PANTALLAZOS (CRÍTICAS DE BRAGATO Y PIERRE)

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jueves, 7 de diciembre de 2017

LOS SENTIDOS, LA ESTRELLA DE BELÉN, ARPON, AMOR.COM, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 7 DE DICIEMBRE DEL 2017



JUEVES 7 DE DICIEMBRE DEL 2017.-
Continúan los jueves con exceso de estrenos. Doce esta semana!!!!! Hay que aclarar que varios de ellos van directamente a las salas tanto del off como comerciales. Es el caso de “Heaven’s lost property”, animación japonesa, que solo tendrá funciones especiales en algún multicine /basada en un famoso manga del Japón).
“El implacable”, de Martin Campbell. Con Jackie Chan y Pierce Brosnan, filmado en Inglaterra. “Una mezcla irregular de acción y política (…) La trama es complicada y dispersa (…) Brosnan tiene pocas oportunidades para lucirse, pero Chan hace mucho con poco”, de Clarence Tsui, The Hollywood Reporter.
“En defensa propia”, de Steven C. Miller, con el regreso de Bruce Willis. “Una película que difícilmente podría confundirse con algo bueno (…) Una entretenida serie de persecuciones con todoterrenos y tiroteos en lugares remotos”, de Peter Debruge, Variey.
“Bajo cero, milagro en la montaña”, del novel director Scott Waugh. “El director S. Waugh y el guionista Ailish Bracken de alguna manera encuentran una manera de hacer absolutamente tediosos estos desgarradores acontecimientos”, de Frank Scheck, The Hollywood Reporter.
La posesión de Verónica”, del español Paco Plaza (“Rec”), basada en el caso real denominado “Expediente Vallecas”, asentado el 27 de noviembre de 1992, sobre la posesión demoníaca de una adolescente de esa localidad española. “Independientemente de si crees o no en los espíritus, te vas a creer “Verónica”. Paco Plaza “vallequiza” con gran estilo el cine de posesiones demoníacas”, de Andrea Bermejo, El Mundo.
“Un pueblo hecho canción”, documental de Silvia Majul, sobre la vida de Ramón Navarro, cantor riojano nacido en el pueblo Chuquis, en lengua “diaguita”. Navarro recibió el homenaje de su pueblo que puso el nombre de sus canciones a sus calles. Fue integrante de numerosos conjuntos folklóricos.            
“Cemento”, documental de Lisandro Caarcavallo. Logró abrir el mítico boliche dedicado al rock, que dirigió Omar Chabrán. De allí surgieron los más famosos exponentes del rock nacional a partir de los 80. Contó con valioso material filmado en el lugar, ubicado en Estados Unidos 1234.
TODO LO QUE VEO ES MÍO
Guion y dirección de Mariano Galperín y Román Podolsky. Con Michel Noher, Malena Sánchez, Julieta Vallina, Luis Ziembrowski, Guillermo Pfening, Julia Martínez Rubio. Música de Diego Tuñón. Duración: 80 minutos. Idiomas: Castellano y Francés.
XXX- RETRATO DE UN LIBERTARIO
En 1918, Marcel Duchamp, de 30 años, era conocido en Nueva York y París por su obra irreverente y provocativa. A mediados de ese año, ante la intervención de Estados Unidos en la Primera Guerra Mundial, partió de Nueva York a Buenos Aires, buscando un destino más grato. Lo acompañó su amiga Ivonne Chastel, joven artista vanguardista como él.
Creador de un método que habría de revolucionar el arte, su famoso Ready Made (crear una obra artística a partir de elegir o tomar simplemente un objeto), Duchamp abrió el camino para convertir en piezas de arte todo lo cotidiano. Su obra más famosa fue La Fuente (1917), un mingitorio que elevó a categoría artística.
En Buenos Aires habitó un departamento ubicado en Alsina 1743, teniendo un taller en Sarmiento 1507, donde funciona actualmente la plaza seca del Centro Cultural San Martín. Trabajos siempre alternados con su pasión por el ajedrez.
Michel Noher personifica a Marcel Duchamp y Malena Sánchez a Ivonne Chastel, quien no se adaptó a Buenos Aires por considerarla alejada de la modernidad que ambos profesaban con aire snob y libertario. Prosaicos, festejaban la comida, los paseos tranquilos por parques y plazas, y, en la intimidad, sus juegos amorosos.
