PANTALLAZOS (CRÍTICAS DE BRAGATO Y PIERRE)

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jueves, 19 de octubre de 2017

UN PAPA SINGULAR, GEOTORMENTA, SINFONÍA PARA ANA, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 19 DE OCTUBRE DEL 2017



JUEVES 19 DE OCTUBRE DEL 2017.-
Siete estrenos de cine llegan a las pantallas del país, en un “mix” de géneros: ciencia ficción que cae en el romanticismo y tragedias que terminan en noviazgos. Además del terror y de una animación nacional.
AMITYVILLE, EL DESPERTAR
De Franck Khalfoun (Estados Unidos). Una más de la saga Amityville de la que ya se estrenó un film la semana pasada.
“Lo poco bueno que hay en esta cinta reciclada son las actuaciones de los protagonistas, la eficaz atmósfera del veteranísimo fotógrafo Steven Poster, y que su atrabancada producción con dificultades y retrasos en su estreno pueden volverla de culto. Un churrazo de culto, obviamente…”, de José Felipe Coria, Diario El Universal (el estreno fue retrasado más de un año).
OTRA MADRE
De Mariano Luque (Argentina).
“Otra madre” presenta una mirada interesante sobre la maternidad de las distintas generaciones, mostrando su lado luminoso como también los desafíos y el desgaste que esto conlleva. Criar niños, trabajar, sostener a una familia y pensar en uno mismo, una tarea compleja que solo una madre puede tener”, de Samantha Schuster, Cinefiloserial.com.ar
UN PAPÁ SINGULAR
Guion y dirección Mike White. Con Ben Stiller, Austin Abrams, Jenna Fischer, Michael Sheen, entre otros.  Música de Mark Mothersbough. Duración: 101 minutos-
XXXXX- UN NUEVO BEN STILLER
Comedia agridulce y reflexiva que hace reflexionar sobre un padre que no es nada especial ni “singular” quien se replantea sus elecciones de vida y la falta de un éxito notorio cuando viaja de Sacramento a Boston para buscar una universidad para su hijo. Ben Stiller, quien había anunciado su retiro de papeles no comprometidos, retoma el estilo de “La vida secreta de Walter Mitty” donde las tribulaciones de un hombre común y sus reflexiones sobre la vida dejaron a un lado al brillante cómico que siempre fue.
El viaje de “Brad” (Stiller) junto a su hijo Troy  (Austin Abrams)desencadena una crisis de confianza en sí mismo al comparar su vida con la gloria social de sus amigos de escuela. A diferencia de la mayoría, la sociedad consumista está lejos de la tarjeta de crédito de Brad. No obstante, recurre a ellos para darle una gran oportunidad a su hijo que es, a pesar de su edad, un notable pianista. Los cuatro compañeros tienen el éxito en las manos en Hollywood, en bestsellers, en las finanzas. Estas situaciones, que son límites para Brad, mellan su espíritu y, en algún punto, lo rebelan. Sin embargo, un concierto de flauta y violín (las deliciosas Humoresques de Antonin Dvorak) que interpretan dos amigas de su hijo le dan el motivo fundamental para comprender que sus convicciones están en las antípodas del consumismo glorioso.
Ben Stiller es ideal para este rol donde, con gestos y solidez interpretativa, encuentra la revaloración de este viaje profundamente emocional: la necesidad de darle valor a su mujer Melanie (Jenna Fischer) y a su propio estilo de vida, dejando de lado el pragmatismo social reinante. El aspecto más interesante del film está en estas reflexiones que muestran el universo masculino, las exigencias sociales que un hombre tiene, y las frustraciones también cuando la gloria o el éxito está en lo exterior. Brad se lo plantea con profundidad: el fin individual de la vida no está en los oropeles sino en uno mismo.  Esta visión del alma y su “pelea” con un falso razonamiento sobre el éxito es el elemento sustancial de esta película que, más allá de algunas carencias narrativas, logra en Ben Stiller a un soberbio intérprete.
Carlos Pierre
SINFONÍA PARA ANA
De Virna Molina y Ernesto Ardito. Con Isadora Ardito, Rocíio Palacín, Rafael Federman, Ricky Arraga, Rodrigo Noya, Vera Fogwill, Javier Urondo, Mariana Carrizo, Manuel Vicente, Segio Boris, Federico Marrale, Mora Recalde y Leonor Courtoisie. Fotografía de Fernando Molina. Sonido de Gaspar Scheuer. Producción de Aníbal Garisto. Escenografía de Daiana Rosenfeld. Vestuario de Samanta Babic y asistencia de Julieta Bendersky. Duración: 120 minutos.
