UN FERIADO PARTICULAR, EL CONCIERTO, INVASIÓN BATALLA LOS ANGELES, SPLICE, ESTRENOS JUEVES 10 MARZO EN BUENOS AIRES

JUEVES 10 DE MARZO DEL 2011.

Hay cinco estrenos. No comentaremos el DVD titulado Divorcio a la Finlandesa, ni la comedia norteamericana Mi abuela es un Peligro 3.

UN FERIADO PARTICULAR

De Gianni Di Gregorio. Con Valeria De Franciscis, Marina Cacciotti, entre otros actores no profesionales. Música de Ratchev & Carratello. Duración: 75 minutos.

MUY BUENA. CÁLIDA COMEDIA ITALIANA

Este film de Gianni di Gregorio es una gema preciosa, rescata lo mejor del cine de comedia italiano. Hay múltiples razones: Gianni Di Gregorio, a los 58 años, dirige tardíamente su opera prima, luego de tener un largo recorrido en el mundo del cine como guionista, ayudante de dirección, durante más de 20 años. Di Gregorio se impregnó del neorrealismo italiano al punto que fue el protagonista de esta película además de su director y recurrió a actores no profesionales.

Situó la trama en el Tastevere de Roma, lugar donde nació y se crió y que conoce profundamente.

Esta comedia tiene coherencia y solidez argumental a lo largo de sus 75 minutos. Se podría haber caído en un facilismo de groseros gags, pero, contrariamente, la trama se desenvuelve ágilmente, con un andar como entre plumas, a pesar de los innumerables contratiempos que debe sortear el protagonista. Singular italiano, buen hijo, no pierde en ningún momento su heroica predisposición para llevar a buen término el extraño almuerzo del tórrido verano romano.El “Ferragosto” es un tradicional feriado de 2 días en agosto, pleno verano italiano, donde todos los negocios cierra y los habitantes de Roma salen de vacaciones, igual que el “enero porteño”.Di Gregorio compone a un solterón que cuida con altruismo a su autoritaria madre viuda. La situación económica es mala y un acuerdo con el administrador le permite recuperarse momentáneamente. No será fácil el acuerdo: cuidar de la madre del administrador, de su tía y hasta de la madre del médico de cabecera. Todos tienen que salir de Roma menos el personaje de Di Gregorio.

Las ocasionales inquilinas mostrarán sus caracteres, sus rebeldías y tendrán en jaque al protagonista. Y es aquí donde surge el neorrealismo de Di Gregorio, que ha sabido “aggiornar” con una realización sólida, sin lugares comunes. A pesar de tratarse mujeres de más de 80 años, se siente una bocanada de frescura con este film italiano tan realista y al mismo tiempo inmaterial por la afectividad que emana y que llega al espectador, por la verosimilitud de las ocurrencias de las ancianas, y porque, de alguna manera, sentimos empatía y un espejo de muchas situaciones familiares argentinas.

Nos pareció un film adulto, veraz, que hacía tiempo no se veía en la cartelera porteña. Claro está, viene precedido de premios de festivales como el de Venecia y muchos más.

Carlos Pierre

EL CONCIERTO

De Radu Miihaileanu. Con elenco ruso y francés. Música original de Armand Amar. Duración: 120 minutos.

MUY BUENA. UNA COMEDIA SOBRE LOS MÚSICOS Y LA LIBERTAD

Estamos frente a una historia de músicos, de música y de libertades truncas, que resulta una comedia diferente, adulta, simpática.

El nudo de la historia es el caso de Andrei Filipov Alexei quien, presuntamente, en la época de LEonid Brezhnev, la Rusia comunista, pasó de ser director de la orquesta del Bolshoi a limpiar los baños del famoso teatro de ballet por negarse a echar a los músicos judíos de la orquesta. La posibilidad de tocar en el Theatre du Chatelet de París, engañando a un celoso espía de la KGB, a raíz de un hecho circunstancial y causal. Y, por si fuera poco, dejar fuera del concierto a la Filarmónica de Los Angeles, nada menos. Los músicos judíos rusos y el director encuentran la posibilidad de retomar su profesión de manera “indirecta” (hay que ver el film), y viajan a París donde los esperará otra sorpresa: la hija del director devenido en ordenanza.

Para lograr esto, se echó mano a un elenco ruso y francés, que debieron congeniar sus diferencias idiomáticas en el set.  Además, se hizo una adaptación del Concierto para Violín y Orquesta en Re Mayor de  Tchaivosky, empresa nada fácil para no desnaturalizar una obra clásica de envergadura.

Las secuencias parisinas producen cierto bajón en el guión, los músicos se pierden por París, y tanto el espectador como el teatro Du Chatelet los esperan para el concierto, que da título al film. No obstante, es un film rítmico, apasionado, diferente, que nos ofrece un encuentro con la otra cara de la música, la de la censura, y la música como “ordenadora” de la libertad y de la unión de los pueblos más allá de las fronteras y las políticas. A nosotros, nos encantó a pesar de algunos vaivenes del guión, como apuntamos.

Elsa Bragato

INVASIÓN DEL MUNDO, BATALLA LOS ANGELES

De Jonathan Liebestman. Con Aaron Eckhart, Ramon Rodríguez, Noel Fisher, entre otros.

BUENA. INVASIÓN ET REPELIDA A SANGRE Y FUEGO

Ésta es la película pochoclera de la semana. Balaceras, despanzurramientos, y caos por doquier.

