PANTALLAZOS (CRÍTICAS DE BRAGATO Y PIERRE)

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jueves, 18 de mayo de 2017

"NADIE NOS MIRA", "ALIEN COVENANT", "EL GRAN GOLPE", ESTRENOS DE CINE JUEVES 18 DE MAYO DEL 2017



JUEVES 18 DE MAYO DEL 2017.-
Ocho estrenos se anuncian para este jueves. Entre ellos, “Perfectos desconocidos”, film del italiano Paolo Genovese sobre una reunión de amigos que plantea un juego con sus respectivos celulares. Pertenece al nuevo cine italiano donde se hace más hincapié en la temática, endeble o no, que en el desarrollo de los personajes , con parloteo intenso y cierto tufillo claustrofóbico.
También se estrena “La hija”, del cineasta tucumano Luis Sampieri, otra muestra positiva del nuevo cine de Tucumán (ya existen polos cinematográficos en Córdoba y Rosario muy importantes, sin olvidarnos de San Luis). A partir de un hecho real que lo conmovió en su infancia, retrata la decadencia moral de las clases altas de la provincia.
“Escuela trashumante” es un documental muy interesante de Alejandro Vagnenkos, que observa minuciosamente un proyecto educativo en especial. Se estrena en el Gaumont y en el sitio Cine.ar.
Finalmente está “Parir”, de Florencia Mujica, que llega al cine Gaumont en la llamada Semana Mundial del Parto Respetado retratando con crudeza la Violencia Obstétrica. Aleccionador.
ALIEN:COVENANT
De Ridley Scott. Con Guy Pearce (no aparece en los créditos), Michael Fassbender en doble personaje, Katherine Waterston, Billy Crudup, Danny McBride, Demián Bichir, Crmen Ejogo. Fotografía de Dariusz Wolski. Música de jed Kurzel. Diseño de producción de Chris Seagers. Duración: 122 minutos. Apta para mayores de 16 años.
XXXXX- DEJÁ VÚ DE TERROR ESPACIAL
Ridley Scott es el maestro del cine que en 1979 asombró con “Alien el octavo pasajero”. La ciencia ficción logró su apogeo y fue un film icónico que echó las bases para el cine de terror espacial. Covenant es precuela de “Prometeo”, así como secuela de “Alien…” y su saga. No obstante, no hay convicción en este relato cinematográfico donde Michael Fassbender cumple un doble rol, el hombre máquina frente a sí mismo, y un Guy Pearce que genera este tipo de androides, u hombres robots. “David” es el personaje de Fassbender que cumplirá una misión en el Covenant, donde miles de astronautas están en hibernación esperando llegar al planeta Origae-6. Corre el año 2104…
Una serie de desperfectos los obliga a elegir un planeta más cercano. Y aquí comienzan algunas curiosidades que llaman la atención. Descuidos o bien algo no bien contado. Además de un fantástico “dejá vu” con mucha computación colaborando en paisajes bellos y a la vez insólitos: los astronautas, entre los que hay muchas parejas incluso homosexuales y lésbicas, bajan sin ningún tipo de máscara que les asegure oxígeno. E ingresan a un trigal generoso que está muy cerca de un lago en medio de montañas, un paisaje barilochense o paisaje familiar. Simplemente no hay forma de explicar cómo semejante tierra poblada de trigo puede nacer al lado de aguas heladas. Raro.
Guy Pearce desaparece de la narración y Michael Fassbender cumple con un rol de hombre máquina o androide o robot a la perfección. Nada de lo que veremos nos provocará más sustos que cualquier otra película de ciencia ficción. Incluso el elenco que secunda a “David” se diluye en escenas que funcionan como relleno, lejos del concepto de actividades espaciales.
En ese extraño planeta se verá cómo “David” ha estado creando embriones o xenomorfos que, aún pequeños, van matando uno a uno a los tripulantes. La ración de sangre está!
El contrato tácito entre el director y el espectador se cumple: está la ración “gore”, están los monstruos, está la infección por algo desconocido, aparecen los monstruos (los mismos de siempre, calaveras negras con dientes al estilo de las “barbas” de las ballenas) pero falta la convicción, la pasión por el relato. Es un “alien de taquito”. Volviendo siempre al genial Shakespeare, la venganza es el motor de esta narración: “Peter” (Guy Pearce) obliga a su recientemente creado “David” a prepararle té, y éste enfurece, si bien lo hace.
