PANTALLAZOS (CRÍTICAS DE BRAGATO Y PIERRE)

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jueves, 23 de marzo de 2017

"LA BELLA Y LA BESTIA", "LIFE VIDA INTELIGENTE", "ENTRE NOSOTRAS", ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 23 DE MARZO DEL 2017



JUEVES 23 DE MARZO DEL 2017.-
Varios estrenos que incluyen films que solo se vieron hasta ahora en el último festival de cine de Pinamar. Entre ellos, la película dirigida por Fernán Mirás “El peso de la ley”. Además se estrenan “La academia de las musas” del catalán José Luis Guerín, que nos cuenta la vida de un profesor, casado con una mujer mayor, quien “inventa“ una “academia de las musas”  con varios objetivos, incluso personales. Uno de ellos es que, en el mundo, reine la poesía. “Mate-me por favor” de Anita Rocha Da Silveira, film brasileño, muestra el despertar sexual de los adolescentes en Barra de Tijuca donde hay una ola de femicidios. Ingresa en el subgénero del “slasher”. También se puede ver “Cuba Santa”, el documental de Alejandra Guzzo, quien entrevista a científicos y personas comunes de Cuba para adentrarse en la religión “Yoruba” y el por qué de la fe en esa religión.
LA BELLA Y LA BESTIA
De Bill Condon. Con Emma Watson, Dan Stevens, Luke Evans, Emma Thompson, Ewan McGregor, Ian McKellen, Kevin Kline, Josd Gad, Audra McDonald, Stanley Tucci, entre otros.Música: Alan Menken. Duración: 123 minutos
XXXXX –CUENTO QUE ENAMORA Y GRATIFICA
El realizador Bill Condon (Crepúsculo, partes 1 y 2) adaptó para actores de carne y hueso, o sea para imágenes reales, la memorable animación “La bella y la bestia” de 1991 de Walt Disney Pictures. Hay dos antecedentes premiados y exitosos: “La Cenicienta” y “El libro de la selva”, un derroche de ternura y tecnología. En los tres casos, hubo aciertos. En el caso que nos ocupa, se trata de una adaptación del cuento de hadas de Jeanne Marie Leprince de Beaumont, del siglo XVIII.
Clásico, aunque con “modernidades” tecnológicas, “La bella y la bestia” derrama una recreación visual fascinante. Hay que añadir, que a los puristas de la animación estas versiones con elencos reales no les gusta mucho. No es nuestro caso. A través de estupendos escenarios, de actuaciones y canciones muy bellas del compositor Alan Menken, asistimos a una historia de amor inusual: la Bella es Emma Watson (aquella pequeña gran actriz de “Harry Potter”) quien va al castillo a salvar a su padre encontrándose con el príncipe Adam, presa de un malvado hechizo que lo convirtió en Bestia (Dan Stevens. Ágata, la Hechicera (Hattie Morahan), transformó todo el palacio en sillas, vajilla, vivientes.
Emma Watson demuestra que está a la altura del rol y que tiene notables aptitudes histriónicas como que canta sin doblaje las canciones, con voz pequeña y afinada. Mérito superlativo de la actriz de 26 años. La acompaña un elenco, una verdadera pléyade de celebridades, conformado por Emma Thompson, Ewan McGregor, Kevin Kline, Stanley Tucci, Luke Evans, entre otros, soportes valiosos de este cuento de hadas que invita a soñar.
Una remake siempre despierta alguna que otra crítica mezquina. Pero, todo es según desde el ángulo en el que se mire: apostamos a una abierta aceptación de los cambios que el tiempo y la tecnología traen. El resultado logrado es, a todas vistas, fresco y vigorizante, con un enorme esfuerzo de producción como nos tienen acostumbrados los Estudios Walt Disney.
Estamos frente a una historia de amor que tiene tres siglos, y que el cine logra poblarla de fantásticas escenas, frescas y vigorosas, incluyendo a la malvada hechicera que interrumpe la idílica narración, un pretendiente inescrupuloso de Bella mientras una Bestia se muestra déspota hasta que el amor roza su corazón. Luces y sombras en un cuadro narrativo de magia y ensoñación. El gélido castillo, el cálido poblado rural, los queribles tetera, candelabro, reloj, plumero y armario, que comparten con Bella su vida en el ala este del castillo, cuando aún la Bestia no cayó rendido por Cupido y rumia en el ala oeste la desazón por el hechizo, recluido y solitario.