XXXXX-HOMENAJE A LA LUCHA ESTUDIANTIL
Basada en la novela homónima de Gaby Meik, los reconocidos documentalistas Virna Molina y Ernesto Ardito realizaron este primer largometraje de ficción donde se retrata la vida estudiantil de los años 70 en el Colegio Buenos Aires, esa explosiva mezcla de amor adolescente, política incipiente y rebelión que se vivió en aquella década. Como detalles de producción, el elenco fue elegido entre alumnos y ex alumnos del colegio mencionado y, por primera vez, el Buenos Aires abrió las puertas para una filmación.
Con voz en off de “Ana” (Isadora Ardito), presenta las circunstancias vividas en aquellos años, el mundo de los adolescentes que reaccionan ante el despido de un profesor, así como el surgimiento de la figura de la joven politizada que se enamora y atrae para su grupo el joven inexperto. En aquellos años, el temor, el miedo a “desaparecer”, era ya algo más que una sensación. La historia se ubica a partir de 1974, un año bisagra en la violencia. Los adolescentes probaron los límites de las fuerzas de represión sin conocer los alcances brutales de la misma. Los padres de los alumnos estaban al tanto de que algo más pasaba y trataron de que sus hijos se alejaran de cualquier grupo político. Muchos de ellos sufrieron en carne propia la desaparición de sus hijos. La “política” de los jóvenes estudiantes de los 70 fue toda conmoción e idealismo: enfrentamientos entre los peronistas y los de izquierda, las diferentes agrupaciones estudiantiles del colegio y la interacción, están recreadas a la perfección.
Además de mostrar con fidelidad las circunstancias políticas, Molina y Ardito retratan con profundidad el amor adolescente, la política que los unía y desunía al mismo tiempo, mientras vivían sorprendidos por la imagen del General Perón en su ataúd transmitido durante días por la televisión, el rock de la época y los sueños de libertad propios de esa etapa de la vida.
Molina y Ardito trabajaron encuadres y medios planos con real destreza, sin forzar la narración. Ésta fluye desde el comienzo, se enriquece con los inserts de videos de época (incluyendo tomas de la mítica “La pasión de Juana de Arco”, filmada en 1928 por Carl Dreyer con María Falconetti) y alcanza plenitud en el encuentro de los jóvenes, el refugio en el primer beso, y ese espíritu de eternidad a cada paso que daban propio de la edad, magníficamente logrado. Es el personaje de Ana quien nos introduce en este ejercicio de la memoria por lo que el relato puede ser fragmentado pero tiene hilación por sobre lo que se ve; el clima logrado permite que el espectador sienta, vibre, se emocione. Los flashback no son tales porque la historia se revive en la pantalla como si la conciencia de “Ana” susurrara sus miedos, sus amores y sus convicciones.
Recordar esa década través de una intachable narración basada en hechos reales (del Colegio Buenos Aires desaparecieron 108 alumnos, y la historia se basa en el caso de Magdalena Guilardo, de 15 años, detenida y desaparecida el 8 de julio de 1976) es cubrir un bache generacional a fin de que la memoria siempre esté y el “nunca más” siga vigente.
Esta película acaba de ganar el premio de la crítica como mejor film en el último festival llevado a cabo en la ciudad de Moscú. Es un film de referencia, esclarecedor, que los adolescentes deben ver, acompañados por sus padres. El  “nunca más” se torna una voz permanente en la conciencia de todos.
Elsa Bragato
MÁS ALLÁ DE LA MONTAÑA
De Hany Abu-Assad. Con Idris Elba, Kate Winslet, Beau Bridges, entre otros, además de un noble perro. Fotografía de Mandy Walker. Música de Ramin Djawadi. Basada en la novela homónima de Charles Martin, escritor contemporáneo norteamericano. Duración: 112 minutos.
XXXXX-REMANIDA HISTORIA PERO ATRAPANTE
Nada es nuevo. Sin embargo, esta historia de supervivencia en las montañas atrapa desde el principio por la lograda actuación de dos grandes intérpretes: Kate Winslet como la reportera gráfica “Alex Martin” y el oscarizado Idris Elba como el neurocirujano “Ben Bass”. Previsible en el comienzo y en el final, tiene un cuerpo narrativo con mucho suspenso, atractivo y perturbador al mismo tiempo.
Alex debe llegar en punto para casarse mientras que Ben tiene una neurocirugía urgente en un niño. El aeropuerto se cierra por tormentas y alquilan una avioneta que se arriesga a salir, comandada por Walter (Beau Bridges) quien sale junto a su perro. Pero sufre un ataque en pleno vuelo y el avión se estrella. Sobreviven Alex, Ben y el perro. Y aquí comienza lo más atractivo del film: la supervivencia en medio de la nieve, los aludes, algún animal salvaje que ataca, la forzada caminata hasta otro lugar más acogedor, la amistad naciente entre ellos así como el enojo entre ambos porque cada uno le reprocha al otro el haber subido a esa avioneta, el perro que los guía, aún perdiéndose en la nieve.