Hay varios hallazgos de los realizadores Mariano Galperín y Román Podolsky al redescubrir a este artista inconformista que influyó en el Dadaísmo (movimiento antiarte surgido en Suiza. “Dadá” significa “caballo de madera” en francés).  Duchamps se paseó por esta ciudad derramando una estela no convencional o alejada del arte clásico. En el cincuentenario de su fallecimiento (París, 1968), este film nacional tiene la virtud del blanco y negro, de la reconstrucción minimalista de época, y de la solidez interpretativa de sus protagonistas. El trabajo de Michel Noher es superlativo por su fluido francés y su sólida prestancia entre otras virtudes. También se destaca la fotografía que se comporta como la mirada del artista sobre su entorno buscando objetos para hacerlos suyos. Solo hay que lamentar que se haya hecho hincapié en la vida personal más que en sus trabajos artísticos. Por otra parte, es conveniente saber que, si bien es una biopic, hay secuencias extremadamente silenciosas que pueden exasperar. Sin embargo, el producto final es muy loable.
Carlos Pierre
AMOR.COM (UN PROFIL POUR DEUX)
De Stéphane Robelin. Con Pierre Richard, Yaniss Lespert, Fanny Valette, entre otros. Música de Vladimir Cosma. Cinematografía de Priscilla Guedes. Duración: 99 minutos.
XXX-ODA AL AMOR A LOS 80
No hay edad para el amor y el arte de la seducción.  Así lo demuestra esta comedia que transcurre entre París y Bruselas y la lejana Shanghai: un eterno Pierre Richard y su alter ego, Yaniss Lespert, entrecruzados por la “religión” virtual actual incluyendo el Skype, que derriba fronteras.
Pierre Stein (Pierre Richard) tiene 80 años, desde hace dos años es viudo y está muy deprimido. Vive con su hija y su nieta, a la que no saluda porque, mientras su novio está en Shanghai trabajando, tiene un novio ocasional, Alex, instructor de computación y vinculado a la literatura. Sin dinero, se va a vivir con la nieta de Pierre. Este hecho permite que Alex se transforme en el instructor de Pierre quien, en poco tiempo, descubre el mundo virtual, los sitios de citas, y se enamora de la joven Flora, de 31 años. Le esconde su edad pudiendo establecer una primera cita. Aquí empieza a jugar un rol importante Alex, quien deberá ser el “Pierre” que Flora conozca.
El realizador Stéphane Robelin encontró el justo medio para esta comedia de amor y amistad, en la que sale del estereotipo social de los “viejos” para retratar lo que realmente siguen siendo a pesar de la edad: personas que sienten, que quieren amar y vivir con plenitud hasta el final de sus días. Con firme y pulcro timón, Robelin no cae en bufonadas y sí en fino humor valiéndose del sustrato efectivo de brillantes actores, de la fluidez del guion y la fotografía con pinceladas parisinas atractivas. Es una comedia muy actual, elegante, risueña y emotiva, con la validez de sus gratas redondeces finales. El amor no tiene edad.
Carlos Pierre
LOS SENTIDOS
Documental de Marcelo Burd, filmado en Olapacato, el pueblo más alto del país, ubicado en la Puna Salteña. Duración: 72 minutos.
XXXX- LA ARGENTINA QUE DUELE
Marcelo Burd realiza su tercer largometraje, en este caso en solitario, eligiendo la localidad de Olapacato, ubicada en el límite entre Salta y Jujuy, a más de 4000 metros de altura. Pocos habitantes, hoy tiene una escuela como centro de actividades y se sobrevive con el trabajo que dan las compañías explotadoras de minerales como oro, plata y especialmente litio.
Burd logra un docuficción inquietante: es la realidad misma la que enfoca con una cámara inmóvil observando el quehacer de un matrimonio de maestros quienes mitigan la carencia de medios del lugar y de la escuela con imaginación: fuera de toda curricula, les enseñan a los chicos cómo armar cohetes, les leen novelas de Julio Verne, y analizan las leyes de Newton. 45 chicos asisten a clase y van a comer y merendar. Salomón Ordoñez, Victoria Ramos, Sixta Casimiro, Florinda y Rosa Choque, se reparten las tareas y las tribulaciones. Pocos son los que se atreven a charlar sobre la explotación del entorno que no tiene en cuenta las consecuencias deplorables para la salud y el biosistema de Olapacato. Hay un atisbo de rebelión que queda en una charla de atardecer, así como los niños comentan las suspensiones laborales de sus padres, desconociendo el alcance de lo que pasa pero absorbiendo el sufrimiento familiar.