El paso de la animación a la comedia musical, con un elenco de verdaderos actores y actrices, no hizo mella en la historia sino todo lo contrario. Para quien ame pasar un momento diferente, se deje llevar por las melodías que cuentan con una orquesta admirable, “La Bella y la Bestia” es un cuento de amor que fascina, hipnotiza con sus valses y deja el alma contenta.
Carlos Pierre
LIFE-VIDA INTELIGENTE
De Daniel Espinosa. Con Jake Gyllenhaal, Rebecca Ferguson, Ryan Reynolds, Hiroyuki Sanada, Olga Dihovichnaya, entre otros. Música de John Ekstrand. Fotografía de Seamus McGarvey.
XXXXX – PELIGRO EN EL COSMOS  
De acuerdo al suspenso que la película ‘Life-Vida inteligente’ de Daniel Espinosa crea y al “tempo” de sus secuencias habría que calificarla con una estrellita más. Nadie se despega de la butaca. Hace bajar el puntaje el tema, que es conocido, resultando en cambio muy interesante el tratamiento que le da el realizador a la historia. Allí está el quid de este film que, aún con aliens que conocemos a través del cine y la tecnología, logra mantenernos sin aliento la larga hora y media del film.
Seis tripulantes de la Estación Espacial internacional deben recuperar material extraído en el planeta Marte que se perdió en el Cosmos y que está girando alrededor de la Tierra como ellos. Al recuperarlo y analizarlo, descubren algo asi como una ameba aparentemente muerta. Al rodearla de las condiciones iniciales atmosféricas de la Tierra, revive y empieza a crecer.
Realmente es fascinante la filmación más allá de la remanida idea central del guión. El monstruo crece y necesita alimento. El suspenso se hace intenso, los sustos también, así como las consecuencias de reanimar en un laboratorio espacial un ser de otro planeta cuyo sistema vital es desconocido. Nada es diferente, salvo la forma de contarla que encara el director Espinosa, sin histeria y con secuencias bastante lentas, en las que los tripulantes tratan de analizar qué harán para salvarse y, en todo caso, llegar a la Tierra sin el alien adosado a la estación espacial o dentro de ella.
Sin ahondar, surgen otros temas tales como cuánto puede soportar el cuerpo humano la vida en el Cosmos, en una estación espacial confortable. O cuánto deterioro se produce por la absorción de radiación pasado cierto tiempo, o bien si con ese deterioro palpable es mejor permanecer en el Cosmos hasta morir o regresar a la Tierra con escasas posibilidades de vida.
Es puro entretenimiento muy logrado. Hay oficio y sinceridad en el relato. Sin innovación en los clishés del género. Tiene un muy buen elenco, encabezado por Ryan Reynolds y Jake Gyllenhaal y una banda sonora estentórea, acuciante, de fuerte impacto en la audiencia. Todo calculado, incluso escenas muy fuertes de muerte a manos del “alien”, llamado “Calvin”, que pueden impresionar  y disgustar. Para los fans del género.
Elsa Bragato
DOS PELÍCULAS SOBRE LA ELECCIÓN SEXUAL FEMENINA
Curiosamente, se ofrecen dos films donde se aborda la temática lésbica desde un lugar diferente: la vida de mujeres con hijos, con un pasado, la elección sexual luego de una desilusión, la subordinación de una de ellas a la otra, las tentaciones de la vida cotidiana que hace tambalear la elección realizada.
ENTRE NOSOTRAS
De María Tognazzi. Con Margherita Buy, Sabrina Ferilli, Fastuo Sciarappa, Domenico Diele, entre otros. Música de Gabriele Roberto. Duración: 102 minutos.
XXXXX – EL SOMETIMIENTO
María S. Tognazzi es la cuarta hija de quien fuera afamado actor italiano, generador de grandes éxitos. En este film vuelve a convocar a la excelente Margherita Guy como hizo en la anterior película, “Viajo sola”. La historia nos cuenta la vida de dos mujeres de alrededor de 50 años, la arquitecta “Federica” (Buy) y la ex actriz “Marina” (Sabrina Ferilli). Esta última es dominante y siempre supo que era lesbiana mientras que “Federica” tuvo marido e hijo, y “Marina” es su primera pareja lésbica.