Idris Elba y Kate Winslet, tan diferentes, hacen gala de sus respectivas capacidades actorales. Y logran una buena química que surge con más fuerza en algunas secuencias que en otras. Por supuesto, hay muchos elementos que no cierran porque no son razonables en semejantes condiciones inhóspitas como pocas. Y el final, que obviamente callamos, no sorprende. Es aquí donde Hany Abu-Assad no conforma al espectador que conoce la obra del director palestino: demasiado dulzón, almibarado pero también… humano. He aquí el quid de este relato: su humanidad, que solo dos grandes actores pueden transmitir. Y un perro…
Elsa Bragato
GEO-TORMENTA
De Dean Devlin. Con Gerard Butler, Jim Sturgess, Abbie Cornish, Andy García, Ed Harris, A. María Lara, Eugenio Derbes, Daniel Wu, entre otros. Fotografía de Roberto Schaefer. Montaje de Rosen, Lebenzon y Refoua. Música de Pinar Toprak. Duración: 109 minutos.
XXXXX- CIENCIA-FICCIÓN POCHOCLERA
Los efectos especiales son los grandes atractivos de este film que tiene fallas narrativas importantes. Es el primer largometraje de Dean Devlin, estrecho colaborador de Roland Emmerick, el gran generador de “tanques” sobre siniestros terrestres. Y el “maestro” se ve en esta concepción cinematográfica de Devlin que no sale tan mal parado. En este caso, corre el año 2019; los satélites que rodean la tierra, encargados de controlar el calentamiento global, tienen un desperfecto y comienzan a producirse siniestros terribles: las calles de Tokio explotan con magma que destruye calles y derrumba edificios como si fuesen de papel; en Dubai las olas son gigantescas y arrasan con los más altos edificios del mundo; en las costas de Río de Janeiro las aguas se congelan y petrifican a los playeros, mientras que en pleno desierto de Afganistán un patrulla norteamericana encuentra una aldea congelada incluyendo a sus habitantes… como en la mítica Pompeya.
Solo un hombre puede detectar por qué están sucediendo y ése es Jake Lawon (Gerard Butler), quien es el generador del sistema de satélites. Se enfrenta a su hermano menor, Max Lawson (Jim Sturgess) quien es ascendido y echa a Jake hasta que las circunstancias lacrimógenas y finales lo obligan a darle la razón. Jake se traslada a la estación satelital (deja a su hija), reconstruida con una magnificencia extraordinaria, donde deberá detectar el “virus” implantado que ha enloquecido a los satélites.
Hay escenas controversiales como el “vuelo” de Jake y su compañera de la base en pleno cosmos, bastante poco posible, así como la “salvación” del presidente de los Estados Unidos Andrew Palma a cargo de Andy García. Un coche que explota por un misil les es arrojado en plena calle y el auto se incendia: nadie pudo quedar vivo. Sin embargo, desde algún extraño lugar (del set…) surgen el presidente Palma vivito y coleando junto a la agente que encarna Abbie Cornish y “Max Lawson”, el hermano de Jake, que se dio cuenta del complot.
La película es mero entretenimiento de clase B. Es una rama de los grandes tanques de Hollywood que tienen menos sentimentalismo aunque catástrofes similares. Pierde mucha fuerza por el entuerto entre los hermanos siendo absolutamente previsible. No es la mejor película sobre el tema aunque pone un alerta rojo sobre los satélites que monitorean la atmósfera terrestre y la capacidad que tendrían para generar catástrofes nada naturales. Con pochoclo, pasa. Burda y melancólica a la vez.
Elsa Bragato
ANIDA Y EL CIRCO FLOTANTE
Animación de Liliana Romero. Con las voces de Nicolás Scarpino, Gabriela Bevacqua, Adrián Navarro, Alejandro Parker, entre otros. Música original: Scatmusic. Duración: 76 minutos.
XXXXX- MAGIA Y COLOR EN ANIMACIÓN NACIONAL
Preciosa animación nacional que recorrió diferentes festivales obteniendo, entre otros premios, la Mención Especial del Jurado de Animación en el Festival del nuevo cine realizado en La Habana en 2016. Es la historia de Anida, una joven que lee el futuro y que no sale del circo flotante que regentea la villana Justine. Un buen día aparece traído por las aguas un joven, se llama Fígaro y le será encomendada la tarea de mago dado que el otro ha quedado encajonado en un truco propio. A Anida la sigue el sapo Vicente y a Fígaro, el conejo Valentino. Ambos animalitos saben mucho de los secretos del circo y ayudan a los jóvenes a ir desentrañando el pasado del mismo.