Ciertamente, el film mantiene la atención del espectador de principio a fin porque las balaceras no paran nunca y no hay forma de apelar a un “descanso visual” ni mental. El director hace un repaso de los avistamientos de OVNI registrados desde 1942, incluyendo los de Buenos Aires, para recalar en esta feroz invasión de unos ET que son como medusas envueltas en trajes metálicos que obran como escudos. Un batallón comandado por el personaje de Aaron Eckhart hace frente a estos ET que se parecen mucho a otros enemigos de los ejércitos norteamericanos en su accionar. Ahora se cuenta con rayo láser, con misiles que van directo hacia donde apuntan estos rayos, y ciertas modernidades que no bastan para que se produzca una cruel matanza de humanos y ET:

Hay escenas realmente escabrosas que marcamos para los más impresionables: por ejemplo, indicamos la del sargento Michael Nantz (Eckhart) que decide darle muerte a un ET, desprovisto de su traje metálico, metiendo sus manos, sin ninguna prevención, dentro del cuerpo aún con vida, y arrancándole el centro de energía vital, algo así como el corazón de un ET. Produce repugnancia y una sensación de horror ante tanta crueldad. Se puede pensar que, frente a un enemigo, cualquier cosa está bien para darle muerte, aún la tortura. Los parlamentos son básicos, elementales. Aquí se trata de dar muerte a estos ET que vienen con malas intenciones hacia los terrestres.

Si quiere escuchar tiros, ésta es su película. Si quiere pasar un momento con sentimientos de otra envergadura, no dude en ver o Un Feriado Particular o El Concierto.

Elsa Bragato

SPLICE

De Vincenzo Natali, producción de Guillermo del Toro.  Con Adrian Brody, Sarah Polley, entre otros Música de Cyrille Aufort. Duración: 100 minutos

REGULAR. CIENCIA FICCIÓN REMANIDA, BARATA Y DESAGRADABLE

Es sin dudar un film con impronta de Guillermo del Toro, aunque muy lejos de la excelencia de El Laberinto del Fauno. Igual se las ingenia para que los seres extraños aparezcan en el film, configurando una realización de horror con un velado enjuiciamiento a los experimentos de la ingeniería genética. Una pareja de científicos, que encarnan Adrian Brody y Sarah Polley, da vida a una criatura que, en principio, provoca risa y horror. Un muñequito de computadora que nos recuerda a aquéllos pergeñados, con mucha distancia por cierto, para El Señor de los Anillos. La necesidad del matrimonio es criar a ese engendro, luego de fallar con varios pedazos de carne que explotaron en medio de una pelea salpicando de sangre hasta la platea. Es una escena por demás desagradable.

Este ser se llama Dren y se criará como una bella mujer alada que se enamora de su “padre científico”, por lo que se cae en escenas de sexo muy poco creíbles. Por su parte, hay una escena de tortura, la esposa Elsa le corta el aguijón de la cola a la adolescente alada de una manera que nos remite a los documentales sobre los brutales experimentos nazis (tema recurrente en Del Toro).

Un baño de sangre desde comienzo al fin, secuencias poco agradables más que de horror, nos llevan a calificar a este producto de regular porque, si bien tiene un buen elenco, y por eso se salva de “mala”, el guión es cursi, con gags baratos que más que miedo dan asco.Agragamos que "splice" singifica "empalme" y es lo que hacen estos científicos: empalman genes, los unen, los distorsionan.

Elsa Bragato

RANGO, INFIERNO AL VOLANTE 3D, LA REVELACIÓN, ESTRENOS 3 DE MARZO 2011 BUENOS AIRES

JUEVES  3 DE MARZO DEL 2011.

Hay cuatro estrenos en fílmico en la ciudad de Buenos Aires. No comentaremos “Fase 7”, film nacional.

RANGO

De Gore Verbinski. Con Johnny Depp, Isla Fisher, Timothy Olyphant, entre otras voces. Duración: 107 minutos.

MUY BUENA. NOVEDAD EN ANIMACIÓN, SIMPÁTICA LAGARTIJA EN UN WESTERN-HOMENAJE

Es difícil encontrar en el género animación guiones que no caigan en lo ya visto. Son pocos los films animados que nos han impresionado porque no tienen golpes bajos o de fuerte emoción o bien por su creatividad. Rango es una película que nos impresionó y divirtió.

Rango es el nombre de esta lagartija que se ve envuelta en situaciones de cowboys cuando cae, buscando agua, al pueblo de Dirt, donde no hay agua justamente y sus habitantes están desesperados por la sequía, todos ellos animales extraños, vestidos al mejor estilo del farwest.

A Rango lo acompañan, como voces que van narrando sus desventuras y aventuras, cuatro lechuzas que conforman un cuarteto de mariachi, simpático, oportuno, con parlamentos divertidísimos.

Además la misma carita de este animalito nos produce empatía, recordándonos a la ardilla enloquecida por su bellota de la saga La Era del Hielo. Rango se hace el malo, el que puede enfrentar a los peores del pueblo, entre ellos, un “che”, un argentino que es un malevo (buena tipificación, sin burla alguna). La serpiente que es el mal, la tortuga vieja que amenaza a todos a pesar de su pachorra, la niña del pueblo que ve en Rango a un ser especial, y un guiño a los westerns memorables (el reloj que va marcando la hora, por ejemplo, como A la hora señalada), así como un sinfín de desaguisados de Rango que arrancan la genuina risa.

No se la pierdan. No nos queda en claro si el film es para los más chiquitos o bien para los adolescentes pero, es sin duda, una gran película de animación que divierte sin golpes bajos. Nadie se come a nadie, nadie queda huérfano. Y el héroe es un antihéroe que se maneja con buenos sentimientos. Está dentro del estilo de Madagascar o La Era del Hielo o Monsters Inc. Por su guión atractivo y sus parlamentos imperdibles. Tenga o no chicos, vaya y dese el gusto de ver Rango.

Elsa Bragato

INFIERNO AL VOLANTE 3 D

De Patrick Lussier. Con Nicolás Cage, Amber Heard, Billy Burke, entre otros. Duración: 103 minutos.