La directora Tognazzi no se regodea en ninguna escena sexual sino que muestra la vida cotidiana de dos profesionales, una va a su estudio, la otra analiza la posibilidad de volver al cine. Para “Federica” es una vida que nunca se imaginó y la tentación masculina llega de manos de “Marco” (Sciarappa), un conocido de los tiempos de estudio. “Marina” no está dispuesta a aceptar la infidelidad de “Federica”, y lucha con todas sus fuerzas para salvar la pareja. “Federica” es sumisa, inteligente y está confundida.
La historia plantea, entonces, aspectos interesantes de la convivencia: quién ejerce el dominio sobre el otro, si estos roles son interactivos o bien será una de las dos la que maneja la situación, la culpa, la confusión, el pasado que vuelve, la posibilidad de rehacer la vida como antes, o aceptar un presente diferente en el que el sometimiento tiene mucho que ver.
Margherita Buy compone su rol con excesiva sumisión, por momentos no creíble, mientras que Sabrina Ferilli se adueña del personaje “Marina” haciéndolo creíble. Contraste entre pasado y presente para ambas mujeres, el final es el menos adecuado y donde el esfuerzo narrativo decae completamente.
Elsa Bragato
DOS NOCHES HASTA MAÑANA
De Mikko Kuparinen. Con María Josée Croze, Mikko Nousiainen, Arly Jover. Duración: 90 minutos.
XXXXX – LA INFIDELIDAD
Mikko Kuparinen, director finlandés, coincidentemente con María Tognazzi, toma el caso de una arquitecta que viaja por trabajo a la capital de Lituania, donde tiene un encuentro sexual casual con un DJ finlandés que va y viene de Dubai. Skype la mantiene en contacto con su pareja, que está en París. Por diversas circunstancias, este encuentro sexual deriva en muchos más y de una noche, la protagonista “Caroline” (María Josée Croze) permanece un día más esperando ver al día siguiente a su pareja.
La tecnología aparece como el tercero en discordia: el celular de “Caroline” es escrutado por “Jaakko” (Mikko Nousiainen) encontrando fotografías de muchos otros hombres durmiendo, presuntamente “escapadas” de “Caroline”, incluyendo su propia foto. Y el Skype es el medio de comunicación entre “Caroline” y su pareja parisina. Causalidades, circunstancias, un hotel repleto de turistas sin más habitaciones, Jaakko presente siempre, conspiran para que el regreso de “Caroline” a París se concrete.
El planteo narrativo se centra, justamente, en “Caroline”, en su gestualidad, donde la actriz Croze muestra, una vez más, su enorme capacidad interpretativa. Sin mayores exteriores, un hotel en Lituania y un cuarto sirven para explicarnos que “Caroline” quiere y no quiere la relación que tiene.
En este sentido, las dos películas que esta semana tratan el tema lésbico indican que hay una de las dos mujeres no convencidas totalmente de su elección, o al menos que dudan o no se sienten satisfechas, buscando opciones que no siempre salen bien. El planteo de la fidelidad es muy claro. Y la oportunidad de rehacer la vida también tanto como enfrentar la soledad, la culpa y la aceptación del propio error.
Elsa Bragato
CHIPS, PATRULLA MOTORIZADA RECARGADA
XXXXX – VERGONZOSA ADAPTACIÓN
Las series norteamericanas solían inundar las pantallas de los canales de aire en los 60, 70 y 80. Luego la ficción nacional les ganó el espacio y hoy las tiras turcas. Entre esas series, estuvo "Chips, patrulla motorizada”, encarnada por la dupla actoral que conformaron Larry Wilcox y Erik Estrada. Una primera película del 98 rescató la serie del olvido, dado que su última temporada fue en 1983, “Chips 99” (Chips es una sigla “arreglada” de California Highway Patrols). Dax Shepard, quien dirige y compone a “Baber”, el longilíneo californiano desaforado que intenta recuperar a su esposa, tomó la base de los dos agentes motorizados y destruyó el resto, la idea original, los diálogos, todo. Ubicó a su compañero “Poncharello” (Michael Peña) en Miami, cinco horas de diferencia, con una misión del FBI para encontrar a los corruptos policiás que están en California.