Hay escenas oníricas como el vuelo de Anida, la aparición de duendes un tanto malignos, la encantadora melodía de Fígaro al tocar con un arco un noble serrucho. Es decir, Liliana Romero recurrió a toda su imaginación y la de sus colaboradores para armar una historia con muchas aristas pero que, en definitiva, castiga a los malos y premios a los buenos y al amor.
La técnica empleada es la 2D Cut Out que se basa en la fotografía de figuras planas que solo muestran un perfil a las que se puede pintar, como los fondos también, para luego darles la movilidad tradicional al reubicarlas en sus escenarios. Hay riqueza de colores, que tanto atraen a los chicos, y varias canciones muy bonitas que introducen un elemento lindísimo dentro de la animación. Para chicos y papás. Hermosa historia mágica.
Elsa Bragato
PENDEJA PAYASA Y GORDA
De Matías Szulanksi. Con Mirta Wons, Ana de Vicentis, Florencia Benítez, Claudia Schijman. Núsica de Leo y Mateo Sujatovich. Duración: 74 minutos.
XXXXX- MUJERES DE ARMAS TOMAR
Matías Szulanski encaró este segundo largometraje donde lo gore y el absurdo se dan de la mano. Es un thriller que no deja de lado el humor aún en las situaciones más escabrosas. “Natalia López” (Mirta Wons) le encarga a dos mujeres que busquen una persona, la maten y le traigan los dos riñones porque su hermano necesita un trasplante. No siempre las cosas salen bien y “Gorda” se mete en un gran lío. Con flashback volvemos al comienzo de la historia cuando “Natalia” era la capomafia de un grupo d e mujeres y jóvenes varones. Las chicas, desparpajadas y con amoríos, salen en busca del cuerpo humano al que masacran a puras trompadas. No se muestra pero la sangre salpica la cámara y así, tal como viene, la arrancan los riñones.
En este tipo de situaciones extremas la ligan terceros que de alguna manera están involucrados por lo que la sangre no deja de correr. El lenguaje es procaz por momentos y las escenas tienen mucha violencia pero a manera de grotesco. Gente de mal vivir que conoce la droga y mata para conseguir lo que quieren. Por supuesto, Szulanski no pierde el humor y, con la exageración de los personajes, logra un film que atrapa y hace reir al mismo tiempo. Como una buena manera de introducirnos en la vida de cada grupo y de cada personaje, Szulanski divide en capítulos la narración. Sin duda, si bien el elenco está bien, Mirta Wons está fantástica como su colega Claudia Schijamn. Pero, en verdad, nadie desentona. Y con planos más bien cortos, Szulanski logra una película entre el thriller y el gore que orilla el absurdo.
Elsa Bragato

























jueves, 12 de octubre de 2017

KINGSMAN EL CIRCULO DORADO, EL FUTURO QUE VIENE, EL CASTILLO DE CRISTAL, MI MAMA LORA, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 12 DE OCTUBRE DEL 2017



JUEVES 12 DE OCTUBRE DEL 2017.-
Catorce estrenos son un verdadero exceso. Sin embargo, los distribuidores piensan que el fin de semana largo ayudará a que sus productos marchen en alguna medida. Entre los films están:
EL MUÑECO DE NIEVE, del sueco Tomas Alfredson
Es el mismo realizador de “Criaturas de la noche”, con menor perfección, más clishés y buena fotografía, hilvanando datos similares de asesinatos para dar con un asesino serial.
CINCUENTA PRIMAVERAS, de Blandine Lenoir.
“Parte de un material susceptible de caer en el cliché, pero tono, reparto e ingenio a la hora de definir algunas situaciones cómicas logran convertir el resultado final en una singularidad delicada, aguda y contagiosamente vitalista”, de Jordi Costa, Diario El País.
CONDORITO, LA PELÍCULA, de Alex Orrelle y Eduardo Schuldt
Basada en el cómic chileno.
“(…)“Condorito, la película”(…) intenta balancearse en el fino equilibrio entre rendir tributo al elenco y el humor de la historieta original, y aggiornar el material con elementos de cintas infantiles modernas como “Mi villano favorito” cuyo éxito de taquilla pretende emular. El resultado es mixto, poniendo en pantalla una película que no termina de funcionar como humor de adultos o aventura infantil, pero que se torna interesante en su misma crisis de identidad.”, de Diego Labra, Geeky.com
LA SEÑORA HAIDI, de Daniel Alvaredo y Rafael Menéndez
Thriller psicológico encabezado por María Leal. “Bien vale como intento de seguir apostando al terror”, de Matías Orta, Asalallena.com.ar
Agregamos el estreno de MATER de Pablo D’Alo Abba basada en la obra de teatro “Un viento para un violín” del consagrado Claudio Tolcachir, y también “El mensajero”, de Jayson McNamara, documental sobre el director del Buenos Aires Herald, Robert Cox, quien se enfrentó a la dictadura militar. Se estrenó en el BAFICI de este año pasando ahora al circuito comercial.