Sin voz en off, son los mismos habitantes los que actúan su verdad: el quehacer diario, donde se unen las clases en la escuelita, la enseñanza de las coplas a los niños o la preocupación de las madres por las ausencias de sus chicos dado que van a trabajar o a cuidar a los mayores. La charla espontánea entre el matrimonio de maestros muestra otra verdad: sus hijos están en la capital mientras ellos cuidan a los hijos de los habitantes de ese pueblo. Dejar o no la escuela es también un tema que los conmueve.
La ausencia del ferrocarril surge en forma recurrente. Había pero en los 90 el ramal quedó inactivo: las vías están y por allí hacen equilibrio los chicos, que sueñan con el tren mientras los mayores sufren los traslados por la carencia de buenos servicios de ómnibus. Lluvias, frío invierno, casas de ladrillos de barro, precariedad absoluta y un olvido de los funcionarios que este sistema socioeconómico hace tan doloroso e incomprensible.
Varios premios jalonan la trayectoria de este documental hasta llegar este jueves a los cines nacionales. No dejen de verlo: para docentes, para todas las edades y todos los públicos.
                                                                                       Elsa Bragato                 
ARPÓN
Guion y dirección de Tom Espinosa. Con Germán de Silva, Ana Celentano, Laura López Moyano, Nina Suárez Blefari en su presentación. Música de Nascuy Linares. Fotografía de Manuel Rebella. Coproducción Venezuela, España y Argentina. Duración: 82 minutos.
XXXX- INTENSO THRILLER
El venezolano Tom Espinoza estudió cine en nuestro país filmando el cortometraje “Las arácnidas” que obtuvo premios internacionales y fue nominado a los premios Cóndor este año. En el caso de Arpón toma un elemento secundario otorgándole el valor de fuerte metáfora que se condice con el thriller que lentamente se genera en la narración.
El director de escuela Germán Argüello (Germán de Silva) debe lidiar con las alumnas adolescentes, revisándoles las mochilas para evitar que se droguen o traigan armas. Es secundado por Sonya (Ana Celentano) quien sigue sus órdenes dictatoriales sin chistar o bien reclamándole en privado alguna acción. Desaliñado, malhumorado, vive solo con ocasionales encuentros con “Cata” (la laureada Laura López Moyano). La alumna “Mica” (debut de Nina Suárez Blefari) se rebela, trae jeringas con las que inyecta un supuesto “colágeno” en los labios de sus compañeras y es descubierta por Argüello. Un hecho inesperado los obliga a convivir pocas horas, cuidando el director de que la jovencita esté a resguardo hasta la llegada de sus parientes. Pero situaciones y personajes impensados surgen para conmover profundamente la vida de Argüello.
El film pasa de la presentación y primeros momentos en la escuela, donde un director reta con fuerza a una alumna, a secuencias donde los jóvenes se divierten en el río y uno de ellos utiliza un arpón con consecuencias fatales. La película gana en intensidad y se revela como un thriller intenso, donde el actor Germán de Silva tiene notable protagonismo, convincente, de gran fuerza dramática. Y, aunque la historia pareciera detenerse en su desenlace, logra un final no previsible que da una vuelta de tuerca a cualquiera previsibilidad. Es una muy buena realización, con lograda fotografía, montaje y trabajo en sonido, contando con una cautelosa banda incidental de Nascuy Linares.
Elsa Bragato
LA ESTRELLA DE BELÉN
De Timothy Reckart. Música de John Paseano con canción principescrita y dirigida por Mariah Carey. Christopher Plummer, Oprah Winfrey, Steven Youn, entre otros, en las voces originales. Duración: 86 minutos. Segunda película animada de Sony Pictures Animation (la anterior fue “Arthur Christmas: operación regalo”, 2011).
