UNA BATALLA TRAS OTRA, BELÉN, LA GRAN AMBICIÓN, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 25 DE SETIEMBRE DEL 2025

JUEVES 25 DE SETIEMBRE DEL 2025

UNA BATALLA TRAS OTRA

Dirección y guion de Paul Thomas Anderson. Con Leonardo Di Caprio, Sean Penn, Benicio del Toro, Teyana Taylor, entre otros. Fotografía de Paul T. Anderson Y Michael Bauman, Música de Jonny Greenwood. Duración: 170 minutos. Basada en la novela Vineland de Thmas Pynchon. Distribuye Warner Bros,

XXXX – DESCOMUNIAL DENUNCIA DEL FASCISMO NORTEAMERICANO

Ingresar a los Estados Unidos, salvo un vuelo casi directo hacia Disneyword, via Miami, es toparse con un país en guerra con el mundo y hacia adentro, una guerra social que por momentos se descubre y la mayoría de las veces està tapada por una gran nube de una democracia déspota, tirana.

El film de Paul Thomas Anderson, uno de los talentos notables de fines del siglo XX y comienzos del XXI, profundo conocedor del medio audiovisual, es una descomunal crítica a la soberbia norteamericana y a la desigualdad social palpable, con ese viraje hacia el fascismo desenmascarado del presidente Donald Trump, porque el fascismo larvado siempre estuvo.

Leonardo Di Caprio compone a un activista del grupo El 47 francés (alude al cañón de 75 mm de 1897 que fuese usado en la Primera Guerra Mundial como arma por excelencia), experto en bombas caseras, que ayuda al grupo de marginales empoderados que quieren liberar a los niños inmigrantes encerrados en “jaulas” por orden de Trump, en la frontera con México. Es la “pastillita” que actúa como excusa para el lucimiento del elenco coral, entre quienes se destacan Sean Penn y Benicio del Toro, en esta historia de feroz denuncia. 

El clima que genera Anderson es de furia social, de sarcasmo político, entre denuncias y acciones que hacen saltar de la butaca. Aunque lo esencial sigue siendo la valentía para afrontar sin cortapisas una realidad social asfixiante que hoy vive el norteamericano y que, en su gran mayoría, no acepta. Las batallas son cotidianas, se dan en lo social y en las familias, entre un padre y una hija, y es otro de los temas del realizador de “Magnolia”, afamado y criticado. 

El trabajo de postproducción agrega el resto: una música especial de Jonny Greenwood, entre hip hop y jazz, con alguna canción como Dirty Work, amable luego de furiosos sonidos. La banda sonora está trabajada con el sonido por lo que música y explosiones van de la mano. Mientras que la narración tiene la característica de Anderson: tomas cortas y mucho travelling, algún plano corto y toda la parafernalia que Hollywood conoce bien para que la acción sea trepidante. En verdad, de los últimos estrenos internacionales, es una de las películas más potentes que llegan a nuestras salas, con una marca de verismo, de realidad, concomitante con el hoy de la sociedad norteamericana, fragmentada con políticos que utilizan las armas del Estado en contra de ciertos sectores sociales empobrecidos que crecen cada vez más en la otrora democracia por excelencia. No deje de verla.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

LA GRAN AMBICIÓN

De Andrea Segre. Con Elio Germano, Roberto Citran, Stefano Abbati, Paolo Pierobon, Francesco Acquaroli, Andrea Pennacchi, Elena Radonicich, entre otros. Guion de Andrea Segre y Marco Pettenello. Fotografía de Benoit Dervaux, Edición de Jacopo Quadri, Producción de Alessandro Vannucci, Música de Iosonouncane, Vestuario de Silvia Segoloni, Sonido de Alessandro Palmerini. Coproducción de Italia, Bélgica y Bulgaria. Duración: 123 minutos. Distribuye Zeta Films.

XXXX – AGUAFUERTE DE LA SOCIEDAD ITALIANA DE LOS 70

Conociendo al pueblo italiano, se comprende este tipo de películas donde la política y sus diversas ideologías pueden expresarse con libertad. No es común en gran parte del mundo. En el caso de “La gran Ambición”, el realizador Andrea Segre centra la historia en el líder del Partido Comunista Italiano Enrico Berlinguer en su período de mayor apogeo, entre 1973 y 1978. Sus ideales y esa gran ambición de la que nos habla la propuesta fueron básicamente dos: uno, que el partido Comunista de Italia fuese independiente de las directivas de Moscú y, segundo, lograr una unión con el líder de la democracia cristiana Aldo Moro para alcanzar el poder sin imposiciones, sino con el voto espontáneo de las clases obreras italianas. 

El transcurso narrativo va mostrando a los luchadores de entonces en gran concomitancia con los sucesos políticos de Chile y el advenimiento de Salvador Allende al poder así como la intromisión de los Estados Unidos a través del dictador Augusto Pinochet y el derrocamiento del gobierno comunista. La personificación de diferentes lideres peninsulares como Luciano Barca, Armando Cossutta, Amintore Fanfani, Umberto Terracini, incluyendo al dueño de la Fiat Giovanni Annelli, entre otros, otorgan el clima de nerviosismo sociopolítico que se vivía en los 70 con Berlinguer a la cabeza de reuniones, incluso en Moscú. Contrasta la idea de Berlinguer sobre un comunismo que tendiera al socialismo y de esta manera a la democracia con la idea que hoy se ha impuesto sobre esa ideología. 

El secuestro y asesinato del líder democristiano Aldo Moro con quien Berlinguer mantenía buena relación destruyó la alianza con el premier Giulio Andreotti y la posibilidad de diálogo e intercambio de cargos en el parlamento, hecho que le hubiese permitido a Berlinguer que su partido alcanzase el poder.

Técnicamente, la película de Andrea Segre tiene un ritmo trepidante, no da tregua entre reuniones políticas y la familia expectante de Berlinguer, padre de tres hijos. La fotografía está virada al sepia, eventualmente a un blanco y negro grisáceo, y se logra un clima de agitación social con algunos inserts de la época como el adiós del pueblo romano a Aldo Moro con la presencia de notables figuras como la del actor Marcello Mastroianni.

Es de destacar el dinamismo de las secuencias por lo que los temas áridos como reuniones políticas se tornan atrapantes. Al mismo tiempo va dejando interrogantes sobre el movimiento de las democracias en nuestro continente, razonamiento inevitable. Así como los diálogos son precisos, incluyendo la reacción de los hijos adolescentes de Berlinguer y su rebeldía ante la ausencia paterna. Un acierto de los guionistas para darle un matiz humano a una figura emblemática de la política italiana que, por momentos, tuvo un paralelismo dramático con los hechos vividos en nuestro continente. Un gran film, sin duda, con notable actuación de Elio Germano, que retoma el género que fuese base de la cinematografía de Costa Gavras como su memorable “Missing” protagonizada por Jack Lemmon. Es un cine sin miedo.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

BELEN

Dirección de Dolores Fonzi. Pool de guionistas basado en la novela de Ana Correa y en un hecho real. Fotografía de Javier Julia, Mùsica de Marilina Bertoldi. Con Dolores Fonzi, Laura Paredes, Julieta Cardinali, Camila Plaate, entre otros. Duración: 105 minutos. Distribuye Prime Video.

Película elegida por la Academia de Artes y Ciencias cinematográficas para representar a la Argentina en los Premios Oscar y en los Goya, de España. La actriz Camila Plaate acaba de ser premiada por su actuación en el film en el reciente festival de cine de San Sebastián.

XXX – FUERTE ALEGATO POR LA DEMOCRACIA

Antes de hacer un breve comentario del film, es necesario destacar el crecimiento artístico de Dolores Fonzi, hoy en pareja con el director Santiago Mitre (ex de Gael García Bernal, el actor mexicano con quien tuvo dos hijos).