DELICIA
De Marcelo Mangone. Guion de María Laura Gargarella. Con Hugo Arana, Beatriz Spelzini, Marina Glezer, Juan Ignacio Martínez, entre otros. Música de Darío Ramos Maldonado. Duración: 100 minutos.
XXXXX- AGRADABLE HISTORIA DE AMOR
El desesperado fervor de dos almas solitarias que se encuentran en un pueblo surge cuando Felisa (Beatriz Spelzini) llega, con su leve renguera, a ocupar una vacante de enfermera. El director del hospital le conseguirá un lugar donde vivir, en una de las dos casas lindantes que Amado (Hugo Arana) le ofrecerá a cambio de colaborar en las tareas de la casa.
Felisa descubrirá que su propietario es ciego, muy hosco y huraño, tajante en su trato. La ceguera no es congénita, alguna vez vio la vida en plenitud. Sabe movilizarse cada noche con su bastón blanco para trabajar en la administración de un hotel alojamiento.
Con el paso de los días, Felisa cautivará a Amado, y una noche los descubrirá juntos, buscando redimirse de la soledad. En ese juego alucinado, Amado le confesará que la necesitaba antes. Deletreando su rostro con las manos le pregunta cómo se llama y la enfermera le dice que es “Delicia”.
Esta historia es muy pequeña por lo que con los dos personajes solos se hacía insostenible el guion. Forzadamente se inserta a la hija de Amado, que viene a pedir dinero al padre. La historia busca una salida: el nieto de Amado está gravemente enfermo y va al hospital donde está Felisa. Estos cabos que se logran unir permiten que el film tenga un curso aceptable al darle cierta acción movilizadora.
Son los protagonistas los que llevan el peso de la historia: Hugo Arana quien compone un trabajo actoral difícil porque, según sus propias palabras, debió estudiar en un centro de ciegos el accionar de un no vidente. Y Beatriz Spelzini quien tiene excelencia histriónica dándole sentido a ese amor de la postrimería de la vida.
Hay aciertos y altibajos, pero la solvencia actoral de la pareja protagónica así como la fotografía acompasada y perfeccionista de Martín Nico colaboran para que la sucesión de secuencias a veces reiterativas no hagan sucumbir una muy buena idea. Es una buena realización un tanto apagada.
Carlos Pierre
UN MINUTO DE GLORIA
De Kristina Grozeva y Petar Valchanov. Con Stefan Denolyubov, Margita Gosheva, Milko Lazarov, Kitodar Todorov, entre otros. Música de Hristo Namilev. Duración: 101 minutos.
XXXXX- SÁTIRA SOBRE EL PODER QUE DEGRADA
Los realizadores búlgaros Kristina Grozeva y Petar Valchanov habían sorprendido gratamente con La lección en 2014, una historia sobre bienes robados, denuncia sobre las relaciones de poder y la ética de la Comunidad Europea. En “Un minuto de gloria” siguen en esa misma línea reflexiva sobre la corrupción del poder, las diferencias de clases, a través de un análisis sociopolítico que tiene mucho en común con el cine rumano que conocemos. Específicamente, nos muestran el poder corrupto y las lamentables argucias burocráticas que surgen en una dependencia de los ferrocarriles búlgaros.
El guion está centrado en un reloj de pulsera : desde el comienzo se muestra que es el quid de la historia. Marca la hora temprana de un guardavía, Tsanko Petrov (Stefan Denolyubov), quien recorre diariamente las vías en un verano agobiante.
Un hecho inusual ocurre un día: encuentra cientos de billetes desparramados por las vías. Es una fortuna de dinero contante y sonante. Tsanko decide devolver la totalidad del importe a la policía. Lejos de reportarle algún reconocimiento, es el comienzo de su vulnerabilidad ante la jefa de relaciones públicas del Ministerio de Transporte, quien lo subestima, encarnece, y martiriza con sus artimañas. El rol está a cargo de la actriz Kristina Grozeva, de soberbia actuación.
Con un guion sin fisuras ni cabos sueltos, con una filmación nerviosa, casi salvaje, cámara en mano en muchas escenas, con postproducción que delata un montaje perfecto, los realizadores se valen de un minúsculo objeto para retratar la violencia socioeconómica que aún se vive en Bulgaria. El escarnio al que es sometido el guardavías es una sátira perversa de la humillación hacia el pobre: tartamudo, Tsanko debe dar, como signo de que dice la verdad, su reloj y, en cambio, se le entrega otro nuevo que pronto deja de funcionar. En el reclamo de su pequeño tesoro (su reloj tiene grabado un recordatorio de su padre) se concentra la burla estatal de los poderosos de turno hacia las sociedades sojuzgadas.