XXX- RECREACIÓN DEL NACIMIENTO DE JESÚS
Basada en el Nuevo Testamento, llega “La estrella de Belén” desde la perspectiva de los animalitos que presuntamente estuvieron en el establo de Belén donde nació Jesús. Obviamente, está dirigida al público cristiano. Nos cuenta la vida del burro Bo, con enorme parecido al de “Shrek”, quien desestima su vida en cautiverio para lograr la libertad y convertirse en el burro-mascota de María y su reciente esposo, José. La llegada del Espíritu Santo, el embarazo de María, son contadas desde un lugar muy espontáneo y libre. No hay ataduras a una rígida tradición sino que sabe tocar el corazón a través de figuras modernas con un tratamiento actual del embarazo de la joven mujer y una aceptación de su flamante marido de ser los padres del Hijo de Dios.
Bo, mascota de María, luchará para que la joven embarazada sortee peligros que vienen de Herodes, quien ordena matar a la joven pareja. Bo no está solo en su aventura sino que se le une la oveja Ruth, que perdió su rebaño, y la paloma Davie que lo incita a buscar otros horizontes. Los Tres Reyes Magos aparecen siguiendo en pleno desierto a la estrella tan luminosa que está en el cielo, mientras sus camellos ensayan alguna explicación: ¿dónde irán los reyes con regalos tan extraños, a un baby-shower o un cumpleaños? Divertidos diálogos mientras el camello de Gaspar nos recuerda a la jirafa de “Madagascar 1” por sus problemas físicos, especialmente su debilidad.
La animación es muy cálida y simpática por la carencia de adustez y, en cambio, la soltura para dibujar estos personajes confiriéndoles actualidad y belleza. Además, hay una serie de detalles técnicos que merecen ser tenidos en cuenta: por ejemplo, es la segunda vez que el gran Christopher Plummer pone su voz a “Herodes”, la segunda vez que Mariah Carey escribe una canción para un film bíblico, el cuarto film en el que Oprah Winfrey presta su voz a un personaje animado, y la segunda vez que Sony Pictures Animation se lanza al mercado con una producción animada. Si le interesa la recreación del nacimiento de Jesús y el hogareño que llamamos “Pesebre”, no se la pierda.
Elsa Bragato
ASUNTOS DE FAMILIA
Guion y dirección de Maha Haj. Con Amer Hlehel, Mahmond Shawahdeh, Maisa Abd Elhadi, Ziad Bakrie, entre otros Fotografía de Elad Debi. Música de Habib Shadah. Israel.
XXX-UNA CUESTIÓN DE TODOS
Maha Haj llegó a los 40 años y pudo filmar su primer largometraje, “Asuntos de familia”. Habiendo nacido en Nazaret, Israel, muestra una humanidad notable para con los palestinos que habitan mayormente en esa ciudad. A partir de personajes que conoce, pergeñó esta historia basada en un matrimonio que ha llegado a no hablarse porque la rutina los devoró y sus hijos, que escaparon literalmente a otras ciudades y países para no ver la decadencia de sus mayores. Tres generaciones de palestinos están tratados con simpatía y humanidad: la vida en familia es cuestión de todos.
Con pinceladas de humor, nos muestra la vida del matrimonio mayor. Ella cocina, teje, mira televisión, y no habla. Su marido vive con la computadora portátil encima, harto de la rutina. Sus hijos están en diferentes lugares: el mayor vive en Suecia, el menor está en Ramallah, soltero empedernido, y vive con su hermana, con embarazo avanzado y casada con un mecánico al que le ofrecen un papel en una película. Conviven con la abuela materna quien padece un severo Alzheimer. Es quien mantiene vivo el pasado: la directora utiliza a este personaje para que no se olvide a la “generación del Nakba” o éxodo palestino ocurrido entre 1946 y 1948.
Salpicada con hechos surrealistas, desde un coma diabético inesperado hasta bailar un tango en una sala de interrogaciones policiales, Haj hace honor a una familia palestina que debe sortear la frontera con Israel bajo la presión amenazante de los “checkpoints” o puntos de chequeos, quienes tiran a matar si alguien no acata la mínima orden. Un viaje a Suecia para conocer a la pareja de su hijo logra que el matrimonio mayor enfrente la verdad que no se dicen mientras pasean en un bote por un lago idílico. Entre el drama y la comedia, una auténtica “dramedia”, la directora israelí consigue una historia profunda, aunque los personajes sean lineales. Tiene piedad de ellos y los exagera con humor socarrón al mismo tiempo que nos regala un espejo de los asuntos entre cuatro paredes que a algunos pueden rozar. Valioso film.