La propuesta de la aun novel directora Fonzi se basa en un hecho real ocurrido en Tucumán 2014, cuando una joven recurrió al médico por un fuerte dolor abdominal y descubrió que estaba teniendo un aborto espontáneo sin saber que habìa estado embarazada. De allì pasó a la cárcel donde fue condenada a varios años por homicidio agravado por el vínculo.

A partir de esta tremenda premisa, Dolores Fonzi y sus coguionistas van detallando los pormenores del suplicio de esta joven, Belén, quien creyó usar un derecho y terminó siendo condenada por asesina. Siendo de destacar la lucha de su abogada hasta lograr la absolución de su cliente. La película pone sobre el tapete el machismo, los rastros de feudalismo mental de los conservadores de este país, y obliga a repensar sobre el verdadero feminismo. El caso llegó a tener difusión internacional por lo que el tema del film tiene una furiosa actualidad.

En verdad, sin entrar en detalles que serían espoilers, se plasma un fuerte reclamo por la libertad en todos sus aspectos, en algunos momentos el lineamiento político es anti oficialista, y es tambièn una clara condena a la arbitrariedad que los civiles vivimos.

Según el diario Infobae, la joven fue absuelta en estos días por la Corte Suprema de Justicia de su país y es ella misma quien ha confesado que no quiere volver a Tucumán y ubicarse en el conurbano bonaerense junto a su novio y recomenzar su vida.

Con una lìnea sociopolítico bien definida, con actuaciones que han merecido el beneplácito internacional y premios, como detallamos en el copete, Belén tiene una base positiva para competir con los dos premios más influyentes del cine internacional.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

ENSENADA 55

Documental de Hugo Crexell.

XXXX – VIVIDO RELADO SOBRE LOS DOS BOMBARDEOS DEL 55

“Ensenada 55” nos remite a los bombardeos a civiles que sufrimos los días 16 de junio y 16 de setiembre de 1955 respectivamente hasta derrocar al entonces presidente General Perón. Como quien suscribe esto es de alguna manera sobreviviente de estos abominables hechos, paso a hablar en primera persona.

Siempre me llamó la atención que se olvidara el 16 de setiembre como el ataque del almirante Isaac Rojas a la ciudad de Buenos Aires, del que quedan algunos boquetes por un par de torpedos tirados desde el Rìo de la Plata en edificios cercanos a la ribera. Hugo Crexel profundiza en la historia dado que su padre, de quien heredó nombre y apellido, era aviador naval, de la facción leal al general Perón y fue llamado por éste para que redujera a Isaac Rojas que estaba al frente de la “revoluciòn libertadora” desde el mar y había tomado la Base Naval de Ensenada. Las luchas fratricidas ocurrieron mucho antes del 16 de setiembre, día clave por la renuncia de Perón y su embarque en la Cañonera que lo trasladó al Paraguay. Crexel padre bombardeó la base naval, así como cayeron bombas en el barrio costero derribando 11 casas. En una de ellas, vivía el ferroviario Rodolfo Cholo Ortiz que murió bajo los escombros. Su hijo, Rodolfo, dialogó frente a cámaras con Crexel dando detalles y mostrando los vestigios que quedaron del bombardeo. 

Finalmente, queda al descubierto una lucha fratricida que la “historia oficial liberal” impuso durante décadas: hubo civiles muertos, no solo en la Plaza de Mayo sino también dentro de la ciudad de Buenos Aires así como, en este caso, en Ensenada. No fue una guerra “sin sangre”. Damos fe de ello rescatando al director Hugo Crexel por traer a la pantalla grande un hecho histórico que se ocultó deliberadamente. No se tuvo en cuenta que siempre quedan esquirlas, y, en este caso, una de ellas saltó por el lugar menos previsto: el cine. 

Elsa Bragato, Actoresonline.com

LÓPEZ, EL HOMBRE QUE DESAPARECIO DOS VECES

Documental de Jorge Leandro Colàs.

XXXX – DESAPARECIDO EN DEMOCRACIA

El caso del testigo Jorge Julio López significó uno de los momentos más dramáticos del gobierno del ex presidente Néstor Kircher. Se trata del albañil que fue desaparecido por la última dictadura cívico-militar en octubre de 1976 y que fue testigo contra el torturador Etchecolaz en el 2006, dando testimonios de torturas y de las personas que conoció malheridas, gritando de dolor, hombres y mujeres a los que también vio desaparecer bajo la mirada demoníaca del representante de Videla.

Lo que nadie podía esperar, y es lo que se cuenta en el documental a partir del testimonio del hijo de Lopez, Rubén, es que el testigo clave – su padre-  volviera a desaparecer exactamente el 18 de setiembre del 2006. Los análisis realizados por los organismos pertinentes indicaron la presencia de personal policial presente, siempre los mismos, y además del staff de la ex dictadura cívico militar, en los momentos en que López atestiguaba con pelos y señales. Pero desapareció muy temprano de su casa una mañana. 

El documental tiene, en principio, el clima de angustia que generó el caso en sí: ver con vida a López atestiguando sabiendo que desaparecería. El director Colás logra una historia dramática real con los recursos propios del documental teniendo a favor el caso en sí mismo, no resuelto y sumamente doloroso. Vale la pena ver este film porque la memoria debe estar activa siempre. El Nunca Más se hace presente otra vez.

Elsa Bragato, actoresonline.com

EL RETRATO DE MI PADRE

Documental de Juan Ignacio Fernández. Música de Hernán González Villamil, piezas de piano de Juan José Fernández Salaberria. Uruguay.

XXX-BUSCANDO LAS RAÍCES PATERNAS

El documental “El retrato de mi padre” del realizador uruguayo Juan Ignacio Fernández es una búsqueda de raíces, de comprensión, de amor hacia un padre que un buen día apareció ahogado en las costas del Uruguay. Y los motivos siguen siendo poco claros. Encuentra una caja con recuerdos, y eso lo moviliza. Habla con su madre, recorre el lugar donde apareció el cuerpo, habla con los añosos lugareños.

Fernández busca lo inasible, el amor paterno que se perdió primero cuando sus padres se separaron a sus 4 años y, luego, con la muerte del mismo de manera extraña.

Técnicamente el film resulta, a pesar del dramatismo, atractivo por la utilización de tomas zenitales que muestran una mano que va cambiando fotos, recuerdos, para luego ir a las entrevistas breves con la gente del lugar. No hay respuestas, pero sí una búsqueda a través de medios diversos, recuerdos del fallecido, charlas, una forma de reconstrucción de una persona que ya no está pero de la que quedan su música tan extraña y sus adicciones como referentes de su existencia física. 

De la nada misma, Fernández reconstruye una vida que hace a sus raíces, a su ser mismo. Desde ese punto de vista, rescatamos este documental que, sin tener al protagonista, logra hacerlo presente desde el amor y la técnica.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

OTROS FILMS PREVISTOS DE ESTRENO ESTE JUEVES:

1) CAZADORES DEL FIN DEL MUNDO, de JJ. Perry. Con Samuel J. Jackson. Luego de que la Tierra hubiese sufrido una brutal llamarada solar que quemó Europa, un cazador de fortunas decide embarcarse para recuperar la Mona Lisa. Aventuras sin fin con Samuel J. Jackson al frente un elenco disímil.

2) HAMILTON, de Thomas Call. Llega con bastante retraso esta película que es la filmación del musical homónimo filmado en Broadway con su elenco original, y que honra a la figura de uno de los fundadores de los Estados Unidos (al cierre de esta edición no estaban confirmadas las salas para su visualización).

3) LA CASA DE MUÑEZAS DE GAGGY, LA PELÌCULA. La serie que tuviese tanto éxito llega a la pantalla grande embarcando a Gabby con su abuela Gigi en un estupendo viaje hacia el país de San Gatisco. Se unen animación y figuras de carne y hueso en un film para toda la familia. Sin más pretensiones.

4) CAMINA O MUERE, de Francis Lawrence. Se basa en la primera novela del afamado y aplaudido Stephen King. Cien adolescentes tienen que caminar sin detenerse porque esto significará la muerte. Espeluznante y agotadora también por la tensión que genera en el espectador.