MALA. CAGE  EN 3D, TACITURNO ASESINO, MÁS DE LO MISMO AMPLIFICADO

La experiencia 3D permite algunos experimentos no del todo finiquitados como Infierno al Volante o Drive Angry, algo así como Enojado al Volante o Conductor Enojado. Nicolás Cage, que debuta en el cine 3D, se pone en el papel de Milton, un abuelo que quiere salvar a su nieta de la muerte a manos de la misma secta que mató a su hija ni bien nació la beba. Enceguecido por la ira, encuentra en su camino a una mesera que sabe más artes marciales que él mismo. Salido del infierno, Milton recorre las carreteras buscando al mandamás de la secta y, mientras tanto, no le hace asco a las balaceras aún haciendo el amor con una rubia infartante que no entiende qué pasa, se resbala de la cama, desnuda, y ofrece un “show de cómic” bien estudiado por el director Lussier, el mismo de Sangriento San Valentín.

Encontramos que la narración es elemental, previsible, que se ha buscado probar el 3D con efectos de computación y se imita mucho al último Tarantino con brazos amputados, piernas destrozadas, balas en los ojos, todas escenas de trazo grueso con tinte de cómic, tal como dijimos más arriba.

Para quienes buscan acción, aquí tienen su película semanal. No es buena en su argumento, tiene personajes muy “maquietas”, es decir, sacados de un “storyboard” muy duro, inflexible. Cage ama este tipo de personajes, y parece que nada hace mella a su carrera mostrándose con un rostro adusto, enojado como en otros films, matando a piacere. Hay escenas de destripes, de explosión de órganos, puentes que se deshacen ni bien pasa el auto de este hombre maldito, mucha computadora y una historia que se deshilacha de a poco. Pero cumple su objetivo de entretener y de taparse los ojos cuando algún órgano revienta por una bala. Usted elige.

Elsa Bragato

LA REVELACIÓN

De John Curran. Con Robert De Niro, Edward Norton, Milla Jovovich, entre otros. Duración: 104 minutos.

REGULAR. HISTORIA QUE SE PIERDE Y ELENCO DESAPROVECHADO

La primera escena, ambientada en la década del 50, pinta de entrada el carácter del protagonista (Edward Norton en el papel de Stone, título en inglés del film ), quien es indiferente y maltrata a su esposa, sometida y hasta intenta arrojar a la pequeña hija por la ventana si ella lo abandona. Extorsión de un perverso.

Hay un pase de tiempo y este mismo personaje aparece como un veterano oficial de justicia a cargo de la redacción del informe que será decisivo para que un juez se expida en la liberación o no de un verborrágico recluso, encarnado por Edward Norton.

El reo había tenido participación en el incendio del hogar donde murieron calcinados sus abuelos.

Hay además un personaje determinante en la historia, y es la esposa del convicto, quien intenta seducir  al oficial de justicia.

Aquí se trastocan los roles de los protagonistas, el convicto se convierte a un pseudomisticismo, su esposa no sabe si ha enamorado o no al oficial o bien si es todo un ardid  y Stone-Robert De Niro saca a relucir una falsa moral religiosa.

El director John Curran (recordar “Al otro lado del mundo”) no supo valerse de tan importante grupo de actores y cayó en un trhiller que se enturbia a medida de que avanza la narración. El comienzo prometía mucho más pero se diluye con largos parlamentos que sacan al espectador del nudo de la trama.

Sí se asiste a la hipocresía religiosa, progresiva, del protagonista, que tampoco cumple con ninguno de los preceptos que dice respetar.

Compensa, en alguna medida, la endeblez del guión la magnífica realización visual, el manejo de los “tempos” con precisión. Un film que nos hace suponer mucho más de entrada y que se queda a mitad de camino.

Carlos Pierre

PREMIOS OSCAR 2011, GANADORES: LA MEJOR FIESTA EN AÑOS Y LA MÁS PREVISIBLE EN LOS PREMIOS OS

Lo mismo ocurrió con el rubro Mejor Actriz: recayó en Natalie Portman por Black Swan, cuando debió caer en manos de Annette Bening o bien de la joven Jennifer Lawrence. En el rubro mejor película extranjera, ganó la favorita de estos últimos meses, el film escandinado En un mundo Mejor, dejando a Biutiful fuera de competencia. En banda sonora, se quebró un poco la previsibilidad y la estatuilla la obtuva Trent Reznor por Red Social, una de las favoritas de la crítica y del público presente en el Teather Kodak de LA. La canción elegida para el premio fue We belong together, de Randy Newman, que tuvo 20 nominaciones y éste fue su segundo Oscar, perteneciente a Toy Story 3, ganadora en el rubro Mejor Film Animado. La actriz secundaria fue Melissa Leo así como el actor secundario, Christian Bale, ambos por El Ganador (The Fighter). Aquí no tenemos objeciones. En cinco rubros técnicos se llevó los premios El Origen, tal como debía ser, mientras que en Vestuario y Arte lo obtuvo Alicia en el País de las Maravillas. 

Abrió el supershow Tom Hanks, uno de los hombres amados por Hollywood y lo cerró su socio y amigo Steven Spielberg. Hanks le dio paso a Kirk Douglas, en uno de los "pases" más emotivos de la noche.

El cierre a cargo de un coro de una escuela neoyorquina volvió a emocionarnos, así como la descontracturada presencia de todos los ganadores de los Oscars en el escenario aplaudiendo al gran auditorio. Un espectáculo maravilloso solo opacado por la falta de coraje a la hora de dar los Oscars. El más ubicado fue el joven actor James Franco, de 127 horas, presentador de la premiación, quien dijo que "no abrigaba esperanzas porque todos sabían ya que el Oscar al mejor actor lo iba a ganar Colin Firth". Finalmente, no pusieron al aire el desagradable videoclip donde Anne Hathaway se burlaba de Eva Perón. Fuera de banderías políticas, no hubiese correspondido un agravio a un personaje de la historia argentina.

BIUTIFUL, 127 HORAS, AMIGOS CON DERECHOS, ESTRENOS 24 FEBRERO, BUENOS AIRES

JUEVES 24 DE FEBRERO DEL 2011.

Hoy hay cinco estrenos en soporte fílmico. No comentamos los documentales Justin Bieber 3D y Dulce Espera, de Laura Linares.

BIUTIFIUL

De Alejandro González Iñárritu. Con Javier Bardem, Maricel Álvarez, entre otros. Música de Gustavo Santaolalla. Duración:  147 minutos.