El film va más allá de la anécdota y nos muestra la vida del guardavías y de la jefa: él cría conejos en una muy modesta vivienda y ella se inyecta hormonas para ser madre en su oficina, ocultándose de la mirada de curiosos tras la bandera de la Comunidad Europea. Disímiles mundos que se enfrentan por nada, o por la soberbia del poder.
La película es una denuncia rotunda contra la Comunidad Europea y el sistema de gobierno de Bulgaria, teñida por una sátira impiadosa con fuertes trazos de humor negro: el Estado que degrada al individuo. Fue elegida para representar a Bulgaria en los próximos Oscar, buscando integrar la categoría Mejor Película en Lengua no Inglesa. Viene cargada de éxitos en el Festival de Locarno, de Gijón, San Sebastián y Edimburgo. Es una película que conmueve y alecciona.
Carlos Pierre
EL CASTILLO DE CRISTAL
De Destin Cretton. Con Brie Larson, Naomi Watts, Woody Harrelson, Max Greenfield, Sarah Snook, entre otros. Música de Joel P. West.                 Duración: 127 minutos.
XXXXX- MARGINALIDAD REDIMIDA
Drama biográfico basado en las memorias de Jeannette Walls, periodista contemporánea, la mayor de los cuatro hijos de una familia que padeció a  un padre alcohólico y  una madre pintora que se desentiende de la crianza. Ya adolescentes, los hermanos logran salir de esta familia trashumante y vagabunda. Una enorme telaraña de marginalidad los envolvió y sojuzgó durante años.
En su adultez, Jeannette llega a ser quien es, una afamada escritora que logra popularidad con la novela autobiográfica “El castillo de cristal”, donde narra las desventuras que vivieron ella y sus hermanos con absoluta crudeza. En esta disfuncionalidad social Jeannette tiene, sin embargo, un ejemplo: el sentido de la supervivencia de su padre, hombre brillante para las matemáticas devenido en pordiosero. El “castillo de cristal” es justamente la casa que el padre imaginó para su familia, y que no logró. Solo después del fallecimiento de su padre, Jeannette pudo volcar sus vivencias en un libro, que tuvo un éxito rotundo en los Estados Unidos, siendo editado en más de 20 países.
El clima generado por Destin Creston es sobrecogedor: los cuatro hermanos aprenden a vivir solos dentro de la miserabilidad, solo la unión entre ellos les permite subsistir a las vicisitudes generadas por un padre díscolo y magnético a la vez y una madre que no es tal. La zozobra y la precariedad en la que deben criarse está expuesta con rigor y violencia por Cretton, partiendo de un guion por momentos fragmentado de Marti Novon, quien no ahorra momentos estremecedores, perturbadores y hasta brutales de la vivencia de estos niños.
Es una historia desgarradora, profundamente emotiva, que, a lo largo de más de dos horas, muestra notables performances de Brie Larson, Naomí Watts y Woody Harrelson, de más que probada solvencia. La historia de la familia Walls duele.
Carlos Pierre
EL FUTURO QUE VIENE
Guion y dirección de Constanza Novick. Con Dolores Fonzi, Pilar Gamboa, José Manuel Yazpik, Valeria Lois, Flor Dyszel, Charo Dolz Doval, Victoria Parrado, entre otros. Duración: 85 minutos.
XXXXX- LA AMISTAD A TRAVÉS DEL TIEMPO
La amistad de dos mujeres, los vaivenes de esta relación cuando viene el amor, la maternidad y el divorcio posterior, el paso del tiempo en la relación de dos amigas es el tema de esta ópera prima que acaba de ser presentada por su guionista y directora Constanza Novick en el Festival de Toronto. Novick tiene una dilatada trayectoria en el medio televisivo (El sodero de mi vida, Son amores y Soy tu fan) así como ya incursionó en el cine (Sabés nadar, de Diego Kaplan, 2002) nos muestra, después de cinco años de preparación, el viaje emocional de dos mujeres, amigas desde la niñez. Recurrió a la amistad entre Romina (Dolores Fonzi) y Flor (Pilar Gamboa), que se transforma en un hecho omnisciente: la amistad en sí misma.
Novick dividió el guion en tres partes porque “no me llevo bien con los flashbacks”, situando a las protagonistas en los tres momentos cruciales de la vida: la niñez, la adolescencia y la adultez. Es decir, construir la narración a través del tiempo. Sin duda, su experiencia en la televisión (o sea el formato de tira diaria) le permitió darle ritmo, agilidad, a su propuesta, que está bien contada y entretenida utilizando un lenguaje directo y actitudes muy espontáneas de las actrices, algo que habla de una positiva dirección actoral.