5) LA COLINA DE LAS AMAPOLAS, de Goro Mihazaki. Ubicada en la década del 60, dos estudiantes intentan salvar el viejo edificio escolar, al mismo tiempo que surgen recuerdos familiares de toda índole y el amor juvenil. Animación que llega con bastante retraso al país.

EL SUEÑO IMPOSIBLE, LA LUZ QUE IMAGINAMOS, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 18 DE SETIEMBRE DEL 2025

JUEVES 18 DE SETIEMBRE DEL 2025

EL SUEÑO IMPOSIBLE. FAMILIA DE ARTISTAS

De Paula Romero Levit. Con la participación de Ingrid Pelicori Irina Alonso, Angela Alonso. Claudio Da Passano, Arturo Puig, Ana María Picchio, Ricardo Darín, Puma Goity, Josè Martínez Suárez. Duración: 112 minutos. Distribuye Años Luz.

XXXX – DOS HERMANAS EN UN MUNDO DE ESTRELLAS

Las hijas del gran actor Ernesto Bianco y de la actriz Iris Alonso, Ingrid Pelicori e Irina Alonso (una tomó el apellido real del papà y la otra, el de la mamá) nos sumergen en un mundo de nostalgias, de arte, de familia, una singularidad que solo se vive para quienes tienen ese regalo divino de nacer en el seno de actores, actrices, mùsicos, cantantes. Es decir, un mundo de artistas.

La idea es una biopic familiar filmada con particularidades que  la transforman en un documental muy emotivo haciendo justicia a nombres de grandes intérpretes nacionales. Para quienes tuvimos el honor y el placer de ver en televisión, al menos, a Ernesto Bianco, recordando sus pasos de comedia con la vedette y actriz Susana Brunetti, por ejemplo, fue traernos el recuerdo de una figura inolvidable por prestancia y por calidad actoral.  Y ciertamente tuvimos muy presente lo que las dos actrices dicen: entonces no se aceptaba que un actor de fuste, de trayectoria dentro de los clásicos, incursionara como comediante en la televisión. Era muy criticado. Pero Bianco superó con creces tales comentarios al regalarnos personajes de comedia con el glamour de quien maneja los hilos histriónicos con excelencia.

Ingrid e Irina se llevan 10 años. La primera vio morir a su papá a los 20, y ambas extrañan un día con èl, una tarde, un sueño imposible que recuperan con fotos de toda una familia dedicada al arte como fueron los Alonso aunque su mamá Iris optara por el hogar luego de un período de actuación.

Los recuerdos van pasando ante la mirada del  espectador unida a la palabra de queridísimos actores de hoy como Arturo Puig, Ricardo Darín que no llegó a trabajar pero lo admiró, con Blanco o el Puma Goity entre otros, que hoy encarna a Cyrano de Bergerac, la última obra que llevó a Ernesto Bianco al teatro San Martín en setiembre de 1977. A las pocas semanas, tras un éxito arrollador, tuvo que suspender las funciones. El 1ro de octubre fallecía en su hogar con 55 años, estando en lo más alto de su carrera.

Esa ausencia repentina de alguien admirado como padre se cuela en fotos y videos que las hermanas Pelicori-Alonso van descubriendo ante la cámara.  Hay sonrisas, respeto por esos cinco hermanos Alonso que fueron artistas, por su padre, y esa lágrima que no cae pero se presiente en los diálogos por la ausencia de tantos seres queridos y de papá Ernesto, alto, buen mozo, notable persona y actor. Es un documental sencillo por la propuesta aunque enriquecido narrativamente con valiosos inserts de aquellos años, que las dos hermanas actrices optan por mostrar como descendientes orgullosas de una familia  de artistas.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

LA LUZ QUE IMAGINAMOS

Dirección y guion de Payal Kapadia, con Kani Kusruti, Divya Prabha, entre otros. Fotografía de Ranabir Das. Mùsica de Dhritiman Das. Coproducción India, Francia, Países Bajos, Luxemburgo, Suiza y Estados Unidos, entre otros. Duración: 118 minutos.

XXXX – LA VIDA QUE DEBEMOS VIVIR

Premiada en el 2021 en Cannes con el Golden Eye, la directora india Payal Kapadia, en su primer largometraje de ficción, encara una narración de altísimo vuelo poético en medio del pragmatismo de una gigantesca ciudad como Mumbai, donde una población de miles de personas lucha el día a día lejos de la atracción visual que propone el lugar.

La historia se centra en tres mujeres que trabajan en el  hospital de la zona, Prabha tiene a su marido en Alemania, Anu busca ser feliz con su novio lejos de su familia, y la mayor de ellas, acaba de enviudar y es echada del lugar donde vive. Con ella se van las dos jóvenes mujeres a un lugar de la costa para empezar a vivir la vida que tienen y no la vida que les imponen.

Resulta muy interesante la forma de encarar la propuesta de Kapadia quien se vale de los rostros de sus tres magníficas actrices en close up, de las expresiones, de las miradas más que de las palabras, plasmando un tono menor e intimista a los diálogos casi susurrados, matizados con silencios extensos. La propuesta se da desde el comienzo de la película con el trabajo de la cámara a partir de una larga toma secuencia, que repetirá varias veces, una suerte de escapismo de las tres protagonistas para ser ellas mismas. Por eso es, al mismo tiempo, una cámara subjetiva, que supera el pragmatismo cotidiano del hospital donde trabajan, aportando un clima poético y subyugante que llega a emocionar.

Es decir, Pakadia parte de lo general, la descripción de una ciudad gigantesca con millones de habitantes, para ir a lo individual, a sus tres actrices. La lucha es vivir la vida que tienen, encontrar esa luz que imaginan que no es otra que la luz de la libertad individual, la realización de ser lo que uno quiere y no lo que se impone. La directora Pakodia logra un lirismo etéreo a través de una fotografía que busca en lo que no se dice, en las miradas o en un cielo oscuro, la resolución de cada conflicto. Surge entonces una especie de realismo mágico en una narración que entrelaza lo subjetivo con la realidad, lo que se siente a través de miradas profundas con lo prosaico, lo cotidiano.

La realizadora india logra el milagro de dibujar el sentimiento de tres almas femeninas entre rebeliones silenciosas y la perseverancia de ser lo que sienten. Es un cine propio de la sensibilidad femenina, sin dejar de lado la rudeza de las complejas sociedades en las que vivimos.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

OTRAS PELÍCULAS CUYOS ESTRENOS ESTÁN PREVISTO PARA ESTE JUEVES

1)       PAPÁ POR DOS, de Hernán Guerschuny, con Benjamín Vicuña, Celeste Cid, entre otros. Benjamín Vicuña encarna a un hombre enamorado de una joven mujer, que quedó embarazada de su ex. La comedia se centra en la forzada convivencia de Vicuña con el ex de su novia (Celeste Cid), empeñado en hacerse cargo del embarazo de su ex. Se producen escenas risueñas, dentro de un estilo de cine afín al gusto popular, sencillo y directo.

2)       NOISE: SONIDOS DEL MÁS ALLÁ, DE Kim Soo-Jinn, Corea del Sur. Una mujer sorda descubre un misterioso secreto del más allá. El film se vale de una vuelta de tuerca a los clásicos “sustos” del cine oriental en el género del terror. No escatima ningún gag. Es una película para un target definido de público que ama sentir estos miedos extremos en una sala de cine.

EL CUADRO ROBADO, VERANO TRIPPIN, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 11 DE SETIEMBRE DEL 2025

JUEVES 11 DE SETIEMBRE DEL 2025

EL CUADRO ROBADO

Direcciòn y guion de Pascal Bonitzer. Con Alex Lutz, Louise Chevillote, Lea Drueker, Nora Hamzawi, entre otros. Fotografía de Pierre Milon, Música de Alexei Aigui, Duración: 91 minutos. Francia.

