con buena parte de la crítica norteamericana, estamos ante una de las mejores performances de Pacino. El resto queda ahí, para olvidar o no, depende de las ganas de cada uno.

Elsa Bragato

LA INVENCIÓN DE HUGO CABRET, LA DAMA DE NEGRO, PENUMBRA, ESTRENOS JUEVES 9 DE FEBRERO

JUEVES 9 DE FEBRERO DEL 2012.

Hay tres estrenos en fílmico.

LA INVENCIÓN DE HUGO CABRET

De Martín Scorsese. Con Ben Kingsley, Asa Butterfield, Chloe Grace Morets, Jude Law, Christopher Lee, Sacha Baron Cohen, entre otros. Música de John Williams. Duración.

EXCELENTE. EL AUTÓMATA PERDIDO DE GEORGE MELIÉS EN EMOTIVO RETRATO SOCIAL. UNA JOYA CON LA MARCA SCORSESE

Estamos frente a una joya del cine actual filmada por Martin Scorsese con una maestría que, si bien se le reconoció siempre, aquí es superlativa. Sentarse en la butaca e ingresar al mundo del film es como abrir la puerta a la magia misma en medio de un 3D refinado, destinado esta vez a una historia con personajes de carne y hueso y no a la animación. El film de Scorsese, nominado a 11 premios Oscar, es también una maravilla de narración audiovisual que rescata del olvido al cineasta Georges Melies, rindiéndole un tributo pleno de emoción y de conocimientos sobre cómo entretener haciendo un film. “La invención…” es una “master class” de cine.

Analicemos la relación entre el escritor, George Meliés y la historia propuesta. Scorsese tomó el libro “La invención de Hugo Cabret” de Brian Seltznick, un escritor y dibujante de 45 años. Seltznick se sintió siempre atraído por “Edison’Eve” de Gaby Wood, y por George Meliés. En ambos coincidieron la pasión por “los autómatas” (recordemos que George Meliés fue el creador del “cine como atracción”, alejándose del género inventado por los Lumiére, el “cine documental”). Una prueba de esta pasión de Meliés por los autómatas es su corto “Gugusse y el autómata”, de 1897. Meliés tenía además una “colección de autómatas”, donada a un museo y hoy perdida, base del film de Scorsese: el autómata rescatado por Hugo y su papá pertenecía a Meliés.

El padre de Hugo, encarnado por Jude Law en un breve y emotivo papel, es viudo y le enseña a su hijo (Asa Butterfield en una actuación memorable) los secretos de la relojería. Viven en el entorno del gran reloj de la estación, donde atienden su maquinaria todos los días, aceitándola, pintando sus piezas. Un accidente deja a Hugo huérfano y a cargo de su tío. Es el “ladronzuelo” de la estación y está en la mira de un hosco hombre, encarnado por Ben Kingsley, que vende objetos usados. Lejos se está de sospechar que ese hombre tan amargado es el mismísimo Georges Meliés, caído en la bancarrota, como ocurrió en su vida real. Su hija, Isabelle (una maravillosa actriz llamada Cholë Grace Moretz) traba amistad con el inquieto huérfano de 12 años y descubre el “secreto” de Hugo en su ático que es el autómata (clara alusión a los autómatas perdidos de Meliés), al que hay que arreglar. Hugo está seguro de que tiene un mensaje de su papá. Sorpresa será el mensaje y es lo que descubrirá el espectador, relatado por Scorsese en un doble juego por el que une al hosco vendedor con el autómata y al huérfano con la historia del cine.

Con una narración plena también de suspenso, se viven las situaciones cotidianas de Hugo, su pobreza, su necesidad de reinserción, su amistad con una jovencita de otra clase social, y su pasión por el autómata. De este secreto que los niños comparten surgirá la historia de Melies y la magia que le aportó al cine (Melies era mago).

El film es atrapante desde todo punto de vista. Si no se conoce la historia de Melies, el espectador se sentirá atraído igualmente por esta historia que no tiene baches, no tiene cabos sin atar y que nunca pierde tensión, timing.

La recreación de la estación de París es una las maravillas que nos regala Martin Scorsese, con ese reloj gigante cercano a los portones, y la diversidad de vendedores con puestos fijos como la florista o el malhumorado guardián a cargo del histriónico Sasha Baron Cohen y su gestualidad exacerbada, entre otros actores de primerísimo nivel.

El planteo fotográfico es estupendo: las tomas son variadas, el montaje es rápido, todo da sensación de movimiento que atrae, que no decae nunca. Éste es el primer film de Scorsese en 3d, incentivado, según expresó, por la tecnología que recreó James Cameron en Avatar. Pero no es animación sino una historia real. Es también una historia de fantasía realizada con tanto puntillismo en sus detalles que maravilla. Se le añade otro protagonista: la banda sonora del maestro John Williams, que aporta esa empatía tan necesaria con las secuencias como para emocionar al espectador. Es una composición magistral de Williams, con una orquestación donde sobresalen instrumentinos y un trabajo armónico de incuestionable estirpe sinfónica.

Hay hondura en el retrato social, en el tributo a Melies, hay profundidad y verosimilitud en las actuaciones. Todo funciona a la perfección como ese reloj dorado e inmenso de la estación de París. Es un film inolvidable para quienes amen historias emotivas, historia real incluida, pero no lacrimógenas. Es una joya del cine actual. Y solo podía lograrlo un Martín Scorsese de marca mayor. No se la pierda. Se le llenará el alma de genuina alegría y emoción y quedará sin palabras por la maestría en la realización. Hay belleza, tan difícil de hallar.