MUY BUENA. RELATO ASFIXIANTE SOBRE UN BUSCAVIDAS Y SU ENTORNO SOCIO-FAMILIAR

“Biutiful”, vocablo inglés escrito con la fonética castellana, está nominada a los premios Oscar en los rubros mejor película extranjera y mejor actor protagonista. Tiene en su staff una real impronta argentina: los nietos de Armando Bo  en los guiones (Nicolás Giacobone y Armando Bo), la coprotagonista Maricel Álvarez (de reconocida trayectoria teatral), la música de Gustavo Santaolalla (es el compositor que siempre elige González Iñárritu), y Juan Carlos Corazza, actor argentino radicado en España con una importante escuela de teatro, coach de Javier Bardem.

Empezamos por el título: Biutiful (beautiful, que significa “hermoso”) es irónico. Nada de lo que veremos es hermoso sino atroz. González Iñárritu localiza este drama en los bajos fondos de Barcelona, mostrando la patética vida de los inmigrantes ilegales, en este caso senegaleses y chinos.

Javier Bardem es el protagonista de este intenso y extenso drama (necesitó 3 meses de preparación y 5 de rodaje para este personaje), encarnando a un traficante de influencias relacionada con el oscuro destino de los ilegales que son sometidos como mano de obra barata, y deben trabajar en condiciones infrahumanas en talleres de costura. Las “extras” se logran con la venta de drogas en las calles, actividad oscura y peligrosa.

Hay sombras profundas que enrarecen la vida del protagonista aún más: padece un cáncer terminal y está desahuciado. Es divorciado, su ex mujer es bipolar y está preocupado medularmente por el futuro de sus hijos, una niña de 10 años y un varón de 7, a quienes les quiere dejar una buena cantidad de dinero y sus mejores recuerdos como padre.

Reconocemos en González Iñárritu a un realizador nada complaciente, abarcador de situaciones sociales complejas aunque las caras visibles sean pocos protagonistas. Los climas que logra son perfectos.  Por lo tanto, Biutiful no es la excepción y tampoco es un film complaciente, nos muestra sin piedad el sórdido ambiente que rodea la pujante Barcelona, al meternos de lleno en la miseria de los inmigrantes ilegales, manejados por inescrupulosos “dealers”.

La perturbación espiritual en el espectador es la consecuencia directa de este film como de cualquier otro de González Iñárritu, desde sus Amores Perros, del 2000.

La espina dorsal de este largo relato es Javier Bardem, que realiza un protagónico antológico. El film, por su extensión, tiene altibajos, pero es innegable que es un retrato profundo de un submundo urbano, al que no le escapamos en ninguna parte del mundo.

Carlos Pierre

127 HORAS

De Danny Boyle. Con James Franco, Kate Mara, entre otros. Música de de A. R. Rahman. Duración: 94 minutos.

MUY BUENA. RELATO ESTREMECEDOR SOBRE UN HECHO REAL

“127 horas” alcanzó seis nominaciones a los premios Oscar y debería llevarse varios. Está protagonizada por James Franco y nos cuenta el caso de Aron Ralson quien, en el 2003, cayó a una grieta de un cañón de Utah, lugar que solía recorrer con frecuencia y en soledad. James Franco toma el lugar del protagonista de la historia real quien vivió 127 horas de terror, de fuerza mental y de fe hasta ser socorrido. Esa caída en la grieta significó un desafío a la muerte, que Ralson vio cara a cara. Su brazo derecho quedó apretado por un gran peñasco, le quedó menos de media botellita de agua, sus gritos no eran escuchados por los pocos turistas, pero tenía una cámara que le permitió filmar haciendo malabares con el brazo y la mano izquierdos todo lo que le sucedía.

Es un manual de supervivencia, es también un manual de coraje y el espectador no puede permanecer impasible ante escenas muy fuertes e impactantes, acompañadas por una música incidental potente y por una fotografía propia de Boyle, el mismo realizador de la notable Exterminio y de la ya antológica Trainspotting.

Es excelente la perfomance de James Franco que sostiene con su actuación notable un film de 94 minutos. No hay un segundo de respiro para el espectador quien, por momentos, se estremecerá y hasta intentará taparse los ojos. Nos parecen más que merecidas las nominaciones a los premios Oscar. Es un film para personas no impresionables por la crudeza de algunas escenas, que fueron tomadas del hecho real.

Elsa Bragato

AMIGOS CON DERECHOS

De Ivan Reitman. Con Natalie Portman, Ashton Kutcher, Kevin Kline, entre otros. Duración: 107 minutos.

REGULAR. COMEDIETA PREVISIBLE SOBRE EL SEXO SIN COMPROMISO

Hace escasos días comprobamos el esforzado entrenamiento de Natalie Portman como bailarina clásica en Black Swan. Ahora la vimos en un personaje rutinario, sin convicción, encarnando a Emma, una jovencita que no quiere una relación amorosa con compromiso y propone relaciones sexuales a Adam, rol de Ashton Kutcher, un ex compañero de la secundaria, productor de TV y mujeriego, quien acepta gustoso. El gran escollo del joven  es su padre, a cargo de Kevin Klein, desmotivado o haciendo un rol de taquito, quien suele salir con sus ex novias.

El film está bien realizado por lo que podríamos calificarlo de bueno, pero la sucesión de escenas que uno las ve venir, la poca convicción de los actores para moverse en sus roles, nos llevan a ponerle un regular con ganas de “mala”.

Llama la atención en muchos films, incluso argentinos (y hasta en un reality de la TV porteña, no se nos pasó por alto) las escenas de consumo de droga, cuando se prohíbe fumar un cigarrillo común. No entendemos estos dobles mensajes. ¿Hay alguna adicción que sea buena?

En síntesis, la comedia se transforma rápidamente en comedieta. No está mal, no está bien. Anda por un camino trillado. Más de lo mismo, bien realizado. Lástima que Ashton Kutcher esté tan encasillado en niño bonito con poco en la cabeza.