Si algo se rescata, es el motor de la venganza: o, como se ha dicho, la estupidez humana, la soberbia, termina generando monstruos. Así “David” desata su furia y sin mucho más que un desperfecto de la nave, surgirán monstruos rompiendo espaldas, vientres, ojos, gargantas, muchos creados por este androide. Clishés, dejá vú, un film que entretiene a los amantes del género de terror espacial, muy lejos de lo que se puede esperar de un realizador como Ridley Scott.
Elsa Bragato
NADIE NOS MIRA
De Julia Salomonoff. Guion de Julia Solomonoff y Christina Lazaridi. Con Guillermo Pfening, Elena Roger, Rafael Ferro, Marco Antonio Caponi, Mirella Pascual, entre otros. Música: Sacha Amback. Duración: 102 minutos. Argentina-Colombia-Brasil-USA. Hablada en español e inglés.
XXXXX-PFENING, ENORME TALLA ACTORAL
“Nadie nos mira” es el tercer largometraje de Julia Solomonoff continuado el éxito de sus films “Hermanas”y “El último verano de la Boyita”. Instalada en Estados Unidos, con el gran apoyo de productoras y variados equipos técnicos, Argentina, Brasil, Colombia, Estados Unidos, España, Francia, El Líbano y República Dominicana, se destaca por su elegancia narrativa y la firmeza de su cámara. La fotografía cumple un rol importante en el nuevo film y, como detalle, está el emblemático Central Park con la variedad de colores que le imprimen el otoño, el invierno, la primavera y el verano. “Nico” es el protagonista (Guillermo Pfening), actor que decide radicarse en New York. Incansable inmigrante, con ingenio para sobrevivir, hace changas, es babysitter, mejora su inglés y se esfuerza por ingresar al difícil mundo del cine norteamericana. La ruptura amorosa con su productor en Argentina, “Martín” (Rafael Ferro), lo lleva a emigrar sin pensar en que nada es fácil y menos en la ciudad más populosa del mundo donde todos pelean por un lugar y hacen de la indiferencia un “modus vivendi”.
El título del film explica todo: nadie repara, nadie mira, menos a un latino que no lo parece porque es rubio, que habla mal inglés y no tiene papeles en regla. Es aquí donde Guillermo Pfening desgrana toda la complejidad emotiva del personaje, la tristeza, la desolación, la desesperanza, el reponerse, el volver a empezar, el esperanzarse, el luchar cada segundo para sobrevivir y cumplir con su sueño.
Julia Solomonoff conoce a la perfección los pro y los contra de New York y retrató la situación de un inmigrante actual, con características que la hipocresía social de todas las sociedades magnifican: se aceptan leyes para las parejas diferentes pero de allí a integrarlos es algo diferente. Guillermo Pfening encarna a “Nico” en una actuación sin fisuras, sólida, contundente, generosa en la gama de sentimientos que expresa. En la segunda parte el film decae un poco pero en nada mella su calidad, la fluidez narrativa y el soporte actoral del protagonista. Aspectos como la música de Sacha Amback y algunos finales falsos que el guion plantea diluyen el creciente interés generado. Por momentos, se tiene la sensación de que eil fillm debió terminar unos minutos antes.
No obstante, es una gran película nacional, coproducción como detallamos en la sintética ficha técnica del comienzo, en la que dos nombres resaltan: el del actor Pfening y el de la directora Solomonoff. Para ver sin discutir!
Carlos Pierre
SI NO DESPIERTO
De Ry Russo-Young. Con Zoey Deutch, Halston Sage, entre otros. Música: Adam Taylor. Duración:  92 minutos.        
XXXxx- EL DESTINO EN LOS SUEÑOS
“Si no despierto” (“Before l fall”) es la adaptación de la popular novela de la escritora Lauren Oliver, orientada a los adolescentes, sobre el destino y la benevolencia, siendo un best-seller internacional. Es, a la vez, un relato pleno de sincera fantasía que atrapó a un target determinado de lectoras y ahora de cinéfilos.