Elsa Bragato
GALPÓN DE MÁSCARAS
Guion y dirección de Miguel Baratta. Música de Marcelo Moguilevsky. Duración: 74 minutos.
XXX-TESORO ARTÍSTICO INUSUAL
El realizador Miguel Baratta ingresa al mundo que la reconocida escritora Luisa Valenzuela atesora: un universo de 250 máscaras que fue adquiriendo en cada país que conoció. El puntapie inicial de este interesante documental fue la invitación de una muestra de parte del Museo de Arte Decorativo de la Ciudad de Buenos Aires. Si bien las máscaras son objetos inertes, cobran vida y sugestión al estar expuestas como cuadros, una suerte de desfile mágico en la amplia galería, o Galpón de Máscaras, donde se misturan lo cotidiano del hogar, un niño, el loro Coco, un perro juguetón y una tortuga de tierra, todos abrazados por una vegetación exuberante que se deja ver a través de grandes ventanales.
Una excelente idea fue corporizarlas. Baratta fue al encuentro de profesionales de las máscaras a quienes hace aparecer en diferentes secuencias entre bailes y acrobacias. Desde lo más remoto y lo sagrado, surgen máscaras de México, Tailandia, de la Comedia del Arte, máscaras argentinas y  blancas a partir de los pañuelos blancos de Las Madres de Plaza de Mayo, máscaras de Carnaval, de Cerdeña, del Teatro Cabuia japonés, máscaras de Oruro, entre tantas otras diferentes, extrañas, inquietantes.
La fotografía juega un papel protagónico: el glorioso blanco y negro hasta la fiereza casi amenazante de los colores, luces y sombras que inquietan mientras lo sagrado y lo pagano se entrecruzan. Grandes canastos de mimbres apilan estas máscaras, celosamente cuidadas por Luisa Valenzuela. Les espera la luminosidad de una exposición. Logrado documental, diferente, que descubre un tesoro artístico inusual.
                                                                         Carlos Pierre




jueves, 30 de noviembre de 2017

EXTRAORDINARIO, BATALLA DE LOS SEXOS, AL DESIERTO, DJAM, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 29 DE NOVIEMBRE DEL 2017


JUEVES 29 DE NOVIEMBRE DEL 2017.-
Demasiadas películas! Y evidentemente no hay público para todas, al menos con taquillas importantes. En principio, son 10 films, aunque a último momento se suelen agregar otros que van a circuitos no comerciales. Nos atenemos a la información enviada por las distribuidoras al cierre de esta edición.
“El hijo de Piegrande”, de Ben Stassen y Jeremy Degreson, Bélgica.
”Esta propuesta moderadamente entretenida y para toda la familia será mejor recibida por los más chicos que no están preparados para las metaficciones más sofisticadas de Pixar o DreamWorks", Jordan Mintzer, The Hollywood Reporter.
“Dos amores en París”, de Eric Lavaine.
“Se comprende rápidamente que la historia es muy ligera y es un pretexto para instalar a la chispeante Alexandre Lamy que fuera exitosa en su presentación “Retour chez ma mére”, de Claudine Levanneur, Avoir-lire.com, Francia.
“Guerra de papás 2”, de Sean Sanders, con Mark Wahlberg y Mel Gibson.
“Se trata de una cínica sintética producción de Hollywood a modo de ensayo narrativo con las sobras de la ya mediocre comedia (de hace dos años) sobre familias mixtas”, de Wendy Kide, Observer, U.K.
“Feliz día de tu muerte”, de Christopher Landon.
“Que el metraje sea corto, apenas unos 90 minutos, y el ritmo particularmente acelerado, ayudan a que el resultado de “Feliz día de tu muerte” sea satisfactorio. La película es una grata sorpresa de terror teen para adolescentes de la nueva era”, de Alberto Quintanilla, IGN, España.
EXTRAORDINARIO (WONDER)
De Stephen Chbosky. Guion de Steve Conrad y Jack Thorne. Basado en el libro La lección de August de Raquel Jaramillo Palacio. Con Julia Roberts, Owen Wilson, Jacob Tremblay, Mandy Patinkin, Millie Davis, Izabela Vidovic, Ali Liebert, Elle McKinnon, entre otros. Música de Marcelo Zarvos. Duración, 113 minutos.