Elsa Bragato

EL CISNE NEGRO, EL GANADOR, PIRAÑAS 3D, DESCONOCIDO, SOY EL NÚMERO 4, ESTRENOS 17 DE FEBRERO, BUENOS AIRES

ESTRENOS DEL JUEVES 17 DE FEBRERO DEL 2011.

EL GANADOR

De David O. Russel. Con Mark Wahlberg, Christian Bale, Amy Adams, Melissa Leo, Jack McGee. Música de Michael Brook. Duración: 115 minutos.

MUY BUENA. HISTORIA CONMOVEDORA, ATRAPANTE DE PRINCIPIO AL FIN

Nominada en 7 rubros a los premios Oscar y ganadora de 2 premios Globos de Oro, El Ganador se basa en una historia real, la del boxeador Micky Ward, campeón de la categoría welter junior de la Federación Mundial de Boxeo.

La vida de este boxeador de Lowell, estado de Massachussetts, es una más de la de tantos hijos de inmigrantes irlandeses que, en medio de una gran pobreza, concurrieron a alguno de los más de 30 centros de entrenamiento de la zona para superar la crisis ocasionada por el cierre de molinos y fábricas.

Pocos fueron los que accedieron al boxeo grande, con mucho esfuerzo y valor. En este caso, dos medio hermanos dignificaron el orgullo del pueblo Lowell. El protagonista, Micky Ward, vivió a la sombra de su hermano mayor, un boxeador fracasado y adicto a las drogas. Sin embargo, en momentos cruciales de la carrera de su hermano salió a entrenarlo y guiarlo. La vida de Micky Ward no fue fácil. Debió superar la férrea tutela de su madre “manager”, y supo salir de su casa y encontrar el amor de su novia.

Esta trama de boxeo, que tiene una vasta genealogía en la cinematografía norteamericana (basta con recordar a Sylvester Stallone y sus Rocky), es una apuesta de calidad del director David O. Russel (Secretos íntimos, Tres reyes, entre otros films), con una pléyade de actores: Marck Wahlberg, Christian Bale (el último Batman), Amy Adams y Melissa Leo. Todos ellos se enfrentan en un duelo actoral de altísimo nivel de principio a fin, manteniendo en vilo al espectador.

Mark Wahlberg, protagonista y productor del film, se preparó durante meses para este rol, la preproducción en sí duró tres años. Es una historia real de superación que está narrada con magia y desarrollo de personajes, con profundidad, con sabiduría. Continúa, además, la tradición de los grandes films sobre boxeo de Hollywood y le imprime un sello imborrable. Imperdible.

Carlos Pierre

SOY EL NÚMERO CUATRO

De D.J.Caruso. Con Diana Agun y Timothy Olyphant, entre otros.

BUENA. ENTRETENIDA CIENCIA FICCIÓN PARA ADOLESCENTES

Estamos frente a un thriller de extraterrestres concebido para los adolescentes. La lucha de los personajes se centra en Ohio. Y el protagonista es el cuarto alien vivo dado que murieron sus congéneres “buenos” en manos de otros aliens “malos”. El número cuatro debe ponerse a salvo yendo de pueblo en pueblo y cambiando de identidad.

Del director de “Paranoia”, D.J. Caruso, el film tiene cierta impronta a la saga Crepúsculo aunque cambie vampiros por extraterrestres o aliens. Encontramos una buena definición entre los roles de los malos, grandotes y feos, y el bueno, un adolescente lindo e idéntido a un terrestre de su edad.

En Ohio encuentra el amor y se siente como en su casa. Por suerte, otro congénere alien se asienta en el mismo lugar y lo ayuda a defenderse.

La historia resulta simpática y atractiva para los chicos aún en edad escolar, y el guión deja una puertita abierta para que se genere una saga, para que exista una película número dos.

Las escenas entre los bandos de extraterrestres son de lograda factura, hay fantásticos saltos marciales de los protagonistas y una variada andanada de efectos especiales, favorecidos por una cada vez más sofisticada tecnología.

Es un film que atrapa, como decíamos, y que hará el placer de los amantes de este género, un thriller de terror impactante, y con personajes que tienen poderes especiales para agregarle una pizca más de emoción y entretenimiento.

Carlos Pierre

PIRAÑA 3D

De Alexandre Aja. Con Elizabeth Shue, Ving Rhames, Jerry O’Connell, Adam Scott, Christopher Lloyd, Richard Dreyfuss, entre otros. Música de Michael Wandmacher. Duración: 88 minutos.

BUENA. ORGÍA DE SANGRE Y TERROR CON PIZCAS DE HUMOR… NEGRO

Aférrese al asiento y dispónganse a disfrutar de un 3D que le mostrará en su cara los tremendos dientes de estas pirañas. El argumento, sin embargo, se apiada del espectador al entrecruzar el terror y el humor, bajando la tensión que provocan estas animaciones perfectas. Todo comienza cuando un súbito temblor submarino libera a estas pirañas de su cueva, mientras un pescador está en las aguas, personaje a cargo de Richard Dreyfuss, vestido exactamente como el rol que hiciera en Tiburón. Es el gancho perfecto para introducirnos en una verdadera orgía de sangre y terror.

El director francés Alexandre Aja es un experto en films de terror y supo imprimirle a este relato sólidos elementos y logra una puesta atractiva, especialmente para los más jóvenes. A las fantásticas y muy bien producidas técnicamente escenas subacuáticas, hay que agregarles el aporte de actores muy interesantes como Elisabeth Shue, recordada por el film “Adiós a Las Vegas” (1995) por el que fuera nominada al Oscar como mejor actriz, y la aparición de Steven McQueen, nieto del muy recordado Steve McQueen, fallecido a temprana edad por un cáncer.

La producción requirió de una gran inversión para lograr tanta tecnología de punta y transformarla en un film entretenido y vistoso, a pesar de la sangre que, cada dos por tres, tiñe de rojo furioso las aguas del lago Victoria Jóvenes estudiantes, un clishé en este género, despreocupados caen en las garras de estas feroces pirañas, deseosas de carne humana fresca.