Samantha Kingston (Zoey Deutch) es una joven estudiante, linda, con un novio perfecto, amiga de sus amigas, una chica que lo tiene todo. Un viernes 13 de febrero, preludio de la fiesta de San Valentín, despierta de un sueño en la que la tragedia la rodeó tanto a ella como a sus compañeras. Perturbada, extrañada, se imagina qué podría sucederle si solo le quedara un día de vida. El sueño se repite siete veces, siempre con algo diferente pero el mismo sentido. El día de los enamorados es, para Samantha, algo que debe eludir. A nivel cinematográfico, el clima generado por Ry Russo-Young es muy elogiable porque, aún en la reiteración, encuentra matices que agilizan el relato, atrapando siempre. Cuatro jóvenes, bien estereotipados pero disfrutables.
El climax surge cuando un profesor trae el tema de Sísifo pero las chicas están tan alborotadas por el día de San Valentín que lo ignoran. Sin embargo, está encadenado a los sueños recurrentes de Samantha quien intenta cambiar en ellos el destino que podría esperarles. Como Sísifo hizo con Tánatos, la muerte, al atarla e impedir que mucha gente muriera. ¿Es acaso posible cambiar el destino? He aquí el quid de esta historia que, sin tener superproducción, alcanza profundidad en su mensaje a través de cierta complejidad argumental. Para los adolescentes, esta película será más que agradable por su significado. Es aleccionadora, plena de fantasía, y muestra la generosidad de alguien en favor de del prójimo.
Carlos Pierre
EL GRAN GOLPE
De Steven C. Miller. Con Bruce Willis, Christopher Meloni, Dave Bautista, Arián Grenier, Alyshia Ochse, Lydia Hull, Tyler Jon Olson, entre otros. Música de Ryan Dodson. Duración: 107 minutos.
XXXXX- REVOLTIJIO NARRATIVO
El gran atractivo de este “El gran Golpe”, del canadiense Steven C. Miller, está en Bruce Willis, quien mantiene su magnetismo aún en un rol que se disfruta poco pero que está siempre presente. Un grupo de ladrones asaltan bancos, matan sin piedad, y destinan el dinero a la caridad, como se dice que hacía Robin Hood. No obstante, esta caridad no se entiende muy bien, dado que la narración va y viene entre los personajes del FBI, la policía local (Cin cinnati y Ohio en Estados Unidos) y el Sr. Hubert encarnado por Bruce Willis.
La situación policial se mezcla de manera perturbadora con los dramas personales de dos de los personajes: una venganza en ciernes y una enfermedad terminal acicatean al aparente “capo” del grupo de malvivientes y al jefe del FBI, encarnado por Christopher Meloni, al que conocimos en la seria “La ley y el orden”, respectivamente. La inclusión de un novato, “Wells” (Adrián Grenier) torna más difícil la comprensión porque el guión plantea diversos “culpables” yendo de un personaje a otro de manera casi constante.
Entretenida es. No hay duda. Pero también es perturbadora porque confunde. En esta confusión, se sacan conclusiones y se torna más que previsible. No se sabe bien nunca quién es quién, arrastrándose otra venganza desde los tiempos de la guerra del Golfo. Un personaje es clave: está muerto, pero pudo salvarse.
Ante estas propuestas narrativas, la adrenalina cesa y solo se recupera cuando surgen las balaceras, ahí se salta de la butaca. Pero nada más. Poco presupuesto, buenas intenciones, y un gran revoltijo narrativo, terminan por producir un producto flaco en calidad pero que entretiene.
Elsa Bragato



jueves, 11 de mayo de 2017

"EL HIJO DE JEAN", "RAÍDOS", "EL VALLE DEL AMOR", ESTRENOS DEL JUEVES 11 DE MAYO DEL 2017

JUEVES 11 DE MAYO DEL 2017.-
Entre 10 y 11 películas se estrenan este jueves. Debido al éxito de algunos supertanques, la cifra de nuevos films es incierta. Muchas producciones van a los circuitos “off”, o sea no comerciales. Entre tantos estrenos, rescatamos dos producciones nacionales:
1.-XXXXX - “El candidato”, guión y dirección de Daniel Hendler, con importantes figuras como Ana Katz y Verónica Llinás, entre otros. Es un elenco coral que ronda alrededor de un empresario que quiere “couching” para convertirse en político. Bien narrada, ágil, con humor ácido.