XXXX-CONMOVEDOR MELODRAMA
Jacob Tremblay, el pequeño actor tan magnético del film La habitación compone el conmovedor personaje de August Pullman, de 11 años, nacido con malformaciones faciales por las que tuvo que padecer 27 operaciones de cirugía reparadora. Razones que llevaron a sus padres Isabel (Julia Roberts) y Nate (Owen Wilson) a dedicarle una atención sin fisuras junto a su hermana mayor.
August no ha asistido a la escuela nunca, y la enseñanza estuvo a cargo de madre especialmente con la complicidad tierna de su padre. Amante de la ciencia, de la astronomía, del espacio exterior y las infinitas estrellas, August usa un casco de astronauta de la NASA con el cubre su rostro marcado por tantas cicatrices. Cuando llega el día de asistir a clase, en quinto grado, va con su casco a resguardo del rechazo y, al sacárselo, produce una conmoción entre sus compañeros. Nadie lo acepta y es objeto de “bullying”. Esto obligará a August-Auggie a superar una dura cuesta de burlas y rechazos.
Hasta que un día, en una clase de ciencia, August expone sus conocimientos al responder acertadamente la pregunta sobre la primera ley de Newton y la refracción de la luz. Comienza entonces a llamar la sana atención de sus compañeros y profesores.
Con las sólidas actuaciones de Julia Roberts y Owen Wilson, se destaca el trabajo de este notable protagonista, Jacob Tremblay, siendo el centro de la emoción y el encanto de la historia así como del asombro que provoca su enorme capacidad actoral a tan corta edad. La realización es clásica, robusta por basarse en una novela. Incluso puede ser convencional. No obstante, la actuación de Trembley salva de cualquier otra calificación al film.
Sin sentimentalismo o compasión, el film abre el corazón por la sensibilidad que despierta una pequeña vida sometida a tanto sacrificio, físico y espiritual. August es un diminuto héroe del que será difícil olvidarse.
Carlos Pierre
DJAM
De Tony Gatlif. Con Daphne Patakia, Simon Abkarian, Maryne Cayon, entre otros. Cinematografía de Patrick Ghiringhelli. Música en general rebética (de los bajos fondos griegos). Duración: 97 minutos. Francia-Grecia-Turquía.
XXX- LA LIBERTAD DE SER UNO MISMO
Con un guion simple, el realizador gitano-argelino Tony Gatlif pergeña esta road movie risueña, musical, anárquica, contestataria y erótica a partir de una estrella de rock, la carismática francesa Daphne Patakia, o simplemente Djam,  eje electrizante de la historia.
Grecia es la locación elegida y, en especial, la mítica isla de Lesbos. El tío de Djam, un viejo marino que encarna Simon Abkarian, le encarga a su sobrina una compra en Estambul. Djam inicia un viaje diferente: libre, desprejuiciada, canta y baila el “rebético”, género que los griegos desarrollaron a comienzos del siglo XX y que proviene de los bajos fondos (se lo suele unir al tango, blues, fado). En esta travesía, que Djam transforma en un aprendizaje, surge el tema de los refugiados, la pobreza y una subyacente protesta contra el poder y las carencias económicas de esta parte del mundo. Canciones bellas, hermosas locaciones del noreste de la Tracia, y gestos alocados de Djam de mostrarse sin ropa íntima, jalonan una narración que navega entre el buen gusto y la melancolía. Al mismo tiempo, es la cultura musical griega que trasciende las fronteras, rítmicamente vital. En esta realización de Tony Gatlif hay una simpleza que es profunda, tiene sentido humanístico y se enlaza con habilidad en la grácil cintura de Daphne Patalia-Djam en un canto de libertad.
                                                                    Carlos Pierre
SOLAR
Documental de Manuel Abrqmovich. Fotografía de Manuel Abramovichy Flabio Cabobianco. Guion de Fernando Krapp, Javier Zaballos, Manuel Abramovich y Flavio Cabobianco. Duración: 78 minutos.