Estamos frente a un producto ideal para el formato 3D y deja un espacio abierto para continuar con esta saga de pirañas mordedoras y sanguinarias, que son las crías de otras adultas y gigantescas. Para fanáticos del género.

Carlos Pierre

BLACK SWAN O EL CISNE NEGRO

De Darren Aronofsky. Con Natalie Portman, Vincent Caseel, entre otros. Duración

BUENA. “EL LAGO DE LOS CISNES” TRANSFORMADO EN PESADILLA

Aronovsky ingresa al mundo del ballet en el Lincoln Center de New York, que fuera el predio donde se filmó Amor sin Barreras, de la mano de El lago de los Cisnes, un maravilloso ballet de Tchaivosky. E intenta analizar ese argumento a través de un personaje.

El film forma un “tándem” con “El luchador”, que interpretara Mike Rourke. En vez del sudor de los boxeadores veremos el sudor de los bailarines, el trasfondo de la preparación de un ballet, y la perseverancia para llegar a ser una estrella.

Nina está encarnada por Natalie Portman en el papel más exigido de su carrera, dado que le demandó 8 meses de duro entrenamiento físico para mostrarse como bailarina clásica. Y lo logra. He aquí el primer mérito de la película.

El segundo está en una gran secuencia cuando Nina baila como el Cisne Negro, el gran villano del Cisne Blanco o la Reina, según el argumento del tradicional ballet. La transformación de los brazos de Nina-Portman en alas de cisne negro es una maravilla visual.

La idea argumental es el mandato familiar a los hijos de ser exitoso cuando uno no lo ha sido, así como las consecuencias psicológicas en una hija, Nina, de débil temperamento, acuciada por fantasmas psicológicos muy fuertes que le impiden brillar como bailarina.

El desarrollo argumental tiene tres planos: el primero está en el hogar de Nina, el segundo transcurre en el teatro y las exigencias del director del ballet, el tercero es el desenlace que nos presenta una forma de liberación del dolor físico y espiritual.

De principio a fin, la película recurre a todos los clishés: el fantasma psicológico que persigue y que, si miramos, no está, la competencia o rival como contrafigura, la liberación sexual, el enfrentamiento con la madre, la decisión de triunfar o morir. La narración apunta al thriller a través de la pesadilla psicológica lo consigue por momentos, aunque se torna previsible.

Hay una relación lésbica, que fue la presentación de este film, entre  Nina con una compañera del ballet. Marca un momento de ruptura entre la protagonista y la madre.

La actuación de Natalie Portman tiene un enorme mérito por su esforzada preparación. Es notable el nivel alcanzado por la actriz. En cuanto al carácter de Nina, su personaje, tiene tantas debilidades para enfrentar la vida que resulta ser la bailarina que jamás podría pisar un escenario. En su papel, Portman apeló a una mayor gestualidad más que a la convicción.

Por momentos, hay confusión para el espectador: ¿Nina es un “rara avis”, le salen alas o no, es su imaginación, mata o lo sueña, está enamorada o no?  La narración audiovisual falla, recurre a los efectos como señales explicativas, aunque nos regale una bella secuencia con la danza del Cisne Negro y la notable habilidad alcanzada por Portman.

Esta película viene con mucha “venta anticipada”. En realidad, es un plato fuerte para los psicólogos. Y, en definitiva, es un thriller con todas sus convenciones, destacándose la preparación física de Natalie Portman. Esperábamos mucho pero mucho más.

Elsa Bragato

DESCONOCIDO

De Jaume Collet-Serra. Con Liam Neeson, Diane Kruger,

MUY BUENA. UN THRILLER PERFECTO PARA ESTAR

EN VILO

“Desconocido” nos acerca un thriller de ésos que bien pueden considerarse como antológicos por su realización actual, por el tema en sí (un biotécnico), y por las actuaciones. Todo cierra, nada es previsible hasta el desenlace, tal como debe ser.

Atrapante resulta la vida de este hombre biotécnico que encarna Liam Neeson: llega a Berlín del brazo de su esposa para asistir a una conferencia sobre sus investigaciones de la que participará un jeque árabe, filántropo de la Humanidad. Una valija olvidada en el aeropuerto será la excusa para desarrollar una trama apasionante desde principio a fin. Muchos críticos norteamericanos la calificaron como propia del maestro Hitchcock por el entramado perfecto, la tensión creciente y las grandes actuaciones.

Redondo, sin fisuras, es este thriller policial que tiene un toque a Bourne el Ultimatum y mucha modernidad en su concepción, actuación, realización, producción.

No es el primer policial de Liam Neeson, que nos desarma con cada una de sus actuaciones. Seguro, fuerte, sólido, creíble, solo se sabrá realmente qué pasa en esta historia de suspenso sobre el final, y nada se habrá previsto antes.

Desde el director hasta el consabido The End usted tendrá que atarse a la butaca y meterse de lleno en la historia para no sucumbir a sus emociones. Nos apasionó.

Elsa Bragato

EL DISCURSO DEL REY, TEMPLE DE ACERO, EL RITO, ESTRENOS JUEVES 10 FEBRERO 2011

JUEVES 10 DE FEBRERO DEL 2011.

Hay cinco estrenos en fílmico. No comentaremos los dibujos animados “Las aventuras de Sally en busca del pasaje secreto” ni el documental de Julián D’Angiolillo titulado “Hacerme feriante”.

EL DISCURSO DEL REY

De Tom Hooper. Con Colin Firth, Geoffrey Rush, Helena Bonham Cartes, Guy Pearse, entre otros.  Música de Alexandre Desplat. Duración: 118 minutos.