2.- “Mariel espera”, de Maximiliano Pelosi, con el protagónico de Juana Viaje, junto a Daniel Gentile, aquel marido desesperado del último relato de “Relatos Salvajes”. No tuvo privadas. No tenemos calificación.
3.- XXXXX- “Huye”, de Jordan Peele. Primer largometraje de un conocido actor que triunfó en el Sundance Festival. Si bien es el film de terror semanal, es más que eso: apunta a los conflictos raciales, está narrada con agudeza, aunque tenga todos los condimentos del género.
4.- XXXXX-“Viva”, de Paddy Breatnach. Coproducción Cuba-Estados Unidos. Cuenta la vida de Jesús, de 18 años, que logra reencontrarse con su padre, quien sale de la cárcel. Emotiva, aunque recurra a elementos narrativos muy conocidos.
5.-XXXXX -“Graduación”, de Cristian Mungiu. Nuevo cine rumano. Ganador de la Palma de Oro 2015 de Cannes, además de otros premios, Mungiu narra la vida de un matrimonio y una hija que debe cursar una carrera en Londres. La joven es asaltada sexualmente y el padre inicia una dolorosa carrera de obstáculos de todo tipo. Exageración de sucesos dramáticos que llegan a exasperar. Narración perfecta con guion es exagerado.
También se anuncian el documental “Los relocalizados” y la ficción “La lasaña del mono”.
EL VALLE DEL AMOR
Guión y dirección Guillaume Nicloux. Con Gerard Depardieu, Isabelle Huppert, Dan Warner, Dionne Houle, Aurélia Thiérrée, entre otros. Música Charles Ives. Duración 91 minutos.
XXXXX- SONATA DE DEPARDIEU-HUPPERT
El realizador Guillaume Nicloux filmó en el Valle de la Muerte, ubicado en California, su propio guion. Es una suerte de sonata de dos íconos del cine francés, Gerard Depardieu e Isabelle Huppert, que desarrollan algo así como sesiones psicoanalíticas de la ex pareja que formaran. Reunidos por la muerte de su hijo, joven gay incomprendido por ellos, cumplen con el pedido que les hiciera mediante dos cartas póstumas: van a ese valle lejano entre carreteras e imponentes cañones bajo un calor agobiante. Les ha prometido que allí “lo volverán a ver”.
No es de extrañar esta metafísica a la francesa o este extremo existencialismo cargado de intelectualidad en el cine galo, caracterizado por diálogos sesudos y, a la vez, agobiantes. Los dos padres se enfrentan a una cruzada que tiene siete pasos y que, en definitiva, solo busca que termine la historia de desencuentros de sus progenitores. Como curiosidad, los dos protagonistas conservan sus nombres, son Isabelle y Gerard, ella con los pies más en la tierra y él con la indecisión de estar o no estar en esta vida.
Sacando provecho de la geografía del valle, el fotógrafo Christophe Offenstein se zambulle en el paisaje monumental. Utiliza, entre otras, extensas tomas secuencias cuando llega Isabelle al motel y recurre a la misma toma durante la caminata nocturna de Gerard alrededor del albergue.
Nicloux logró concretar la incontrolable tentación de reunir a estos inmensos actores en un paraje desértico, en los que apoya la historia mientras utiliza solo un pequeño elenco secundario. La idea es atrapante, pero esta insólita historia con tanto de racionalismo, por un lado, y con misticismo exótico, por el otro, no bastó para coronarse en un film recordable. La alternancia de la tragedia y de la comedia permite superar ciertos bajones de guion y la densidad del clima que la búsqueda despierta en el espectador.
La música del compositor estadounidense Charles Ives constituye un elemento acertado, incidental y apropiado. Tiene el tono devastador y punzante que se advierte en las almas de los protagonistas, que danzan al compás de una sonata humana , por momentos creíble y, en general, improbable. Por supuesto, hay convicción profunda en Isabelle Huppert y Gerard Depardieu que trabajan como si ese Valle de la Muerte y esa circunstancia les fuese propia. Tan verosímiles son. Extraña, diferente, con exceso de sabor francés, la película tiene una plusvalía que merece tenerse en cuenta.
Carlos Pierre
RAÍDOS
Guión y dirección de Diego Marcone. Documental sobre la vida de los “tareferos”. Fotografía de Lucas Timmerman y Diego Marcone. Música de Dante Frágola y Pablo Breardi. Duración: 78 minutos.