XXX – COMEDIA FRANCESA SOBRE UN HECHO REAL

Pascal Bonitzer se basa en un hecho real ocurrido con una obra del pintor Egon Schiele, casi toda destruida por los nazis dado que la consideraban “pornográfica” por los desnudos femeninos y masculinos. Schiele fue uno de los grandes representantes del expresionismo austroalemán que un buen día se enamoró del cuadro Los Girasoles de Vincent Van Gogh y lo reversionó. Este cuadro desapareció en 1939 y èste es el hecho base del film de Bonitzer. Un  subastador reconocido llamado Andre Masson (Alex Lutz) recibe la noticia de que ese “cuadro robado” o perdido está en la casa de un joven obrero en la localidad de Mulhouse. Secundado por su secretaria (Louise Chevillote) y otros expertos, entre ellos, su ex mujer, van en busca de este joven obrero que no quiere el cuadro, que no sabe si es original o no, aspirando a que se lo lleven cuanto antes. La cuestión no es tan fácil dado que hay herederos que viven en los Estados Unidos por lo que la trama se hace más compleja e interesante, especialmente porque, de venderse a través de los herederos, el obrero recibirá una importante suma de dinero.

La narración resulta muy lejana a nuestra idiosincrasia. Y aun cuando despierte interés, no produce empatía. Los personajes establecen relaciones formales, por lo que la dirección de actores resulta esquemática, respondiendo a roles muy determinados y sin la sensación de que existan entre ellos vínculos más humanizados.

Para Bonitzer es un retrato de la clase alta francesa, con determinados intereses en la compra y venta de cuadros. Hay un ir y venir del Marchant con su secretaria, su ex mujer, y otros empleados a la casa del obrero. Apenas un atisbo familiar entre la secretaria y su padre, en dos secuencias muy breves, secuencias de segundos que quiebran la frialdad del guion y su realización. De sòlida narración audiovisual, con una muy buena banda sonora -típica de los filmes franceses- no hay mucho más para destacar, tal vez algún momento un tanto risueño cuando “Martín”, el obrero que posee el cuadro que no quiere, se ve obligado a tocar la guitarra. Pero no mucho más.

Elsa Bragato

Actoresonline.com

OTROS ESTRENOS PREVISTOS PARA ESTE JUEVES:

1)DEMOH SLAYER, O CASTILLO INFINITO. Film japonés de H.  Sotozaky. Animación. Se trata del decimoprimer libro                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                                               del manga  Koyoharu Gotoge subdividido en dos, el Castillo infinito y el de la Cuenta Regresiva. En este caso, para los seguidores de este manga tradicional, el tema se aagota y es reiterativo, no obstante, la realización atrapa por su perfección.

2) 200% WOLF, de A, Stadermann. Animaciòn de Australia. Es la secuela de la historia original, y depende mucho de que el espectador haya visto la primera animación. Se trata de un caniche que debe hacerse respetar por una manada de lobos hasta que èl mismo se convierte en lobo. Hay caos y vèrtigo en esta historia que, para muchos, no logra hacer pie dado que cabalga entre la animación original y ésta, su secuela. En coproducción con México, España y Alemania.

3 JUNTOS HASTA LA MUERTE, de Michael Shanks. Film de Hollywood de ciencia ficción y terror, con Dave franco, Aliso Brie, Demon Herriman, entre otros. Una pareja con problemas se muda al campo y descubre una cueva que les da poderes sobrenaturales. Shanks se vuelva hacia el llamado “terror corporal” basándose en una especia de “amor terrorífico”, o ese sentido de “juntos para siempre” que puede llegar a resolverse cuando dos se hacen uno. Està a mitad de camino entre la comedia de terror y el terror en sí, con sustos que van preparando al espectador para el plato mayor.

PELÌCULAS NACIONALES AGREGADAS EL MISMO JUEVES

A)  LA LLEGADA DEL HIJO, de Valeria Pivato y Cecilia Atan.  Las directoras tienen una amistad de 20 años y suman esta coproducción con España a sus realizaciones. En este caso, se parte de la recepción de una madre, sumida en penosa tristeza y duelo, de su hijo luego de un período en la cárcel. Ambas realizadoras se hicieron varios planteos sobre la maternidad en especial a partir del embarazo de una de ellas. Si la realización se aprueba o no es una decisión del público.

B)  VERANO TRIPPIN, de Morena Fernández Quinteros. Opera prima. Filmada en el Sur, es una suerte de sátira social que deriva en policial basándose en la amistad de dos adolescentes, encarnadas por Zoe Hochbaum y Miranda de la Serna que quiere salir del Sur y vivir una vida diferente. Para eso encaran el cultivo y venta de marihuana pero lo que es un comienzo de travesuras toma otro matiz cuando se encuentran con La Diabla, personaje interpretado por Lali Espósito, que tiene otras intenciones sobre el proyecto de las jovencitas.

LA MUJER DE LA FILA, EL CLUB DEL CRIMEN DE LOS JUEVES, ESTRENOS DE CINE Y STREAMING DEL JUEVES 4 DE SETIEMBRE DEL 2025

JUEVES 4 DE SETIEMBRE DEL 2025

LA MUJER DE LA FILA, de Benjamin Avila. Guion de Benjamín vila y Marcelo Muller-Con Natalia Oreiro, Alberto Ammann, Amparo Noguera, entre otros. Fotografía de Sergio Armostrong, Mùsica de Daniel Godfrid y Sebastián Espósito. Duración: 105 minutos.

XXXX – NATALIA OREIRO EN LA PIEL DE UNA LUCHADORA SOCIAL

Film nacional que protagoniza en un rol dramático la actriz uruguaya Natalia Oreiro: compone a un personaje de la vida real, a Andrea Casamento, una luchadora que creó hace relativamente poco la Asociación Civil de familiares de detenidos, luego de que a su hijo de 18 años lo detuvieran por un supuesto robo de empanadas en Palermo, falso motivo. El rol de Oreiro es consagratorio, sumándose a otras performances muy buenas como las que realizó en “Infancia Clandestina” y “Wakolda”. La película de Ávila se basa en los excelentes recursos artísticos de Oreiro, en su capacidad de tensar un drama más interior que exterior, en el minimalismo de expresiones cargadas de intensidad. Y trabaja sobre el camino que transitó la “verdadera” Andrea Casamento, de frustraciones, compasión, lucha constante por su hijo al descubrir lo que fue mentira y verdad en su accionar, las amistades peligrosas que tuvo, así como el despertar de gran empatía con las mujeres de su fila que transitaban por el mismo dolor. El final se avizora pero es la culminación de un tránsito muy complejo, largo en el tiempo, para sacar a su hijo de una cárcel injusta. La narración tiene muchos otros aspectos que aquí no contamos. Pero sin duda será otro de los aciertos del cine nacional de este año, luego del de Guillermo Francella.

Elsa Bragato, Actoreonline.com

NETFLIX

EL CLUB DEL CRIMEN DE LOS JUEVES

Dirección de Chris Columbus. Guion basado en la novela de Richard Osman. Con Helen Mirren, Pierce Brosnan, Ben Kingsley, Celia Imne. Fotografía de Don Burgess, Mùsica de Thomas Newman, Duración: 117 minutos. Distribuye plataforma Netflix.

XXX – ELENCO ESTELAR PARA UN THRILLER ENTRETENIDO

Con solo ver los cuatro nombres de los protagonistas nos damos cuenta de que son el motivo esencial de esta historia de adultos mayores que conviven en un gigantesco palacio inglès a manera de geriátrico, y tienen todavía el espíritu de investigar. La cuestión es que se ven atraídos por asesinatos, desapariciones, en principio pasados. Hasta que se produce un caso real y entonces deberán investigar y movilizarse para evitar males mayores contribuyendo con la policía local al punto de arrinconarla en la búsqueda de una resolución.