Elsa Bragato

LA DAMA DE NEGRO

De James Watkins. Con Daniel Radcliffe, Ciarán Hinds, Liz White, entre otros. Música de Marco Beltrami. Duración: 95 minutos. Reino Unido-Canadá. Distribuye Diamond Film.

BUENA. RADCLIFFE, DE HARRY POTTER AL TERROR VICTORIANO

Después de l0 años y 8 películas interpretando al mundialmente famoso Harry Potter, Daniel Rodcliffe abandona su lucha contra el villano Voldemort para sumergirse en este oscuro thriller victoriano, ambientado en un pueblito de Yorkshire.

Aquí debe resolver los asuntos de un cliente fallecido, propietario de una mansión antigua y escalofriante, donde una Dama de Negro se muestra fugazmente no solo en la casa sino en el cementerio. Todos los lugareños parecieran conocer el motivo de esas apariciones: pide una venganza que Arthur, el joven abogado, se verá impelido a dilucidar.

El director James Watkins se basó en el best-seller de Susan Hill, escrita en l982, que tuvo puestas en diferentes escenarios de los Estados Unidos, Japón y Sudamérica. Fue la pieza más representada después de La ratonera, de Agatha Christie.

Ahora con el apoyo de la legendaria productora Hammer en su relanzamiento en 2008, después de un largo impasse, Watkins, reconocido por su film Terror en el lago (Eden Lake), tuvo un más que suficiente aval para encarar este film con la presencia protagónica de Daniel Radcliffe en un papel diferente, con el que alcanza lucimiento merced a cierto toque de solemnidad y un probado carisma.

Al mejor estilo inglés, este thriller reúne todos los tips del género tal como se lo concibe en Inglaterra: el terror es gradual y sostenido, con secuencias no previsibles, urdidas con un clima que ata a las butacas, sin necesidad de corridas vertiginosas.

Técnicamente se logró una atmósfera envolvente, con una sola fuente de luz para iluminar el set y crear la sensación de una visión periférica dentro de la casa abandonada, que es donde se juega la mayor parte del film. Pero también el acertado exterior que la circunda, ese juego de las mareas y las extrañas marismas que dan un extraño paisaje, desolador y ambiguo, entre la luz y la sombra.

Daniel Radcliffe, sin el traje de Potter, sale airoso de esta prueba, con su rostro expresivo y de incipiente madurez de 22 años y mucha experiencia frente a cámaras. Supo elegir un papel diferente, comprometido y bello, aún en el terror donde está sumergido. Para los fanáticos de Harry Potter, hay un motivo cabal para admirar a su héroe en otro rol. Para los amantes del terror, éste es un buen film inglés con todos los aditamentos del género, desde el chirrido de las puertas hasta golpazos de las ventanas para saltar de la butaca.

Carlos Pierre

PENUMBRA

Guión y dirección de Adrián y Ramiro García Bogliano. Con Cristina Brondo, Camila Bordonaba, Arnaldo André, Gustavo Garzón, entre otros. Música de Martín Jurado. Duración 85 minutos. Distribuidora Primer Plano Film Group.

BUENA. TERROR NACIONAL QUE JUEGA CON LOS LÍMITES

Penumbra es el acertado título de este film de suspenso y terror que hilvana una amenaza gradual a la propietaria de un departamento. Se trata de una empresaria española (Cristina Brondo), de paso por Buenos Aires, que lo arrenda para solventar gastos ya que solo lo utiliza en sus esporádicas y breves estadías en Argentina.

En sus vacíos y fantasmales espacios, esta mujer controladora y siempre lista a mandar, quejosa de la situación en la Argentina, recibe un llamado de unos eventuales inquilinos que no serán lo que parecen. Y fase previa al eclipse total, esta penumbra en la que se mueven estos personajes avanzará de un modo inexorable, dúctilmente manejados por los hermanos Adrián y Ramiro García Bogliano. Añadimos que nacieron en España y se afincaron en La Plata, provienen de una familia cinéfila con un especial culto por el cine violento y salvaje, dentro del cine independiente. Saltaron al cine comercial en 2011 con Sudor Frío.

En este film han contado con la actuación protagónica de la actriz española Cristina Brondo, de vasta y exitosa labor europea, quien trabajó con Darío Argento en el film Ti piace Hitchcock?. Compone a una mujer con un sentimiento de superioridad y muy brusca, especialmente hacia los futuros inquilinos, quienes no serán fáciles a medida de que avanza esta penumbra narrativa envolvente. La situación se agrava cuando irrumpe un personaje diabólico encarnado por Arnaldo Andrés, solvente y creíble en todos sus trabajos, tanto televisivos como teatrales y cinematográficos.

En una atmósfera de “in crescendo” fatal, la protagonista atraviesa diferentes estados emocionales, desde su comienzo de mujer fuerte y valiente hasta transformarse en la presa acorralada en manos de estos inquilinos.

Los hermanos García Bogliano tienen un camino ganado en el género del suspenso nacional con seis películas desde 2005, incluyendo a Penumbra entre los films logrados y atractivos para el público amante del género.

Carlos Pierre