XXXXX- DESCARNADO RELATO SOBRE LOS MENSÚES
Ver cómo viven, cómo trabajan, los obreros dedicados a la cosecha de la yerba, resulta aleccionador y desgarrador al mismo tiempo, como indignante. A través del guion y el film de Diego Marcone, ingresamos en la vida de Darío, Sergio y Mauro, hijos de familias de tareferos, dado que se llama “tarefa” la cosecha de la yerba mate, producto del que Argentina produce el 60 por ciento mundial. El 90 por ciento está concentrado en la provincia de Misiones. Las historias se desarrollan en la ciudad de Montecarlo, donde transcurren los días y las noches de los tres trabajadores, ubicada a 180 km de la ciudad de Posadas, capital provincial.
Estos jóvenes tienen la mirada perdida, sus padres tienen la tristeza clavada en el rostro: no hay otro futuro que ir al yerbal en la época de la cosecha, y pelar a mano las ramas hasta lograr los kilos que se les exigen, 100, 500, diarios, con una paga mínima, a veces de 100 pesos, y sin ninguna contención social. Esto significa que, en época de trabajo, muchas veces van de noche, no tienen baños, no tienen dónde dormir, salvo la intemperie, y no tienen sustento alguno más que el que lleven de casa, la harina aplastada contra un hilo de aceite en la cacerola. Muy pocos son los que pueden terminar los estudios primarios mientras que el secundario solo queda para los más chicos de la familia porque sus hermanos mayores son los que resignaron esa posibilidad dedicándose a la “tarefa”.                         
Estas cosechas son matadoras. Necesitan venenos especiales que los trabajadores deben pasar sin tener barbijos ni elementos especiales para cuidar sus ojos y sus vías respiratorias. La yerba mate les come la vida, y solo les queda la bebida como evasión. Hay una suerte de cumbia que canta uno de los protagonistas que resume la infelicidad y la falta de futuro de estos argentinos olvidados por todos los gobernantes: tristemente y ebrio, canta que nació sin saber que la falta de esperanza iba a ser su derrotero. Sin padre, con hermanos menores, tuvo que olvidarse de vivir su propia vida.
Filmada de madrugada, cuando los “mensúes” suben a un destartalado camión que los lleva a los yerbales, Diego Marcone pone sobre el tapete la vida misma, sin subterfugios. Los tres protagonistas cuentan por qué dejaron la escuela primaria, las necesidades que tienen de mantener a la familia, mientras las madres cocinan lo que pueden, siempre la misma pasta de harina de mañana a la noche, y el mate, infaltable. Invierno y verano, sin la menor asistencia humanitaria de los empresarios, los jóvenes dejan sus mejores años para subsistir en la máxima pobreza. No deje de verlo.
Elsa Bragato   
EL HIJO DE JEAN
Guion y dirección Philippe Lioret, con Pierre Deladonchamps, Gabriel Arcand, Catherine de Léan, Marie-Thérese Fortin, entre otros. Música de Flemming Nordkrog. Duración: 98 minutos.
XXXXX- RELACIONES PATERNOFILIALES EN INTENSO THRILLER
Phillipe Lioret se las ingenia para que, desde el comienzo de la narración hasta casi el desenlace, la película “El hijo de Jean” maneje un suspenso extraño en medio de una historia que no aparenta tener misterios. El protagonista es Mathieu (Pierre Deladonchamps)   quien está en la búsqueda de su origen, quién fue su padre. Tiene 33 años, está separado y con un pequeño a su cargo. Una mañana recibe, en su departamento de París, la llamada desde Canadá de alguien que dice haber sido amigo de su padre y que éste ha muerto ahogado en un lago, dejándole la herencia de un cuadro que pronto recibirá. Sin más, viaja al lejano país americano, y se encuentra con “Pierre” (Gabriel Arcand), su anfitrión en tierras tan extrañas. Aparecen sus “hermanos”, e inicia una búsqueda infructuosa del cuerpo de su padre por el lago. El tono narrativo es dramático y, al mismo tiempo, familiar.