El mal gusto, la escatología, los diálogos basados en las experiencias sexuales de “Ponch”, quien muere por las mujeres bien torneadas y los pechos turgentes, así como otras “delicadezas”, asquean, repugnan, y no arrancan ni una sonrisa (bueno… tal vez una o dos). Persecuciones, destrozos varios, explosiones, lenguaje soez, caracterizan a esta supuesta “síntesis” de la serie famosa de los 70-80 con evidentes connotaciones discriminatorias hacia los latinos y una misoginia avasallante. Erick Estrada hace su aparición, pero siempre dentro de una escena que encierra el concepto de lo burdo y desagradable. Mal momento para el que amamos el cine.
Elsa Bragato


jueves, 9 de marzo de 2017

"KONG", "JACKIE", "MONSIEUR CHOCOLAT", ESTRENOS DEL JUEVES 9 DE MARZO DEL 2017

JUEVES 9 DE MARZO DEL 2017.-
Varias películas llegan a las pantallas nacionales. Entre ellas, tres biopics y films nacionales, algunos con nula difusión lo cual es de lamentar. También se ofrece en el Malba el excelente documental “Lea y Mira dejan su huella”, de Poli Martínez Kaplún, quien entrevistó a dos sobrevivientes judías del campo de exterminio Auschwitz. Ambas viven en el país y cuentan cómo fueron llevadas a diferentes campos de concentración, cómo sobrevivieron a los horrores y el profundo dolor de perder a sus seres queridos, cómo llegaron al país. Más que valioso documental que recomendamos. Ver horarios de programación en el Malba.
“Ley primera” es una buena ficción de Diego Rafecas, quien nos relata la vida de dos hermanos con vidas diferentes: nacidos en la comunidad Qom, uno de ellos va a vivir a los Estados Unidos. Como curiosidad, los diálogos son en lengua Qom de los Tobas y en inglés.
“El silencio” es un film del venezolano Arturo Castro Godoy, radicado en nuestro país, quien analiza, a través de la historia de una pareja de adolescentes que tienen un hijo, las relaciones padres-hijos y la búsqueda de la identidad a cualquier edad. Es una narración intensa y profunda.
JACKIE
De Pablo Larraín. Guión Noah Oppenheim. Con Natalie Portman, Peter Sarsgaard, Greta Gerwig, Billy Crudup, John Hurt, entre otros. Música de Mica Levi. Duración: 95 minutos. Coproducción Estados Unidos – Chile.
XXXXX – LOS KENNEDY A ESCENA
El realizador chileno Pablo Larraín eligió a Natalie Portman como su “Jackie”, una elección valiosa, acertada, dado que la actriz había demostrado con creces su esmerada elaboración de los personajes. Su carrera de Psicología en Harvard le permitió hasta alcanzar el Oscar por El cisne negro. Otro acierto del realizador chileno fue tomar solo el fatídico 22 de noviembre de 1963, el momento exacto en que el presidente John F. Kennedy fue asesinado en Dallas, y la semana subsiguiente del magnicidio que dejó a la primera dama sin corona y sin marido en segundos. Luchando con el dolor, la profunda lucha para recuperar su fe, consolando a sus pequeños hijos y definiendo y defendiendo a ultranza el legado histórico del asesinado presidente, esa Jackie de ese día de noviembre se transformó en un hito histórico.
El acierto mayor, o lo más logrado, es el clima sin sensiblería ni condescendencia que Pablo Larraín pone sobre el drama que vivió  la ex primera dama. En su hogar, la Casa Blanca, todo empezó a cambiar con rapidez, y Larraín tuvo el tino de marcarlo en secuencias fuertes, lúcidas, creíbles. Es que el director chileno es un profundo conocedor de estas situaciones extremas, como demostró en “Neruda” y en otros films, donde el entorno es oscuro y cruel, donde la vida no vale nada y los personajes-protagonistas se vuelven “targets” para las mafias enquistadas en el poder.
Natalie Portman asumió el difícil personaje de “Jackie” con profundidad, logrando verosimilitud en sus gestos y su forma de hablar, con la colaboración de la dirección de arte (vestuario, maquillaje). A partir de eso, Portman trabajó su  frágil contextura física, poniendo énfasis en la refinada educación que tuvo Jacqueline Kennedy, dama de modales delicados y fría amabilidad. Pero también de gran fortaleza. Las secuencias posteriores al magnicidio nos muestran sus fluidos contactos con Robert Kennedy (Peter Sarsgaard), sus paseos solitarios con el sacerdote que fue su consejero espiritual así como la única entrevista que concedió, basándose en su firme convicción de que la prensa no siempre decía la verdad. Hay que recordar que “Jackie” había sido reportera gráfica y conocía el medio periodístico.