Es una comedia policial amable sustentada por una novela, y esto es muy visible en esta película por los tiempos narrativos especialmente, menos impulsivos y repentinos que en un guion original. Sencilla, llana, va mostrando paso a paso los logros de estos investigadores que peinan canas, liderados por una Hellen Mirren de flamantes 80 años, con mucha “polenta”. Para disfrutar.

Elsa Bragato, Actoresonline.com

OTROS FILMS PREVISTOS PARA ESTE JUEVES

1)  EL CONJURO, ÚLTIMOS RITOS. De Michael Chaves. Con Patrick Wilson, Vera Farmiga, entre otros. Es la continuación de la saga El Conjuro, terror con gags que intentan renovarse pero que, en definitiva, el gènero actúa como un círculo cerrado sobre la propuesta. No hay nada nuevo bajo el sol pero siempre el terror resulta atractivo.

2)  AMORES COMPARTIDOS (SPLITSVILLE), de Michael Angelo Covino. Con Dakota Johnson, Adria Arjona, Kyle Marvin, entre otros. Habla de la crisis matrimonial de una pareja que encuentra una supuesta última oportunidad de salvación en practicar una “relaciòn abierta”. El esposo, “Carey” (Kyle Marvin), acepta la propuesta de su mujer antes del divorcio pero deberá enfrentar situaciones que superan lo imaginado. De acuerdo al director, hay mucha gente hoy en día que cree haber “descubierto la pólvora” con este tipo de soluciones y, en cambio, solo están respondiendo a impulsos infantiles. De esto se trata esta película que abrió el festival de Cannes 2025.

LOS ROSES, ROSARIO LA HERENCIA MALDITA, MASCOTAS AL RESCATE, ESTRENOS DEL JUEVES 28 DE AGOSTO DEL 2025

JUEVES 28 DE AGOSTO DEL 2025

LOS ROSES

Dirección de Jay Roach. Guion de Tony McNamara basada en la novela de Warren Adler. Con Benedict Cumberbach, Olivia Colman, Andy Samberg, entre otros. Fotografía de Florian Hoffmeister. Duración: 121 minutos,

XXX – ATRACTIVA REMAKE DE LA GUERRA DE LOS ROSES

El film de 1989, dirigido por Danny DeVito, fue protagonizado por Michael Douglas y Kathleen Turner, y logró un éxito masivo. Una pareja define su divorcio pero lo hace en condiciones de extrema violencia y aquello que empieza a hacernos reir termina por asustarnos. En este caso, Benedict Cumberbach es un exitoso arquitecto cuya carrera empieza a desplomarse, mientras que su mujer, encarnada por la estupenda Olivia Colman, comienza a florecer. Hay una guerra sorda de celos e intereses, que desembocará en una batalla feroz, cargada de humor negro y sarcasmo y alguna yapita más que la transforman en una pieza de terror conyugal. Serchlight Pictures, que distribuye el film, indica que el film pretende mostrar no solo la problemática que describió el autor de la novela sino al mismo tiempo las diferencias abismales que pueden producirse en las parejas de hoy, sin que por esto se desdiga del texto original. EB

UNDERGROUND

Dirección de Emir Kusturica. Guion de Kusturica y D. Kovacevic. Fotografía de Vilko Filac. Mùsica de Goran Bregovic. Duración 165 minutos. Yugoslavia. 1995.

XXXX – REGRESO AL CINE DE UN GRAN FILM

No se trata de una remake del film consagratorio de Emir Kusturica titulado “Underground” sino de su reestreno en nuestras salas. En su momento, década del 90, la crítica aplaudió de pie esta película ubicada en la Segunda Guerra Mundial, en 1941 llegando con su narración hasta 1992. Temas no faltaron por tratar. En sì, el film tiene un argumento central pero es tambièn un desfile de personajes de manera circense (no es peyorativo), uno tras otro, que resulta por momentos agobiante para el espectador aunque no menos interesante teniendo en cuenta que el mundo eslavo es bastante desconocido por estas tierras. Kusturica despliega una energía narrativa pocas veces vista, con su condena al comunismo y al momento sociopolítico en el que filmó. Todo amenizado por su banda pueblerina que trajo poco después al Luna Park donde bailamos al son de ritmos populares eslavos.

Es una danza de historias que retratan el modo de vida de una sociedad diferente a la nuestra, con dominaciones sangrientas, con luchas intestinas, y un pueblo que, como fuere, se las ingenia para vivir. No es un film fácil, pero es un icono, una película de culto.

Elsa Bragato

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MASCOTAS AL RESCATE

Dirección de Benoit Dalfis y Jean Christian Tassy. Animación. Duración: 99 minutos. Coproducción Francia-Estados Unidos.

XXX – ANIMALITOS EN ACCIÒN

Un tren sale del andén luego de una alarma, los pasajeros supuestamente se salvan, pero quedan sus mascotas. En jaulitas, hablando entre ellas sobre el destino que les pesera. El “malo” de la película es el tejón Hans, quien se quiere vengar del perro policía  Rex que lo habìa puesto tras las rejas. En verdad, no hay profundidad ninguna en los personajes, es un entretenimiento viendo ir a sus protagonistas de un lado a otro dentro y fuera del tren, es decir, es puro entretenimiento para los chicos y la familia sin que exista mayor emoción. Es la gran ausente. No obstante, hay que reconocer que entretiene y que la computación, un tanto endeble por momentos, tambièn fue utilizada con profesionalismo. Para pasar el tiempo no està nada mal.

Elsa Bragato

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OTROS ESTRENOS PREVISTOS PARA ESTE JUEVES

1)ATRAPADO ROBANDO, de Darren Aronofsky

Es un film a lo “Aronofsky”, con giros narrativos interesantes. Su protagonista es Austin Butler como Hank y la historia està ubicada en la ciudad de New York, años 90. Su vida transita en forma tranquila hasta que su vecino, Russ, encarnado por Matt Smith le pide que le cuide al gato unos días. La vida de Hank cambia abruptamente, viéndose rodeado por gente extraña y pesada, que buscan en èl seguramente lo que el vecino les debía, pero Hank no lo sabe.

2)ROSARIO, HERENCIA MALDITA, de Felipe Vargas. Colombia.

La película està protagonizada por Emeraude Toublé en el rol de Rosario, corredora de bolsa en Wall Street a quien, en una noche de tormenta de nieve, le toca quedarse junto a su abuela, quien muere. Surge entonces un clima asfixiante de maldiciones del pasado que se hacen presentes para seguir cobrándose algo que Rosario desconoce y que, sin embargo, es una maldición que habrá que pagarse durante varias generaciones. Para la crítica americana, Vargas apuntó en varias direcciones para generar un clima claustrofóbico y agobiante, de terror creciente, pero lo logra a medias. Ahora falta la versión de la crìtica argentina que se sabrà hoy mismo en los diferentes medios online y gráficos.

 

CRISIS, SINTIÓ ALGO VERDADERO, ENTRE LA TIERRA Y EL CIELO, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 21 DE AGOSTO DEL 2025

JUEVES 21 DE AGOSTO DEL 2025

CRISIS

Dirección, guion y producción de Adriana Nartallo y Daniel Amorín. Fotografia de Adriana Nartallo. Arte de Eugenia Huber. Iluminación de Francisco Ziziunas y Victoria Pérez. Dirección actoral de Daniel Amorín. Con Julieta Lucena, Sebastián Martinelli, Mariana Arias, Pablo Pipolo, Ignacio Estévez, Emilia Palacios. Voces de Soledad Lacassy, Camila Cayota y Carlos Lucena. Duraciòn:97 minutos. Uruguay.