La historia muta, cambia, según los años y la concepción muy clara del universo femenino como pilar de la narración donde los varones no ocupan el primer lugar. En ese río que fluye, que es la vida misma, Dolores Fonzi y Pilar Gamboa salen a salvo por la excelencia actoral de ambas y porque, sin lugar a dudas, saben expresar sentimientos y reacciones propias de las mujeres. Para Constanza Novick esta primera ópera prima augura un futuro más que promisorio entre las nuevas directoras nacionales.
Carlos Pierre
KINGSMAN: EL CIRCULO DORADO
De Mathew Vaughn. Con Taron Egerton, Colin Firth, Julianne Moore, Mark Strong, Halle Berry, Pedro Pascal, CHanning Tatum, Jeff Bridges, Elton John, entre otros. Música de Henry Jackman y Matthew Margeson. Fotografía de George Richmond. Duración: 141 minutos.
XXXXX- PURO ENTRETENIMIENTO EFICAZ
Teniendo coproducción de Inglaterra y los Estados Unidos, esta secuela de “Kingsman” que protagoniza Colin Firth nos regala una suerte de “James Bond” aggiornado y con mucha tela para cortar. Hay acción desde el inicio en una persecución de no menos de 15 minutos que quita el aliento cuando el agente “Eggsy” (Taron Egerton) es perseguido por una organización que lo quiere aniquilar. Un coche a lo James bond le permite sortear balazos, misiles, y hasta sumergirse en el Támesis para aparecer en un lugar secreto donde está su actual mentor. El agente creador de la agencia, que sigue manteniendo la vidriera con exclusivos trajes masculinos, “Harry Hart” (Colin Firth), recibió un tiro en la cabeza al finalizar la primera película por lo que su presencia no es factible. Pero estamos en el cine y aparece en un lugar muy especial, encerrado en un cuarto a prueba de locura, y cuidado por un Channing Tatum estilo “cowboy”.
La trama es bastante atravesada, plagada de persecusiones que levantan el ánimo del espectador y alteran la pulsación, con insólitas apariciones como “Poppy”, una extravagante villana encarnada por Julianne Moore, que creó “Poppylandia”, una suerte de gusto kitsch para recrear un bar con una intimidadora máquina de picar carne gigante. Temible es Poppy. Hay toques inevitables a Quentin Tarantino y a la comedia musical “Sweenney Todd” donde lo siniestro está presente.
El film es muy extenso, casi tres horas. Sin embargo, resulta muy entretenido: las secuencias de luchas de todo tipo ocupan gran parte de la narración propuesta, donde hay una muy buena dosis de locura y hasta de incongruencia para desatar la furia de los enemigos de “Harry Hart” y “Eggsy” y sus amigos. Se puede pensar en una exageración de efectos especiales pero, aun así, resultan asombrosos y atrapantes. Es para divertirse a lo grande!
Elsa Bragato
LOS PERROS
Guion y dirección de Marcela Said. Con Antonia Zeger, Alfredo Castro, Rafael Spregelburd, Alfredo Sieveking, entre otros. Música deGregoire Auger.                                                       Duración: 100 minutos. Coproducción Chile, Francia, Argentina, Alemania y Portugal.
XXXXX- CRÍMENES QUE PESAN             
Marcela Said es una realizadora chilena de documentales que recorrieron festivales, logrando innumerables premios europeos y americanos no exentos de política. Casada con un francés, de nacionalidad francesa aunque de origen chileno, ha retratado la dictadura de Pinochet con pinceladas fuertes y precisas dejando bien en claro que es un estigma para su país de origen, donde hoy vive. También incursionó en la ficción: su primer largometraje “El verano de los peces voladores” gozó de la misma aprobación que sus trabajos anteriores.
“Los perros” es la reflexión respecto de la complicidad y la impunidad del mundo civil en la aciaga dictadura que vivió Chile. Said no se detuvo hasta entrevistar a varios militares procesados por violación a los derechos humanos, comprendiendo tal vez que fueron ejecutores de un entramado económico a fin de instaurar sus políticas por medio de la violencia más atroz.  Se implantó un sistema económico de libre mercado que benefició a la burguesía de ultraderecha, que apoyó el golpe de estado y hoy sigue sin asumir ninguna responsabilidad. Chile fue el país “piloto”. Luego la mano mortal del “tea party” del subdesarrollo se extendió a Argentina, Uruguay, Paraguay, Bolivia, entre otros países.