XXX-DOCUFICCIÓN A MITAD DE CAMINO
Entre el documental y la ficción transcurre este primer largometraje de Manuel Abramovich (corto “La reina) sobre Flavio Cabobianco quien, en 1991, siendo un niño, editó el libro “Vengo del sol”, gracias a la recopilación –o forzosa planificación- de sus padres, ña psicóloga Alba Zuccoli y don Omar Néstor Cabobianco, personas vinculas a las nuevas tendencias que dieron el nacimiento de la New Age. Se destaca el ordenamiento que realizara la periodista austroargentina Ama Hilde Bostrom de todo el material.
Con más de 25 años de aquel hecho de su niñez, Flavio Cabobianco recorre el mundo dando conferencias y tirando el I Ching (acompañado por su hermano a quien se señala como verdadero artífice de muchas teorías), mientras entabla una relación un tanto caótica con Abramovich forcejeando sobre quién debe utilizar la cámara. Finalmente el realizador accede a ser un “personaje” en off del documental. Y, a la manera de “Fuckand” de Marques, Flavio se enfoca el rostro, deja caer la cámara, mostrándose irreverente y petulante.
El documental en sí comienza cuando Abramovich inserta videos de los reportajes que se le hacían en televisión al pequeño Flavio: Graciela Alfano, Andrés Percivale, entre otros. Todos boquiabiertos con los análisis de la materia, de la reencarnación de las almas y del movimiento del Universo, del  pequeño niño. Quedan dudas, muchas, sobre si repetía los conceptos que especialmente su madre le daba, habitué de prácticas orientales como la meditación.
Como docuficción, tarda en concretarse. La historia recién toma color cuando Flavio, junto a su hermano y su madre, muestra el material de la reedición de su libro. La severidad de Alba Zuccoli diciendo “esto no va, esto sí” y la simpatía que produce la microfonista frente a cámaras agregan dos elementos opuestos que explican mejor de qué va todo esto tan caótico: la influencia materna en lo conceptual y el documental en lo formal.
Elsa Bragato
NIÑATO
Docu-ficción de Adrián Orr. Con actuación de la familia Ransanz. Fotografía de Adrián Orr. Duración: 72 minutos. España.
XXX- EL RAP DE LA DESOCUPACIÓN
De no ser porque se nos indica que es documental, pensaríamos en una ficción sobre un padre soltero y sus hijos pequeños. Es la vida de David Ransang y sus tres pequeños hijos, Oro, Mia y Luna, filmados en su intimidad cotidiana, idea del novel director madrileño Adrián Orr. Recibió el primer premio en la Competencia Internacional del BAFICI y, si bien no tiene grandes méritos su docu-ficción, el mejor y más claro es la utilización de la cámara para narrar la historia de alguien que es un “niñato”, es decir, un hombre despreocupado y presumido. David Ransanz es un “parado” madrileño. Su obsesión es el “rap” y cuidar de sus tres pequeños hijos. Vive en la casa de sus padres junto a su hermana y tiene una novia. De noche canta rap, le enseña rap a sus pequeños hijos y no se hace mayor problema por no aportar nada al hogar paterno.
Orr realiza un buen retrato de familia por cómo enfoca esta narración: la cámara se posa en medios planos cerrados sobre David preparando el desayuno de los niños y en éstos, que no quieren levantarse para ir al colegio. Incluso con cámara en mano, Orr sigue, en cierta medida, la escuela de los Dardenne (la tremenda “El hijo”). David se muestra tal como es, sin ningún prejuicio por no tener trabajo y sin ninguna esperanza más que la del día a día. Charlas en off con su madre, mientras él está con los hijos, le dan un matiz diferente a un documental que no parece tal (recibió el premio Fénix a la mejor fotografía en documental). Y en eso reside el valor absoluto de esta primera obra de Adrián Orr. Ensayo de crítica social y ligerísimo análisis de la psicología de un hombre joven sin preocupación por el futuro, “Niñato” tiene sus mejores secuencias en el pequeño Ransanz rapeando con su padre o solo o peleando con la abuela.
Elsa Bragato


AL DESIERTO
De Ulises Rossel. Guion de Ulises Rosell y Sergio Bizzio.  Con Valentina Bassi, Jorge Sesán, entre otros. Fotografía de Julián Apezteguía. Dirección de Arte de Raggio-Oyarce. Música original de Miranda y Tobar.Música adicional: Eduard Artemiev. Duración: 94 minutos. Argentina-Chile
XXXX- INTENSO WESTERN PATAGÓNICO
Entre el western, la road movie y el thriller psicológico, se mueve esta intensa narración propuesta por Ulises Rossel con las excelentes actuaciones de Valentina Bassi como Julia y de Jorge Sesán como Armando. Las locaciones elegidas fueron la ciudad de Comodoro Rivadavia y la árida meseta patagónica con sus fuertes vientos, polvaredas enceguecedoras y vegetación achaparrada.