XXXX – RELATO SOBRE LA LIBERTAD INDIVIDUAL CONDICIONADA

El cine uruguayo, ganador del premio Goya en su momento, ha dado muestras de saber manejar bajos presupuestos con enorme ductilidad. Pocos medios con buenos actores y una buena narrativa son algunas de sus características. Es el caso de Crisis que Adriana Nartallo y Daniel Amorín  encararon entre el 2020 y2021, cuando la pandemia de Covic azotaba al mundo. Una joven, Lucía, decide abandonar la ciudad y quedarse en la casa de playa de sus abuelos, quiere sentir la libertad de caminar sin tapabocas y el viento en la cara. Pero no puede escapar al “ojo” del Sistema Único de Salud que alerta vía celular a los ciudadanos de la vacunación y de la imposición de la misma. Pero Lucía tiene otro tema que la aqueja: mientras el gobierno genera planes por esta vacuna, ha dejado de lado la medicación para quienes padecen enfermedades terminales. La pareja de Lucía padece una de ellas, y ha tomado una decisión que involucra a Lucía. Solo otra alma perdida es vecina, mientras una amiga se comunica vía zoom. El resto es la bella y agreste naturaleza de la costa uruguaya, con sus aguas de claro color marrón, su oleaje de mar, y su arena blanca.

La soledad acompaña las decisiones de Lucía y su pareja. Y en ellas va la determinación personal de cada uno de seguir viviendo así o escaparse de alguna manera.

El planteo de Nartallo y Amorín, juntos desde 1993 en proyectos de poco dinero y colaboración espontánea, es minimalista: el peso del protagonismo recae en Lucía (Julieta Lucena), una muy dúctil joven actriz cuya gestualidad basta para que el silencio sea más eficaz que los diálogos. El seguimiento que hace la cámara de Lucia va generando intriga creciente, sensación central de esta película que no requiere de más tecnología que una historia de amor, una crisis hospitalaria mundial, y un grupo de actores capaces de transmitir un trágico presente, disimulado por el paisaje, por el zoom, por un juego de dados. Pero está, se lo siente.

Es un tema de estos tiempos el enfrentarse a un futuro incierto que puede ser el de una pandemia como el de no encontrar un lugar en el mundo para vivir. Vale la pena.

Elsa Bragato

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SINTIÓ ALGO VERDADERO

Dirección de Manuel Salomón, Guion de Denise Goldman y Manuel Salomón, Fotografía de Javier González Tuñón, Arte de Camila Pérez, Montaje de Federico Rozas y Gonzalo del Val. Con Nicolás Yaya, Pablo Sigal, Katja Szechtman, Guillermo del Río, Fernando Rozas y Sergio Pletikosic. Duración: 82 minutos.

XXXX – RELATO EXISTENCIALISTA SOBRE LA VIDA Y SUS CIRCUNSTANCIAS

Esta película de Manuel Salomón fue filmada durante una década, entre (2014-2024), y sigue aspectos biográficos del escritor de culto Rafael Pinedo, quien escribió una tríptico apocalíptico y mordaz, sin llegar a ver la edición de los últimos libros por su temprana muerte, con poco más de 50 años. Algo similar le ocurre al protagonista, Leandro, encarnado por Nicolás Yaya, bioquímico que acepta la propuesta de su jefe de ir a una cabaña del Sur, donde comienza a escribir. Está acompañado por dos amigos, Mariano, a cargo de Katia Szechtman, y Felipe, que protagoniza Pablo Sigah.

La narración es críptica, aunque de gran belleza visual, en parte por la notable naturaleza patagónica, y en buena parte por la mano del director Salomón. El protagonista Leandro (un alter ego concebido con licencias del escritor Rafael Pinedo) volverá a su carrera de bioquímica, tras una experiencia surera especial, en la que lo existencial toma cuerpo en sus reflexiones, en sus recuerdos (filmaciones en super 8 de su niñez junto a su hermano, con quien peleaba). En verdad, encontramos una materialización del título de Milan Kundera que amaba el escritor Pinedo, aquél que decía “la insoportable levedad del ser”, o un sentimiento trágico de la vida (lo detallaron el filósofo danés Soren Kierkegaard y el español Miguel de Unamuno), esa sensación de vacío que el protagonista supera escribiendo. Pero su vida dará un vuelco al regresar a su trabajo. Es decir, lo real, lo cotidiano, no falta remarcando, en el contraste, lo inasible, lo existencial.

Contar algún detalle más es espoilear un film que, por su concepción entre bucólica y reflexiva, encuentra su centro más en lo que callan sus personajes que en lo que hablan. O bien en charlas cotidianas sobre lo que sienten o las vivencias que tienen. El proceso va por dentro de Leandro.

Es una obra cinematográfica que maneja bien los tempos internos, incluyendo a la naturaleza en su narración como parte de un devenir por ahora solo imaginable, o como presencia de recuerdos de infancia.

Si bien Salomón reparte su tiempo entre Londres y Buenos Aires, este primer largometraje (teniendo una larga trayectoria en medios audiovisuales) muestra una profunda sensibilidad y la capacidad de captar con la cámara en su protagonista esos gestos, miradas y palabras que definen el hecho de ser, o bien su existencia misma.

Elsa Bragato

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ENTRE LA TIERRA Y EL CIELO

Dirección y guion de Hector Pepe y Pablo Ratto, Camara de Guido Gabella, Marchelo Soccia, Hernán Pepe y Pablo Rato, Archivo Super 8 de Carlos Pepe. Montaje de Celeste Contratti y Pablo Ratto. Montaje adicional de Martin Senderowicz, Renzo Blanc y Emiliano Bazzani. Sonido de Horario Almada, Marchelo Scoccia y Pablo Ratto. Música de Franco Soca, Bruno Pérez, Martín Cruzado, Rocío Macé y Hernán Pepe. Duración: 97 minutos. Producción Ejecutiva de Pablo Ratto.

XXXX – SENSIBLE DOCUMENTAL SOBRE LA VIDA Y EL CÓNDOR ANDINO

Logrado docuficción sobre el reencuentro de un joven con su propia alma a través de una búsqueda especial: los cóndores andinos, en plena extinción, y el encuentro con el abuelo sabio quechua Tayta Ullpu. La vida de Hernán Pepe, uno de los dos directores y guionistas de este documental sobre los animales míticos como la ballena del Atlántico Sur y el cóndor andino (una amistad que se debe recuperar), está marcada por la pérdida de su madre a los 8 años. Desde entonces, supo vivir entre un mundo virtual y el terrenal. En esta tierra están la comprensión de la naturaleza, los viajes, la suelta de cóndores jóvenes, mientras que, en otro plano poético y filosófico a la vez, se tejen las sensaciones de la vida misma a través de las enseñanzas del Tayta.

Hernán Pepe y Pablo Ratto reflejan la necesidad del reencuentro con lo más puro de la vida. Desde los biólogos, haciendo nacer cóndores en cautiverio para repoblar las cumbres andinas (fue maravillosa nuestra experiencia en el área de biología del ex zoológico porteño donde vimos a un cóndor pichón acunado por padres-cóndores de trapo) hasta los rituales de los pueblos autóctonos de Argentina, Bolivia y Australia para que el cóndor vuelva a la costa Atlántica de la que falta desde hace 100 años.

Rituales, el Tayta haciendo sonar un cuerno al cielo, acompañan a Pepe en una búsqueda interior que logra cumplir sueños como el ver volar a jóvenes cóndores y, en las playas atlánticas del sur, el lomo negro de una ballena sobresaliendo entre las olas.

Es, sin duda, una propuesta que aporta conceptos esenciales de vida y la virtualidad no dicha de la fe presente en los videos de la infancia. Es una forma de expresar, también, que en Amèrica Latina hay historia y naturaleza propias que necesitan ser defendidas. Una suerte de road movie tras cóndores andinos que une continentes y espíritus.

Elsa Bragato

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PELÍCULAS PREVISTAS DE ESTRENO PARA ESTE JUEVES

1)  HAZ QUE REGRESE, de Danny Philippou t Michael Philippoy. Con Sally Hawkiins.

Los hermanos Philippou vuelven con un film de terror dentro de un estilo muy único que generó la aceptación inmediata del público con el primero, “Talk to you”. Utilizan todos los gags del género, por lo que es, desde este punto de vista, convencional. Lo diferente està en la atmósfera asfixiante que generan los directores al abordar los temas del duelo y la niñez.