El mundo civil pertrechado en su riqueza es mostrado sin vueltas. La protagonista, Mariana (Antonia Zeger), pertenece a esa burguesía chilena cómplice de la dictadura. Es menospreciada por su padre, colaborador del horror, y dejada de lado por su esposo argentino (encarnado por Rafael Spregelburd). Atraída por su profesor de equitación (Alfredo Castro), un ex coronel del ejército con oscuro pasado, está signada por un pasado que no ha dejado de gravitar en el país: su padre se ha desentendido de los crímenes mientras que su profesor lucha por olvidar. El contexto es agobiante y plagado de silentes culpas. Mariana deambula desprejuiciadamente buscando un amor gracias al respaldo que le da la holgura económica de su clase. Aun así no escapa al clima sombrío de una vida con sabor amargo que la realizadora Said muestra sin retaceo. Tema fuerte y sin concesiones que la realizadora franco-chilena desarrolla con precisión, alcanzando premios en San Sebastián, Cannes, Berlín, Sundance y en el reciente Festival Internacional de Cine de Tucumán.
Carlos Pierre
LÍNEA MORTAL
De Niels Arden Oplev. Con Ellen Page, Diego Luna, James Norton, Jiersey Clemons, Kiefer Sutherland, Daniela Barbosa, entre otros. Música de Nathan Barr. Fotografía de Eric Kress. Duración: 108 minutos.
XXXXX-COQUETEO CON LA MUERTE
Remake del film estrenado en 1990, “Línea mortal” entretiene de principio a fin aunque caiga en secuencias triviales que sacan del clima tenso creado. Cuatro jóvenes médicos siguen la búsqueda del “más allá” que prueba la  doctora Courtney. A través de un suceso trágico sufrido, quiere comprobar si hay vida en el más allá, dado que pudo comprobar que el cerebro tiene reacciones aún cuando se declara la muerte de una persona. La experiencia consiste en que sus compañeros la “maten” con una substancia y a los dos minutos comiencen con las tareas de reanimación. Diego Luna en el rol de “Ray”, un médico con experiencia, forma parte de este elenco, así como Kiefer Sutherland es el profesor Barry Wolfson y James Norton el atribulado médico Jamie.
Las experiencias se llevan a cabo y uno a uno de los cinco quieren probar el gusto del “más allá” mientras graban un mapeo del cerebro. Es aquí donde la película cobra otro ritmo con efectos especiales que muestran a cada médico deambulando por sus pasados, por sus sueños, hasta que, en el momento de la resucitación, ese mundo idílico para algunos y pesadillesco para otros se congela. Las experiencias tendrán consecuencias y el realizador de “Millenium” se encarga de mostrar que el coqueteo con la muerte nunca es gratis.
Aun con altibajos por cierta liviandad, hay una primera parte muy intensa que genera auténtica perturbación. No está mal tan mal si bien no hay profundización de personajes ni de situaciones.
Elsa Bragato
MI MAMÁ LORA
De Martin Musarra. Con Valentina Marconi, Natalia Señorales, entre otros. Música de Yair Hilal. Duración: 80 minutos. Animacion y ficción dentro del realismo mágico.
XXXXX- BELLA HISTORIA PARA TODAS LAS EDADES
Atreverse en la época de los superefectos especiales a narrar una historia que une animación con ficción es una proeza. Más aún cuando se hace con un presupuesto acotado y, en verdad, el realismo y la magia dependen de la creatividad del realizador. Es el caso de “Mi mamá Lora”, primer largometraje de Martín Musarra quien, con pocos elementos, creó una bella fantasía.
“Juana”, interpretada por la queridble Valentina Marconi, es una niña de 11 años que desconoce el origen de la familia materna. Su abuela le lee todas las noches algún cuento de personas que se convirtieron en animales hasta que su hija, la mamá de Juanita, le pide que no lo haga más porque nadie sabe que ellos tienen el poder de convertirse en animales. El cuento del “Héctor” en verdad ha sido la realidad de todos ellos, de granjero pasó a sapo.
La escuela, los amigos, la solidaridad de Juanita, son otros condimentos de este film muy bien realizado por su ingenio, porque el guion jamás decae y porque los elementos técnicos están muy bien utilizados por Musarra: desde la fotografía, con fuerte colorido a la manera de un cuento gráfico, hasta las actuaciones. Ana se transforma en Lora en cuanto firma el acuerdo para que Juana vaya a un campamento y solo hay tres días para devolverle a la forma humana. Un hombre oscuro y los paisajes entrerrianos acompañan esta disfrutable historia que merece todo el apoyo. El realismo mágico es un género muy poco frecuentado en nuestro cine, por lo que Musarra ha superado el desafío de devolver la fantasía a la pantalla nacional, luego de que su opera prima fuese recibida con todos los honores en festivales internacionales de cine. Para chicos y grandes, “Mi mamá lora” es una bella fábula que tiene moraleja, como debe ser: la amistad, la solidaridad, el ser buena gente. Vayan a verla porque el pequeño presupuesto es lo de menos. Aquí vale la realización y el ingenio de un talentoso director.
Elsa Bragato