Dos personajes dan vida a la trama: Julia (Bassi) trabaja como camarera en un casino de Comodoro Rivadavia, y conoce a uno de sus habitués, Armando (Sesán) quien le propone una tarea administrativo en la petrolera donde trabaja. Combinan una cita y Julia parte en su chata amarilla. Como no toman la ruta, desconfia de Armando, se lo recrimina y en un gesto brusco por tirarse del automóvil, éste se da vuelta. Intenta escapar pero Armando la obliga a seguir. Caminan kilómetros, llegan a casas desocupadas en apariencia, duermen a la intemperie, se lanzan en los arroyos del lugar para bañarse. Polvorienta y exhausta, Julia acepta a regañadientes su situación. Odia a Armando pero se encariña de una manera no explícita.
El film es, esencialmente, una larga travesía por la meseta del sur, sin que mengüen el atractivo y la tensión dramática: Bassi y Sesán están estupendos en sus respectivos roles, y no hay exageraciones dramáticas. El tema es muy actual: la violencia contra la mujer en todos sus aspectos, obligándola a seguir un camino incierto, a una relación que no se quiere pero se da, a hacer valer la fuerza física del varón por sobre la de la mujer. Y se cuela el llamado “síndrome de Estocolmo”, algo circunstancial para Julia. 
La magnífica fotografía de Julián Apezteguía es un regalo adicional, un plus fantástico, que retrata el Sur argentino de manera espléndida. Película intensa, atrapante y perturbadora.
Elsa Bragato
BATALLA DE LOS SEXOS
De Jonathan Dayton y Valerie Faris. Con Emma Stone, Steve Carell, Andrea Riseborough, Natalie Morales, Bill Pullman, Austin Stowell, Lloyd Bridge (video en blanco y negro), Elisabeth Shue, Alan Cumming, entre otros. Música de Nicholas Britell. Diseño de producción: Judy Becker. Duración: 121 minutos.
XXXX-BIOPIC DE LA MÁS GRANDE TENISTA
Esta película de Fox toma el título del libro de Billie Jean King, considerada la más grande tenista de todos los tiempos: ganó, a finales de los 60 y comienzos de los 70, 12 títulos de Gran Slam, entre otros premios, y luchó por la igualdad salarial entre hombres y mujeres profesionales de tenis. Además, batalló por la libertad sexual, si bien se casó muy joven, y enamorada, con Lawrence King (sinceró su lesbianismo luego de 20 años de matrimonio. Desde hace 30, vive con una tenista australiana).
Billie (Emma Stone) descubre que, frente a los 1500 dólares que ganaba una tenista, los varones recibían 12 mil de manos de la United States Lawn Tennis Association. Se enfrenta a “Jack Kramer”, presidente de la entidad, fundando con sus colegas y su marido la World Team Tennis en 1965. Tras cabildeos, partidos perdidos y confusión amorosa, llega la oportunidad de enfrentarse al gran tenista Bobby Riggs, primer ganador de Wimbledon en los 30 y 40 (Steven Carell), ya de 55 años, petulante, jugador y estafador que vivía a costa de su mujer, encarnada por Elisabeth Shue. Tras algunas idas y venidas y el enamoramiento de Billie Jean King de su estilista, Marylin (Andrea Riseborough), se produce la llamada “Batalla de los sexos”: el match entre Billie y Bobby, el 20 de setiembre de 1973.
Es curioso que una película previsible y convencional en su realización mantenga el interés, atrape y convenza de que las dos horas no son tiempo perdido. El tema tiene gran vigencia y las actuaciones de Steve Carell como Bobby Diggs y de Emma Stone como Billie Jean King son impagables. “El cerdo machista” de Riggs, como él se definía, quería enviar a las mujeres “a lavar los platos y a la cama”. Biilie Jean King se convirtió en el símbolo feminista más importante de aquellas décadas, equiparando el tenis femenino a la misma categoría económica que la del tenis masculino. No se la pierda. Entretenida y actual.
Elsa Bragato