2)  LA VIDA DE CHUCK, de Mike Flanagan.  Con Tom Hiddleston. Toma un personaje de Stephen King, y la narración audiovisual se divide en tres episodios con el protagónico del personaje Charles Krantz pero Flanagan, siempre muy peculiar, empieza por la muerte del personaje hasta culminar con su niñez. Ya vimos un interesante film protagonizado por Brad Pitt con esta consideración temporal de la vida del personaje central. Pero no olvidemos, en este caso, que es un “Flanagan”.

 

3)  NADIE 2, de Tim Tjahjanto. Con Bob Odenkirk, entre otros, famoso por Breaking Bad. En esta oportunidad, Hutch Mansell continúa las acciones en las que involuntariamente cayó en Nobody, la primera película de esta serie. Aùn no saga. Es un film con un exceso de violencia, muy al estilo de Hollywood y su presente en un país que vive en estado de guerra fuera de su territorio. Es para quien le guste ver buenas palizas y trompadas.

 

4)  EL CONJURO, EL CONJURO 2, EL CONJURO 3, reestrenos. Las dos primeras, de James Wann, la tercera entrega fue dirigida por Michael Chaves.

 

5)  TODO DOCUMENTO DE CIVILIZACIÒN, de Tatiana Mazú González. Argentina. Analiza el confín de la capital, CABA, con el conurbano y ese enjambre peligroso de ferrocarriles, personas, autobuses, automóviles. Es, según algunos críticos, un análisis estratificado de la destrucción de una sociedad, dominada por el capitalismo salvaje.

 

GODLAND, MI MEJOR ESCENA, ESTRENOS DE CINE DEL JUEVES 14 DE AGOSTO DEL 2025

 

JUEVES 14 DE AGOSTO DEL 2025

GODLAND

Dirección y guion de Hlynur Oalmason. Con Elliot Crosset Hove, Ingvard Sigurdisson, Vic Carmen Sonne, Jacob Hauberg Lohmann, Ida Mekkin Hlynsdottir, Waage Sando, Hilmart Gudjonsson. Música de Alex Zhang Hungtai, Vestuario de Nina Gronlund. Producción de Show Globe, Join Motion Pictures, Maneki Films, Garage Film-Film Vast, y The Danish Film Institute. Duración: 143 minutos. Distribuye Zeta Films.

XXXXX – PRECIOSISMO NARRATIVO EN UNA HISTORIA DE FE Y PASIÓN

Impresiona, deslumbra, la fotografía, y la puesta de esta película del islandés Hlynur Palmason. Ubicada a fines del siglo XIX, cuenta la historia de Lucas, un joven sacerdote danés que viaja hasta una zona remota de Islandia con el propósito de levantar una iglesia y retratar con su cámara a plomo a sus habitantes. La travesía por las heladas aguas del Atlántico Norte, cruzando el imponente Mar del Norte, es un alarde estético sin parangón.

El director Palmason se toma todo el tiempo que necesita para filmar a los daneses en ese viaje interminable, en barco, en bote, el agua helada parece salirse de la pantalla. Lucas (Elliott Crosset Hove) tiene convicciones religiosas poderosas para levantar la iglesia que le pidieron sus superiores, pero empieza a darse cuenta que esa comunidad tiene habitantes adustos con sus propias reglas de vida. Desde el extraño islandés que hace gimnasia sobre tierras empapadas con agua helada, hasta el viudo que cuida a sus dos jóvenes hijas.

La tarea de Lucas es tan solo una excusa para contarnos la vida en tierras heladas con volcanes calientes, aspectos exteriores que marcan el ánimo de sus habitantes. Allì la soledad no se tolera: Lucas va levantando la iglesia y al mismo tiempo, se adentra en el corazón de una joven. La actitud clerical, adusta, se diluye ante una realidad que lo obliga tanto a dar misa como a pelear por su vida.

El film en sí es un artilugio narrativo para mostrar que la áspera naturaleza endurece el alma. Es imposible sustraerse al aplastante entorno de una comunidad pequeña, cerrada, misógina y brutal. Por lo que “Godland” es un mensaje claro tachonado con la belleza fotográfica que logra el islandés Palmason: estamos condenados al pecado aun con la Biblia en la mano. Se vale de un estilo muy sólido: retrata la vida, su cámara es como el pincel de un Da Vinci al expresar en imágenes ese “tempo” de días y noches diurnas, por lo que no hay apuro sino puntillismo cinematográfico

“Godland”, o esa “tierra de Dios” es una obra superior marcada por un planteo estético alucinante. Es una obra maestra dentro del cine contemporáneo.

Elsa Bragato

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YO FILMÉ A OSVALDO BAYER

Dirección y guion de Fabio Zurita. Fotografía de Martín Frías, Música de Pablo Rodríguez y Pablo Franceschelli, Voz de Diego Capusotto. Duración: 75 minutos.

XXXX – LA RESILIENCIA INTELECTUAL DE UN GRANDE: BAYER

En ningún momento del documental, Fabio Zurita habla de hacer “un homenaje” a este notable historiador y personalidad de la cultura que fue don Osvaldo Bayer (1927-2018), docente, escritor, defensor de los derechos humanos. Vivió entre la Argentina y Alemania, de donde era su familia. Sufrió exilios por su posición filoanarco entre 1975 y 1982. No hubo en él rencor sino resiliencia intelectual, tan escasa.

A partir de la década del 90, Zurita munido con la cámara que podía tener en ese momento, empezó a concurrir a los actos de toda índole en los que participaba el autor de La Patagonia Rebelde, que lo había sensibilizado.  Entonces estableció una cercanía con el historiador y escritor que lo aceptaba sin vueltas cuando lo veía llegar al recinto donde iba a ofrecer una charla. Fueron momentos, sucesos, incluso encuentros en la casa de Bayer, una suerte de biblioteca pública pero privada, con anaqueles por todas partes y algún rincón agradable con una mesita y dos sillas.

El trabajo de Zurita fue intenso por lo constante, hasta con pérdida de material para empezar de nuevo varias veces, siempre con el apoyo de la mirada cálida de Osvaldo Bayer. De esta manera pudo reunir a literatos de envergadura como Eduardo Galeano, Tito Cossa, David Viñas, entre otros, teniendo presente a Osvaldo Soriano, que partió tempranamente de este plano. Las anécdotas se suceden en distintos momentos de la vida de Bayer, sin un orden cronológico de su rostro, o más joven, o con más canas, pero ahí están sus recuerdos como el de la defensa de los indios ranqueles y la historia de Arbolito, o los días en la cárcel por hablar donde no debía. Hasta ese cumpleaños 90 donde el maestro se siente feliz rodeado de amigos en un parque o la despedida de las aulas como docente cuando sintió que su salud no se lo permitía. De todo este interesante y cálido material se destaca la obra “Severino di Giovanni”, consagratoria para Bayer, donde desmitificó la imagen que hasta el mismo Ernesto Sábato había dejado del anarquista fusilado a sus 29 años por el general Uriburu, incluyendo una charla con quien fuese su novia, America Scarfo, que solo llamó a Bayer por haber dicho la verdad.

Asì conocemos la intención de Leonardo Favio de realizar un film especial que no pudo concretar sobre Severino, o los encuentros con las Madres de Plaza de Mayo, con Hebe de Bonafini, amigos, curiosos, admiradores de la palabra de un historiador honesto, veraz. Quedan algunas expresiones zumbando como la de Eduardo Galeano que consideraba a Bayer como un hombre de ”pasión argentina y razón alemana”, o la advertencia del propio Bayer anunciando que “la derecha se está rearmando”. Para Zurita, esta experiencia de 3 décadas de “persecución” a un maestro del pensamiento fue una utopía construida paso a paso. Un sueño que por admiración a un libro de los 70 y su película transformó su vida diaria en una búsqueda incesante.