Pierre Deladonchamps y el maduro Gabriel Arcand son los ejes de esta historia que mezcla el thriller con el costumbrismo, protagonistas magnéticos de sólidas interpretaciones que fascinan por sus trabajos que están por sobre las circunstancias familiares y trágicas que los rodean. Dotan a sus personajes de hondura psicológica y humana. La tristeza, los afectos, la necesidad de saber quién es el padre, el reconocimiento de sí mismo como alguien con “origen”, acicatean a manera de thriller.
Cincelando hábilmente el bello paisaje de Montreal, sus bosques y lagos tan parecidos a los nuestros, Philippe Lloret logra una puesta muy atractiva tanto por la historia en sí como por la fotografía. Esta confluencia genera una narración diferente, novedosa, que obliga al espectador a embarcarse en el camino del protagonista, a mitad de un doble drama familiar (su origen, su padre fallecido), en un medio desconocido. El final no se revela nunca, menos en este caso. Pero sí hay una jugada de naipes en una partida audaz y conmovedora al mismo tiempo que sorprenderá.
Carlos Pierre
“EL REY ARTURO, LA LEYENDA DE LA ESPADA”
De Guy Ritchie. Con Charlie Hunnam, Jude Law, Eric Bana, Hermione Corfield, Astrid Bergés.Frisbey, Geoff Bell, Aidan Gillen, entre otros. Fotografía de John Mathieson. Música d Daniel Pemberton. Duración: 126 minutos.
XXXXX – DECEPCIONANTE Y ABSURDA VERSIÓN
Guy Ritchie es un notable realizador apreciado por su sensibilidad creativa. En este caso, se engolosinó con los efectos especiales y dejó rienda suelta a una imaginación que le ha jugado malas pasadas. La leyenda del Rey Arturo y aquella famosa espada Excalibur se centró en un personaje, o en varias personas, de la historia inglesa, que surgió cuando los romanos abandonaron la isla británica. Pero dejaron “Londinium”, la base de la fantástica Londres, donde nació un joven, llamado Arturo, en un burdel, sin conocer a su padre. Por diversos motivos, y ayudado por los magos, que tanta influencia tuvieron en la vida cotidiana medieval (hablamos del siglo XI), logró sacar de una piedra donde estaba incrustada una espada famosa, con poderes especiales.
En la película de marras, su tío Vortigem, encarnado por Jude Law, le ha robado el trono, sabiendo que ese joven vagabundo es su sobrino. Vortigem no tiene piedad: las oscuras aguas donde habita un monstruo de tentáculos gigantescos con tres cabezas es su lugar de oración. Este monstruo le exige la sangre de seres queridos para darle poder. Aquí surge una violencia que, aún mítica o legendaria, hoy en día no es correcta socialmente: las entregas de Vortigem son su esposa y una de sus tres bellas hijas, a las que abraza y clava un puñal para luego arrojar sus cuerpos a las feas aguas.
La historia va escapándose de la leyenda (en el 2004 Clive Owen protagonizó una bella “Rey Arturo”) y cae en un mix donde aparece algún personaje sustraído a George Lukas (la transformación de Uther, padre de Arturo), las tropas oscuras de “El señor de los Anillos”, y Arturo, entre otras secuencias, en un determinado momento, lanza un grito de poderío similar a un humanoide hollywoodense.
Castillos y puentes se derrumban, los hombres se reúnen para armar fuerzas y combatir al malvado usurpador de la corona. Las extensas charlas de los guerreros sobrevivientes conducen a un aburrimiento fatal. Si bien se preparan para otro estruendoso encuentro al estilo de “300” con slowmotion, y efectos “gore” propios de las luchas cuerpo a cuerpo, transforman el film de acción en una desvaída “charla de café” sin ton ni son. Diçalogos absurdos que representan más la forma de vida actual que la medieval.
El enfrentamiento entre padre e hijo es uno de los momentos cumbres, Uther ha ido cambiando, ahora su rostro es una máscara espacial y su cuerpo escupe fuego por doquier. Asi y todo, Arturo no le teme porque tiene a Excalibur, espada que será arrojada a un estanque de donde surgirá “La dama del lago”.
Gran decepción es esta película donde tiene más relevancia la superficción generada por efectos especiales que la leyenda del rey Arturo, de la que se ha hecho algo más que una versión libre: solo se tomaron los nombres propios y algún hecho legendario para rodearla de sucesos que posibiliten la computación. Los efectos especiales destruyeron la leyenda del Rey Arturo y la famosa espada.
Elsa Bragato