12 NOMINACIONES A LOS PREMIOS OSCAR 2011

MUY BUENA. PARSIMONIOSA Y TEATRAL, CON UN EXCELENTE COLIN FIRTH

Esta realización de Tom Hooper, tan británico como el primer actor Colin Firth, ofrece, además de la consolidación de Hoope como director,, un tema interesante desarrollado dentro de los cánones de una acendrada tradición inglesa. Hooper había abordado hace un tiempo otro tema histórico, con gran repercusión, en la multipremiada “Elizabeth I”, que protagonizaran Hellen Mirren y Jeremy Irons.

En este caso, el film desarrolla la superación de la tartamudez del rey Jorge VI, quien no tenía ganas de llegar al trono. De allí el título. Agregamos que muestra un costado humano de un hombre que debe asumir la corona de su país.

En la superación de esta dificultad es ayudado por un terapeuta poco ortodoxo, un frustrado actor canadiense, a cargo del siempre notable Geoffrey Rush. Este monarca llega a serlo en un momento crucial de la historia mundial, la Segunda Guerra Mundial.

Hay tres elementos argumentales que van atrapando al espectador: el acontecimiento bélico en sí, la tartamudez del rey y el contrapunto que entabla con su singular terapeuta.

Y se establece un duelo actoral excelente entre Colin Firth, como el problematizado rey, y el actor australiano Geoffrey Rush, relación que centraliza los tres elementos argumentales que señalamos. Hay una aparición fugaz de Timothy Spall como W. Churchill y es convincente Helena Bonham Carter como la Reina Isabel.

Podemos establecer también dos momentos en el film: uno, el primero, con cierto tono teatral, y el segundo, con una mayor amplitud visual y escénica, mayor narración cinematográfica en sí, cuando el futuro monarca es coronado como Jorge VI. Tom Hooper incluye también breves pasajes documentales que muestran a Hitler y su aparato bélico, secuencias que suman interés al nudo de la trama.

La música de Alexandre Desplat vuelve a asombrar, adecuándose a los íntimos sucesos que padece el monarca, a la superación de su discapacidad. Curiosamente, se incluyó fragmentos de música alemana como la Séptima Sinfonía de Beethoven, el Réquiem de Brahms, Las Bodas de Fígaro de Mozart y otros fragmentos de Bach, para acentuar los momentos dramáticos o más ceremoniales de la historia.

Estamos ante un film sólido en todos sus aspectos, parsimonioso y teatral por momentos, que no se olvida de Shakespeare cuando el terapeuta juega con su hijo y representan escenas del genial bardo, por ejemplo. British style por donde se lo mire, resulta un producto atractivo por la problemática presentada y la interrelación con el monarca y su problema de habla. Para ver.

Carlos Pierre

TEMPLE DE ACERO

De Joel y Ethan Coen, basada en la novela de Charles Portis (1968). Con Jeff Bridges, Matt Damon, Josh Brolin, Hailee Steinfeld, entre otros. Música de Carter Burwell. Duración: 110 minutos.

10 NOMINACIONES A LOS PREMIOS OSCAR

MUY BUENA. RECUPERACIÓN DEL WESTERN CON UNA EMOTIVA HISTORIA

En 1969 John Wayne, un “cowboy” hecho y derecho, ganó su único Oscar por el film Temple de Acero, diferente a los papeles que había realizado hasta ese momento en el rubro. Muchos críticos norteamericanos consideraron entonces y hoy que Wayne ganó por él mismo y su trayectoria más que por su composición del rudo Rooster Cogburn, ahora encarnado por un notable Jeff Bridges.

Los hermanos Coen, que apelan a versículos bíblicos en la presentación de esta “remake”, le han otorgado a la historia una emotividad que va atrapando de a poco al espectador hasta no soltarlo hasta el final.

Es extraña la sensación: primero, uno se enfrenta al mundo de los cowboys y a una niña de 14 años, en la excelente interpretación de Hailee Steinfeld. Y se piensa que se está frente a un western más, sin tener en cuenta la versión original. Luego, la emotividad del personaje de Bridges y el convencimiento de la joven protagonista de encontrar al asesino de su padre van ganando el corazón. No sin razón y sin manejo cinematográficio: el clima que generan los Coen es subyugante. Y la pequeña historia se transforma en algo grande, que vale la pena seguir.

Hay una composición especial de Jeff Bridges, afeado y grotesco, de su personaje, al que dota de cinismo pero de una inconmensurable ternura y humanidad. Matt Damond acompaña con eficiencia siempre mientras que Steinfeld es una auténtica revelación (como la joven actriz de Lazos de Sangre).

Las balaceras, las escenas fuertes, son el “toque Coen” de que, si quieren, transforman el mítico western en algo más que sangriento. Pero se detienen a tiempo y le permiten jugar a los sentimientos. La secuencia de Bridges con la joven en sus brazos galopando con el corcel negro es apoteótica y arranca el corazón.

Es un film atrapante, emotivo, que supera con creces cualquier idea sobre un clásico de los western. Se vive en el mundo de los cowboys pero se nos regala sentimientos a granel.

Elsa Bragato

EL RITO

De Michael HAfstrom. Con Anthony Hopkins, María Cucinotta, Colin O’Donoghue, Ciaran Hinds, Rutger Hauer, Alice Braga, entre otros. Música de Alex Heffes. Duración: 113 minutos.

BUENA. NUEVA MIRADA SOBRE LOS EXORCISMOS

Dentro del género thriller sobrenatural, enrolamos a El Rito, basado en la novela El Rito y cómo hacer un moderno exorcismo, del italiano Matt Baglio, publicado en el 2009. El director Hafstrom adaptó este cuento que transcurre entre Roma y los Estados Unidos, donde un joven seminarista, a cargo del debutante Colin O’ Donoghue, enfrenta sus dudas para aceptar los votos definitivos como sacerdote. Es enviado a Roma, donde la cámara de Hafstrom se explaya en los interiores poco conocidos de El Vaticano, y debe encontrar a un sacerdote especial, jesuita, encarnado por el siempre vehemente Anthony Hopkins, experto en exorcismo.