El film, apoyado en la música incidental de Mica Levi y la dramática fotografía de Stéphane Fontaine, tiene secuencias memorables: la recreación del 22 de noviembre en el auto descapotado, el vestido de color rosa que quedó manchado con la sangre de su marido, como su rostro y sus manos, el paisaje agónico y gélido de los paseos con su sacerdote y el sepelio del presidente. Son retratos de notable maestría cinematográfica en los que Pablo Larraín, así como su heroína Natalie Portman, conforman una dupla estupenda para una biografía histórica que aún no se había llevado al cine, salvo en alguna secuencia de “JKF” de Oliver Stone.
Carlos Pierre

EN LO PROFUNDO DEL BOSQUE
Guión y dirección Patricia Rozema. Con Ellen Page, Evan Rachel Wood, Max Minghella, Callum Keith Rennie, Michael Eklund, entre otros. Música de Max Richter. Duración: 101 minutos.
XXXXX – TERROR FEMINISTA
La realizadora canadiense Patricia Rozema, basándose en la novela de Jane Hegland, enfocó el tema de la supervivencia ante un desastre apocalíptico con una mirada femenina y familiar. Ubicó la historia en un bosque de Carolina del Norte, muy alejado de la civilización.
Dos hermanas adolescentes sienten ese cataclismo emocional cuando un apagón, que se prolonga un año, cambiará la rutina apacible. Nadie sAbe qué pasó. Envueltas en el miedo y la desinformación, enfrentan la incomunicación (no tienen TV, internet) y los víveres empiezan a faltar porque la pequeña aldea aledaña ha quedado desierta.
La curiosidad de esta película es que, desde la realizadora y la novelista hasta las dos protagonistas, dejan de lado la figura masculina. Los varones aparecen solo para concretar una violación. El tono apocalíptico va creciendo tanto para el espectador como para las protagonistas que deben luchar a brazo partido contra las adversidades que van surgiendo dentro de una catástrofe ambiental cuyo origen se desconoce.
Patricia Rozema aplicó su vasta experiencia en la televisión para conferirle al film agilidad y suspenso. Su capacidad como realizadora está altamente comprobada por los capítulos que dirigió en la famosa serie “Mozart in the Jungle 2016”, por mencionar solo uno de sus trabajos. El mundo desolador, las mujeres solas y asoladas por el entorno, obligan a pensar en algo más que lo físico: es la soledad femenina frente a un mundo marcadamente masculino. Y esto nos permite afirmar que hay una reivindicación de la mujer, sustentada por las estupendas actuaciones de Ellen Page y Even Rachel Wood. El terror y la desesperación de las protagonistas conmueven destacándose que Rozema los administra con destreza y hasta elegancia. Es un film de género diferente y atractivo.
Carlos Pierre
KONG: LA ISLA CALAVERA
De Jordan Vogt-Roberts. Con Tom Hiddleston, Brie Larson, Toby Kebbell, Jason Mitchell, Samuel L. Jackson, Tom Wilkinson, Corey Hawkins, John Goodman, John C., Reilly,  entre otros. Música de Henry Jackman. Duración: 118 minutos.
XXXXX – INICIO DE UNA SAGA
“King Kong” quedó en el recuerdo como aquel gigante gorila que se enamoraba de una frágil rubia y, subido al Empire State de New York, era ametrallado hasta morir. Y allí se terminó todo. La astucia de los estudios cinematográficos de Hollywood reviven con “Kong: la isla calavera” la historia del gorila histórico mostrándolo en un ambiente natural, una isla perdida en el Pacífico. A partir de ahora hay “derecho” a una saga. Veamos por qué.