Por otra parte, es imposible no pensar, luego de ver este compilado de secuencias, que esta búsqueda de Zurita no fue el documental de una vida sino el retrato de un pensamiento hecho imagen donde poco importa la calificación de anarco, izquierda o derecha, sino el sentimiento de justicia, el sentido de fraternidad social por sobre cualquier filiación política encarnadas en la resiliencia intelectual de un gran hombre como Bayer. Zurita logró un documental vívido, atemporal, atrapante. Chapeau.

Elsa Bragato

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MI MEJOR ESCENA

Dirección y guion de Gabriel Arbòs. Con Juan Josè Campanella, Miguel Cohan, Albertina Carri, Carmen Guarini, Alberto Lecchi, Nèsor Montalbano, Juan B. Stagnaro, Demian Rugna, Marcelo Piñeyro. Fotografía de Hugo Colace. Duración 110 minutos. Salamanca Cine-INCAA

XXXX – UNA MUY BUENA IDEA

Que nuestro cine tiene excelentes propuestas en su gran  mayoría, no es cosa de dudar. Claro està que se le cuela el cine experimental o de fin de curso y es el que le da mala prensa. Pero hemos cosechado dos Oscars, nominaciones, premios en muchos festivales, por lo que la propuesta de Gabriel Arbós de reunir a lo más granado del cine contemporáneo nacional para que elijan la escena de sus films que más les gustaron fue una idea brillante.

No necesita presentación Juan José Campanella, que ha ganado un Oscar, que filma en el exterior, y que además abrió un teatro. Seleccionó una de las escenas finales de “Luna de Avellaneda”, donde un recordado Daniel Fanego y Ricardo Darín encarnan los dos aspectos para que el club barrial no se cierre o tome otra perspectiva socioeconómica. Para Albertina Carri, para dar otro ejemplo, fue una de “Los Rubios”, recordando a sus padres desaparecidos, mientras que llama la atención que la actual presidente de DAC, Carmen Guarini, especialista en documentales, haya elegido la filmación de una escena de sexo explícito de dos jóvenes varones de un film de Edgardo Cozarinsky (1937.2024). Si bien es detrás de escena, su elección a nuestro entender queda fuera del tono que tiene esta producción. Destacamos, además, la inclusión de Demian Rugna que sigue la línea de otros jóvenes directores como Daniel de La Vega de hacer cine de terror con una escena fuerte pero propia del género. Se añaden a estos minutos de escenas las explicaciones que dan los directores y es allí donde radica la riqueza narrativa de la propuesta, sumándosele la secuencia final donde el propio Gabriel Arbós habla del cine nacional y sus valores, destacando la complejidad de un trabajo artístico que tiene reconocimiento internacional. Nos pareció más que una muy buena idea.

Elsa Bragato

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NO PUEDO TENER SEXO

Dirección y guion de Bel Gatti. Con Maruja Bustamante, Verónica Rubano, Juana Ferrero Venier, entre otros. Fotografía de Bel Gatti, Mùsica de Matías Ferrero. Duración: 85 minutos.

XXX – LA FICCIÒN PUEDE MÁS QUE LO REAL

El Curriculum Vitae de Bel Gatti, a quien conocemos con esta producción, indica una riquísima vida profesional con premios en el exterior, presentaciones en festivales LGBTIQ, obras de teatro, siempre con muy buena repercusión. En este caso, es ella la protagonista, es un “autodocumental” sobre su imposibilidad de tener sexo mientras subsiste como niñera y fletera. Esta situación personal, que la directora expresa abiertamente, se determina por los cuatro años sin sexo que lleva la directora,  dándose cuenta que, si està filmando, puede llegar al orgasmo aunque esto le produzca llanto, se supone que de placer.

Sin embargo, si bien entrevista a diferentes parejas, siempre enfocando su rostro (cine autorreferencial exagerado), la cuestión radica en su madre. No consigue fácilmente gente para hacer una orgía y filmarla, aun ofreciéndose ella como objeto de deseo, y entonces recurre a su madre, que siempre fue exhibicionista y clamó por el sexo libre.

Formalmente, el film tiene una postproducción interesante, con animaciones de todo tipo, y también efectos visuales constantes como el muestrario de consoladores con estrellitas, espuma de baño, sin pilas. Es decir, es una película que tiene trabajo en lo formal mientras que en lo conceptual es tan personal con el rostro de Bel Gatti en primer plano siempre que resulta cansadora. Sin duda, es para un target de público muy definido porque, si bien hay momentos risueños, en otros la reiteración aburre.

Elsa Bragato

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PELÍCULAS CUYO ESTRENO ESTÁ PREVISTO PARA ESTE JUEVES

1)  HOMO ARGENTUM, de Mariano Cohn y Gastòn Duprat, con Guillermo Francella, Eva de Dominici, Clara Kovacic, Tony Sperandeo, entre otros.

En esta producción nacional Guillermo Francella compone 16 personajes, teniendo en cuenta la sustancial ascendencia europea de muchos de nosotros. Es decir que en un solo film el público tendrá 16 minipelìculas a través de los diferentes roles asumidos por el protagonista. Intenta, a través de sus composiciones, extraer el ADN argentino a través de sátiras de nuestras características, conformadas por la generosidad, la ingenuidad, la solidaridad, entre otros aspectos. Incluye un viaje a Italia y un reencuentro entre familiares. De alguna manera, nos remite a Lando Buzzanca, el actor italiano, que, a la inversa de esta propuesta, filmó en nuestro país “Homo Eroticus”.

2)  DRÁCULA, de Luc Besson

Se trata de una reversión del clásico de Bram Stoker bajo la mirada peculiar de un director como Luc Besson quien manifestó que le interesó más el aspecto artístico que el “draculiano” en sí mismo. Cuenta con Christoph Waltz, aclamado actor austríaco de grandes personajes, quien aquí desafía a Dios y se transforma en vampiro luego de perder a su esposa, hasta que encuentra a una mujer parecida a la que perseguirá sellando así un destino muy particular. Para Bresson se trata de una historia de pasión y de amor más que una explotación del aspecto “gore” que le incumbe.

 

3)  MIRACOLOUS, de Thomas Astruc

Llegan las nuevas aventuras de Lady Bug, continuando con una saga que busca el empoderamiento femenino acorde a los tiempos que corren, aun cayendo en la exageración. La heroína se asocia a Cat Noir, otra “fémina” atrapante para luchar contra los villanos que quieren destruir la ciudad de París. La crítica extranjera opina que no hay nada que haga evolucionar a la historia inicial y si un entretenimiento animado para el espectador que no busque algo diferente a lo ya visto.

 

4)  EL CINTURÓN DE OLIVIA, de Jeremías M.Rudy.

Este film nacional está localizado en Lanús y trata sobre una joven llamad a Olivia que estudia Astrofísica y se reúne junto a sus dos mejores amigos la noche especeical en que, por un fenómeno astronomico, se les permite visitr universos paralelos.  El film es para jóvenes, pocos personajes (3) y un guion que alterna elementos de la ciencia ficción como el de los universos paralelos sin sacar los pies de la tierra, o sea esta experiencia hará que los tres amigos, mientras viven el hecho científico, se replanteen situaciones y acciones cotidianas. Los protagonistas son Agustina Cabo, Carolina Kopelioff y Manuel Ramos.

 

5)  LA MÁQUINA, EL DELFÌN, Y UN ENANO DE JARDÌN, de Tomás Larrinaga.

Se indica que es una comedia desopilante, llena de enredos. El centro narrativo está en el enfrentamiento de dos familias luego de la muerte del patriarca que ha dejado en herencia  un viejo automóvil, un masajeador en forma de delfìn y un enano de jardín. Para disfrutar sin complejos.

 

Nota de Redacción. Sigue ofreciéndose con éxito el documental “Buscando a Shakespeare” de Gustavo Garzón, no siendo ésta su primera vez como director. Se estrenó el jueves pasado.