El film tiene una primera parte atrapante, que se centra en el joven seminarista y su llegada a Roma, así como su primer encuentro traumático con el jesuita exorcista. Hay que destacar que Hopkins pudo echar mano de su Hannibal Lecter consagratorio pero no recurrió a aquellos tics que, sumados a una actuación descomunal, le valieran el Oscar. La segunda parte se diluye un poco: nos referimos a la etapa en que el seminarista regresa a su país, regresa a Roma y debe enfrentar al Demonio en el cuerpo y alma del jesuita.

Aparece una intrigante periodista pero, en verdad, ningún otro personaje fuera d e los dos centrales aportan elementos sustanciales. Es muy loable la perfomance del joven Donoghue junto al gran Hopkins. Cucinotta está demasiado delgada y es un muy secundario personaje. Y es justo decir también que Colin O’Donoghue, en su primer protagónico en cine, está estático y sin emoción en un papel donde debió transmitir desde incredulidad hasta terror. Raro, cuanto menos.

Decimos que se diluye la fuerza de la historia porque pierde fuerza al resultar reiterativos los exorcismos de los que no se ve mucho “entramado” (no aclaramos por obvias razones). Se pierde fuerza en la indecisión del joven seminarista, se pierde fuerza en el exorcismo al jesuita de Hopkins, aunque es una muy buena secuencia actoral. Hay caídas del argumento, no por elipsis sino por debilitamiento del desarrollo narrativo. No obstante, si desea verla, no saldrá defraudado: verá exorcismos no impactantes pero de práctica habitual, algo poco frecuente de conocer. Y en esta cotidianeidad de los exorcismos reside el principal atractivo del film.

Elsa Bragato

CONOCERÁS AL HOMBRE DE TUS SUEÑOS, EL AVISPÓN VERDE, ESTRENOS JUEVES 3 FEBRERO, BUENOS AIRES

JUEVES 3 DE FEBRERO DEL 2011.

ESTRENOS DE CINE

Hay cuatro estrenos en soporte fílmico. No comentaremos el nacional “Sudor frío” ni “Lazos de Sangre”, nominada a los Oscar.

CONOCERÁS AL HOMBRE DE TUS SUEÑOS

De Woody Allen. Con Anthony Hopkins, Antonio Banderas, Naomí Watts, Josh Brolin, entre otros. Música de la época del swing y fragmentos clásicos. Duración: 98 minutos.

MUY BUENA. ESPEJO ZUMBÓN DE NUESTRAS VIDAS

Algunos críticos del exterior consideran que este film de Woody Allen es “más de lo mismo”. Sin embargo, corresponde a la visión del realizador sobre las relaciones humanas y el cinismo que pueden entrañar.

“Conocerás al hombre de tus sueños” es una de las frases que utilizan las pitonisas del film para embaucar a la crédula clientela. Encomendar nuestro destino a lo que nos promete la fortuna o nuestro débil corazón a terceros “fortunetellers”, es la sinrazón de la gente. Éste es el planteo de esta nueva película de Woody Allen, en tono irónico, que es uno de sus fuertes.

Como es usual en Allen, que tantas veces nos ha desnudado en pantalla o bien nos dio una compasiva palmada por nuestras actitudes, un relator, una voz en off, presenta las secuencias y va desarrollando el rol de cada una de las criaturas que anhelan y tropiezan en la calle de la vida. No podía faltar una frase de Shakespeare que resume la pasión humana como “un montón de furia y ruido…”.

El guión pertenece a W. Allen y lanza al ruedo de la incierta fortuna a cada uno de los personajes sin dejar de lado el desarrollo de cada uno de ellos.

Los ocho actores elegidos para el film, algunos muy consagrados y otros novatos, conforman este cabal entramado que nos despierta una sonrisa y, también, cierta piedad. Anthony Hopkins, Gemma Jones, Pauline Collins, Naomí Watts, Antonio Banderas, Josh Brolin, Lucy Punch (una call-girl deliciosa) y Freida Pinto, a quien conocimos en Slumdog Millonaire.

Como banda sonora, Allen se vuelca, como siempre, al swing, del que es devoto y al que nunca abandona. Agrega fragmentos de Boccherini, Mozart, Donizetti.

Allen lleva realizadas 40 películas y, aún a riesgo de ver historias parecidas, uno suscribe sus producciones antes de conocerlas. Destacamos las actuaciones de Hopkins y de Antonio Banderas.

Es un film para pasarla bien pero también para condolerse porque opera como un espejo zumbón que nos involucra. Por supuesto, nos gustó aunque encontremos reminiscencias de otros films de Woody Allen.

Carlos Pierre

EL AVISPÓN VERDE

De Michel Gondry. Con Seth Rogen, Jay Chow, Christoph Waltz, entre otros. Basado en la serie televisiva de 1966. Música de James Newton Howard. Duración: 119 años.

BUENA. UN BATMAN DEVALUADO AUNQUE SIMPÁTICO

Desde hace años viene dando vueltas el guión de El avispón verde. Finalmente llega al cine en versión 3D, superproducción y buenas actuaciones. Seth Rogen, el protagonista timido de Ligeramente embarazado, surge como héroe protagonista con buena perfomance. Un editor periodístico fallece, su hijo queda a cargo y, como es un inútil, descubre que puede ayudar a los más necesitados en la vía pública. Se vale del chofer de su difunto padre, experto en artes marciales e inventor.

No falta acción, hay un plano secuencia en el desenlace estupendamente filmado, en medio del humo, balaceras, y un ritmo frenético para que el Avispón pueda descubrir al “malo” que no es otro que el galardonado con el Oscar Christoph Waltz. Malos y buenos, como corresponde. Decimos en el título “Batman devaluado” porque este personaje tiene mucho del hombre nocturno, desde buscar un disfraz (avispón verde) hasta defender a los pobres e indefensos. Y es inmediata la comparación.

Hay buenos climas de acción, hay buenas perfomances y no ocultamos que resulta un tanto extraño ver a Seth Rogen como protagonista, papel que cumple con gran solvencia. Para pasar un rato divertido.

Elsa Bragato