El film de Jordan Vogt-Roberts se remonta a la Segunda Guerra Mundial, a la caída de aviones en una isla y a la supervivencia de uno de los aviadores. De allí se pasa a los años 70 en Vietnam, en plena guerra de los Estados Unidos y los vietnamitas (culminó en 1975). Un grupo de soldados terminan con su misión, están al mando de “Preston Packard” (Samuel L. Jackson). El descubrimiento satelital de una extraña isla en el Pacífico alerta a estudiosos para organizar una exploración encabezados por “Bill Randa” (John Goodman) mientras el comandante Packard es llamado con su grupo para llegar a la isla.
Con ellos va una fotógrafa y periodista, “Mason Weaver” (Brie Larson). Llegar a la isla es un desafío mortal, en medio de tormentas eléctricas que ponen en jaque a más de una máquina. La recepción no será pacífica: el mundo idílico de la isla, que luego de la tormenta se descubre, se trastoca cuando aparece un furibundo gorila que hace añicos, como si fuesen papelitos, a los helicópteros y se traga a algunos ocupantes como caramelos. De allí en más se viven aventuras que tienen una majestuosidad visual propia de los estudios hollywoodenses. Aguas muy a lo “vietnam”, soldados lastimados que se meten en lagunas, y horribles monstruos que los persiguen. En esa isla aparece como “salvador” aquel aviador que cayó, “Hank Marlow” (John C. Reilly), que logró ubicarse como “jefe” de una tribu temible.
El ritmo es sostenido: aventuras, luchas entre los monstruos, el cementerio fétido, van aumentando la tensión, en una narración que no decae pero que, si repasamos lo visto hasta ahora en materia de efectos especiales, poco es lo que sorprende. El “gag” que nos devuelve al viejo “King Kong” conocido es el salvataje de la fotógrafa “Mason” que, si bien no tiene relación directa con las secuencias del film tradicional, permite avizorar un respeto amoroso del gigante con la diminuta figura femenina. Y secuelas…
Es un film para entretenerse y vibrar en la butaca con los salvajes ataques de los “guirigay”. Hay excelencia en efectos visuales, como dijimos, y la aventura está en su apogeo, con villanos y buenos, con monstruos y seres humanos. La película es buena pero no podemos dejar de “entrever” la postproducción técnica, una de las mejores que hemos visto hasta ahora. Yendo un poco más allá, hay un mensaje ecológico: no destruir el medio ambiente, respetar a los animales como personas no humanas.
Elsa Bragato
MONSIEUR CHOCOLAT
De Roschdy Zem. Con James Thierrée, Omar Sy, Clotilde Hesme, Olivier Gourmet, Frederic Pierrot, entre otros. Música de Gabriel Yared. Duración: 110 minutos.
XXXXX – EMOTIVA HISTORIA DE UN CLOWN AFROCUBANO
La tercera biopic de la semana es “Monsieur Chocolat”, basada en la biografía que el historiador e investigador francés George Noiriel publicó en 2012 rescatando la vida de Rafael Padilla, afrocubano nacido como esclavo en Cuba en 1868: fue uno de los mimos más famosos de fines del siglo XIX y comienzos del XX (falleció en el 1917 en la más absoluta miseria). Por diferentes razones llegó a París en un momento donde la “ciudad luz” era bohemia, trasnochados artistas plásticos, y bellas mujeres prostituidas. Un gran hallazgo cinematográfico de Roschdy Zem es la recreación del ambiente parisino, de la vida circense, de sus alegrías, de sus profundas miserias y tristezas, a través de un personaje como “Monsieur Chocolat” o Rafael Padilla, en el que se funden el dolor existencial y el grotesco: era el negro que aceptaba las bofetadas de un blanco para hacer reir a los blancos, frase con la que se define al film.
Durante 20 años, “Monsieur Chocolat” estuvo unido al clown británico “Footitt” (George Tudor Hall), siendo números preferidos en circos y hasta en teatros de la época. Esta relación está muy bien protagonizada por los excelentes Omar Sy (ganador del César por “Entouchables”) y James Thierrée como “Footitt”, en una cabal lección actoral de ambos. Entre el drama, la comedia, la tristeza que también genera aquellos ambientes lúgubres y pobres de los circos de antaño, el racismo y la corrección política que significa llevar al cine esta asombrosa biografía, transcurre una narración muy emotiva que redescubre una figura olvidada y que solo un investigador como George Noiriel rescató del olvido en un libro, ahora llevado al cine. Melancolía, habilidad narrativa, plasticidad actoral: valiosos aciertos de una película que merece verse.
Elsa Bragato